Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Cuando hablamos de Jean Becker, no nos estamos refiriendo al típico director de película francesa, sino a un autor que tiene como objetivo en sus largometrajes hacernos pensar y que no salgamos de la sala de proyección igual que hemos entrado.

Cuenta la vida de un cincuentón casi analfabeto, que se reúne todos los días con sus amigos en el bar y al que su vida le cambiará completamente al conocer a Margueritte, una anciana culta, que le transmitirá su amor por la literatura.

La pareja protagonista nos maravilla con sus excelentes interpretaciones. La actriz Gisèle Casadesus proviene del mundo del teatro, y debutó en la ya lejana década de los 30, consiguiendo que nos encariñemos de su personaje. Por otra parte, el gran Gerard Depardieu representa al típico bonachón que da la vida por sus amigos y está bien hasta comiéndose un bocadillo vegetal.

El cineasta francés posee un talento particular para contar historias que consiguen emocionar al espectador. Tanto Conversaciones de mi jardinero (2007) como La fortuna de vivir (1999) aparecen en su filmografía como su mejor carta de presentación. Se trata de relatos cinematográficos que, al igual que Mis tardes con Margueritte (2010), giran en torno a la lealtad entre compañeros, que se entregan generosamente en el empeño de ser fieles los unos a los otros como muestra una escena en la que dos de ellos van a ayudar, a su manera y con falta de delicadeza, a un amigo borracho y deprimido.

De todas formas, el eje central de la historia, se plantea entre un hombre de mediana edad y una entrañable anciana en la que se entremezcla un amor platónico y una profunda amistad, compartiendo su vida a través de lo que deducen de los libros que leen y los problemas que plantean en los mismos son extrapolados a la realidad de Germain (Gerard Depardieu)

Entre los temas importantes del largometraje destaca el desinteresado cariño que el protagonista profesa por su incompetente madre que parece no corresponderle, explicado, especialmente, en el emocionante momento de la muerte de su progenitora. Y es que el amor hacia una madre es un hecho universal que nadie podrá negar.

Por otra parte, la ausencia de la figura paterna refleja una problemática muy actual que se traduce en el aumento en la sociedad postmoderna de las familias monoparentales, donde se generan hijos con ciertas carencias por falta de un referente, en este caso, masculino.

Por último, en esta obra del celuloide, el director parece querer decirnos que el hombre es bueno por naturaleza y lo puede seguir siendo el resto de su vida, aunque algunos compañeros de profesión critican esa falta de mala uva por parte del cineasta.

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

El género de acción es uno de los puntos estratégicos que caracteriza al periodo cinematográfico veraniego. Concretamente, Killers (2010) es una aceptable comedia de un espía muy enamorado.

Robert Luketic, autor de la magnífica Una rubia muy legal (2001) o la patética La cruda realidad (2009), dirige una divertida cinta con dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas recuerda, en cierta medida, al cine clásico de los años cuarenta o cincuenta y si hubiese mantenido el tipo de esa primera parte estaríamos hablando de una notable película, pues las situaciones de humor están muy bien hiladas, explicándonos los tópicos o no tan tópicos sobre las relaciones de pareja. El fondo argumental proporciona elementos de juicio que puedan ayudar a reflexionar sobre las renuncias generosas, en tono positivo, que supone el compromiso matrimonial.

En cambio, en la segunda parte, al realizador se le va de las manos con una serie de escenas de violencia interminable que rompen el tono inicial. El guión se disparata de tal manera que resulta poco convincente, perdiendo la magia de los primeros 50 minutos.

Cambiando de tema, el largometraje guarda ciertos paralelismos con Los padres de ella (2000) y, por supuesto, con la cercana estela dejada por Noche y día (2010), obsequiándonos con claros guiños al cine de espionaje y ofreciéndonos un excelente “publireportaje” de la ciudad de Niza.

