Incluye la crítica de Mis tardes con Margueritte

Dirigido por Víctor Alvarado

Cuando hablamos de Jean Becker, no nos estamos refiriendo al típico director de película francesa, sino a un autor que tiene como objetivo en sus largometrajes hacernos pensar y que no salgamos de la sala de proyección igual que hemos entrado.

Cuenta la vida de un cincuentón casi analfabeto, que se reúne todos los días con sus amigos en el bar y al que su vida le cambiará completamente al conocer a Margueritte, una anciana culta, que le transmitirá su amor por la literatura.

La pareja protagonista nos maravilla con sus excelentes interpretaciones. La actriz Gisèle Casadesus proviene del mundo del teatro, y debutó en la ya lejana década de los 30, consiguiendo que nos encariñemos de su personaje. Por otra parte, el gran Gerard Depardieu representa al típico bonachón que da la vida por sus amigos y está bien hasta comiéndose un bocadillo vegetal.

El cineasta francés posee un talento particular para contar historias que consiguen emocionar al espectador. Tanto Conversaciones de mi jardinero (2007) como La fortuna de vivir (1999) aparecen en su filmografía como su mejor carta de presentación. Se trata de relatos cinematográficos que, al igual que Mis tardes con Margueritte (2010), giran en torno a la lealtad entre compañeros, que se entregan generosamente en el empeño de ser fieles los unos a los otros como muestra una escena en la que dos de ellos van a ayudar, a su manera y con falta de delicadeza, a un amigo borracho y deprimido.

De todas formas, el eje central de la historia, se plantea entre un hombre de mediana edad y una entrañable anciana en la que se entremezcla un amor platónico y una profunda amistad, compartiendo su vida a través de lo que deducen de los libros que leen y los problemas que plantean en los mismos son extrapolados a la realidad de Germain (Gerard Depardieu)

Entre los temas importantes del largometraje destaca el desinteresado cariño que el protagonista profesa por su incompetente madre que parece no corresponderle, explicado, especialmente, en el emocionante momento de la muerte de su progenitora. Y es que el amor hacia una madre es un hecho universal que nadie podrá negar.

Por otra parte, la ausencia de la figura paterna refleja una problemática muy actual que se traduce en el aumento en la sociedad postmoderna de las familias monoparentales, donde se generan hijos con ciertas carencias por falta de un referente, en este caso, masculino.

Por último, en esta obra del celuloide, el director parece querer decirnos que el hombre es bueno por naturaleza y lo puede seguir siendo el resto de su vida, aunque algunos compañeros de profesión critican esa falta de mala uva por parte del cineasta.

Autores:  Belén Pose y Néstor Sánchez

Comentario de Víctor Alvarado

El género de acción es uno de los puntos estratégicos que caracteriza al periodo cinematográfico veraniego. Concretamente, Killers (2010) es una aceptable comedia de un espía muy enamorado.

Robert Luketic, autor de la magnífica Una rubia muy legal (2001) o la patética La cruda realidad (2009), dirige una divertida cinta con dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas recuerda, en cierta medida, al cine clásico de los años cuarenta o cincuenta y si hubiese mantenido el tipo de esa primera parte estaríamos hablando de una notable película, pues las situaciones de humor están muy bien hiladas, explicándonos los tópicos o no tan tópicos sobre las relaciones de pareja. El fondo argumental proporciona elementos de juicio que puedan ayudar a reflexionar sobre las renuncias generosas, en tono positivo, que supone el compromiso matrimonial.

En cambio, en la segunda parte, al realizador se le va de las manos con una serie de escenas de violencia interminable que rompen el tono inicial. El guión se disparata de tal manera que resulta poco convincente, perdiendo la magia de los primeros 50 minutos.

Cambiando de tema, el largometraje guarda ciertos paralelismos con Los padres de ella (2000) y, por supuesto, con la cercana estela dejada por Noche y día (2010), obsequiándonos con claros guiños al cine de espionaje y ofreciéndonos un excelente “publireportaje” de la ciudad de Niza.

El argumento cuenta la vida de Spencer, un espía que se dedica hacer el trabajo sucio de los servicios secretos norteamericanos, que dejará su macabro empleo al encontrarse con la encantadora Jen Kornfeldt. Unos años más tarde, Spencer descubre que alguien lleva siguiéndoles desde hace un tiempo con no buenas intenciones

Por otra parte, Asthon Kutcher es el productor de Killers. Por tanto, todo gira entorno a facilitar el lucimiento del actor que, curiosamente, escribió un guión previo, perfeccionado por un equipo de guionistas. Kutcher nos ofrece un papel de un personaje equilibrado y maduro muy diferente al que le hizo saltar a la fama en la excelente serie, aunque muy “mayo sesentaiochista”, Aquellos maravillosos años 70.

Catherine Heigl interpreta brillantemente a un inocente personaje, mientras que el broche de oro corre a cargo de Tom Selleck, que Kutcher quiso incluir en su producción.

Incluye la crítica de Killers

Dirigido por Víctor Alvarado

Año (1937)

Director: Víctor Fleming

Reparto: Spencer Tracy, Freddie Bartholomew, Lionel Barrymore, Melvyn Douglas, Mickey Rooney…

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

Comentario del Víctor Alvarado

Autores: Belén Pose y Néstor Sánchez

Aunque el cine de ciencia ficción no sea uno de mis géneros favoritos porque no siempre han sido capaces de contar buenas historias, reconozco el poderoso influjo de Origen (2010), que cautivará a todo buen aficionado al cine de calidad.

Este thriller gira entorno a Cobb, interpretado por Leonardo DiCaprio, que dirige a un grupo de investigadores-delincuentes, que desempeñan una extraña misión, consistente en introducirse en el subconsciente de la personas, mientras sueñan, para extraerles la información requerida. El citado Cobb y su equipo quieren acometer su último trabajo en el que tendrán que introducir una idea en la mente del heredero de un gran imperio económico.

