Incluye la crítica de Las nieves del Kilimanjaro y Sombras tenebrosas.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Qué le ocurrió a Jane Fonda cuando besó a un niño negro?

¿Qué tiene que ver Jane Fonda con el saxofón?

¿Es esta película de Otto Preminger una crítica al racismo?

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

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Crítica de Víctor Alvarado

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El otro día leía un artículo en el que se decía que los grandes directores americanos se estaban pasando al mundo de la televisión por culpa de que la gran industria del cine se estaba infantilizando, mientras que Tim Burton, coincidiendo con esta línea de pensamiento, ha creado una historia partiendo de una serie de televisión de la ABC estadounidense [Sombras tenebrosas (1200 episodios)] que, además, es bastante aburrida y decepcionante. Por esa razón, esta semana me refugio en una perla francesa como Las nieves del Kilimanjaro de la que no había tenido oportunidad de escribir hasta ahora.

Las nieves del Kilimanjaro (2011) narra las andanzas de un sindicalista que pierde su trabajo en los astilleros y que justo después de celebrar su aniversario de boda, recibirá la visita de un par de desesperados ladrones.

Las interpretaciones de la pareja principal Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride resultan deliciosas. La química funciona. Uno tiene la sensación de que se conocen de toda la vida porque parece que están en la misma sintonía por la complicidad de sus miradas.

Robert Guediguian es un prolífico cineasta, pues, desde 1997, ya ha dirigido diez largometrajes. De este director se puede decir que hace cine de denuncia social (esperanzador), pero sin la amargura ni la carga ideológica que, generalmente, aunque no siempre, abandera Ken Loach. Su crítica es más amable que la de otros que se mueven en el ambiente de la izquierda porque Guedeguian rompió a los 27 años con el Partido Comunista Francés para hacer política por su cuenta. A través de uno de los personajes, el citado realizador deja caer una cita de Jean Jaurés que se deduce que sirve para explicar en que consiste su proceso creativo: “Comprender lo real para ir hacia lo ideal.”

Detrás de esta sencilla historia (inspirada en el poema de Víctor Hugo: Gente pobre) que aparentemente puede parecer que no dice nada, se esconden valores verdaderamente interesantes, que merecen nuestra atención: En primer lugar, el cineasta ha querido destacar la importancia de la familia y construir una historia de amor, basada en sólidos principios y en la capacidad de mirarse el uno al otro, pero siguiendo el mismo camino, aunque con las sanas parcelas de independencia. Por cierto, nos parece excelente la metáfora de su viaje a África, utilizando para ello la imaginación y relacionándolo con los veraneantes en una playa de Marsella.

En segundo lugar, resulta llamativo el planteamiento de la pareja protagonista cuando se enfrentan a un dilema moral en el que tendrán que decidir cual es el modo de hacer justicia y donde la caridad tiene la última palabra.

En tercer lugar, no deben perderse esta cinta porque hace una crítica a la pasividad de la sociedad ante una crisis económica que asola a las clases menos cualificadas y, en especial, hacia los sindicalistas. La frase que a continuación les mostramos lo dice todo: “Nos hemos vuelto burgueses. Vamos al mar el domingo, somos propietarios y miramos la televisión.”

Por último, nos quedamos con el guiño del autor de esta película, que hace referencia a una utopia, al cómic de Spiderman, pues este arácnido es un idealista que al igual que Michel, el protagonista de la historia, se sacrifica como no lo haría un sindicalista de nuestro país.

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Incluye la crítica de Los vengadores y Safe.

Dirigido por Víctor Alvarado

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En general podemos decir que, para que un niño funcione en una película de acción, son necesarios dos requisitos: el primero es que haya química entre éste y el personaje protagonista. El segundo es que exista cierto nivel de empatía con el público por la simpatía que despierte. Si no se dan esas condiciones, difícilmente podremos pasar un rato entretenido.

Se trata de una historia sobre una venganza de un ex-policía, que se enfrenta de manera simultánea a la mafia rusa y a las triadas chinas.

Está dirigida por Boaz Yakin, conocido por Titanes, hicieron historia (2000), que declaró lo siguiente a Fotogramas: “Me interesaba dirigir un film de acción, pero a menos que haya un fuerte componente emocional, puede parecerse a dirigir el tráfico.” Sin embargo, al guardia de esta producción parece que se le ha olvidado como dirigir el tráfico y no se aplica el cuento, mareando al espectador porque, más que una película, da la impresión de que estamos ante un videojuego, donde te dan más puntos por cargarte al mayor número de enemigos posibles y en la que uno tiene la sensación de estar en una discoteca más que un largometraje.

Safe (2012) está al servicio de un Jason Statham encasilladísimo, que no transmite ninguna emoción (ni frío, ni calor), recordando a las producciones de los 70, que te dejaban con una sensación de vacío y, por supuesto, de haber estado perdiendo el tiempo, a lo que se añade un personaje desarrollado de modo esquemático con unas cuantas frases lapidarias sin gracia. Si estos pequeños detalles no se cuidan en una película en la que prima la violencia como único recurso, se convierte en un subproducto. Por poner un ejemplo, ese elemento fue clave para que la película Cobra de Stallone o Terminator de Schwarzenegger cosechasen una buena taquilla y fuesen tan recordadas. La cinta en cuestión caerá inevitablemente en el olvido.

En contraposición con lo negativo, nosotros percibimos un intento de redención con unos métodos poco ortodoxos y en la dirección equivocada; la labor caritativa de los cristianos queda reflejada, aunque un tanto desdibujada y distorsionada, mientras que se percibe una pizca de esperanza cuando se pide a la niña que rece por el alma de su madre.

¿Es un gran actor Jason Statham?

Crítica de Víctor Alvarado

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Está escrita y dirigida por el muy considerado y televisivo, Joss Whedon, conocido por ser el autor de la serie Buffy cazavampiros. El citado cineasta ha conseguido recrear la atmósfera adecuada entre todos los personajes tratando de destacar las inquietudes internas de estos conocidos superhéroes a pesar de tratarse de un reparto coral. No obstante, no alcanza el nivel de otras historias de este subgénero como Batman Begin, Spiderman o X men: Primera generación. Su principal virtud es el gran sentido del humor del que hace gala, mientras que su gran defecto es su ritmo irregular, ya que se combinan escenas realmente vibrantes con otras demasiado pausadas.