El argumento cuenta la vida de Spencer, un espía que se dedica hacer el trabajo sucio de los servicios secretos norteamericanos, que dejará su macabro empleo al encontrarse con la encantadora Jen Kornfeldt. Unos años más tarde, Spencer descubre que alguien lleva siguiéndoles desde hace un tiempo con no buenas intenciones

Por otra parte, Asthon Kutcher es el productor de Killers. Por tanto, todo gira entorno a facilitar el lucimiento del actor que, curiosamente, escribió un guión previo, perfeccionado por un equipo de guionistas. Kutcher nos ofrece un papel de un personaje equilibrado y maduro muy diferente al que le hizo saltar a la fama en la excelente serie, aunque muy “mayo sesentaiochista”, Aquellos maravillosos años 70.

Catherine Heigl interpreta brillantemente a un inocente personaje, mientras que el broche de oro corre a cargo de Tom Selleck, que Kutcher quiso incluir en su producción.

Víctor Alvarado (publicado en diario Ya)

Aunque el cine de ciencia ficción no sea uno de mis géneros favoritos porque no siempre han sido capaces de contar buenas historias, reconozco el poderoso influjo de Origen (2010), que cautivará a todo buen aficionado al cine de calidad.

Este thriller gira entorno a Cobb, interpretado por Leonardo DiCaprio, que dirige a un grupo de investigadores-delincuentes, que desempeñan una extraña misión, consistente en introducirse en el subconsciente de la personas, mientras sueñan, para extraerles la información requerida. El citado Cobb y su equipo quieren acometer su último trabajo en el que tendrán que introducir una idea en la mente del heredero de un gran imperio económico.

La producción viene respaldada por un reparto excepcional. El actor Michael Caine se come la pantalla a pesar de su breve intervención, mientras que dos estrellas surgidas del cine independiente como Ellen Page, la protagonista de Juno (2007), una película que defendía la vida del no nacido y Joseph Gordon-Levitt, el protagonista de (500) días juntos (2009), que tan bien nos explicó el proceso de un noviazgo desde su inicio hasta su ruptura, lo hacen fabulosamente. Éstos secundarios, junto con una actriz que parece sacada del cine clásico como Marion Cotillard, favorecen el lucimiento de DiCaprio, cuya interpretación está llena de matices. Además, dicho actor, últimamente, participa en trabajos que pueden hacer pensar al espectador y se cuentan por éxitos.

Por otra parte, Christopher Nolan ha sido capaz de inventar un relato de ciencia ficción realmente espectacular y si Alfred Hitchcock se sirvió del psicoanálisis para su película Recuerda (1945) o los hermanos Wachoski construyeron Matrix(1999) para hablar de la realidad virtual, el cineasta británico nos cuenta una original historia, recurriendo a algunas referencias de la trilogía de Matrix, al psicoanálisis y al mundo del subconsciente.

Por tanto, el director fabrica una obra onírica en la que varias situaciones ocurren al mismo tiempo, pues el autor trata de recrear un sueños de tres capas que, aunque pueda parecer que se sigue con dificultad, el realizador no pretende liarnos, dejando todo meridianamente claro a pesar de su complejidad.

Por otro lado, este genio de la cinematografía nos hace reflexionar sobre la familia con el viaje emocional que vive el protagonista, que lucha por limpiar su nombre de una falsa acusación de asesinato para recuperar la mirada y el cariño de sus hijos. Y es que el autor trata que sus personajes reciban justicia al igual que ha hecho con el personaje interpretado por Cillian Murphy, el cual bucea en el subconsciente para saber que quería su padre de él, ofreciéndole una propuesta que no dejará indiferentes a los asistentes a las salas de proyección.

Finalmente, en este drama de acción y misterio, como viene siendo habitual en la filmografía de Nolan, sus personajes sufren con el sentimiento de culpa.

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

En una época en la que el cine de animación en tres dimensiones copa las carteleras españolas. Existe una pequeña producción irlandesa, que todavía se atreve con la animación tradicional y nos ofrece una pequeña perla que merece la pena se tenida en cuenta por los valores que transmite.

