Análisis del  cómic:  Fénix  de Osamu Tezuka  de Planeta DeAgostini Cómics (sello Trazado)

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Incluye la crítica: El gran Gatsby

Análisis del  cómic:  Fénix  de Osamu Tezuka  de Planeta DeAgostini Cómics (sello Trazado)

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Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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¿Fue una venganza de Scott Fitzgerald hacia una antigua novia?

¿Retrata el modo de vida superficial de esa época?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic: Un viajero misterioso (Archivos de Steve Ditko) Vol 3

Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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El cine de los hermanos Dardenne parece que está creando escuela porque el cineasta holandés, Boudewijns Koole, autor de Kawboy (2012), da la impresión de estar siguiendo sus pasos, aunque su cine de denuncia social es menos amargo y algo más positivo.

Jojo es uno niño de 10 años, que vive sólo con su padre alcohólico, pues su madre les ha abandonado. Este chaval evolucionará como persona, cuidando a un pájaro a escondidas de su progenitor.

El citado director ha ganado el Premio de la Juventud y el Premio al Descubrimiento Europeo del Año en los Premios del Cine Europeo. Demuestra que con muy pocos medios se puede hacer una buena película. Utiliza escenarios naturalistas, tratando de ser lo más realista posible. Los diálogos no son demasiado abundantes (quizás este sea su punto más débil), pero su corto metraje y las imágenes compensan ese defecto. La banda sonora es muy pegadiza y la canción final va en consonancia con lo que el realizador propone.

El mayor peso dramático recae en un jovencísimo actor muy espontáneo en apariencia como Rick Lens, cuya interpretación refleja el modo de sentir de la infancia ante los problemas de la vida; es decir, siempre encuentran un hueco para relativizar su sufrimiento. Su acercamiento recuerda al truffaut más tierno de La piel dura (1976).

Este largometraje es un canto a la naturaleza y, aunque no creo que sea la intención del autor, se puede caer en el error de igualar a los animales al mismo nivel de las personas. El cineasta ha querido explicar a través de una metáfora, en la que vemos como una persona crece, madura y supera la pérdida de un ser querido gracias al cuidado de una mascota, como las personas afrontan los obstáculos de la vida, así como el modo en el que al volcarnos en los demás, nos convertimos en mejores personas. Por tanto, Boudewijns Koole ha intentado ofrecer una esperanzadora visión del ser humano que, tras superar el duelo por la pérdida de un ser querido, es capaz de ver la vida con optimismo, resurgiendo de las cenizas, mediante un abrazo que lo dice absolutamente todo.

Si tuviera que elegir una escena de la cinta, me quedaría con el poético encuentro de esa pareja de pre-adolescentes en la plantación de cebada por el profundo significado sobre el compromiso que ofrece.

Incluye la crítica:  Objetivo: La Casa Blanca y Kawboy

Análisis de los  cómic: Un viajero misterioso (Archivos de Steve Ditko) Vol 3 y  Una bala en la cabeza de Wilson y Matz (Ed. Bolsillo)

Entrevista de Víctor Alvarado  a  Juan Antonio Pérez-Foncea, autor de El Héroe del Caribe (Ed. Libros Libres )

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¿Por qué son tan importantes los abrazos en esta película?

Crítica de Víctor Alvarado

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Casi con toda seguridad, han escuchado alguna vez la expresión: la realidad supera a la ficción, pues El impostor (2013) es una mezcla de recreación ficticia y documental, donde ficción y realidad se confunden.

Este falso documental nos explica como Frédéric Bordin a sus veintitrés años suplantó la identidad de un chaval de dieciséis años estadounidense, desaparecido tres años atrás. Este tipo de delito es muy habitual en ese inmenso y poblado país, aunque este hecho llegó a unos límites insospechados. Este individuo estuvo seis años en la cárcel por perjurio y documentación falsa. Sin embargo, no escarmentó porque cuando regresó a Francia, hizo exactamente la misma operación.

La dirección corre a cargo de Bart Layton, ganador del Bafta al Mejor Debut Británico, que consigue atrapar al espectador con un formato poco atractivo, pero cargado de giros argumentales más propios de un guión cinematográfico que de la vida misma, siendo capaz de sacarnos una sonrisa a pesar de la gravedad del hecho en cuestión. La verdad es que el suspense se mantiene hasta el final. El cineasta ha tratado de innovar y lo consigue a medias porque, por un lado, se gana al público con una historia atractiva con lo difícil que resulta y, por otro, pensamos que un formato de esas características no puede durar noventa y ocho minutos (tal vez,demasiado).

Como habrá podido imaginar, la producción combina testimonios de personas que lo padecieron junto actores como Adam O’Brian y Anna Ruben, que interpretan tan bien sus papeles, que no es fácil distinguir los unos de los otros.

El impostor puede servir para reflexionar sobre la necesidad de amor y de sentirse querido. Sorprende como la búsqueda de ese cariño, aunque parta de una patraña, puede llevar a una persona a hacerse pasar por otra persona para poder encontrar lo que nunca había tenido. Familia (1996), relacionada de algún modo con esta producción, sirvió para que Fernando León de Aranoa se sacase de la manga una cinta sobre un hombre que contrata una serie de actores para que creasen una familia donde el protagonista pudiera cobijarse, lo que nos da pie a relacionarla con el film en cuestión en la idea de que todos los hombres comprenden que la familia tradicional es el lugar para alcanzar la ansiada felicidad.

A modo de conclusión, este cineasta nos puede ayudar a pensar las consecuencias de vivir en una mentira constante.

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¿Que anécdotas tuvo el rodaje?

¿Quién diseño el maquillaje del Liza Minnelli?

Comentario de Irene de Alba y  Víctor Alvarado.

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¿Cómo están Morgan Freeman, Aaron Eackhart y Gerald Butler?

¿Qué personajes defienden los valores de occidente?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic: Steven Canyon  Vol. 1 de Milton Caniff (Ediciones Kraken)

Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica:  El impostor y 7 cajas

Análisis del cómic: Steven Canyon  Vol. 1 de Milton Caniff (Ediciones Kraken)

Especial Hirokazu Koreeda

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Bart Layton consigue hacernos reflexionar sobre las consecuencias de la mentira?