La producción viene respaldada por un reparto excepcional. El actor Michael Caine se come la pantalla a pesar de su breve intervención, mientras que dos estrellas surgidas del cine independiente como Ellen Page, la protagonista de Juno (2007), una película que defendía la vida del no nacido y Joseph Gordon-Levitt, el protagonista de (500) días juntos (2009), que tan bien nos explicó el proceso de un noviazgo desde su inicio hasta su ruptura, lo hacen fabulosamente. Éstos secundarios, junto con una actriz que parece sacada del cine clásico como Marion Cotillard, favorecen el lucimiento de DiCaprio, cuya interpretación está llena de matices. Además, dicho actor, últimamente, participa en trabajos que pueden hacer pensar al espectador y se cuentan por éxitos.

Por otra parte, Christopher Nolan ha sido capaz de inventar un relato de ciencia ficción realmente espectacular y si Alfred Hitchcock se sirvió del psicoanálisis para su película Recuerda (1945) o los hermanos Wachoski construyeron Matrix(1999) para hablar de la realidad virtual, el cineasta británico nos cuenta una original historia, recurriendo a algunas referencias de la trilogía de Matrix, al psicoanálisis y al mundo del subconsciente.

Por tanto, el director fabrica una obra onírica en la que varias situaciones ocurren al mismo tiempo, pues el autor trata de recrear un sueños de tres capas que, aunque pueda parecer que se sigue con dificultad, el realizador no pretende liarnos, dejando todo meridianamente claro a pesar de su complejidad.

Por otro lado, este genio de la cinematografía nos hace reflexionar sobre la familia con el viaje emocional que vive el protagonista, que lucha por limpiar su nombre de una falsa acusación de asesinato para recuperar la mirada y el cariño de sus hijos. Y es que el autor trata que sus personajes reciban justicia al igual que ha hecho con el personaje interpretado por Cillian Murphy, el cual bucea en el subconsciente para saber que quería su padre de él, ofreciéndole una propuesta que no dejará indiferentes a los asistentes a las salas de proyección.

Finalmente, en este drama de acción y misterio, como viene siendo habitual en la filmografía de Nolan, sus personajes sufren con el sentimiento de culpa.

Incluye la crítica de Origen

Dirigido por Víctor Alvarado

Director: Michael Curtiz

(1942)

Reparto: Humphrey Bogart e Ingrid Bergman

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

Reparto: Leonardo DiCaprio,  Ellen Page…

Crítica de Víctor Alvarado

En una época en la que el cine de animación en tres dimensiones copa las carteleras españolas. Existe una pequeña producción irlandesa, que todavía se atreve con la animación tradicional y nos ofrece una pequeña perla que merece la pena se tenida en cuenta por los valores que transmite.

La historia gira entorno a un monje de 12 años, que vive en la abadía fortificada de Kellls que trata de reforzarse para protegerse del posible ataque de los vikingos en el siglo IX DC. El citado monje, llamado Brendan, se encuentra bajo el amparo del abad, su tío, que le educa con una férrea disciplina, ya que sus padres fueron asesinados.

Tomm Moore ha conseguido llevar a esta obra al lugar más alto en el que podía estar, pues fue nominada a los Óscar 2010, teniendo que enfrentarse a muros infranqueables como Tiana y el sapo (2009) o Up (2009). No obstante, esta diminuta joya ha recibido premios, en festivales repartidos, especialmente, por la geografía Europea como Zagreb, Edimburgo o Dublín.

El autor utiliza una técnica de dibujo muy sencilla, pero original para narrarnos una historia que puede atraer a un público infantil en la que el adulto no se sentirá desplazado porque las sub-tramas que se ofrecen pueden interesar a los más mayores. El misterio que encierra este cuento se centra en una pieza de gran valor artístico como es el libro de Kells, que contiene los cuatro Evangelios.

Por otra parte, este relato cinematográfico trata de explicarnos como era la vida de los pueblos de la edad media. Una época en la que los habitantes de diversas zonas del viejo continente se encontraban resguardados bajo el manto de la Iglesia.

La cinta bebe de las fuentes de la cultura católica combinada con las tradiciones celtas. Sin embargo, al director parece importarle contarnos la influencia de los cristianos en la sociedad irlandesa y como los monjes fueron los encargados de transmitir la cultura durante siglos, presentando unos valores que se oponían a los sanguinarios desmanes de los paganos vikingos.

Incluye la crítica de The secret of Kells

Dirigido por Víctor Alvarado

Año: 1962

Reparto: Gregory Peck, Mary Badham, Brock Peters, Phillip Alford, John Megna, Frank Overton…

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

Autores: Belén Pose y Néstor Sánchez

En 1972, cuatro de los mejores soldados del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en escaparse del lugar, donde estaban recluidos. Ahora sobreviven como soldados de fortuna. Si tiene algún problema, quizás pueda contratarlos. Pensamos que este fragmento que acaban de leer es la mejor manera de homenajear a una serie que cautivó a los niños de los 80, aunque su adaptación cinematográfica deja mucho que desear porque su resultado final nos parece decepcionante.

En primer lugar, esta cinta mantiene alguno de los comentarios típicos de los personajes como: “Me encanta que los planes salgan bien” o “No pienso subir a este avión”. Por otro lado trata de servirse de la nueva moda que busca los orígenes de personajes populares del mundo de la televisión, del cine o del cómic, olvidándose, en este caso de la esencia del equipo A., que era ayudar a las personas que se encontraban en una situación difícil o comprometida.

En segundo lugar, este largometraje adolece del gran sentido del humor que caracterizó la popular serie, dando la impresión de no llegar al espectador y ofreciendo excesivas dosis de acción desastrosamente rodadas, que provocan más el aturdimiento que el entretenimiento. Además, los guionistas intentan modernizar a los personajes y los relacionan con el manido tema de la guerra de Afganistán, donde se acusa a los militares de corrupción, como cuestionando la política actual americana en el citado conflicto.

Tan sólo Liam Neeson salva este deficiente y aburrido largometraje, en la que la lealtad y el compañerismo tienen mucho que decir.

Por tanto, todos sabemos que las comparaciones son odiosas, sin embargo, ¿para qué ha hecho Joe Carnahan una película, basada en una serie de televisión, si no es para mejorarla?

Incluye la crítica de Toy story 3 y El equipo A

Dirigido por Víctor Alvarado

La cinta gira en torno a los juguetes de Andy que, intuyendo que su dueño se está haciendo mayor y les quiere enviar a una guardería, empiezan a replantearse sus vidas.

