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Category “Crítica de Cine”
19 May2019

Hellboy

by Víctor Alvarado

El cineasta Neil Marshall se  ha enfrentado  ante el difícil papel de igualar al magnífico díptico, surgido de la mente de Guillermo del Toro, que encontró en Ron Perlman a la horma de su zapato, ya que este actor realmente dio vida a este diablo cristiano y políticamente incorrecto, surgido del mundo del cómic, pues, como todos nuestros lectores saben, fue creado por Mike Mignola, todo un experto en estudiar y recopilar todas las leyendas y milagros relacionados con la fe cristiana; la mitología nórdica y grecorromana y el folklore de muchas culturas. Todos recordamos la memorable escena en la que Hellboy, a pesar de su aspecto diabólico,  es acogido por su padre, el profesor Bruttenholm. Éste le corta los cuernos y le regala un rosario que porta en su mano derecha para protegerse de su tendencia hacia el mal.

El realizador imprime un ritmo de trepidante. Las batallas se suceden sin solución de continuidad. La trama es bastante más oscura que las de la versión de Guillermo del Toro. Por esta razón, en esta ocasión, las escenas de acción son bastante más violentas. No aptas para todos los estómagos, ni por supuesto para los más pequeños de la casa. Nosotros lo avisamos para que no se lleven sorpresas. De todas formas, habrá padres que lleven a sus hijos a pesar de las advertencias. No obstante,  el producto es bastante entretenido y cargado de guiños al dibujante y guionista de este universo de seres legendarios, pero ya se empieza a percibir la saturación de tantas cintas de superhéroes. Los productores y directores se lo deben currar mucho para enganchar al público. La banda sonora es muy brillante y el sentido del humor de Hellboy es genial, marcado por  frases lapidarias cortas y rápidas. La persona elegida para interpretar a este querido diablo ha sido el gigantesco David Harbour, recordado por su papel de sheriff en la serie Strangers things.

La película invita a reflexionar sobre la batalla que tienen que librar las fuerzas del bien frente a las del mal, en las que para vencer al mal es necesario sacrificarse por las necesidades de los que nos rodean. La relación padre-hijo que se establece, en este caso, es la de dos seres destinados e inclinados hacia el mal como un delincuente y demonio bueno respectivamente que luchan contra su destino y se quieren con locura. De ese amor paterno-filial surge un esfuerzo para cambiar su destino en sentido positivo. 

Por último, resulta paradójico que los superhéroes más católicos del mundillo de los cómics  sea el formado por un hombre disfrazado de diablo guardián como el Daredevil de Marvel y por un diablo mitad humano como Hellboy de la editorial Dark Horse.  Se trata  de dos pecadores, políticamente incorrectos  que luchan por construir un mundo mejor. El caso es que ambos superhéroes de diferentes empresas, como decíamos, tienen miles de fans en todo el mundo y la fórmula funciona (publicado en Pantalla 90).

12 May2019

Los hermanos Sisters

by Víctor Alvarado

Nos ha sorprendido a todos que un cineasta francés se haya inclinado por el western, algo nada habitual en el cine de nuestros vecinos del norte, pero el cineasta galo, Jacques Audiard, recordado por la película Un profeta, ha optado por este género con acierto. Este realizador adapta el libro de Patrick DeWitt de homónimo título. Y es que, como dato curioso, la literatura sobre dicha temática en Estados Unidos siempre ha gozado de muy buena salud y un alto nivel y suenan con fuerza autores como Alan Le May,  Dorothy Johnson,  James Warner Bellah, Jack Schafer y Ernest Haycox, dando lugar a magníficas adaptaciones cinematográficas.

Este cineasta, que debuta en el género, ha demostrado gran capacidad y talento igualando a los mejores. Sus fuentes de inspiración han sido Río Bravo de Howard hawks, El hombre que mató a Liberty Valance de John Ford junto a la obra del cineasta Arthur Penn. Se trata de un western crepuscular e intimista, pero que no se asusten los puristas, porque no faltan los tiroteos, las noches a la luz de la hoguera, aventuras y situaciones simpáticas entre camaradas como no podía ser de otra manera  en una producción de esta naturaleza.

Para ello ha contado con un reparto de lujo encabezado por Joaquin Phoenix, John C Reilly y  Jake Gyllenhaal. Tenemos las declaraciones de su director a Fotogramas:” En este caso, me ganó la historia de fraternidad. El factor de hermandad es un recurso típico del western, pero aquí tiene un sentido muy diferente, no tiene que ver con lazos de violencia, sino con vínculos de transformación”.