Sus protagonistas han sido presentados individualmente, manteniendo a los mismos actores a lo largo del tiempo, a excepción de Mark Ruffalo, que interpreta por primera vez al increíble Hulk, representando el lado más irascible del ser humano, que necesita serenidad, para lo cual se compromete con la India. El capitán América es un ejemplo de lealtad y valentía. Ironman representa a la inteligencia que cuestiona siempre al poder. Thor es el semidios vinculado con el planeta tierra y que lleva en su ser marcado el sentido del deber hacia la protección de sus habitantes

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

¿Cuál es la virtud y el defecto de la película?

Crítica de Víctor Alvarado

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Incluye la crítica de Wilaya y The pelayos.

Además entrevistamos a Luis Herrero.

Dirigido por Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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El éxito de esta producción española es que quiere constatar que la realidad puede superar a la ficción. A los españoles les ha llamado la atención que, unos compatriotas con pocas perspectivas de futuro y sin aspiraciones salvo las de su líder, fuesen capaces de desbancar todos los casinos del mundo de manera legal, jugando a la ruleta, apostando siempre a los mismo números.

En este reparto coral destacan las interpretaciones de tres actores por encima de los demás. Lluis Homar representa con solvencia al mítico Gonzalo García Pelayo, que representa al líder en la sombra y que demostró ser un genio, pues consiguió con su tenacidad e inteligencia, lo que nadie había logrado antes, ni nadie lo conseguirá porque los dueños de los casinos han tomado medidas para que el hecho no se repita. Daniel Brülh se desenvuelve con naturalidad en producciones europeas y lo recordamos por la célebre Good Bye, Lenin! (2003). Sobre este actor recae mayor peso dramático, mientras que Eduard Fernández lo dice todo con un gesto o con una mirada. De entre los secundarios, la hija de Gonzalo (Marina Salas) apunta el tema de la vocación profesional de una persona que opta por desarrollarse como persona en lugar de buscar el camino fácil que le resuelva la vida, aunque el destino le deparará una sorpresa.

Está dirigida por Eduard Cortés que tiene sobrada experiencia cinematográfica [Ingrid (2009) o La vida de nadie (2002)], por lo general ha sido capaz de imprimirle un buen ritmo, si exceptuamos un par de momentos en los que la historia decae. Los giros argumentales llegan en el momento apropiado, levantando esos dos citados baches. Dosifica adecuadamente las escenas de humor con las más dramáticas.

En contraposición con lo positivo, el defecto más importante es que, lo que podía haber servido para captar un amplio espectro de público, ha sido desaprovechado, porque abusa de las escenas de cama, que no están filmadas con la elegancia necesaria. Hubiese sido más inteligente obviar esas escenas con elipsis y de ese modo garantizar el éxito. No obstante, será el “taquillazo” del año, si tienen un poco de suerte.

Por otra parte, los personajes están desarrollados de modo esquemático y pensamos que se ha desaprovechado una buena oportunidad para haber destacado las motivaciones de algunos de ellos (¿Qué pensaban?¿Qué sentían?)

Conclusión, estamos ante una película que ofrece una visión materialista de la vida, rodada al estilo americano, que será el bombazo del año, siendo una de las favoritas para ganar alguno de los galardones del Festival de Cine Español de Málaga.

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Incluye la crítica de The Pelayos  y Soul Surfer.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Sostienen Helen Hunt y Dennis Quaid la historia?

Crítica de Víctor Alvarado

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Se mire por donde se mire los estadounidenses han demostrado ser los maestros del subgénero deportivo. Sin embargo, lo importante de Soul Surfer no es tanto la hazaña de la protagonista que, por supuesto, es heroica como el proceso de aceptación de su nueva situación.

Por otra parte, como todos ustedes sabrán, la factoría Disney se ha caracterizado por destacar valores humanos en todas sus producciones, pero sorprende que, en esta ocasión, se hayan decantado por una familia con una profundidad religiosa tan exquisita cuando nunca había querido tratar ese tema de manera tan directa.

Cuenta la vida de una surfera estadounidense, que sufrió un ataque de tiburón, perdiendo un brazo por culpa del mismo, lo que le llevará a plantearse la vida de modo distinto.

El reparto está protagonizado por la joven actriz, AnnaSophia Robb, aunque el mayor peso dramático recae en dos secundarios de lujo como Dennis Quaid y la oscarizada Helen Hunt.

Está dirigida por Steven McNamara (Pasión por el triunfo), especializado en el cine juvenil. Le saca todo el jugo a la historia, aprovechando la riqueza interior de Bethany, la protagonista, y de toda su familia. Soul surfer es un producto para todos lo públicos, donde se elogia la importancia de los lazos familiares para superar todas las dificultades (-Aún estas viva y tu familia te quiere).

En definitiva, estamos ante una gran historia, que no una gran película, en la que se demuestra que una discapacidad no puede ser un impedimento para conseguir lo que uno se proponga en la vida (-No necesito lo fácil, sólo que sea posible). Llama la atención el proceso de maduración de una persona, que ha sufrido una tragedia personal, que se pregunta el por qué Dios ha permitido que ocurriera ese desgraciado accidente, pero que, en lugar de alejarse de Él, afronta la situación sin hundirse en el sufrimiento al preguntarse que quería de ella. De todas formas, no sé le da demasiado importancia a la pérdida, pues Bethany lo vio como una oportunidad para contar su historia y transmitir su fe desde una visión cristiana protestante.

La labor misionera queda perfectamente reflejada en un par de escenas y sirve para que la protagonista se de cuenta de que existen otras realidades en la que nuestros problemas son una menudencia, si las comparamos con las necesidades de los países subdesarrollados.

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Incluye la crítica de De  Nicolás a Sarkozy y  Soul Surfer.

Dirigido por Víctor Alvarado

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Si tienes un hijo curioso, este libro te puede interesar.

Comentario de Víctor Alvarado

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¿El humor hace acto de presencia en esta película dirigida por Xavier Durringer?

Crítica de Víctor Alvarado

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A pesar de que Sarkozy esté cargando contra algunos políticos españoles con toda la razón del mundo para obtener rédito político a nivel interno para ganar las elecciones, hay que reconocer que siempre ha colaborado en la lucha contra el terrorismo etarra. Pues bien el cineasta, Xavier Durringer, analiza el ascenso de este político hasta ganar las presidenciales de 2007 desde una óptica izquierdista.

El reparto lo compone un Denis Podalydès en el papel de Sarkozy y una Florence Pernel interpretando a Cécilia Sarkozy, aunque se lleva la palma la excelente actuación de Bernard Le Coq porque yo no sabría elegir entre el original y la copia, pues no queda claro si Bernard Le Coq es Chirac o Jacques Chirac es Bernard Le Coq.