Crítica de Víctor Alvarado

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¿Cuáles son las virtudes de los directores: Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori?

¿Las decisiones más importantes se toman a la luz de la trascendencia?

Crítica de Víctor Alvarado

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En él se cuenta como un carretillero de Mercado 4 de Asunción debe transportar una misteriosa mercancía para poder recibir un billete de cien dólares, que le permita comprarse un móvil. El trabajo parece fácil. Sin embargo, el tema se complica porque una gran cantidad de personas le persiguen sin un motivo aparente.

 
La dirección corre a cargo de dos expertos en el cortometraje como Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, que debutan con 7 cajas, demostrando que, con muy pocos medios, se puede hacer un thriller en toda regla. Las fuentes de inspiración de Maneglia son Tarantino, Brian de Palma, los hermanos Coen y Alfred Hitchcock. El largometraje mantiene siempre el ritmo porque en el momento en el que la intriga decae el humor blanco o negro le toma el relevo. Quien esté acostumbrado a las espectaculares escenas de acción del cine americano puede quedar decepcionado, pero estos directores tienen la virtud de que esas escenas, aunque más simples, sean más realistas sin perder en calidad, con lo que el espectador puede sentirse más identificado con los personajes. El único punto negativo es que está subtitulada, ya que el castellano que se utiliza no es muy ortodoxo y algunos personajes usan un idioma propio de la población indígena, el guaraní.

 
Los actores protagonistas están realmente bien. Celso Franco y Lali González, a pesar de su juventud, han sido capaces de transmitir la tensión propia de un thriller con fuertes dosis de suspense. La historia de amor nos parece sencilla, entrañable, tierna y de profundo significado, aunque no forma parte de la trama principal.

 
Desde un punto de vista antropológico llama la atención la escena de la capilla porque la decisión más importante se toma a la luz de la trascendencia cuando los protagonistas se acercan a rezarle a la Virgen María, un detalle lógico de un país de amplia tradición católica. En un segundo plano, los realizadores no han desaprovechado la oportunidad para hacer cine de denuncia social, explicando el modo de vivir y la miseria de un barrio marginal del citado país hispanoamericano(Publicado en Diario Ya).

Análisis del cómic: The Ultimates: Vengadores (Ed.Panini Comic)

Dirigido por Víctor Alvarado

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Incluye la crítica:  Iroman 3

Análisis del cómic: The Ultimates: Vengadores (Panini Comics)

Entrevista a Francesc Miralles Cineterapia: 35 películas para mejorar tu vida (Ed. Oniro)

Dirigido por Víctor Alvarado

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Seguramente, Stan Lee, creador del universo Marvel, nunca se hubiera imaginado que los cómics, que se sacó de la manga en La Casa de las Ideas, darían tan buenos resultados económicos a nivel cinematográfico. Además, parecía imposible que lo pudiera conseguir con un personaje como El hombre de hierro menos carismático que otros de la compañía, pero la verdad es que no se le ha dado muy mal el tema cuando la semana pasada se estrenó, la que podría ser definitiva para completar la trilogía. Iroman 3 es la mejor de todas ellas con diferencia.

John Favreau, que había dirigido las dos anteriores, se ha pasado al mundo de la producción con lo que controla de algún modo la película, cediendo la dirección a Shame Black, autor de El último boy scout y El último gran héroe, estos títulos redundantes auguran que pueda tratarse del episodio final de este superhéroe, que esconde un secreto que se revela en este capítulo de la saga. Por otro lado, tanto la segunda como la tercera parte hacen referencia al trascendente cómic: Iroman, El demonio en una botella, escrito por David Michelinie y dibujado por John Romita Jr. en 1979 en la que se desvelan detalles de un Tony Stark con ganas de convertirse en un admirado científico, mujeriego y que ahoga sus penas en el alcohol, aunque en este largometraje se resalta la ansiedad que le genera no saber situarse en el mundo.

Robert Downey Jr. le pone el toque irónico y superficial que caracteriza al personaje, jugando al doble sentido para que pueda ser entendida de modo distinto por adolescentes y por adultos, aunque un par de veces se podría haber sido más elegante al saber que estamos ante un género muy atractivo para los más jóvenes, mientras que Ben Kingsley y Jon Favreau acompañan con su humor al protagonista. Sin embargo, esta cinta se introduce en la mente de Tony Stark, pues este hombre aparece descentrado, pero paso a paso irá descubriendo cuál es su auténtica vocación de ese don para construir y el servicio que puede hacer a la sociedad su talento. No obstante, esa llamada no tiene la profundidad de otros miembros Marvel como Spiderman o Daredevil. La historia de amor entre Tony y Pepper (Gwyneth Patrol) llega a ser épica y esa exageración resalta el significado de la relación entre dos personas que se quieren todos los días de su vida tanto en los momentos de prosperidad como en la adversidad, explicando lo que se debe limar para que una relación de pareja funcione. Con respecto a ese punto es importante no olvidar la nobleza del que es consciente de sus errores y pide perdón.

Por último, este largometraje puede servir para reflexionar sobre cuáles deben ser los límites de la ciencia, así como el hacer buen uso de los avances tecnológicos. (Publicado en Paginasdigital)

¿Qué beneficios proporciona reconocer que uno se ha equivocado?

¿La ética debe cuestionar a la ciencia?

¿Estamos ante la mejor parte de las tres?

Crítica de Víctor Alvarado

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Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica:  Tierra prometida y Bárbara

Análisis del cómic: Polly y los piratas de Ted Naifeh (Ed. Dibbuks)

Entrevista a Manuel Guerra, autor del libro: Masonería, política y religión (Ed. Sekotia)

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿El personaje de Nina Hoss expresa con naturalidad el dilema moral entre alcanzar la libertad y encontrar el amor verdadero?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic: Dick Tracy de Chester Gould-Volumen Cuatro (Norma Editorial).

Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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¿Consigue Gus Van Sant explicarnos lo que significa actuar honestamente?