La historia gira entorno a un monje de 12 años, que vive en la abadía fortificada de Kellls que trata de reforzarse para protegerse del posible ataque de los vikingos en el siglo IX DC. El citado monje, llamado Brendan, se encuentra bajo el amparo del abad, su tío, que le educa con una férrea disciplina, ya que sus padres fueron asesinados.

Tomm Moore ha conseguido llevar a esta obra al lugar más alto en el que podía estar, pues fue nominada a los Óscar 2010, teniendo que enfrentarse a muros infranqueables como Tiana y el sapo (2009) o Up (2009). No obstante, esta diminuta joya ha recibido premios, en festivales repartidos, especialmente, por la geografía Europea como Zagreb, Edimburgo o Dublín.

El autor utiliza una técnica de dibujo muy sencilla, pero original para narrarnos una historia que puede atraer a un público infantil en la que el adulto no se sentirá desplazado porque las sub-tramas que se ofrecen pueden interesar a los más mayores. El misterio que encierra este cuento se centra en una pieza de gran valor artístico como es el libro de Kells, que contiene los cuatro Evangelios.

Por otra parte, este relato cinematográfico trata de explicarnos como era la vida de los pueblos de la edad media. Una época en la que los habitantes de diversas zonas del viejo continente se encontraban resguardados bajo el manto de la Iglesia.

La cinta bebe de las fuentes de la cultura católica combinada con las tradiciones celtas. Sin embargo, al director parece importarle contarnos la influencia de los cristianos en la sociedad irlandesa y como los monjes fueron los encargados de transmitir la cultura durante siglos, presentando unos valores que se oponían a los sanguinarios desmanes de los paganos vikingos.

Víctor Alvarado (publicado en www.pantalla90.es)

En 1972, cuatro de los mejores soldados del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en escaparse del lugar, donde estaban recluidos. Ahora sobreviven como soldados de fortuna. Si tiene algún problema, quizás pueda contratarlos. Pensamos que este fragmento que acaban de leer es la mejor manera de homenajear a una serie que cautivó a los niños de los 80, aunque su adaptación cinematográfica deja mucho que desear porque su resultado final nos parece decepcionante.

En primer lugar, esta cinta mantiene alguno de los comentarios típicos de los personajes como: “Me encanta que los planes salgan bien” o “No pienso subir a este avión”. Por otro lado trata de servirse de la nueva moda que busca los orígenes de personajes populares del mundo de la televisión, del cine o del cómic, olvidándose, en este caso de la esencia del equipo A., que era ayudar a las personas que se encontraban en una situación difícil o comprometida.

En segundo lugar, este largometraje adolece del gran sentido del humor que caracterizó la popular serie, dando la impresión de no llegar al espectador y ofreciendo excesivas dosis de acción desastrosamente rodadas, que provocan más el aturdimiento que el entretenimiento. Además, los guionistas intentan modernizar a los personajes y los relacionan con el manido tema de la guerra de Afganistán, donde se acusa a los militares de corrupción, como cuestionando la política actual americana en el citado conflicto.

Tan sólo Liam Neeson salva este deficiente y aburrido largometraje, en la que la lealtad y el compañerismo tienen mucho que decir.

Por tanto, todos sabemos que las comparaciones son odiosas, sin embargo, ¿para qué ha hecho Joe Carnahan una película, basada en una serie de televisión, si no es para mejorarla?

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)
John Lasseter y su productora se están convirtiendo en unos expertos en despertar sentimientos y en sugerir valores con sus historias, que merecen la pena ser tenidos en cuenta. Nos da la impresión de que esta fábrica de sueños, llamada Pixar, realiza estudios antropológicos con una acertada visión del pensamiento del ser humano antes de inventarse un relato animado que sea fiel a sus principios. Y es que este largometraje refleja una realidad que muchas personas hemos experimentado hacia nuestros juguetes y cómo ha ido evolucionando nuestra relación con ellos. Por cierto, mis juguetes están guardados en una caja para mi futuro hijo.