Los que esperen encontrarse con planos panorámicos de París, pueden quedar defraudados, ya que el director ha optado por primeros planos, algo más propio del formato televisivo que del cinematográfico. Los diálogos están bastante bien trabajados y el largometraje se ve salpicado por pequeñas dosis de humor, que contrarrestan el excesivo metraje porque pensamos que se alarga innecesariamente cuando todo parece haber terminado, abusando del flashback.

De Nicolás a Sarkozy (2011) explica el funcionamiento de las bambalinas de la derecha francesa, donde se pueden comprobar las zancadillas realizadas por Chirac y Dominique de Villenpin (una realidad extrapolable a cualquier partido sea cual sea su ideología) para que fracasara un político como Sarkozy, que demostró gran inteligencia para ganar las elecciones al partido socialista carente de ideas. Esta película hace una crítica más burda y menos sutil que la que se destila en Los idus de marzo de George Clooney. El problema principal de esta producción es que, tal vez, era demasiado pronto para hablar de un político que todavía sigue en activo, por lo que resulta difícil juzgar los comportamientos de una figura que está de plena actualidad.

El director ha pretendido destacar que detrás de una persona de éxito existe un capital humano importante y que detrás de un gran hombre hay una gran mujer, aunque Durringer le atribuye todo el triunfo a la arrolladora personalidad de su esposa, como si no tuviera mérito el líder galo, que habrá tenido unas políticas más o menos acertadas, pero que siempre ha sido valiente a la hora de no renunciar a sus principios como en ese discurso, donde se constató su oposición al laicismo y su defensa de la tradición judeocristiana de su país.

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Incluye la crítica de Lorax: En busca de la trúfula perdida y Mi hijo y yo.

También incluye entrevista a José luis Garci.

Dirigido por Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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De esta Semana Santa queremos rescatar Lorax: En busca de la Trúfula Perdida, cuyo contenido supera la media de los largometrajes de animación de este ultimo año que, a diferencia de los anteriores (2008, 2009 y 2010), no ha sido demasiado bueno, si exceptuamos a la española, Arrugas (2011).

Se trata de una película que cuenta la anodina vida de un niño, que vive en un mundo de plástico. Éste intentará buscar una planta para poder conquistar a la chica de sus sueños. Para ello, escapará de esa idílica cárcel, donde encontrará un arisco individuo, que le contará la leyenda del Lorax. Esta producción está dirigida por todo un experto en el cine para niños como Chris Renaud, conocido por Gru, mi villano favorito ( 2010).

El citado realizador adapta el texto de un popular caricaturista estadounidense, cuyos libros son una referencia en las escuelas americanas porque sus creaciones son bastante imaginativas y a la vez educan el corazón de los más pequeños, ya que se percibe que el Dr Seuss estaba muy comprometido con la transmisión de valores tradicionales como la familia, la vida o la creencia en un ser superior que todo lo ordena. Algunas de las adaptaciones cinematográficas de sus libros han llegado a la cartelera española como El Grinch o la excelente Horton, un elefante con un finísimo oído y una sensibilidad especial.

El cineasta consigue cierto equilibrio entre las escenas dramáticas y las de acción en una cinta que dura lo que tiene que durar (80 minutos) ni más, ni menos, aunque los últimos minutos pierde interés, puesto que se pone al servicio del espectáculo, convirtiéndose en un producto convencional. Lorax es realmente vistoso, presentando una buena banda sonora de John Powell con unos números musicales entretenidos.

Tanto el director como los productores han querido ser muy fieles al mensaje del Dr. Seuss. El cineasta ha pretendido que sepamos distinguir la diferencia entre una familia unida frente a otra en la que prima lo material. Parece destacable el grado de complicidad tan habitual entre abuela y nieto en este caso. Por otra parte, sin aparente carga política se hace una defensa de la naturaleza, que proporciona bienestar a los habitantes del planeta y se critica al capitalismo feroz y avaricioso que no respeta al individuo en la que da la impresión de que todo vale.

 Como dato curioso, Danny de Vito pone la voz a Lórax, papel que le viene como anillo al dedo, pues su físico se corresponde con las características del personaje. El actor tuvo que doblar en varios idiomas, haciendo incluso una versión española y otra latina, en la que se observa las dificultades del intérprete con la pronunciación de la “r”. Sin embargo, lo más interesante es la profundidad de su personaje, pues aparece como la voz de la conciencia, relacionada con lo trascendente, que deja libertad para actuar, pero que insinúa cual es el camino correcto.

Finalmente, el toque filosófico lo pone el mencionado personajes cuando realiza una defensa de la vida diciendo que lo importante no es lo que sé es sino lo que puede llegar a ser.

¿Sufrió el actor un auténtico calvario para representar a Jesús?

¿Hubo conversiones cristiana gracias al visionado de la película?

¿Fueron injustas las acusaciones a su director, Mel Gibson?

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Incluye la crítica de El exótico hotel Marigold y Todos los días de mi vida.

Dirigido por Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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¿El personaje de Maggie Smith evoluciona de modo positivo?

¿Cuáles son los puntos negros de la cinta

Crítica de Víctor Alvarado

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La India ha servido de fuente de inspiración para un gran número de directores de prestigio. En este caso, John Madden, autor de la oscarizada Shakespeare in love (1998) y la imprescindible cinta de espionaje, llamada La deuda (2011), se adentra en este país de contrastes, reflejando sus grandezas y miserias.

El cineasta ha creado una historia, que guarda ciertos paralelismos con su obra más preciada Shakespeare in love. No obstante, se basa en la novela de Deborah Moggach, These foolish things. Su producción arranca con fuerza, explicándonos las dificultades por las que pasan una serie de personas de la tercera edad, con lo que el inicio parece prometedor. El problema es que, cuando llegan el supuestamente maravilloso paraíso, tanto los espectadores en el visionado de la película como los personajes de la misma, quedarán defraudados, pues las historias que se cuentan no son demasiado brillantes y van perdiendo fuelle a medida que transcurren los minutos de proyección.

Actores de la talla de Dev Patel, Tom Wilkinsom, Judie Dench o Maggie Smith salvan muchas de las escenas. Podríamos decir que a este film le falta sustancia con lo que no engancha demasiado, pero tampoco provoca el rechazo. Sus chistes permiten esbozar una ligera sonrisa. Al tratarse de un reparto coral aparecen muchas subtramas que no parecen bien ensambladas, ya que, cada vez que se desvela algún detalle de un personaje, transcurre demasiado tiempo hasta que volvamos a saber de él.
El cineasta transmite el amor por la cultura india, donde se explica como los hinduistas realizan sus enterramientos. Sin embargo, resulta chocante que todos los personajes carecen de referentes, que le indiquen el camino correcto.