Este largometraje está dirigido por Lee Unkrich, que ha partido de varios trabajos de la factoría como Buscando a Nemo (2000). El director consigue mantener la frescura de la primera, contando ideas diferentes a las anteriores, pero sin resultar reiterativas a pesar de girar alrededor del mundo infantil. Su trabajo es excelente y, en algunos aspectos, mejorando a las anteriores, respaldándose en un guión potentísimo de Michael Arndt, que nos ofrece todos los ingredientes para garantizar el éxito.

Las situaciones cómicas creadas son divertidísimas, mientras que las dramáticas tienen mucho sentido y pueden servir para reflexionar sobre la lealtad, la amistad y la familia, destacando la importancia de encontrarse unidos hasta en los peores momentos junto con el miedo a no ser aceptado y sobre los efectos negativos del rencor mantenido a los largo del tiempo.

Por último, les recordamos que no deben perderse el corto anterior a la proyección de Toy story 3 (2010) y la desternillante historia de amor entre Ken y Barbie. Además, la cinta nos obsequia con varios guiños cinematográficos como La gran evasión (1962) o a Mi vecino Totoro (1988), el entrañable personaje del animador japonés Hayao Miyasaki, muy admirado por Lasseter.

Conclusión, tanto padres como hijos no deben perderse este film, que emocionará a unos y entretendrá a los otros.

Año: 2009

Reparto: Joseph Gordon- Levitt y Zooey Deschanel

Crítica de Víctor Alvarado

Rodrigo García [Cosas que diría con sólo mirarla (20009)], hijo de Gabriel García Márquez, un escritor que siempre ha apoyado la dictadura castrista, ha escrito y dirigido una cinta con valores opuestos, en cierta medida, a los de su padre, defendiendo el derecho a la vida por encima de todo.

La cinta tiene el sello personal de González de Iñarritu, pues produce una película de esas historias, que se entrecruzan, que tanto gustan al productor y director mejicano.

En general, Rodrigo García intenta hacernos pensar sobre las consecuencias positivas o negativas de entregar a un niño en adopción a juicio del autor, aunque parece poner en duda que sea la mejor decisión. Annette Bening interpreta a una mujer que se siente insatisfecha por haber entregado a su hija en adopción. Un dato que ha supuesto que en una crítica en hispanidad.com se plantease que la película hubiese sido redonda, si se hubiese atrevido a tratar el tema del síndrome post aborto. Un argumento con el que coincidimos plenamente.

Entre las virtudes de este film se encuentra la inocencia de los personajes más jóvenes como la niña ciega que reflexiona sobre la vida, destacando que en la mujer embarazada hay una persona dentro de otra persona. Otra jovencita habla de su experiencia de fe que trata de transmitir a sus familiares y, a la vez, refleja la cultura cristiana propia de la comunidad hispanoamericana de los Estados Unidos.

Otro punto luminoso de Madres e hijas (2009) es la actitud respetuosa del cineasta con respecto a las creencias religiosas y a las instituciones del Iglesia católica.

El problema es que Rodrigo García presenta este relato desde una óptica femenina en la que los hombres pintan poco en las decisiones importantes a pesar de que dos de los tres personajes masculinos intentan tomar decisiones maduras para tratar de solucionar los inconvenientes que pueden surgir a lo largo de la historia.

Por otra parte, el director, en el tratamiento de las escenas de cama, parece alabar, en un principio, al hedonismo puro y duro. Sin embargo, muestra una actitud crítica frente a ese comportamiento porque se deja claro que no proporciona la felicidad y destruye a los que se encuentran a su alrededor. No obstante, destaca positivamente la decisión final del personaje interpretado por Naomi Watts a pesar de su absoluta independencia.

Como conclusión, podrás estar más o menos de acuerdo con alguno de los planteamientos ideológicos del realizador, pero queda claro que busca proteger al no nacido, dándole la oportunidad de forjarse su propio futuro

Incluye la crítica de Madres e hijas y London river

Dirigido por Víctor Alvarado

London River (2009) se desarrolla en los momentos posteriores a los atentados perpetrados por terroristas islamistas el 7 de julio de 2005 en Londres. En ella se cuenta el modo en el que un guarda forestal musulmán y una campesina cristiana buscan a sus hijos desaparecidos tras los citados atentados.

Rachid Bouchareb [Days of Glory (2006)] narra con sencillez y habilidad una historia muy humana sobre dos personas, de culturas antagónicas, que se unen para buscar a sus seres queridos, resultando muy respetuoso con la religiosidad de sus protagonistas, que dejan un hueco para la trascendencia, a la que recurren en los momentos difíciles. Una realidad que algunos medios de comunicación intentan ocultar siempre que pueden.

El director de origen franco-argelino ha pretendido demostrar que la personas sentimos de la misma manera, sea cual sea nuestra cultura, y que es posible encontrar puntos de encuentro a pesar de las notables diferencias que nos separan. Los diálogos no son demasiado abundantes, pero la combinación entre palabras e imágenes nos parecen suficientes para expresar el sufrimiento de los familiares de las víctimas ante el comportamiento irracional de los que usan la violencia de manera indiscriminada.

Las interpretaciones son excelentes. Sotigui Kouyaté consiguió el premio a la mejor interpretación en el Festival de Berlín 2009, mientras que Brenda Blethyn, que nos maravilló a todos con Secretos y mentiras (1996), nos obsequia con una actuación magnífica en la que consigue transmitirnos la desconfianza hacia una civilización diferente a la suya. Como dato curioso, la actriz británica tuvo que perfeccionar el francés para participar en el rodaje de esta película.

Director: Antonio del Amo

Año: 1958

Reparto: Joselito, Roberto Camardiel y Dolores Villaespesa

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

Incluye la crítica de Un regalo para ella

Dirigido por Víctor Alvarado

Un regalo para ella (2009) es la simpática comedia francesa póstuma de Claude Berri, que falleció cuatros días después de iniciar el rodaje, por esa razón fue terminada por Francois Dupeyron conocido por El señor Ibrahim y las flores del Corán (2003) y El pabellón de los oficiales (2001), que acompañó al citado director en el lecho de muerte con lo que pudo obtener las claves de este largometraje.