La cinta gira en torno a los juguetes de Andy que, intuyendo que su dueño se está haciendo mayor y les quiere enviar a una guardería, empiezan a replantearse sus vidas.

Este largometraje está dirigido por Lee Unkrich, que ha partido de varios trabajos de la factoría como Buscando a Nemo (2000). El director consigue mantener la frescura de la primera, contando ideas diferentes a las anteriores, pero sin resultar reiterativas a pesar de girar alrededor del mundo infantil. Su trabajo es excelente y, en algunos aspectos, mejorando a las anteriores, respaldándose en un guión potentísimo de Michael Arndt, que nos ofrece todos los ingredientes para garantizar el éxito.

Las situaciones cómicas creadas son divertidísimas, mientras que las dramáticas tienen mucho sentido y pueden servir para reflexionar sobre la lealtad, la amistad y la familia, destacando la importancia de encontrarse unidos hasta en los peores momentos junto con el miedo a no ser aceptado y sobre los efectos negativos del rencor mantenido a los largo del tiempo.

Por último, les recordamos que no deben perderse el corto anterior a la proyección de Toy story 3 (2010) y la desternillante historia de amor entre Ken y Barbie. Además, la cinta nos obsequia con varios guiños cinematográficos como La gran evasión (1962) o a Mi vecino Totoro (1988), el entrañable personaje del animador japonés Hayao Miyasaki, muy admirado por Lasseter.

Conclusión, tanto padres como hijos no deben perderse este film, que emocionará a unos y entretendrá a los otros.

Víctor Alvarado ( publicado en diarioya.es)

Rodrigo García [Cosas que diría con sólo mirarla (20009)], hijo de Gabriel García Márquez, un escritor que siempre ha apoyado la dictadura castrista, ha escrito y dirigido una cinta con valores opuestos, en cierta medida, a los de su padre, defendiendo el derecho a la vida por encima de todo.

La cinta tiene el sello personal de González de Iñarritu, pues produce una película de esas historias, que se entrecruzan, que tanto gustan al productor y director mejicano.

En general, Rodrigo García intenta hacernos pensar sobre las consecuencias positivas o negativas de entregar a un niño en adopción a juicio del autor, aunque parece poner en duda que sea la mejor decisión. Annette Bening interpreta a una mujer que se siente insatisfecha por haber entregado a su hija en adopción. Un dato que ha supuesto que en una crítica en hispanidad.com se plantease que la película hubiese sido redonda, si se hubiese atrevido a tratar el tema del síndrome post aborto. Un argumento con el que coincidimos plenamente.

Entre las virtudes de este film se encuentra la inocencia de los personajes más jóvenes como la niña ciega que reflexiona sobre la vida, destacando que en la mujer embarazada hay una persona dentro de otra persona. Otra jovencita habla de su experiencia de fe que trata de transmitir a sus familiares y, a la vez, refleja la cultura cristiana propia de la comunidad hispanoamericana de los Estados Unidos.

Otro punto luminoso de Madres e hijas (2009) es la actitud respetuosa del cineasta con respecto a las creencias religiosas y a las instituciones del Iglesia católica.

El problema es que Rodrigo García presenta este relato desde una óptica femenina en la que los hombres pintan poco en las decisiones importantes a pesar de que dos de los tres personajes masculinos intentan tomar decisiones maduras para tratar de solucionar los inconvenientes que pueden surgir a lo largo de la historia.

Por otra parte, el director, en el tratamiento de las escenas de cama, parece alabar, en un principio, al hedonismo puro y duro. Sin embargo, muestra una actitud crítica frente a ese comportamiento porque se deja claro que no proporciona la felicidad y destruye a los que se encuentran a su alrededor. No obstante, destaca positivamente la decisión final del personaje interpretado por Naomi Watts a pesar de su absoluta independencia.

Como conclusión, podrás estar más o menos de acuerdo con alguno de los planteamientos ideológicos del realizador, pero queda claro que busca proteger al no nacido, dándole la oportunidad de forjarse su propio futuro