Finalmente, nos ha encantado la evolución de Muriel, interpretado por Maggie Smith que aparece como una persona racista que al tratar con una “intocable” (la casta más humilde de la India) percibe que tiene más cosas en común con ella que con sus compatriotas. La otra historia que tiene su miga es la de un matrimonio de 40 años fracasado, que se mantiene en pie gracias al saber estar y a la lealtad del marido que lucha contra sus instintos.

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Incluye la crítica de Devil inside(exorcismos).

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Hacen una caricatura de los sacerdotes?

Crítica de Víctor Alvarado

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Las distribuidoras, cada vez que quisieran trasladar algún producto a la gran pantalla, deberían exigirse unos mínimos de calidad, aunque las previsiones de éxito fuesen altas porque Devil inside (2012) nos ha parecido poco digno para ser proyectado en una sala de cine.

El director, William Brent Bell, utiliza una técnica similar a El proyecto de la bruja de Blair (1999) o la española Rec (2007); es decir, el género llamado found footage, lo que quiere decir encontrar una serie de imágenes supuestamente grabadas con las que construir una historia que, en este caso, narra el asesinato de tres religiosos a manos de una mujer, que está poseída por varios diablos. El planteamiento inicial, a modo de documental, no parecía desacertado, ya que pretendía establecer las diferencias entre enfermedades mentales y posesiones demoníacas. Sin embargo, la cinta se va desinflando a medida que transcurren los fotogramas hasta llegar a unos diez minutos insoportables. Además, este subproducto ha sido rodado con cámara de videoaficionado y sucedáneos, por lo que el movimiento de cámara provoca el mareo literal del que se adentra en ella. Los amantes del cine con mayúsculas detestamos el movimiento innecesario de cámara, las imágenes de baja calidad o un enfoque inadecuado.

Lo único interesante es que plantea cierta polémica generada por un cambio en el rito del exorcismo, que generó malestar en algunos exorcistas porque a su juicio carecían de efectividad. Finalmente, El cardenal Ratzinger, en ese tiempo, consiguió que el anterior rito suprimido de PauloV fuera también permitido de nuevo, tal y como desveló el historiador Ricardo de la Cierva en su libro: Masonería, Satanismo y Exorcismo, aunque estos detalles no se cuentan evidentemente en la película.

De todas formas, la intención del cineasta es más bien desacreditar al Vaticano, pues hace una caricatura de los sacerdotes que aparecen en Devil Inside. Para uno de ellos, la vocación sacerdotal viene marcada por el afán de ayudar a los demás en lugar de la aceptación de la voluntad de Dios.

Por otro lado, nos ha parecido malintencionado el modo con el que se expresa la independencia de los sacerdotes con respecto a la obediencia que deben al obispo, que es el que precisamente les nombra.

Si quieren saber la verdad de los exorcismos sería conveniente revisar los libros del padre Fortea, todo un experto en el tema, o visionar El rito (2011) que se acerca más a la verdadera función del exorcista.

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Incluye la crítica de Intocable.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Qué opinas del arte moderno?¿Resulta positivo en coqueteo con las drogas?

¿Puede un discapacitado ser feliz?

Crítica de Víctor Alvarado

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Los números de este largometraje son realmente espectaculares, ya que más de 19 millones de personas en Francia disfrutaron de este film, que ha estado 12 semanas, ocupando el número uno en las taquillas galas, convirtiéndose en una de las más vistas de la historia del país vecino.

Está basada en hechos reales y relata la relación entre dos personas de estratos culturales diametralmente opuestos, pues Philippe es uno multimillonario tetrapléjico, que descubre en un inmigrante de los suburbios las cualidades perfectas que lo pueden convertir en el cuidador ideal.

Los directores, Olivier Nakache y Eric Toledano, cuyos trabajos no son muy conocidos en España, se inspiraron en la vida de Philippe Pozzo, una persona que perdió la movilidad por culpa de un accidente en parapente, a consecuencia del cual escribió un libro e hizo un documental muy optimista en el que se veía como sobrellevaba la discapacidad con lo que se acabó convirtiendo en uno de los guionistas de la película, que se hizo con la condición de que fuese divertida. Intocable (2011) cumple su propósito de hacer reír y permite que el espectador piense a la vez que disfruta del espectáculo porque la cinta ofrece gags memorables. Los cineastas han impuesto un ritmo trepidante junto a escenas de gran belleza plástica como las que aparecen cada vez que el protagonista necesita “aire”.

El actor protagonista es François Cluzet, un popular intérprete francés que, según unas declaraciones a la prensa, pensaba que el secreto de Intocable era hacer feliz a la gente.

La verdad es que la película es muy esperanzadora, puesto que habla de las ganas de vivir de un discapacitado al que lo que le hace sufrir no es su incapacidad para moverse sino, como a todo el mundo, la soledad o los problemas sentimentales. En esta materia, el mensaje de defensa la dignidad de la persona ante la enfermedad está claramente definido.

Particularmente, nos ha llamado al atención una escena en la que los protagonistas, a pesar de las diferencias culturales que presentan, descubren que tienen en común más de los pudiera parecer, donde surgen fuertes lazos de amistad entre ambos.

En el visionado del largometraje se contrasta el diferente modo en el que los protagonistas entienden las relaciones de pareja, pues, en ella, se refleja el superficial modo de entender las relaciones con el sexo opuesto de Driss frente a la profundidad que Philippe da al encuentro entre un hombre y una mujer. De todas formas, las escenas más comprometidas han sido rodadas con elegancias sin caer en el mal gusto. El punto más negativo es el coqueteo de los personajes con las drogas, aunque pretenden provocar la sonrisa

Por otra parte, en una escena secundaria, la madre de Driss afirma haber apelado a la trascendencia para que su hijo diera señales de vida.

Como dato curioso, los cineastas abren del debate sobre si se puede considerar arte al arte moderno.

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Incluye la crítica de Los idus de marzo y Una aventura extraordinaria.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Se reflejan correctamente las repercusiones del aborto?

Crítica de Víctor Alvarado

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¿Cómo se puede intrepretar al personaje de Drew Barrymore?