¿Qué nos parecen las interpretaciones de Frances McDormand y Matt Damon?

Crítica de Víctor Alvarado

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La roadmovie es un género típicamente americano. Entre la filmografía estadounidense existen bastantes películas que se desarrollan en una carretera. Easy rider, Un mundo perfecto, Thelma y Louise y Pequeña Miss Sunsine pueden ser cuatro ejemplos de lo que queremos decir.
Sal Paradise es un joven autor norteamericano que busca nuevas experiencias que le permitan ampliar el arco de historias sobre las que suele escribir. Para ello, viajará con una joven pareja liberal con la que vivirá momentos que le marcarán para siempre.

On the road es una adaptación de la novela de Jack Kerouac, En el camino, y está dirigida por el brasileño Walter Salles, conocido por Diarios de motocicleta y Estación central de Brasil. Como dato curioso, hace varias décadas que Francis Ford Coppola compró los derechos de esta novela. Sin embargo, después de muchas vicisitudes, el mítico cineasta de la trilogía de El padrino, concedió ese honor al citado cineasta latinoamericano. El trabajo realizado por el director con los intérpretes (Sam Riley, Garrett Hendlund y Kristen Stewart) nos parece razonablemente positivo, resultando sus actuaciones más que interesantes para comprender el modo de pensar de algunos intelectuales de la época contrarios a los valores del New Deal. El cineasta se recrea en la fotografía y en las escenas relacionadas con la el sexo y las drogas que reflejan la moral de esas personas con respecto a esos temas, pero llegando a ser demasiado explícito y reiterativo. La cinta dura 139 minutos, aunque pensamos que 90 minutos hubieran sido más que suficientes.

Esta producción es muy dura, expresando como vivían los miembros de la generación Beat (Un grupo de personas del mundo de la cultura, rebeldes, contrarios a los valores tradicionales, partidarios de las drogas y del libertinaje sexual, cercanos a las religiones orientales…), que fueron el germen para que en los años posteriores surgiera el movimiento Hippie.

No nos queda claro si Walter Salles ha querido ser crítico o no con ese grupo de escritores, aunque tenemos la impresión de que no es muy partidario, ya que no deja a los protagonistas en muy buen lugar (El film ofrece situaciones en las que vemos tríos, cuartetos no precisamente de póquer, desfasando a base de estupefacientes). Desde luego, este relato sirve para hacernos pensar sobre las consecuencias negativas de actuar al margen de unos valores y la educación recibida. Los personajes secundarios como la madre católica de Sal y el cantante de Country actúan como la voz de la conciencia de los principales. La escena más significativa de a lo que nos estamos refiriendo es aquella en la que Mary Lou, degradada como persona, llora arrepentida de haber tenido un comportamiento inapropiado gracias a una canción crítica con quien rompe la magia y acaba con la inocencia del enamoramiento al ir demasiado deprisa o sin escuchar la voz de nuestro corazón.

Darth Vader e Hijo de Jeffrey Brown (Ed. Planeta Deagostini)

Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica:  On the road y Oblivion

Análisis de los cómic: Dick Tracy de Chester Gould-Volumen Cuatro (Norma Editorial) y Darth Vader e Hijo de Jeffrey Brown (Ed. Planeta Deagostini)

Especial Festival de Cannes 2013

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Qué consecuencias tiene para los personajes interpretados por Sam Riley, Garrett Hedlund y Kristen Stewart sus comportamientos incorrectos?

Crítica de Víctor Alvarado

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Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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Gracias a la mejora considerable de los efectos especiales, el mundo de la ciencia ficción se está llevando a la gran pantalla en multitud de ocasiones. Oblivion (2013) es uno de los estrenos más potentes del año en lo que a cintas de esta temática se refiere, aunque en los próximos meses nos tropezaremos con varias de ellas.

Después de una larga lucha entre humanos y extraterrestres, Jack Harper será el técnico encargado de extraer todos los recursos naturales para enviarlos a Titán, un lugar, donde van todos los supervivientes de esa guerra. Todo transcurre con la normalidad o monotonía habitual hasta que una nave se estrella junto a una zona prohibida en la que se encontrará con una persona que hará tambalear toda su existencia.

Joseph Kosinski, conocido por TRON: Legacy, adapta una novela gráfica que él mismo dibujó ocho años atrás y que autopublicó en el Comic Con de San Diego con tan sólo mil ejemplares. El resultado, sin ser maravilloso, es razonablemente bueno, estando cargado de guiños a otras producciones como Wall-e, Matrix, La guerra de las galaxias, Terminator, La fuga de Logan o Alien. De todas formas, puede verse como un refrito de todas ellas. La principal virtud, que la hace distinta a las demás, es que ha sido filmada a plena luz del día en Islandia, aprovechando el solsticio de verano, lo que le permitió rodar durante 22 horas al día, un detalle que se agradece, pues siempre he criticado la oscuridad de todas esas cintas futuristas.

Este largometraje ha contado con la doblemente oscarizada Melissa Leo y el consolidado Morgan Freeman como secundarios, mientras que los papeles protagonistas recaen en la guapa Olga Kurylenko y un Tom Cruise, que actúa, produce, da volteretas, hace piruetas, pilota y pelea sin despeinarse, es decir; ha creado un personaje a su medida, diseñado para arrasar en taquilla, ya que este hombre sabe lo que se trae entre manos y conoce los verdaderos gustos del público.

Finalmente, otro mérito del cineasta ha sido, indudablemente, el haber contrarrestado la frialdad que caracteriza a ese género con una pizca de calor humano. Unas pequeñas pinceladas esquemáticas sirven para que reflexionemos sobre el significado de amar a alguien y el compromiso que conlleva. Sin embargo, no sé queda ahí, sino que habla de la importancia de la lectura para evitar que los poderosos nos manejen a su antojo y para recordar quienes somos. También, se deja entrever como la creencia en un alma nos permite afrontar la vida de un modo distinto.

¿Esta película, dirigida por Joseph Kosinski, se basa en un cómic?

¿Estamos ante un homenaje a otros largometrajes o se trata de un refrito de todas ellas?