Se trata de una cinta poco original, pues guarda ciertos paralelismos con Los perros de mi mujer (1965) y la reciente Una pareja de tres (2008). La película reflexiona sobre las parejas que centran su vida en el bienestar de sus mascotas, olvidándose de que lo realmente importante debe de ser la pareja y la necesidad de entregarse en la educación de unos hijos, que podrían tener como complemento un perro. Un dato que invita a pensar el porqué de la igualación entre animales y personas ha provocado que la sociedad española vaya infravalorando progresivamente el valor de la vida humana, lo que ha provocado un aumento exagerado del número de abortos. Si no acuérdense de las malintencionadas e interesadas declaraciones de la ministra Bibiana Aído, que carecen de rigor científico en las que decía que el feto era un ser vivo, pero no había evidencias de que fuese un ser humano. Si este es el nivel de quien nos gobierna, no nos puede extrañar nada.

Cambiando de tema, la cinta presenta dos puntos fuertes como la amable banda sonora de Frédéric Botton y Jean-Yves d’Angelo y dos excelentes actores como Matilde Seigner y Alain Chabat, mientras que la debilidad de este trabajo cinematográfico se encuentra en las situaciones cómicas sobre los tópicos de los perros y sus dueños, puesto que no siempre provocan la sonrisa.

Incluye la crítica de Eclipse

Dirigido por Víctor Alvarado

Director: Francis Ford Coppola

Reparto: Martin Sheen , Marlon Brando, Robert Duvall…

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

En ocasiones, grandes repartos no son suficientes para que una historia llegue a funcionar. Ni Keanu Reeves, ni Winona Ryder, ni Alan Arkin, ni Julianne Moore tienen la dinamita adecuada para encauzar una historia oscura y no demasiado bien planteada.

El largometraje se centra en contarnos el desgraciado pasado de Pippa Lee, una mujer que, aparentemente, posee todos los ingredientes para ser feliz, pues su marido es un escritor de éxito, mientras que sus hijos y sus amigos le proporcionan el bienestar necesario para sentirse bien. Sin embargo, Pippa realizará un recorrido por su pasado con el que pretende demostrar que no es oro todo lo que reluce.

Rebeca Miller, hija del dramaturgo Arthur Miller, dirige su cuarta película, que a su vez se basa en una novela escrita por la citada cineasta. Por tanto, el guión no está del todo mal. El problema es que este relato parece un culebrón siniestro en algunos aspectos. Por ejemplo, se presenta una actitud crítica con el lesbianismo, pero lo lleva al extremo ofreciendo escenas no aptas para el público infantil. Por otra parte, este drama podría haber sido lacrimógeno si no llega a ser por el modo tan surrealista y desordenado en el que se va contando todo y que un reparto de lujo no consigue salvar a pesar de la buena interpretación y de la gran ilusión mostrada por Robin Wright Penn que, en unas declaraciones poco elegantes, dijo a Fotogramas lo siguiente: “Hubiera dado una de mis tetas por hacer un film así y tiene mérito… ¡porque no tengo!”.

Cambiando de tema, la realizadora norteamericana ha pretendido narrar el esfuerzo de una mujer por tratar de corregir, a su manera, las grandes dificultades y desaciertos de su vida como producto de la vida hippy. Por esa razón, parece que quiere demostrar los inconvenientes de ese estilo de vida.

Finalmente, hay una escena en la que se plantea el tema de la fe, aunque me queda la duda de si esté desarrollada de manera correcta como un bastón en el que apoyarse o intenta hacernos ver que el éxtasis espiritual está relacionado con el orgasmo sexual, una idea similar a la propuesta por la producción Teresa, el Cuerpo de Cristo (2007) del español Ray Loriga. Juzguen ustedes esa escena, si se animan a verla, fijándose detenidamente en la situación en la que Keanu Reeves muestra su tatuaje.

Como dato curioso, las transiciones entre escenas han sido rodadas del tirón, es decir; no se recurrió a efectos de montaje. Por tanto, se diseñaron las escenas para que la cámara pasase de un escenario del presente a uno del pasado, utilizando una situación cotidiana.

Incluye la crítica de la vida privada de Pippa Lee

Dirigido por Víctor Alvarado

Presentación de  Víctor Alvarado

Autores: Belén Pose y Nestor Sánchez

Anand Tucker nos ofrece una decepcionante comedia romántica de intercambio cultural. Cuenta las andanzas de una chica de clase alta, que vieja a Irlanda para pedirle a su novio que se case con ella el 29 febrero, siguiendo la tradición del citado país que sirve para garantizar la felicidad duradera. Sin embargo, sus planes se trastocarán al conocer a un chico de la zona.

Las interpretaciones no son nada del otro mundo. De todas formas, sobresale, por decirlo de alguna manera, la de Amy Adams, conocida por haber participado en Julie and Julia (2009).

La dirección corresponde a Anand Tucker (Hilary y Jackie), que no consigue transmitir nada especial con un guión demasiado esquemático. El autor refleja las tradiciones irlandesas de un modo superficial, que la dan pie para generar situaciones supuestamente divertidas. Su humor se basa fundamentalmente en golpes y caídas, narrando situaciones cómicas sin gracia ninguna. En definitiva, se trata de una película demasiado convencional, aunque no sería justo ignorar que, al menos, no basa su humor en gags burdos y del mal gusto, un tema muy recurrente en la comedia actual.

Por otra parte, la producción crítica los comportamientos supersticiosos. Una realidad muy arraigada en muchas culturas incluso en la occidental y que llama la atención que el ser humano no haya logrado desterrar de su mente.

Además, este largometraje constata la falta de compromiso del hombre actual, expresado en el novio de la protagonista, un personaje que sólo entiende el matrimonio como un mero intercambio económico, cuando la relación de pareja debe construirse con pilares más sólidos que quedan patentes en los pequeños detalles mostrados por el papel del actor Matthew Goode.

Por último, les recomendamos que no se pierdan la única joya de esta cinta, que bien se merece un documental. Nos estamos refiriendo a un castillo que aparece en ella que es una auténtica maravilla.

Incluye la crítica de Tenías que ser tú y Io, Don Giovanni (Carlos Saura)

Dirigido por Víctor Alvarado

Con Judy Garland

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

El gran experto en describir retratos familiares, Daniel Burman, adapta por primera vez, una novela de Sergio Dubcovsky. Un dato que nos llama la atención, pues todas sus películas han sido escritas por él. La cinta recibe el nombre de Dos Hermanos (2010).