Crítica de Víctor Alvarado

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Los directores americanos todavía muestran su habilidad a la hora de contar historias sencillas y tontorronas, puesto que son capaces de conseguir que sean amables y adecuadas tanto para un público infantil como para uno más adulto y que tengas la sensación de no haber tirado el dinero. Ken Kwapis, conocido por ¿Qué les pasa a los hombres? o Hasta que el cura nos separe, cumple su propósito de entretener en esta comedia con ciertos toques críticos hacia las grandes superpotencias, los magnates del petróleo o los activistas de Greenpeace y sus excesos.

Una aventura extraordinaria (2012) está basada en un hecho real, lo que sirvió de inspiración a Thomas Rose, que escribió un libro a raíz de la noticia y al final de la misma se pueden ver a los auténticos protagonistas. La cinta está al servicio de la estrella Drew Barrymore y de John Krasinski que siempre suele acertar con los personajes que elige. En este caso, representa a un periodista que cuenta en primicia como unas ballenas se quedan atrapadas en el hielo, lo que generará un revuelo internacional capaz de paralizar la Guerra Fría.

El realizador se pregunta si es más importante la vida de los animales o la de las personas, aunque no refleja el carácter político de las reivindicaciones de los activistas de Greenpeace. Por otra parte, a pesar de lo dicho, destacamos los ideales quijotescos que rigen a la protagonista de la cinta, aunque también podría interpretarse como fanatismo.

Por otra parte, el autor del largometraje ha querido que caigamos en la cuenta de que el instinto natural del ser humano es el de proteger a la naturaleza y que es un regalo divino y, a través de una tribu de esquimales, se percibe la relación de éstos con las ballenas que le sirven para subsistir y su relación con la trascendencia mediante una plegaria tras la muerte del mamífero al igual que se apunta la confianza en la Providencia por parte de un personaje como el empresario (Ted Danson), que es mostrado como una persona con sus virtudes y sus defectos.

Finalmente, resulta paradójico que todos los países, espectadores y habitantes del lugar estuvieran unidos ante un hecho que roza lo anecdótico como el del rescate de unas ballenas, mientras, como decía uno de los actores secundarios, había (y hay) 16 guerras en el mundo de las que los medios de comunicación no se hacían eco.

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Incluye la crítica de La invención de Hugo.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Es un canto al cine y a la literatura?

Crítica de Víctor Alvarado

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Once nominaciones a los Óscar nos parece excesivo botín para una cinta menor de Martin Scorsese, recordado por Taxi driver, El aviador o el remake Infiltrados, pues le sobran fotogramas de un lado y de otro que alargan la historia de manera innecesaria. Además, pensamos que a los personajes les falta sustancia. Creemos que porque se trate de una película dirigida a un público infantil, no quiere decir que los personajes tengan que ser tan esquemáticos. De todas formas, se agradece el esfuerzo de este director estrella de hacer cine para todos los públicos.

La invención de Hugo (2011) está basada en la novela de Brian Selznick. En él se describe la vida de un niño huérfano que intenta descubrir el funcionamiento de un autómata del que espera un mensaje que su padre pudo haberle dejado antes de morir. Para cumplir su propósito recurrirá a la ayuda de la ahijada de un antipático juguetero con la que tiene varias cosas en común y que se complementan a la perfección.

El mayor peso dramático recae en el insípido actor infantil, Asa Butterfield y un brillante, como siempre, Ben Kingsley al que todos recordamos por la memorable interpretación de un personaje influyente en el siglo XX como fue Gandhi. Del resto de los secundarios nos ha gustado la sencilla interpretación de Emily Mortimer. También, encontramos dos cameos del mismísimo Scorsese y el productor Johnny Depp, así como al sólido Christopher Lee en un pequeño papel.

El cineasta ha pretendido homenajear tanto los momentos vividos en su infancia dentro de una sala de proyección como a los padres del séptimo arte como fueron George Méliès y los hermanos Lumière con claros guiños a los grandes genios del cine mudo como Harold Lloyd en El hombre mosca (1923), Buster Keaton en El maquinista de la General (1926) o Charles Chaplin (1921) en El chico. Como dato curioso, una de las razones por las que el realizador se animó a rodar en 3D fue porque todavía se conservan tres películas de Méliès que, por raro que pueda parecer, estaban filmadas en tres dimensiones y en color. Por otra parte, Scorsese demuestra su cinefilia aportando dos piezas musicales de la banda sonora de La gran ilusión (1937) de Jean Renoir, en la que se cuenta uno de los mejores relatos de amistad de la historia del cine, ideologías aparte.

La mayor virtud de este largometraje es que el director consigue trasladar al público su amor por el cine y a los clásicos de la literatura, y la capacidad de estas artes para introducirte en otros mundos y lugares.

Por otra parte, destacamos la peculiar relación que se establece entre el personaje interpretado por Ben Kingsley y el niño protagonista, pues tanto uno como otro se necesitan para superar los obstáculos que se encuentran en sus vidas. El autor quiere destacar la idea de padre adoptivo, un dato que obliga a recordar a dos obras maestras con la que guarda ciertas similitudes como Capitanes intrépidos (1937) de Víctor Fleming y Up (2009) de la factoría Pixar.

Finalmente, nos ha gustado la escena en la que gracias a la tenacidad de un investigador se consigue colocar en el lugar que se merece a uno de los pilares (Méliès) del séptimo arte junto al creador del lenguaje cinematográfico David Wark Griffith.

Comentarios de Víctor Alvarado y nuestro experto, Antonio Peláez.

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Incluye la crítica de Young adult

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿La diva llegó a abandonar el rodaje?

Comentario de Víctor Alvarado e Irene de Alba

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¿Detrás de un planteamiento superficial se puede encontrar un película profunda?

Crítica de Víctor Alvarado

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A algunas personas les puede parecer extraño que una guionista y stripper como Diablo Cody y un director relativamente joven como Jason Reitman puedan hacer películas que te puedan hacer reflexionar y reír al mismo tiempo. Sin embargo, nos ofrecieron una visión muy positiva de la familia e interpretaron la defensa de la vida razonablemente bien en la película de embarazada adolescente, Juno (2007), donde se proponía a la adopción como una solución para acabar con la lacra del aborto.

Pues bien, este tándem de oro repite cartel, narrando la vida de una escritora, de cierto éxito, que tiene problemas con el alcohol y cuya vida carece de sentido. Esta autora, para ocupar el hueco dejado por su divorcio, intentará conquistar a un amor de la Secundaria. No obstante, hay un problema: este “amor” está casado; enamorado de su mujer y, de propina, tiene un hijo.