¿Reflexiona sobre el valor del compromiso?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic: 1 or W de  Rumiko Takahashi (Ed. Glénat).

Reseña radiofónica: Víctor Alvarado

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Incluye la crítica:  Tesis sobre un homicidio y October Baby

Análisis de los cómic: The golden age of DC COMICS de Paul Levitz (Ed. Taschen) y 1 or W de  Rumiko Takahashi (Ed. Glénat)

Especial Frank Capra

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Qué sentido tiene el valor del perdón?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic:  V de Vendetta de Alan Moore y David Lloyd [Ed. ECC (Sello Vértigo)]

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Qué nos parecen las actuaciones de Ricardo Darín y Alberto Ammann?

Crítica de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica:  For Greater Glory y Grandes esperanzas

Análisis del cómic:  V de Vendetta de Alan Moore y David Lloyd [Ed. ECC (Sello Vértigo)]

Entrevista  a Eduardo Verátegui que ha venido a promocionar la película: For Greater Glory (Cristiada).

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿El personaje de Andy García evoluciona positivamente?

¿Puede un especialista en efectos especiales como Dean Wright dirigir una buena película?

Crítica de Víctor Alvarado

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¿Qué personaje entiende el mejor modo de alcanzar la felicidad?

¿La interpretación de Helena Bonham Carter es muy burtoniana?

Crítica de Víctor Alvarado

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Charles Dickens es una de las más importantes figuras de la literatura universal del siglo XIX. Sus obras han recibido multitud de adaptaciones cinematográficas, sobre todo, su célebre cuento de Navidad. En esta ocasión, la BBC nos ha dado la oportunidad de conocer una de sus creaciones más personales, según los expertos en el tema, ofreciéndonos la cuarta versión de Grandes esperanzas.

Esta película cuenta las peripecias de Pip, un chico de campo, que ayuda a un delincuente hambriento, que se encuentra en una situación desesperada. Este generoso gesto será recompensado por el citado ladrón, que intentará redimirse, colaborando con una asignación económica para que ese muchacho se convierta en un caballero y conquiste al amor de su vida.

Mike Newell, conocido por sus trabajos en Cuatro bodas y funeral, La sonrisa de Mona Lisa y por Harry Potter y el cáliz de fuego, se ha atrevido con todo un clásico, intentando ser fiel al estilo “dickensiano”, tratando de explicar las notables diferencias sociales como consecuencia de la revolución industrial. No nos ha parecido mal su fidelidad, pero creemos que debía haber pensado más en el espectador, ya que Grandes esperanzas (2012) carece de dinamismo y, probablemente, habrá reflejado el modo de vivir de la época. Sin embargo, la iluminación deja mucho que desear y tanta oscuridad termina por resultar insoportable, quitándole enteros, que no le permiten superar el aprobado, aunque los giros argumentales te permiten mantener el interés a ratos.

El reparto está compuesto por Jeremy Irvine, recordado por su trabajo en War horse, Ralph Fiennes y una irritante Helena Bonham Carter que más que un personaje del escritor, recuerda a cualquiera de sus participaciones en las películas de Tim Burton.

Esta producción se sustenta en una serie de valores universales y perfectamente entendibles para la inmensa mayoría de los habitantes del planeta. Llama la atención la sencilla manera en la que los comensales bendicen la mesa. El personaje que encarna Ralph Fiennes se ve reflejado en el chico y se supera a sí mismo, convirtiéndose en el padre adoptivo de ese muchacho.
Tampoco nos podemos olvidar de que esta cinta conserva la esencia del autor, mediante un mensaje que propone romper las barreras de una sociedad como la británica en la que las clases sociales estaban y están tan marcadas. No obstante si me tuviera que quedar con alguna escena, elegiría los momentos en los que aparece el cuñado y amigo del protagonista, pues es el que tiene más claro, donde se encuentra la verdadera felicidad, que no está en lo material, sino en algo más profundo como la amistad sincera sin prejuicios de ningún tipo.(publicado en paginas digital)

Dirigido por Víctor Alvarado

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Entrevista a Juan Tejero, autor de libro: Cult movies.  Las películas de nuestra vida (T&B editores).

Análisis del cómic: Daredevil, el hombre sin miedo. María Tifoidea (Ed. Panini comics).

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Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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Se trata del primer libro de estas características.

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Incluye la crítica: Anna Karenina

Análisis del cómic: Theodore Poussin (El intregral 3)de Frank Le Gall (Ed. Planeta DeAgostini)

Entrevista  a Guillermo Balmori, coautor del libro: Enciclopedia Ilustrada de las Estrellas (Notorious Ediciones)

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Ha hecho Keira Knightley una buena interpretación de su personaje?

¿Es una buena crítica de la aristocracia rusa?

Crítica de Víctor Alvarado

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Reseña radiofónica de Víctor Alvarado

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Las grandes historias de amor que más éxito han tenido en el cine han sido como producto de una infidelidad. Si no nos creen, piensen en Casablanca (Michael Curtiz), Memorias de África (Sidney Pollack) protagonizada por Meryl Streep y Robert Redford o el inolvidable encuentro entre Clint Eastwood y Meryl Streep en Los Puentes de Madison (Clint Eastwood). Aprovechando este filón de oro, el director, Joe Wright, todo un experto en el cine de época como demostró con Orgullo y prejuicio (2005) o Expiación. Más allá de la pasión (2007), nos ofrece todo un clásico de la literatura universal, aunque con matices diferenciadores.

La historia esta ambientada en el siglo XIX, donde conoceremos la vida social y amorosa de la aristocracia Rusa. En ella veremos la vida del matrimonio formado por un alto cargo político y su esposa, en la que todo parece desarrollarse de modo satisfactorio hasta la aparición de un militar que encandilará a esta mujer con la que mantendrá una apasionada relación a la espalda de su marido.

Anna Karenina (2012) es la enésima adaptación de la obra de León Tolstoi. Varias actrices de primera línea tuvieron la oportunidad o el privilegio de interpretar semejante personaje entre las que destacaron Greta Garbo, Vivien Leigh o Sophie Marceau. El cineasta ha contado con su actriz fetiche, Keira Knightley que, si la comparamos con otras de sus interpretaciones, percibimos su evolución porque antes me parecía más insípida. La réplica se la da Jude Law y Aaron Taylor-Johnson, que completa el triángulo.