La historia gira entorno a dos hermanos con caracteres realmente opuestos, ya que Marquitos es un hombre sensible, culto y enamorado del teatro que cuida a su madre las veinticuatro horas del día. Sin embargo, cuando su madre fallece, dicho personaje tendrá que enfrentarse a los tejemanejes de su alcohólica, extrovertida y manipuladora hermana.

El director conocido por trabajos como El abrazo partido (2004) o por Derecho de familia (2006) nos introduce en una familia argentina, explicando la cotidianidad de su convivencia y narrándolo con elegancia. El problema es que, si exceptuamos su presentación, que es realmente divertida, su ritmo es demasiado lento y no logra enganchar al espectador como lo hizo en otros de sus trabajos como fue el interesante Nido Vacío (2008). Este largometraje es tristemente soporífero y lo que podía haber sido un buen relato cinematográfico, se queda en algo demasiado convencional y reiterativo. Tan sólo las buenas interpretaciones salvan a este film.

El actor Antonio Gasalla es un humorista muy popular desde los años 60. Se puede decir que es el Paco Martínez Soria de Argentina. Percibimos en él un gran dominio de las escenas en las que participa, ya que proporciona, a cada situación, el gesto o la entonación adecuada. La actuación de Graciela Borges nos parece muy completa y repleta de matices.

Entre los aspectos más positivos de esta obra de Burman observamos la relación de amor-odio entre dos hermanos que tendrán la oportunidad de conocerse mejor y de entender qué es lo les preocupa. Poco a poco veremos como descubren los vínculos que les unen. En definitiva, estamos ante un canto a la familia como toda la filmografía de autor y su desenlace nos parece muy esperanzador.

Por otra parte, se refleja razonablemente bien la relación entre la madre y el hijo, que presenta el complejo de Edipo, que explica la dependencia de uno con respecto al otro. Aunque, algunos podrán interpretarlo como el servicio o la entrega de una persona a la otra que le ha dado la vida sin esperar nada a cambio.

Como dato curioso, les aconsejamos que no se pierdan el simpatiquísimo número de los secundarios que puede ver, mientras aparecen los créditos del final de la película.

Autores: Belén Pose y Néstor Sánchez

Los cineastas estadounidenses han demostrado su talento, realizando largometrajes deportivos de primera línea y con un fondo dramático interesante. Podemos recordar algunos títulos como los clásicos: Marcado por el odio (1956) y El orgullo de los Yankis (1942) juntos con otros más actuales como Carros de fuego (1981), Invictus (2009) o Hoosiers: más que ídolos (1986)

El director John Lee Hancock nos ofrece una cinta de cierta intensidad dramática con aspectos positivos que merecen nuestro comentario. Desde luego, el realizador deja meridianamente claro que su personaje principal se rige por los principios del humanismo cristiano por lo que las decisiones que toma, pasan por el tamiz de la fe. Hancock narra las aventuras y desventuras de un gigantesco chico afro-americano, proveniente de los barrios marginales de una población de los Estados Unidos, que consigue entrar en un colegio católico por sus habilidades deportivas. Este chico será acogido por una mujer cristiana, que siente compasión por él, acogiéndolo como si fuera su auténtico hijo. Esta último hecho recuerda a Up(2009).

La interpretación de Sandra Bullock nos parece digna de ser tenida en cuenta, dado el esfuerzo que supone cambiar del registro cómico, al que nos tiene acostumbrado, por otro más dramático que le supuso el ansiado Óscar. Sin embargo, aunque nos cae magníficamente, consideramos que tiene que mejorar esa faceta porque su actuación se queda en un notable alto. Por otra parte, nos parece simpatiquísimo el actor que interpreta al hijo menor de la protagonista.

Entre la luces de esta obra del celuloide destacan la bondad y la inocencia de un personaje como el actor Quinton Aaron que, a pesar de provenir de ambientes deprimidos, posee un instinto de protección sorprendentemente positivo. También, nos habla de la superación personal en una historia basada en hechos reales.

Además, el realizador nos muestra el modo en el que se conmueve el alma de la Señora Tuohy al comprender la dramática situación personal de Michael Oher (Quinton Aaron), que supondrá que la citada mujer ponga en práctica la caridad cristiana.

Hay una escena muy significativa, donde un grupo de amigas le cuestionan su modo de actuar en la vida, costándoles mucho entender sus planteamientos y los profundos ideales que rigen su vida.

(http://www.diarioya.es/content/the-blind-side-un-sue%C3%B1o-posible-la-pel%C3%ADcula-cat%C3%B3lica-del-a%C3%B1o)

Incluye la crítica de Dos hermanos y  de The Blind side (Sandra Bullock)

Dirigido por Víctor Alvarado

Crítica de Víctor Alvarado

Incluye la crítica de El retrato de Dorian Gray y la entrevista a Ana Lorenz directora del corto Algo queda

Dirigido por Víctor Alvarado

Reparto: Vincent Gallo, Maribel Verdú …

Crítica de Víctor Alvarado

Reparto: Gary Cooper, Teresa Wright y Walter Brennan

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

Frente a las clásicas historietas de la Marvel (Ironman o Spiderman), en la actualidad ha aparecido un tipo de cómic que da otra vuelta de tuerca al mundo de los superhéroes como pudimos comprobar en Hankcock (2008) o en la película en cuestión Kick-Ass (2010), unos héroes diferentes a los impolutos e indestructibles hombres creados por Stan lee.

Kick-Ass cuenta la historia de un adolescente del montón, sin ningún don especial, que intenta convertirse en el defensor de los más débiles, aunque eso pueda costarle la misma vida.

Como toda película de acción, lo más destacable no son las interpretaciones. Sin embargo, habría que decir que Aaron Johnson y sus frikis compañeros devoradores de tebeos reflejan magníficamente una realidad de la sociedad. Por otro lado, Nicolas Cage esta patético con ese bigote postizo. También, nos preguntamos: ¿Qué hace una niña de once años como Cloë Grace Moretz en una película tan dura visualmente hablando?

El realizador Matthew Vaughn, conocido por Stardust (2007), apostó muy fuerte por esta película porque lo que no les gustaba del guión a los productores era lo que el director sabía que iba a funcionar. Da la impresión de que el cineasta tiene olfato para reconocer que le puede gustar a la juventud del tercer milenio, que no necesariamente tiene que ser bueno (Humor y violencia junto con un antihéroe que se convierte en héroe).