Como decíamos, Jason Reitman es un realizador profundo en sus planteamientos a pesar de que las historias que cuenta puedan parecer vacías y superficiales. Young adult (2011) debería haberse catalogado como melodrama más que como una comedia dramática y presenta un ritmo demasiado pausado, que lastra la historia. El guión, sin ser brillante, radiografía de modo casi perfecto el pensamiento dominante del hombre postmoderno.

Por otra parte, en ocasiones, el sinónimo de belleza suele ir unido al de una mala interpretación. En cambio, en el caso de Charlize Theron la belleza y la capacidad artística van de la mano. La actriz transmite a la perfección el patetismo de su personaje y su capacidad para transfigurar la realidad, lo que le ha valido para estar nominada a los Globos de Oro.

La película nos ofrece un inteligente retrato de una parte de la sociedad instalada en el materialismo y el hedonismo solamente preocupado por la imagen. Young adult (2011) es una acida crítica a la cada vez más extendida inmadurez del hombre actual incapaz de afrontar las dificultades que todos nos encontramos en el camino y que piensa que se puede jugar con las personas a capricho, actuando en la vida y haciendo lo que a uno le apetece, sin querer asumir las responsabilidades propias de la edad.

El otro mensaje que el cineasta ha querido transmitir es que el matrimonio puede ser fuente de felicidad y es natural en la persona sacrificarse por quien se considera importante en la vida, en este caso, su mujer y su hijo.

Incluye la crítica de War Horse (Caballo de batalla).

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Cuáles son sus virtudes y   sus defectos?

¿Es una cinta recomendable para un público juvenil?

Crítica de Víctor Alvarado

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Disney y Dreamworks, que repite temática, se adentran en el cine histórico, apelando a la épica, para acercarse a las favoritas en su carrera, nunca mejor dicho, por los Óscars. Sin embargo, tendrá que enfrentarse a huesos duros de roer como The artist, Moneyball, Los descendientes y La invención de Hugo, que nos parecen cintas de mayor calidad y consistencia en su guión que la película en cuestión. De todas formas, el largometraje es un producto altamente recomendable tanto para jóvenes como para niños por los valores que destila y por la elegancia que, en este caso, imprime Steven Spielberg.

La técnica narrativa del realizador, varias veces repetidas en la historia del séptimo arte, consiste en entrelazar una serie de historias, utilizando como hilo conductor un purasangre. En definitiva, se trata de un caballo, adiestrado por un chaval luchador, cuyo padre acabará vendiéndolo porque piensa que es el modo más adecuado para sacar a su familia adelante y, por esta razón, este entrañable animal irá pasando de mano en mano durante el periodo transcurrido entre el inicio y el final de la Primera Guerra Mundial.

Steven Spielberg se sirve de la fórmula, que le hizo triunfar con Hermanos de sangre, en la que los soldados aparcaban sus diferencias, dando muestras de nobleza, cuando entraban en combate y donde las batallas eran espectaculares, lo que queda claro que eran más sangrientas que esta producción familiar, donde hasta las voces de doblaje de la película recuerdan a los personajes de la compañía Easy. Además, el libreto de Caballo de batalla es inferior que el de la serie. También, como no podía ser de otra manera, el rey Midas del cine recurre a actores desconocidos que tan bien le ha funcionado como es el caso del protagonista, Jeremy Irving, que se convertirá en una estrella como le ocurrió a Richard Dreyfuss en Tiburón o a Christian Bale en El Imperio del sol. Por último, la banda sonora de John Williams es cautivadora y enfatiza muchas de las escenas.

Por otra parte, la película, sin ser una maravilla, cumple el propósito de entretener. No obstante, nos ofrece la maravillosa escena del caballo atrapado en tierra de nadie y en la que confraternizan militares de bandos opuestos, a los que les une más de los que les separa, donde no se olvida el lado trascendente del ser humano que se agarra a sus creencias en momentos críticos. Y es que esta secuencia está más o menos basada en hechos reales tal y como lo expresaron los directores Christian Carion con Feliz Navidad (2005) o el gran Jean Renoir y su célebre La gran ilusión (1937), aunque desde ópticas distintas.

Finalmente, War Horse (2011) es una historia de amistad entre un caballo y su dueño, sustentado con los mimbres del cine clásico en la que la reconciliación tiene la última palabra. La cinta muestra como a través del esfuerzo se puede conseguir lo que uno se proponga en la vida. Cambiando de tema, refleja, sin regodearse en la violencia, la dureza de la guerra, pero destacando el heroísmo de muchos soldados que dieron la vida por la patria.

Como dato curioso, el cineasta ha adaptado la novela juvenil de Michael Morpurgo, que intentó homenajear a los caballos, que dieron su vida en la Gran Guerra.

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Incluye la crítica de Moneyball-Rompiendo las reglas.

Dirigido por Víctor Alvarado

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Crítica de Víctor Alvarado

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¿Merece la pena perder una tarde viendo está cinta de Iciar Bollaín?

Comentario de Víctor Alvarado y nuestro experto, Antonio Peláez

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¿C uáles son las claves del éxito de esta cinta protagonizada por Brad Pitt, Philip Seymour Hoffman y Jonah Hill?

Crítica de Víctor Alvarado

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En general, los estadounidenses han demostrado tener bastante talento para contar historias en torno al deporte. Han sido especialmente habilidosos a la hora de emocionarnos, recurriendo a la épica, aunque con Moneyball: Rompiendo las reglas se ha optado por una estrategia distinta a la habitual, lo que le ha servido para recibir unas cuantas nominaciones a los Globos de Oro y alguna que otra nominación a los Oscars.

Moneyball: Rompiendo las reglas (2011) ha intentado guardarse las espaldas, apostando por valores seguros. Para la escritura del guión se requirieron los servicios de Aaron Sorkin, conocido por el muy valorado trabajo El ala oeste de la Casa Blanca y por la consistencia de La red social, aunque a nosotros no nos parece un producto tan excelente como a la gran mayoría de la crítica. También, Steven Zaillian (La lista Schindler) participó en la escritura del mismo.

En cuanto al reparto habría que decir que unos actores de la talla de Philip Seymour Hoffman y la estrella Brad Pitt, lo dicen todo, y si a todo lo dicho añadimos la solvencia de Jonah Hill, vamos por el buen camino.

El director Bennett Miller, recordado por su ópera prima, Truman Capote, regresa a la primera línea de fuego, tras varios años de sequía, con una cinta sobre béisbol en la que los que desconozcan este deporte puede que tengan ciertas dificultades en entenderlo. De todas formas, los guionistas se han esforzado por hacerlo asequible a todos los públicos, explicando que es lo que se cuece en la cúpula de los grandes clubes deportivos.