El argumento gira en torno a una pareja de hermanos asesinos que tienen dos formas distintas de entender su futuro, pues uno quiere vivir una jubilación tranquila, mientras el otro quiere continuar con su trabajo. Sus vidas se entrecruzan con dos buscadores de oro.

Este western intimista sabe combinar las escenas de acción con brillantísimos diálogos, cortos, pero profundos que se introducen en el alma y en la mente de los protagonistas y nos ayudan a comprender que les ha llevado a ser como son por los impactantes acontecimientos vividos en su infancia. Vemos en algunos de ellos una especie de conversión que viene a indicarnos que no se puede borrar el pasado. Sin embargo, si se puede construir una nueva vida en el futuro que sirva de sanación o de redención.  Por otra parte, aparecen personajes que son capaces de empatizar y detectar los sufrimientos de los demás y la problemática de sus compañeros de aventura. La película muestra como la amistad es un fuerte sustento para las personas a las que la vida y la dureza del terreno no han tratado bien.  Por último, la película ofrece algún que otro guiño a la posibilidad de perdón que recuerda a la parábola de El hijo pródigo de la Biblia (publicado en Cope).

4 May2019

Vengadores. Endgame-Con valores universales, pero demasiado larga

by Víctor Alvarado

¿Cuáles son las luces y sombras de este producción?

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13 Abr2019

¡Shazam!-El divertido niño con cuerpo de hombre que busca a su madre

by Víctor Alvarado
¿Es fácil integrarse en una familia de acogida? Si quieres ser amigo de la web, puedes seguirnos en Facebook:https://www.facebook.com/victor.alvarado.56829446 Twitter: @cineylibertad
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8 Abr2019

La sombra del pasado y La canción de mi padre

by Víctor Alvarado

                              La sombra del pasado

El cine alemán se caracteriza por su madurez para analizar su historia, en la que cada director no busca su verdad particular, sino la verdad con mayúsculas. Y eso es lo que le pasó al cineasta Florian Henckel, que nos sorprendió a todos con La vida de los otros, en la que se contaba como la policía de la Alemania Oriental, conocida como la Stasi, controlaba a la población para que no criticase al régimen comunista por sus crímenes y fechorías, colocando micrófonos en las casas para espiar a sus habitantes, lo que tenía sus consecuencias tanto en las víctimas  como en los espías.

La sombra del pasado es la nueva película de Florian Henckel que ha contado con la nominación a los Óscar a la mejor película de habla no inglesa y a la mejor dirección de fotografía. El cineasta alemán ya cosechó en 2006 el Óscar por la magistral, ya citada, La vida de los otros. Con guión a cargo del propio director, este thriller psicológico, inspirado en hechos reales, abarca tres periodos clave de la historia de Alemania. Esta producción, hasta ahora conocida como obra sin autor,  está protagonizada por Sebastián Koch,  Paula Beer y Tom Schilling.

Este largometraje de 180 minutos presenta un ritmo pausado, pero no ausente de dinamismo, porque siempre intenta sorprender al espectador con algunos giros argumentales. Las interpretaciones de los actores resultan convincentes y transmiten verosimilitud, ya que, a veces, sus acciones no son ni blancas ni negras, sino que se encuentran en la gama de los grises. La producción invita a reflexionar sobre como el artista se enfrenta ante un nuevo trabajo y como su vivencia personal puede afectar a la forma de mostrar ante el público su obra de arte, puesto que puede percibir una situación de un modo diferente a la mayoría. Por otra parte, la película, al hacer un recorrido por los 30 años más controvertidos de la Alemania Oriental, es crítica tanto con el nacionalsocialismo y con el comunismo soviético que controlaba la libertad de sus habitantes.