De este largometraje podemos destacar que frente a producciones como las de Gus Van Sant, donde se presenta el pensamiento de débil de la juventud postmoderna como captadora de una filosofía nihilista que consigue que los jóvenes se dejen llevar por la corriente y que su vida carezca de sentido, Matthew Vaughn nos propone una alternativa con el tema de la vocación de un chaval que lucha contra molinos de viento por un ideal, aunque pueda parecer disparatado. Además, la compañera del protagonista realiza un voluntariado. Parece que el director, siendo consciente o no, ha querido demostrar que todavía existen personas menores de 20 años que se mueven por otros intereses, en este caso, al menos por unos altruistas. Si se hubiese profundizado más en este tema se podía haber convertido en un referente de la esperanza para las generaciones venideras. El problema es que estos planteamientos se solapan por el ácido humor y por la violencia killbiliana.

En definitiva, nos encontramos con una atípica y original parodia de superhéroes de carne y hueso con sus cualidades y defectos, contada de forma divertida, donde las exageraciones no irritan, dadas las extraordinarias cualidades atléticas de los personajes. El largometraje está basado en un cómic de Mark Millar (Wanted), cuyo guión fue terminado antes de que el dibujante hiciera su trabajo. Como dato curioso, Brad Pitt fue un de los promotores de una cinta que ha sido número uno en la taquilla de los Estados Unidos.

Incluye la crítica de Kick-Ass y el documental La última cima

Dirigido por Víctor Alvarado

Entrevista de Víctor Alvarado al crítico José Luis Panero sobre La última cima

Reparto: Angelina jolie y John Malkovich

Crítica de Víctor Alvarado

Comentario de Antonio Peláez

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

Si el sinónimo de éxito en la época dorada de Hollywood era David O. Selznick, el sinónimo de triunfo de la taquilla de los últimos años es, sin duda, Jerry Bruckheimer. El citado productor podría considerarse el rey Midas del séptimo arte, pues todo lo que toca lo convierte en oro. Entre sus aciertos se encuentra Top gun(1986), la trilogía de Piratas del Caribe o la saga de La búsqueda, protagonizada por Nicolas Cage. Un productor que se atreve con la adaptación de un popular videojuego.

La cinta gira entorno a un ladronzuelo de Persia, dotado de extraordinarias cualidades atléticas, que se acabará convirtiendo en uno de los príncipes del imperio persa y que tendrá la misión de salvar al mundo de las garras del terrible Nizam

Un largometraje repleto de acción, que impide el lucimiento de los actores. No obstante, el actor Ben Kingsley junto con los chispeantes comentarios de Alfred Molina elevan la categoría del film. La belleza de la actriz Gemma Arterton endulza alguna de las escenas. La interpretación más negativa es la de Jake Gyllenhaal. De todas formas, hay que reconocer el poderío físico alcanzado por el actor protagonista. Largas horas de gimnasio fueron necesarias para conseguirlo. Tampoco nos podemos olvidar de sus intensos entrenamientos para convertirse en un maestro con las armas. Sus músculos crecieron tanto que le tuvieron que agrandar la armadura.

Como decíamos, el argumento esta basado en un conocido videojuego de los Spectrum y de los primeros PC. ¿Se acuerdan ustedes de esos cacharros informáticos? Un videojuego de ordenador, que enganchó a todos los niños españoles de la época en algún momento de sus vidas. La dirección corre a cargo de Mike Newell, fundamentalmente conocido por dos películas de diferente temática, pero de alta calidad como La sonrisa de Mona Lisa (2003) y Cuatro bodas y un funeral (1994).

El cineasta cuenta una sencilla historia con un guión esquemático, que recuerda a grandes producciones como la de El señor de los anillos(2001), cuyo guión es más profundo que el de la película en cuestión, aunque está contada con un ritmo trepidante, que no permite al espectador levantarse de la butaca, ni dejar de comer palomitas. La película no chirría en ningún momento y, desde luego, la distribuidora Disney ha cuidado el detalle para que se pueda disfrutar de la misma en familia, estando dotado de considerables dosis de amor y humor blanco. Quizás al director se le va la mano con los efectos especiales y con los toques mágicos finales a pesar de que este realizador sólo quiso exagerar el tema de los saltos. Por lo menos eso fue lo que comentó.

Finalmente, se puede destacar la honradez y la lealtad del príncipe hacia sus hermanos junto con una frase sobre la felicidad en tono filosófico que puede ayudar a pensar. También, el visionado de este largometraje sugiere que los dones hay que ponerlos al servicio de los demás.

Por último, habría que recordarle al señor Newell que, en la Edad Media, los habitantes de Persia creían en un solo Dios (Alá) y no en varios. Da la impresión de que se utiliza esa terminología para ser políticamente correcto, ya que en la actualidad se intenta que se relacione a todos los monoteísmos como fundamentalismos y no todos los monoteísmos son negativos, un claro ejemplo positivo es el cristianismo.

Incluye la crítica de Prince of Persia, las arenas del tiempo

Dirigido por Víctor Alvarado

Reparto: Clive Owen y Julia Roberts

Crítica de Víctor Alvarado

Autora: Belén Pose

Comentario de Antonio Peláez

Reparto: John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, War Bond, Vera Miles…

Comentario de Víctor Alvarado e Irene de Alba

El cine en estado puro llega de la mano de Giuseppe Tornatore, que nos maravilló a todos con Cinema Paradiso(1988), por el que ganó un Óscar. Se trata de una superproducción de 25 millones de euros, con 122 localizaciones y más de 200 actores junto con secundarios de lujo como Ángela Molina o Enrico Lo Verso.

La película narra las andanzas de Peppino, un humilde pastor, amante de la literatura, que se meterá en política una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial.

La selección de secundarios nos parece muy acertada, aunque la de los protagonistas tampoco se queda corta a pesar de que se contrató a dos actores desconocidos para el gran público. Éstos interpretan a dos personajes antagónicos, puesto que Francesco Scianna representa a un político comunista, que se enamora de una chica católica (Margareth Made) simpatizante de la democracia cristiana. Esta pareja consciente de sus diferencias, coinciden en que su relación debe basarse en la honestidad.