Desde un punto de vista técnico y artístico, nos parecen maravillosas las coreografías iniciales, tipo musical, para presentar a los personajes como si de una obra de teatro con muchos medios se tratara y, especialmente, las transiciones entre escena y escena nos parecen muy atractivas, así como la magnífica iluminación de las escenas más empalagosas. Por otra parte, la película ofrece una primera parte más floja, mientras que la segunda gana bastante en interés.

La cinta reflexiona sobre la hipocresía en esos ambientes que toleraba la doble vida y se burlaba de la felicidad en el matrimonio. Anna Karenina (2012) presenta dos historias de amor completamente distintas. La primera está formada por el trío protagonista, donde el cineasta se muestra crítico con el desliz, presentando a la víctima como un hombre bueno, coherente, religioso y que defiende la vida, aunque no le toque. La otra historia busca el amor sincero y nos quedamos con las escena de los juegos de mesa por su belleza y originalidad, siendo de esas que quedarán para la posteridad, al menos, en mi retina.

Crítica de Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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Diversos cineastas del panorama internacional han tratado de dar su particular punto de vista de las matanzas de Nanjing (Ej: Ciudad de vida y muerte) entre japoneses y chinos en La Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, probablemente, Las flores de la guerra (2011), sin negar la crudeza y la brutalidad de un enfrentamiento armado, pues la película es muy dura, ofrece un mensaje positivo del ser humano. Además, parece un homenaje a Siete mujeres de John Ford.

Zhang Yimou es un director capaz de obsequiarnos con lo más sublime (Ni uno menos, Amor bajo el espino blanco o mi favorita, Camino a casa, que es un homenaje a los miles de maestros, que han intentado educar y formar a sus alumnos) o con lo más intranscendente como las cintas de artes marciales como La casa de la dagas voladoras. El cineasta ha adaptado una novela de Yan Geling, basada en hechos reales, que cuenta como un empleado de una funeraria se hará pasar por sacerdote para salvar el pellejo, escondiéndose en la catedral de Nanjing, donde se encuentran refugiadas un grupo de colegialas. En ese lugar, este individuo utilizará su ingenio para intentar sacar de allí a este grupo de estudiantes católicas. Estas chicas tendrán que convivir con un grupo de prostitutas que se cuelan en ese lugar, huyendo del fuego cruzado entre nipones y chinos.

El citado largometraje se ha convertido en el más taquillero de China. Tal vez se deba al acierto de haber contado con uno de los mejores actores de los últimos años. Christian Bale (La trilogía de Batman) está soberbio y su personaje sirve para contar una gran historia de redención, que demuestra como Dios se hace presente en nuestras vidas en los momentos en los que más lo necesitamos.

Cambiando de tema, Zhang Yimou ha sido capaz de contar una obra maestra con un buen ritmo, algo no muy habitual en su filmografía con unos diálogos bastante profundos que permiten conocer detalles de cómo han llegado a una determinada situación algunos de los personajes.

La película reflexiona sobre el sacrificio sin buscar nada a cambio. Esta producción está plagada de escenas que te tocan el corazón, dando motivos para la esperanza, defendiendo la dignidad del ser humano al mostrar la crudeza de la guerra con la que se muestra crítico por un lado, y por otro lado al reconocer que la vida es un don sagrado que está en manos de la Providencia. El valor de la paternidad sacerdotal ha sido magníficamente retratado en la lealtad y gratitud de un muchacho a la persona que lo salvó; lo acogió, lo educó y le transmitió la fe. Si me tuviese que quedar con una escena que la verdad es que es difícil, destacaría la escena en la que un soldado se inmola, por su valor metafórico.

Conclusión, para entender este relato cinematográfico seria necesario cambiar el conocido refrán: El hábito no hace al monje, pero ayuda, por: El hábito puede ayudar al que no es monje. (publicado en el Diario Ya)

¿Tiene sentido el sacrificio sin buscar nada a cambio?

¿El hábito puede ayudar al que no es monje?

¿Estamos ante la obra cumbre de Zhang Yimou?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic: Furari de Jiro Taniguchi (Ed. Ponent Mon)

Reseña  de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica: Hansel y Gretel: Cazadores de brujas

Análisis del cómic: Furari de Jiro Taniguchi (Ed. Ponent Mon)

Entrevista  de Víctor Alvarado a Juan Eslava Galán, autor de los libros Últimas pasiones del caballero Almafiera (Ed Planeta) y Ciudades de la Bética (Fundación José Manuel  Lara)

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Es la mejor película de Sam Wood?

¿Por qué los hermanos Marx alargaban unas escenas más que otras? ¿Se hacían en esa época test de público?

Comentario de Víctor Alvarado e Irene de Alba

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Análisis del cómic: All Star Superman de Frank Quitely y Grant Morrison (ECC ediciones)

Comentario de Víctor Alvarado

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¿Merece la pena?

Crítica de Víctor Alvarado

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En los últimos años, los guionistas de Hollywood le están dando la vuelta a historias absurdas, relacionadas con personajes históricos, como es el caso de Abraham Lincoln: Cazador de vampiros, pero, sobre todo y fundamentalmente, se están haciendo muchas versiones de los cuentos clásicos que contamos a nuestros hijos y nietos, a veces, incluso desvirtuando el mensaje como es el caso de Caperucita roja, protagonizada por Amanda Seyfried o las tres versiones que se han hecho sobre Blancanieves. Mi preferida es la española de Pablo Berger, aunque no pertenece a la meca del cine, pero le auguramos un futuro prometedor al otro lado del charco.

Esta introducción me da pie a analizar aspectos desconocidos de Hansel y Gretel en versión acción total. Esta cinta es una continuación de Hansel y Gretel, ya que, tras conseguir escapar de las garras de una malvada bruja, se dedican a capturar y eliminar a toda bruja que se cruce en su camino. Por esa razón, se les encarga la misión de descubrir lo que está pasando con una serie de desapariciones en la cuidad.