Brad Pitt aparece como un deportista de carne y hueso, que no supo aceptar su declive. Una crisis personal que podría haberle costado su matrimonio. No obstante, asume la tarea de crear un equipo competitivo con un presupuesto muy inferior al habitual en el deporte rey de EEUU. Para ello, recurrirá al ingenio, tratando de inculcar en sus jugadores y en el entrenador un modo distinto de entender este deporte. La política de fichajes estará dirigida por un economista que gestiona un programa informático capaz de encontrar a deportistas de calidad a un buen precio, pero sin olvidar que se trata de personas que necesitan ser rehabilitadas. De hecho, pues estamos ante una adaptación del libro de Michael Lewis, basado en hechos reales, cuenta como el citado manager, consiguió convertir en estrella a un jugador en principio mediocre, ya que su línea de trabajo tiene en cuenta a la persona, lo decimos en presente porque todavía está en activo.

Finalmente, nos parece necesario destacar dos detalles del protagonista, pues busca una segunda oportunidad y las decisiones que toma van en función de lo que a él le proporciona la felicidad que no es precisamente lo meramente material. Por otra parte, la aparición de la familia, a pesar de que no es el punto fuerte de esta producción, es muy significativa, sobre todo, en el sentido de que el cineasta ha querido resaltarla en las escenas en las que se escucha una canción cantada por la hija del protagonista. Por último, el tema de la trascendencia queda reflejado en un jugador que agradece la oportunidad recibida y que quiere rezar, puesto que han confiado en él.

Incluye la crítica de Katmandú, Popieluszko y Moneyball

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Pudo un sacerdote hacer tambalear al comunismo polaco?

¿Está sólo orientada para un público creyente?

Crítica de Víctor Alvarado

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Popieluszko (2009) no está dirigida sólo para un público creyente, pues estamos hablando de un mártir del catolicismo, sino para los que todavía creen en las bondades del comunismo para que se desengañen de manera definitiva y, sobre todo, para los amantes de la libertad.

Se trata de un biopic que nos explica con detalle e intensidad la vida de un sacerdote muy popular en la Polonia dominada por el poderío soviético. Popieluszko mostró su apoyo al sindicato Solidaridad de Lech Walesa, convirtiéndose en el azote del comunismo por la contundencia de sus homilías y siempre estuvo en clara sintonía con el pensamiento de Juan Pablo II (como se pueden comprobar en la continuas referencias del citado Papa al susodicho sacerdote en algunos de sus textos) lo que le costó caro a esta persona tan querida en su país.

La película ha sido dirigida por el cineasta novel, Rafal Wieczynski que, a pesar de utilizar un formato que recuerda a las series de la RAI y se apoya en muchas imágenes de archivo porque intenta ser muy fiel a los hechos, reflejando la clara sintonía entre Jersy Popieluszko y Juan Pablo II con las necesidades de su pueblo, ha sido capaz de contar una historia que mantiene el pulso narrativo en todo momento. Además, las escenas de masas nos parecen que apelan a la épica y son muy emocionantes porque resulta fácil empatizar con sus exigencias.

El largometraje ha sido distribuido por European Dreams Factory artífice del éxito del documental, La ultima cima, que hablaba de la vida del sacerdote Pablo Domínguez. La cinta fue vista por casi millón y medio de espectadores en Polonia.

La interpretación de Adam Woronowizc es muy positiva y transmite sinceridad sin buscar la lágrima fácil. Representa a un hombre normal con los miedos lógicos de quien se juega la vida, pero que siempre fue coherente y fiel a sus principios. Aparece como una persona que lucha por buscar la verdad y la justicia, lógicamente, desde la perspectiva del humanismo cristiano, buscando la solución a los problemas mediante el diálogo y poniendo la otra mejilla, ya que piensa que, a través del perdón, se puede conseguir solucionar más problemas que mediante el uso de la violencia. Este planteamiento recuerda a Katyn (2007) del también polaco, Andrzej Wajda. Y es que este país está dando muestras de su enorme generosidad a todo el mundo.

Como dato curioso, la Iglesia lo beatificó en 2010 y miles de personar asistieron a la plaza de Vaticano para celebrarlo.

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Incluye la crítica de Los descendientes y Popiełuszko.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Se lucen los actores George Clooney y Shailene Woodley?

¿El perdón lo puede todo?

Crítica de Víctor Alvarado

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Normalmente, cuando uno se acerca a una sala de cine y ve un trailer, la mayoría de las veces, le resulta más atractivo que la propia película. Sin embargo, en esta ocasión, nos ha ocurrido lo contrario, pues el mismo (trailer) nos pareció decepcionante y, en cambio, Los descendientes (2011) ha sido una grata sorpresa. Dos Globos de Oro la avalan (mejor película y mejor actor).

Los descendientes, basado en la novela de Kaui Hart Hemmings, cuenta la vida de un empresario de éxito, cuya familia se encuentra al borde del precipicio porque su mujer está en coma por un accidente y le ha sido infiel; su hija mayor tiene problemas con las drogas, mientras la pequeña muestra constantes llamadas de atención, así que este buen hombre deberá poner orden entre tanto caos.

La interpretación de George Clooney nos parece merecedora del citado Globo de Oro, pero la que lo hace realmente bien es la actriz, Shailene Woodley, que demuestra gran capacidad para transmitir emociones sin estridencias y que con esa actuación puede entrar por la puerta grande de Hollywood. Destacamos la evolución y el proceso de maduración de su personaje ante un acontecimiento estresante.

La dirección corre a cargo de Alexander Payne, al que todos recordamos por A propósito de Schmidt (2002) y, sobre todo, por la maravillosa Entre copas (2004), que regresa a la gran pantalla, tras varios años de paréntesis, después de de haber pasado por un divorcio que no ha debido ser un plato de buen gusto por lo que se deduce de sus declaraciones a la prensa.

El director y guionista sabe tocar los puntos fuertes (sinceridad brutal) y débiles (la ausencia paterna o fragilidad de las relaciones de pareja) del hombre postmoderno. Su lectura de la vida parece muy acertada pues, a pesar de criticar a la familia, señalándola como la culpable de la actual crisis de valores, considerando que si hay amor todos los obstáculos pueden ser superados en el seno de la familia. Por otra parte, el perdón aparece como la fuerza sanadora de todo lo que nos daña y nos permite que miremos hacia delante con esperanza.