Según el cineasta, Baarìa (2009) es un largometraje casi autobiográfico, que guarda una íntima relación con Cinema Paradiso (1988). El autor cuenta la vida de tres generaciones que transcurren a lo largo de cincuenta años. Da la impresión de que estamos ante una especie de Cuéntame cómo pasó, pero, a la italiana, contando la historia de Italia con una aparente objetividad, por lo menos más objetiva que la serie de nuestro país. De todas formas, la cinta inclina su balanza hacia la izquierda, poniendo como modelo de la democracia al comunismo (Textos como El libro negro del comunismo editado por Stephane Courtois o El libro negro de Carrillo escrito por José Javier Esparza desvelan los crímenes que tiene a sus espaldas esa ideología, que tuvo como punta de lanza a la URSS).

No obstante, el protagonista critica el modelo de la Unión Soviética por sus atrocidades. Sin embargo, no abandona su militancia política, aunque su actitud ante las creencias de las personas es por lo menos respetuosa.

Cambiando de tema, el cine de Tornatore deja destellos de un maestro, dotando al film de gran humanidad y de excelentes toques de humor que hacen a la producción de 150 minutos muy llevadera. Queremos destacar algunas escenas porque resultan inolvidables y poseen un sello muy personal. La situación más surrealista surge en un momento en el que Manina y Pepino, recostados en una cama, abren un paraguas en una habitación con goteras. Entre las más divertidas encontramos la de la iglesia, donde aparecen pintados los habitantes del pueblo, que habían posado como modelos para un artista de la zona, lo que provoca que los cristianos asistentes a esa parroquia estén más pendientes de encontrar parecidos de sus conocidos en los Apóstoles pintados en el fresco situado en la cúpula que de la propia ceremonia religiosa. Por último, esta obra del celuloide deja claro, al menos con un detalle, la talla de los políticos porque, en una escena, los comunistas se rebelan contra el alcalde de la derecha y cuando están a punto de apalear a este hombre. El citado alcalde saludará afectuosamente a su sobrino perteneciente a la oposición comunista como dando a entender que el poder se lo reparten siempre los mismos.

Por otra parte, la película refleja magníficamente a la sociedad de la época: las distintas realidades políticas; las grandes diferencias sociales; el humanismo cristiano queda expresado en la democracia cristiana, las procesiones, los actos religiosos y la fe sencilla de la gente que contrasta con otras realidades.

La película muestra el amor de un padre a su hijo que le espera en el lecho de muerte para despedirse de él. La relación paterno-filial resulta entrañable. También destaca la actitud tan positiva de los protagonistas hacia la vida o el matriarcado representado por Ángela Molina.

Finalmente, sería necesario indicar que este largometraje ha sido rodado al estilo clásico y con la elegancia de los grandes largometrajes americanos. Todo ello, amenizado por una buena banda sonora de Ennio Morricone y contando una gran historia de amor sin estridencias.

Incluye la crítica de Baaría de Guiseppe Tornatore

Dirigido por Víctor Alvarado

Reparto: Isla Fisher y Hugh Dancy

Comentario de Víctor Alvarado

Comentario de Antonio Peláez

Reparto: Edward G Robinson y Joan Bennett

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

El cine comercial americano, de vez en cuando, nos ofrece material sencillo, que esconde elementos ciertamente interesantes. El plan B (2010) es uno de ellos.

¿Cuál es su argumento?

La película en cuestión comienza cuando una mujer, que ha tenido malas experiencias con los hombres, quiere tener un hijo por fecundación in vitro. Su actitud de feminismo radical se verá comprometida al conocer a un chico muy especial.

¿Qué podemos decir del apartado interpretativo?

Pues que lo salvan unos excelentes secundarios y un aceptable Alex O’Loughin (actor de la serie Moonlight), ya que Jennifer López, alías la encasillada, simplemente, hace acto de presencia porque su actuación deja mucho que desear( sus lágrimas son más falsas que un collar de tres pesetas). De todas formas, parece consciente de sus limitaciones. Por esa razón, le gusta trabajar en la comedia que es el lugar, donde se siente más cómoda. Una actriz que a los 40 años no tiene complejos y piensa ser fiel a sì misma.

¿Qué ha querido transmitir el director?

La dirección corre a cargo de Alan Poul. El cineasta ha hecho un buen trabajo con los actores. La selección musical nos parece la adecuada, siendo muy pegadiza su banda sonora. Además, nos obsequia con una serie de tomas falsas divertidísimas. Sin embargo, lo más destacable de la cinta es, sin duda, la ácida crítica a la ideología de género, puesto que nos presenta a las mujeres como totalmente independientes de los varones. Unos hombres que sólo parecen necesarios para la procreación. No obstante, el realizador contraataca demostrando que, tanto hombres como mujeres, son necesarios para formar una familia estable. Por tanto, la película refleja la importancia de la figura paterna en el proceso del embarazo como pieza complementario de la pareja. También, la película revindica la paternidad, ya que el protagonista asume, una responsabilidad de la que podía haber prescindido, con madurez. El personaje sólo titubea en el momento en el que se entera de que su novia va a tener gemelos. Una noticia impactante, que puede generar un miedo razonable a lo desconocido, para un padre primerizo que necesita un tiempo para aceptar la situación.

Por otra parte, el largometraje utiliza como recurso narrativo el parto y el embarazo, proporcionando una serie de chistes realmente simpáticos sobre los tópicos del embarazo. Un dato que puede confirmar una persona que está esperando a su primer hijo con gran ilusión. Por eso, podemos afirmar que El plan B (2010) apuesta con firmeza por el valor de la vida.

Por último, le recomendamos que presten atención a las escenas rodadas en un parque infantil junto con los diálogos que se producen entre el protagonista y un padre de familia afro-americano, los cuales resultan memorables, aunque uno de ellos es un tanto escatológico, pero entendible en un padre con hijos pequeños.

Incluye la crítica de  El plan B con Jennifer López

Dirigido por Víctor Alvarado

Reparto:  George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich y Brad Pitt

Crítica de Víctor Alvarado

Llega a las pantallas españolas la que fuera la ópera prima de Hayao Miyasaki 26 años más tarde de su estreno inédito en España hasta ahora.