El reparto lo forman todo un experto en este género como Jeremy Renner que nos maravilló a todos relanzando la saga Bourne con su personaje junto a la actriz Gemma Arterton, que para quien no la sitúe, fue chica Bond, lo que le ha dado la oportunidad de lucirse.

Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas (2013) es una coproducción alemana-estadounidense. Tommy Wirkola, recordado por películas perfectamente olvidables como Zombis Nazis y Kill Buljo: The movie, que era una parodia de la cinta de Quentin Tarantino, Kill Bill, la escribe y dirige. Este cineasta da otra vuelta de tuerca al célebre cuento. Lógicamente, mantiene la tónica de cine de serie b de terror, de la que proviene, donde no puede faltar la sangre (mermelada de fresa en cantidades industriales) y la ultra-violencia. No obstante, hay que reconocer que imprime un ritmo frenético por lo que resulta muy entretenida. El haberse apoyado en una obra maestra de la literatura infantil, le ha dado juego para profundizar algo más, aunque mínimamente, en la vida de unos hermanos inseparables armados hasta los dientes, si lo comparamos con otras producciones de este género.

Conclusión, si los hermanos Grimm levantasen la cabeza, no les quedaría más remedio que querellarse contra el creador de este esperpento, técnicamente perfecto en lo que a efectos especiales se refiere.

Incluye la crítica: Aquí y allá y  El atlas en las nubes

Análisis del cómic: All Star Superman de Frank Quitely y Grant Morrison (ECC ediciones)

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Ofrece una visión distinta de la inmigración?

¿La película refleja todas las dimensiones del ser humano?

Crítica de Víctor Alvarado

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¿La película promete, pero se queda corta?

¿Es Tom Hanks coherente?

¿La película de TomTyker y los hermanos Wachowski hace bandera de la espiritualidad New Age?

Crítica de Víctor Alvarado

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Nos preguntamos si puede salir algo serio de un producto creado por Tom Tyker, autor de la insufrible El perfume y los hermanos Wachowski, conocidos por una trilogía como Matrix que marcó una época. La respuesta es que estamos ante una película que, en principio, podría parecer prometedora, pero que, en la realidad, no aporta nada nuevo al séptimo arte.

Se trata de seis historias que transcurren en distintas épocas, pero que guardan un denominador común, ya que todas ellas son vividas por las mismas almas en diferentes momentos de la historia del mundo.

Este trío de cineastas ha adaptado una novela de David Mitchell. Los Wachowski se prometieron que si no le gustaba el libreto al escritor, no continuarían el proyecto, pero el autor del libro quedó contento con el resultado. El guión está muy trabajado y con clara intención política o ideológica por parte de los Wachowski muy en consonancia a la visión que tienen del planeta tierra como ya demostraron cuando escribieron el guión de V de Vendetta, basado en el cómic de Alan Moore. Desde un punto de vista técnico se abusa del uso del flashback, ya que hay un momento en el que puede llegar a molestar.

El reparto lo componen actores de mucho peso como Halle Berry y Susan Sarandon junto al actor Jim Broadbent o Hugh Grant. No obstante, la estrella, en la que se ha fijado toda la prensa, ha sido Tom Hanks que, en una entrevista a la revista El Semanal XXL, decía que les había transmitido a sus hijas que viven en un mundo normal, donde no importa si eres pobre o rico y que lo importante es ser decente y honesto, diferenciando lo que está bien o mal. Sin embargo, pensamos que las últimas decisiones de Tom Hanks no van en consonancia con las citadas declaraciones, pues pueden deformar el pensamiento de sus hijas por haber participado en las adaptaciones cinematográficas de un indocumentado escritor como Dan Brown y esta obra, El atlas en las nubes, que capta la esencia del pensamiento posmoderno (relativismo, ideología de género…), impregnado de la espiritualidad del New Age que intenta captar detalles de una religión y otra para fabricarse una religión a la carta, regida por un Dios impersonal, a diferencia del hijo de Dios que muere y resucita por los hombres.

Por otra parte, la película hace bandera de la reencarnación, dando a entender que el cuerpo es el continente donde va un alma, que perdura en el tiempo, transmigrando de un lado a otro cada vez que un individuo fallece

En contraposición con lo negativo, tenemos la impresión de que sus autores dejan claro que el mal existe y que los hombres deben combatirlo. Se defiende la dignidad del ser humano en la escena en la que un hombre de negocios se hace amigo de un negro esclavo y en la situación en la que una camarera china, una especie de persona de segunda clase en ese relato, es protegida por otra, que piensa que no deben existir diferentes categorías, porque todos somos iguales.

Conclusión, esta película se podría definir con la popular expresión: “Mucho lirili y poco lerele”.(publicado en paginasdigital.es)

Análisis del cómic: El rayo mortal  de Daniel Clowes (Ed. Reservoir Books)

Comentario de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica: La trama y 7 psicópatas

Análisis del cómic: El rayo mortal  de Daniel Clowes (Ed. Reservoir Books)

Entrevista  de Víctor Alvarado a Laura Montero Plata, autora del libro: El mundo invisible de Hayao Miyasaki (Ed. Dolmen).

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Dirigido por Víctor Alvarado

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Hacía tiempo de que una película de cine negro no llegaba a la cartelera española. De algún modo, La Trama (2013) toma como referentes a los maestros de este cine como Fritz Lang (La mujer del cuadro), Howard Hawks (El sueño eterno), John Huston (La jungla de asfalto), Otto Premiger (Laura) o Billy Wilder (Perdición) y sus mujeres fatales como la Gloria Grahame de Deseos humanos o la Rita Hayworth de Gilda. Evidentemente, esta producción no alcanza el nivel del repertorio citado, pero si ofrece una digna historia, que puede servir para pasar una tarde entretenida.

El argumento gira en torno a un policía de Nueva York, que sale libre de cargos tras un tiroteo a pesar de lo cual es destituido de su puesto de detective por el alcalde, por lo que éste se dedicará a la investigación privada. Siete años más tarde, nuevamente, el máximo representante de la ciudad contratará sus servicios para intentar descubrir una infidelidad de su mujer. Sin embargo, detrás de esa trama se esconde un secreto que Tagart (Mark Wahlberg) deberá descubrir, pues se produce un misterioso asesinato.