Finalmente, Alexander Payne domina el lenguaje cinematográfico con gran soltura en una escena final propia del cine mudo muy significativa de su pensamiento y de su modo de entender la vida. Por cierto, la banda sonora de Craig Armstrong, que juega con el country y los ritmos hawaianos, nos parece muy atractiva.

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Incluye la crítica de Sherlock Holmes: Juego de sombras y Jack y su gemela

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Santiago Segura muestra su lado más “torrentesco”?

¿Salva los muebles Al Pacino?

Crítica de Víctor Alvarado

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¿Qué director adaptado mejor las novelas de Conan Doyle?

¿Es Guy Richie un buen director?

Crítica de Víctor Alvarado

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Dada la escasez de estrenos de calidad esta semana, hemos decidido rescatar Sherlock Holmes: Juego de sombras, la continuación de una saga que empezó con muy buen pie, manteniendo la fórmula que hizo funcionar a la anterior, aunque bajando el nivel en una trama más oscura.

Como habrán podido observar, si son buenos “investigadores”, el argumento versa sobre las andanzas de una de la parejas literarias más celebres de Gran Bretaña, que siguen los pasos del malvado Moriarty, que está urdiendo un plan para enfrentar a todas las potencias europeas.

La cinta sigue contando con dos estrellas de Hollywood como Jude Law y Robert Downey Jr., que dijo lo siguiente en relación con su personaje en declaraciones a Fotogramas:”Digamos que tienes una cita con una mujer que conoces. Te enamoras de inmediato. Te casas y ganas la lotería”. Ambos valoran muy positivamente la labor del director para sacar lo mejor de cada uno. Como dato curioso, Naomi Rapace, conocida por ser la heroína de la saga Millenium, interpreta a una gitana y lo tuvo fácil porque su abuela pertenecía a la citada etnia.

Guy Richie muestra su talento como director, orientando su trabajo a un público adolescente y juvenil a los que se los gana con facilidad (una historia de aventuras apropiada para jóvenes entre 14 y 20 años). El largometraje es muy entretenido, pero copia demasiado las virtudes y los defectos de la primera parte.

Probablemente, este cineasta sea uno de los que mejor rueda las escenas de acción, aunque abusa de este tipo de situaciones y uno tiene la impresión de estar viendo Indiana Jones o Misión Imposible más que las aventuras de Sherlock Holmes. Seguramente, la famosa serie de la BBC y Billy Wilder en La vida privada de Sherlock Holmes (1970) captaron mejor que Richie la esencia de los personajes creados por Arthur Conan Doyle. Eso si, consigue crear una atmósfera que posibilita que el humor corra por las venas de los actores que hábilmente lo transmiten al espectador.

Esta buddy movie sigue expresando el valor de la amistad inquebrantable de “El dúo dinámico” del siglo XIX. Por otra parte, nos ha llamado la atención uno de los diálogos, por lo curioso, en la que Watson defiende con vehemencia y con sentido su postura ante el matrimonio frente a la rotunda oposición de Holmes que no parece partidario del mismo, aunque siempre apoya y protege a su amigo en todo momento.

Incluye la crítica de La Dama de Hierro y La redada.

Dirigido por Víctor Alvarado

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¿Puede la hija de un anarquista contar una historia objetiva sobre la persecución a los judíos en Francia?

Crítica de Víctor Alvarado

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Víctor Alvarado y nuestro experto, Antonio Peláez, analizan la trayectoria de este director.

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La dama de hierro

Imagino que cuando una actriz se enfrenta ante un personaje histórico como la figura de la talla de Margaret Thatcher, le deben surgir multitud de dudas de cómo afrontar el papel. Sin embargo, lo que nos debe quedar claro es que la interpretación de Meryl Streep sirve para confirmar su talento al conseguir que no sepamos distinguir al original de la copia a pesar de que la ideología de la americana nada tiene que ver con la de la política británica. Se trata de una actriz que siempre supo compaginar la vida laboral con la vida familiar (su marido es muy necesario para su felicidad) y que ha creado personajes memorables como el de Memorias de África o Los puentes de Madison

La película cuenta las andanzas de una de las más brillantes carreras políticas de la historia del siglo XX en Gran Bretaña, apodada por la Unión Soviética como La Dama de Hierro.

La Dama de Hierro (2011) está dirigida por Phyllida Lloyd que repite con la citada actriz, dando un giro radical de género, pues ha pasado de la exitosa y divertida Mamma Mía a un biopic bastante serio. El largometraje pretende explicar el nacimiento, ascenso y declive de una persona poderosa, pero sin olvidar su lado más humano destacando las virtudes y defectos de una persona que tuvo que tomar decisiones, que conllevaban un claro desgaste, con la intención de defender los intereses de su país.

De todas formas, trata los temas de puntillas sin posicionarse demasiado con lo que el espectador puede juzgar sus decisiones sin estar manipulado, un detalle que es de agradecer, aunque hay ciertos momentos en los que echamos en falta alguna que otra explicación como el de su lucha por la caída del comunismo en su alianza con Ronald Regan y el de no aceptar el chantaje frente a los terroristas del IRA. Por otra parte, la capacidad de liderazgo de la Thatcher no se cuestiona en ningún momento, ya que siempre demostró una gran firmeza. La realizadora interpreta como clave ese valor que fue un arma de doble filo, pues le sirvió para ascender a lo más alto, pero se acabó convirtiendo en su tumba. Además, se hace referencia a la religiosidad del personaje, que choca con el aumento de los supuestos del aborto que autorizó (pero esta decisión no se refleja en este relato cinematográfico).

Lo más destacable de Phyllida Lloyd ha sido mostrar el contraste de la soledad y la indefensión en los últimos años de su vida frente a una persona que fue una figura internacional de primera línea, que ostentó mucho poder en Europa. El problema es que para mostrar esa realidad se repite demasiado y resulta agotador que en el montaje juegue con el pasado y el presente en tantísimas ocasiones. Otro acierto a tener en cuenta es el papel del actor Jim Broadbent como Dennis Thatcher, su marido, que le pone la chispa de humor necesaria para sobrellevar el transcurso de los fotogramas de una cinta de ritmo demasiado pesado a pesar de que el personaje nada tiene que ver con la realidad pues, aunque estuvo en la sombra, estaba muy bien formado y conocía todos los tejemanejes del partido conservador necesarios para ayudar a su esposa.

¿Cuál fue el auténtico papel de su marido, Dennis Thatcher?

¿Se expresa bien el desgaste propio del poder?

Crítica de Víctor Alvarado

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