La historia, que nos narra, se basa en un esquema habitual en las obras de este cineasta japonés, que se hizo popular realizando series de televisión animadas antes de dar el salto al largometraje. Normalmente, hay un personaje, en este caso Nausicaä, habitante del Valle del Viento, que tendrá que enfrentarse a unos insectos mutantes que viven en un mundo contaminado que amenaza con invadirlos.

Como hemos dicho, la dirección corre a cargo de Miyasaki, que ya demostraba su talento en el mundo de la animación, no teniendo nada que envidiar a las actuales producciones, con muchos menos medios, aunque esta cinta no alcanza la calidad artística de Mi vecino Totoro(1988) cuatro años después. Sin embargo, su argumento iguala el nivel de la citada producción y de la valiosísima La princesa Mononoke (1997) con la que guarda cierto paralelismo. Para los que la puedan ver en versión original habrá que decir que les va sorprender la delicadeza del relato que contrasta con la dureza del habla japonesa.

La película manifiesta un claro mensaje ecologista en una época, donde estaba presente el desastre de Chernóbil, que se produjo porque, a diferencia de otras centrales nucleares no pertenecientes al régimen comunista de la URSS, no cumplía los requisitos mínimos de seguridad.

Por otra parte, el realizador presenta a la trascendencia, partiendo de dos dioses primitivos y antagónicos muy bien diferenciados, pero dejando claro la superioridad moral del dios bondadoso frente a del dios de la guerra. Da la impresión de que el autor ha hecho un guiño al cristianismo, puesto que presenta a la protagonista como una persona que sacrifica su vida por su pueblo para posteriormente resucitar. También, como todo relato apocalíptico, la cinta cuenta con un elegido con dones muy especiales para salvar a la humanidad. Una guerrera que sólo recurre a la violencia en casos extremos. Además, siempre que puede utiliza métodos pacíficos para solucionar sus problemas. Salvo en una de escena, de los primeros minutos, en la que en un ataque de ira por el asesinato de su padre elimina a sus adversarios, mostrando su arrepentimiento a su maestro que le hace recapacitar sobre su acción. Por último, merece la pena destacar el valor de la lealtad entre compañeros y el de la valentía de la que hace gala la protagonista cuando la situación lo requiere.

Por otro lado, nos ha gustado que el director se haya decantado por una heroína algo no muy habitual en este género, pero, donde tanto hombres como mujeres, resultan piezas esenciales para resolver el problema y el misterio.

Finalmente, nos vamos a encontrar con un largometraje destinado a un público infantil en la que los adultos acompañantes no se van a sentir incómodos, ya que el film, gracias a su buen guión, guarda gran equilibrio entre acción y el drama de los personaje junto con su típico y simpático animalito, que hará la delicias de los peques. No sería justo no comentarles que dura 116 minutos. Tal vez sea demasiado.

Incluye la crítica de Nausicaä del Valle del Viento y Habitación en Roma

Dirigido por Víctor Alvarado

Reparto: Michelle Pfeiffer y Al Pacino

Comentarios de Víctor Alvarado e Irene de Alba

El francés Philippe Lioret, autor de películas como En Tránsito (1993), El desliz (2001) y El Extraño (2004), se atreve con un drama sobre la inmigración, contado con cierta amabilidad. El guión de esta obra del celuloide fue premiado en el Festival de Gijón.

El argumento gira entorno a un joven kurdo, que quiere cruzar el Canal de la Mancha nadando para encontrarse con su amada, pues su situación ilegal le impide hacerlo de modo convencional. Por esta razón, recurrirá a los servicios de un monitor de natación y ex campeón olímpico, que será su entrenador y tutor particular.

En el apartado interpretativo destacamos la soberbia actuación de los protagonistas. Vincent Lindon es un popular actor francés muy bien relacionado. Llegó a ser pareja de Carolina de Mónaco y su ascendencia llama la atención por ser nieto del político Jérôme Lindon. Este profesor de natación representa a la típica persona que se siente incómoda con la inmigración y que baja la cabeza cuando se le presenta la oportunidad de ayudarles. Sin embargo, su actitud cambia definitivamente en el momento en que un kurdo le toca la fibra sensible, mientras que su mujer aparece como una gran activista a favor de los derechos de los extranjeros.

El cineasta francés recurre a un estilo narrativo sencillo. Sus personajes han sido presentados como personas nada enrevesadas y sus personalidades nos parecen muy positivas. Se trata de un cine social sin estridencias, pero que apuntan temas que merecen la pena ser analizados.

En primer lugar, la producción refleja las distintas actitudes que se tienen ante esta triste realidad. El esfuerzo aparece como un elemento esencial para conseguir lo que uno se proponga en la vida, aunque sea una utopía. Un valor muy demandado por parte de los educadores españoles grandes de conocedores de las desastrosas consecuencias de los dos últimos sistemas educativos propuestos por la ideología del que ahora nos gobierna y del partido socialista, que nos han colocado a la cola de Europa.

En segundo lugar, esta cinta, narrada con elegancia, refleja el problema del divorcio, expresando las razones tan escasas por las que algunas parejas se separan, lo que está provocando que muchas relaciones vuelvan a plantearse retomar la relación porque se siguen queriendo. Y es que, aunque las leyes de muchos países faciliten en demasía el divorcio, en muchas ocasiones, los vínculos amorosos resultan difíciles de romper.

Por otra parte y en relación con la pareja kurda, el autor apunta temas como el sufrimiento ante la ausencia del ser querido, el problema de los matrimonios de conveniencia o lo que se puede llegar a hacer por amor.

Además, la caridad queda plasmada de la mano de los voluntarios, que colaboran con los extranjeros ilegales y de Simon, que arriesga su libertad al ayudar a su alumno.

Finalmente, la película cuestiona la labor de la policía, pero yo creo que este film se equivoca en ese punto, ya que, por desgracia, guste o no, las medidas de seguridad son necesarias para hacer cumplir la legalidad tan necesaria para regular la inmigración. Tampoco se puede negar el problema del temido terrorismo islámico.

Incluye la crítica de Welcome

Dirigido por Víctor Alvarado

Incluye la crítica de Ciudad  de vida y muerte y Que se mueran los feos

Dirigido por Víctor Alvarado

Entrevista de Víctor Alvarado

Comentario de Víctor Alvarado

Comentario y crítica de Víctor Alvarado

Inauguración

Comentario y crítica de Víctor Alvarado