Está dirigida por Allen Hughes, autor de El libro de Eli o Desde el infierno junto a su hermano gemelo con el que lleva colaborando desde los 12 años, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona, aunque este es su primer trabajo en solitario. El realizador intenta llamar la atención del espectador cada vez que abre una trama, pero no sabemos si logra el efecto deseado, porque los golpes de efecto pueden parecer artificiales para el espectador experimentado, por lo que no caerá en las “trampas” que vaya tendiendo el guionista. Este largometraje está marcado por un patrón definido como producto del marketing.

Por otro lado, el reparto lo encabeza un Mark Wahlberg, que es un tipo formal, familiar, con principios sólidos y como católico, que se considera, da gracias a Dios por la mañana cuando se levanta y por las noches antes de dormir. Y es que este hombre tuvo una juventud desastrosa y conflictiva, decidiendo en un momento determinado dar un giro brusco a su vida para acabar convirtiéndose en un hombre de orden. Russel Crowe interpreta de modo poco convincente a un político, cuya transparencia brilla por su ausencia. Alona Tal y, en especial, Catherine Zeta Jones le ponen ese sello inconfundible del film noir, aunque su personaje nos parece un tanto descafeinado.

Finalmente, nos parece interesante destacar la ética de un personaje que no acepta dinero sucio y que actúa acorde a lo que le dictamina la conciencia a pesar de que su actitud le pueda perjudicar. (publicado en www.paginasdigital.es)

¿Se trata de un producto del marketing?

¿Cuál es la verdadera imagen de Mark Wahlberg?

Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis del cómic: The Spirit. Femmes Fatales de Will Eisner (Norma Editorial).

Comentario de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica: No y Dos días en Nueva York

Análisis del cómic: The Spirit- Femmes Fatales de Will Eisner (Norma Editorial).

Especial John Ford (2ª parte)

Dirigido por Víctor Alvarado

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Arte del cómic. Los cuadernos inéditos de los grandes artistas de Steven Heller (Lunwerg editores)

Comentario de Víctor Alvarado

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Tanto el gobierno de Salvador Allende como la dictadura de Augusto Pinochet tuvieron sus aciertos y sus tremendos errores. Esa época ha servido para que varios cineastas hayan saltado a la palestra, contando detalles del Chile de los setenta y los ochenta. Pues bien, Pablo Larraín se ha colado entre los nominados a los Óscar de habla no inglesa por No (2012).Sin embargo, no es la primera vez que una película de ese país está rondando el premio, ya que la excelente Machuca de Andrés Wood también estuvo preseleccionada en 2004, pero la cinta en cuestión ya ha llegado más alto. El acierto de los dos cineastas ha sido el de no inclinar demasiado la balanza hacia un lado u otro, ofreciendo unos largometrajes ponderados, a diferencia de nuestro cine, que está demasiado escorado y tendente al sectarismo.

El trabajo de Pablo Larraín comenzó con La fuga, aunque lo más importante que ha hecho ha sido una trilogía sobre las distintas etapas de la dictadura de Pinochet formada por Tony Manero, Post Mortem y la citada No (2012), que es una adaptación de la obra de teatro, El plebiscito, de Antonio Skármeta. En una entrevista a Fotogramas el director explica las razones que le llevaron a hacer esta película:”Dudo que cualquier otro dictador en la historia de la humanidad haya dejado el poder a través de un proceso democrático como ocurrió con Pinochet. Normalmente, salen del poder de forma sangrienta. Así que es una historia única, que generaba respuestas. Cuando decidí hacer esta película me di cuenta de que debía ser honesto para narrar la victoria de un pueblo sobre su dictador. Había que afrontar el relato con optimismo y alegría”.

La historia gira en torno a un publicista muy influyente que fue capaz de marcar a una sociedad para que diera un volantazo a la política del país.

El reparto lo encabeza Gael García Bernal, que está muy convincente y nos ha gustado más que en otros trabajos. La interpretación de Luis Gnecco es muy buena. Representa a un político de la oposición que se convence o piensa que la clave del referéndum se encuentra en el perdón más que en el rencor.

Como dato curioso, se filmó con equipos de los ochenta para que no desentonasen con documentales de las dos décadas mencionadas con lo que se resalta el modo de pensar y vivir de un momento trascendental. Es toda una lección de publicidad de cómo contrarrestar la buena gestión económica con otro mensaje muy positivo que busca cerrar las heridas producidas por unos duros enfrentamientos.

Entre los valores de la película destacamos el de la unidad de todos los partidos del futuro arco parlamentario para derrocar un gobierno dictatorial de un modo democrático. Tampoco nos podemos dejar atrás el uso de la inteligencia y el humor del que hace gala este film para cambiar a una sociedad, que había visto la luz, pero a la que le faltaba un elemento esencial en el ser humano como es la libertad. Por otra parte, hay un personaje muy secundario que piensa que el ganar la votación sólo era posible mediante un milagro por lo que apela a la Providencia.(publicado en www.diarioya.es)

¿Estamos ante una película ponderada?

¿Qué nos parecen Gael García Bernal y Luis Gnecco?

Crítica de Víctor Alvarado

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Comentario de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica: Gangster Squad, El último desafío, Django desencadenado.

Análisis de los cómics: The League of Extaordinary Gentlemen. Century 2009 de Allan Moore y Kevin O´Neill (Ed. Planeta de Agostini)

Arte del cómic. Los cuadernos inéditos de los grandes artistas de Steven Heller (Lunwerg editores)

Entrevista a Antonio García-Berrio, autor del libro Otto Preminger (Cátedra).

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Cuáles son las virtudes y defectos de una producción encabezada por Josh Brolin y Sean Penn?

Crítica de Víctor Alvarado

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Comentario de Víctor Alvarado

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Esta crítica la podíamos subtitular: el regreso del cine de los ochenta, porque uno de los iconos de acción de esa época como Arnold Schwarzenegger vuelve, tras su paso por la política, recuperando todo el tiempo perdido con su especialidad: golpes, patadas y puñetazos (tiene varios proyectos en mente entre los que destaca la segunda parte de Los gemelos golpean dos veces o la posibilidad de dirigir un largometraje). Por cierto, en esa década y la siguiente, siempre surgía el debate de si era mejor actor Stallone o Schwarzenegger, aunque también se planteaba en términos contrarios, de cual era peor de los dos, pero tenían el consuelo de que había uno más inexpresivo que ellos dos juntos, un tal Steve Segal que seguro que les suena.

Pues bien, esta semana se estrena El último desafío (2013), que está dirigida por el surcoreano Kim-Jee-Woon, dominador de varios géneros como el western, el thriller o el terror, que se confiesa seguidor de Arnie al igual que Eduardo Noriega, que interpreta al villano de la historia. Este cineasta ha transmitido mucho dinamismo al largometraje a pesar de tratarse de un relato sin pretensiones, donde el drama y el humor (las situaciones cómicas sirven para dulcificar una película de violencia light-entreterniento) se suceden sin solución de continuidad, que está repleta de guiños al género de acción o del oeste, recordando a Cop land de James Mangold y a cualquier trabajo de Robert Rodríguez o Quentin Tarantino e incluso a los western de Howard Hawks, aunque salvando las enormes distancias.

Esta producción gira en torno a un traficante de drogas que logra escaparse de una nutrida escolta, que intenta alcanzar la frontera. No obstante, no lo tendrá fácil, puesto que para cumplir su objetivo se verá obligado a enfrentarse a un Sheriff que esconde un secreto y a su grupo de colaboradores que bloquean el paso a su libertad, defendiendo el lugar con uñas y dientes.

De algún modo podemos decir que esta producción, dentro de sus limitaciones, dignifica un género que, por lo general, suele se nihilista en un alto porcentaje. Sin embargo, se mantienen un par de conversaciones más o menos profundas sobre el significado de ser un policía y defender la ley, que ha jurado cumplir. El protagonista sabe que es lo correcto, presentando un alto concepto del significado del sentido del deber.

¿El coreano Kim-Jee-Woon dignifica el género con sus aciertos?

¿Quién era mejor actor  Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone?

Crítica de Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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Análisis de los cómics: Superzelda La vida ilustrada de Zelda Fitzgerald de Tiziana Lo Porto y Danielle Marota (Ed. 451)

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Incluye la crítica: El vuelo, El cuarteto y Bestias del sur salvaje

Análisis de los cómics: Superzelda La vida ilustrada de Zelda Fitzgerald de Tiziana Lo Porto y Danielle Marota (Ed. 451)

Lo Fantástico Ultimate Fantactic Four de Brian Michael Bendis, Mark Millar y Adam Kubert (Ed. Panini)

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Cómo funciona esta cinta, dirigida por Robert Zemeckis, con  2 nominaciones a los Óscar ?

Crítica de Víctor Alvarado

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Denzel Washington, el Sidney Poitier de la actualidad, es uno de los más firmes candidatos junto a Daniel Day Lewis para obtener el Óscar, demostrando que no hay papel que se le resista. El libreto de John Gatins es una maravilla y se merece con toda claridad su nominación en la categoría a Mejor Guión Original, que es una reflexión sobre los estragos que las adiciones provocan en la personas.

Cuando uno va con pocas expectativas a ver una película, se puede encontrar sorpresas tan gratas como El vuelo (2013). Éste largometraje cuenta una historia, basada en hechos reales, en las que se relata como un piloto alcohólico logra salvar a la mayoría de los viajeros de un avión de pasajeros, al que le falla la mecánica, gracias a su pericia a los mandos del aparato. Todo el país no es capaz de dar crédito a la hazaña y lo admiran. Sin embargo, el oscuro pasado del protagonista le traerá más de un quebradero de cabeza.

Está dirigida por Robert Zemeckis, recordado por la trilogía de Regreso al futuro, Náufrago y Forrest Gump, que ha dejado el mundo de la animación, con la que ha estado tan entretenido en los últimos años para darnos una lección de buen cine. Los primeros minutos del aterrizaje forzoso está filmados con gran realismo en la que se explica el dominio del piloto en una situación de emergencia y, a pesar de se conoce lo que ocurrió, consigue mantenerte agarrado a la butaca, pues no te imaginas lo que puede ocurrir en el segundo siguiente. La segunda parte de la película es un drama en toda regla. En ella veremos a un hombre destrozado por sus adiciones y su desorden afectivo tras su divorcio, al que su hijo desprecia, que intenta salirse con la suya, pero al que su conciencia no le permite dormir tranquilo. El final es esperanzador con testimonio positivo sobre la fe.

Por otra parte, cuando escribimos la crítica de Lo imposible (2012) nos pareció extraño que, ante un hecho de tales dimensiones ninguno de los personajes, ni principales, ni secundarios, no recurrieran a la trascendencia. En el Vuelo (2013), frente al escepticismo de Whip Whitaker, todos los personajes ven el hecho algo milagroso y extraordinario sólo atribuible a la intervención divina. Llama la atención como los superviviente rezan con el antihéroe, agradeciéndole su valentía. Por cierto, nos parece memorable la conversación, que surge entre la drogadicta, el alcohólico y un enfermo de cáncer, digna de ser mencionada por su riqueza antropológica.

En contraposición con lo positivo, hay una serie de escenas que pueden ser difíciles de ver por su dureza para un espectador sensible, pero lógicas dadas las peculiaridades de una persona de vida disoluta, que no se relaciona, precisamente, con los individuos más distinguidos de la ciudad.(publicado en el Diario Ya)

Comentario de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica: Lincoln y El lado bueno de las cosas

Análisis del cómic: Trueno color Nº 7 (aventuras de El capitán Trueno)  de Víctor Mora y Ambrós (Ediciones B)

Entrevista a Ramón Monedero, autor del libro: M. Night Shyamalan En ocasiones veo muertos (Editorial Encuentro).

Dirigido por Víctor Alvarado

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