En cuanto al nazismo, este largometraje nos recuerda las esterilizaciones y los asesinatos a personas con discapacidad intelectual realizadas a manos de personas carentes de fe y de valores. Esta realidad es extrapolable, aunque con algún matiz, a la actualidad cuando se recomienda a mujeres embarazadas que aborten cuando hay sospechas de que el bebé pueda tener síndrome de Down en algunos hospitales o clínicas de nuestro país, lo que atenta contra la dignidad de la persona.             ,

              La canción de mi padre

La canción de mi padre es una cinta de corte religioso,dirigida por John y Andrew Erwin. Está protagonizada por J Michael Finley y el querido actor Dennis Quaid, que se lucen en cada plano en una especie de parábola de El hijo pródigo a la inversa; es decir, podría titularse como la parábola del “padre pródigo”.  En definitiva estamos ante una historia en la que la fe en Dios y la esperanza en la vida eterna puede que tengan que ver con una conversión y la necesidad de pedir perdón y perdonar. Cambiando de tema, esta película nos habla de cómo se fraguó la historia de la canción: I can only imagine, llegando a ser la única canción cristiana en obtener el doble disco de platino.

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31 Mar2019

Dumbo

by Víctor Alvarado

El director Tim Burton te podrá gustar más o menos, pero hay que reconocer que ha sabido crear un universo inigualable, capaz de convertir a los monstruos de buen corazón en héroes y, aunque hay obras perfectamente olvidables, encontramos películas buenas como Eduardo Manostijeras y obras maestras como Big Fish o El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares. En definitiva, se trata de relatos sobre frikis, raritos o niños especiales que intentan salir adelante con cualidades que se salen fuera de lo normal. Para entender a este gran cineasta Tim Burton, yo siempre recomiendo el libro de Javier Figuero: Los inadaptados de Tim Burton, editado por Encuentro.

El caso es que este realizador hace una especie de remake de la exitosa cinta de animación de Disney, Dumbo, que empezó como cortometraje y acabó convirtiéndose en uno de los  largometrajes favoritos de Walt Disney. La historia se basa en el cuento escrito por Helen Anderson y Harold Pearl. Tenemos las declaraciones de su director  a Fotogramas que nos habla de un personaje como Dumbo que encaja a la perfección dentro del mundillo creado por Tim Burton:” ¿A alguien le sorprende que esta historia me encante?  No hay nada en ella que no me guste, la mera idea de un elefante que pueda volar, una criatura que no encaja en ningún sitio y que convierte una desventaja en una virtud inigualable (…). Forman parte de mi ADN no es que solo busque películas de este tipo, pero tampoco hago nada para esquivarlas. Lo mismo sucede con estos personajes, son ellos los que me encuentran a mí. Me siento irremediablemente atraído por esta clase de historias porque así es como me he sentido yo la mayor parte de mi vida”.

¿Qué podemos decir de esta obra? pues que se encuentra en un nivel inferior a la de sus mejores trabajos, pero deja un buen sabor de boca, ofreciéndonos un producto familiar cargado de drama, humor y una elegante historia de amor. El elenco de actores es inmejorable con intérpretes de la talla de Colin Farrell, Danny DeVito, Eva Green, Alan Arkin y Michael Keaton. Por cierto, los niños que sustituyen al ratón Timoteo de la cinta de 1941, en especial, la niña protagonista, están sensacionales. El gran error de esta producción es que, a nuestro juicio, está escasamente iluminada por lo que su visionado, en ese aspecto, resulta agotador.

Esta película  hace una defensa de la familia tradicional, contando con dos hijos que, a pesar de las dificultades, se mantienen a flote por el recuerdo de su madre y los esfuerzos de su padre para sacar adelante a sus descendientes. La relación entre Dumbo y su madre constata el enorme vínculo que se establece entre madre e hijo, lo que refleja la vida misma del mundo real. Por otra parte, como era de esperar, la peculiaridad de este elefantito, que te toca el corazón, nos recuerda que lo diferente no tiene el porqué ser menos valioso y que los dones que recibimos los tenemos que poner al servicio de los demás.  ¡Muchas gracias Tim por la magia que transmites cuando Dumbo agita sus orejas! (publicado en Cope)

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17 Mar2019

Mula

by Víctor Alvarado

El magnífico actor/director Clint Eastwood, que había abandonado su faceta de intérprete, vuelve a la carga a sus 88 años con Mula,  película que también dirige. Y es que, como dato anecdótico, la palabra mula parece que le ha traído buena suerte al veterano artista,  pues seguro que recuerdan el western: Dos mulas y una mujer. El caso es que Clint Eastwood, autor de obras maestras como Gran Torino o El francotirador, ha estrenado una película que viene con un poco de retraso. En este caso, como habrán imaginado, el significado de mula hace referencia a la persona que transporta la droga. Éste ha contado con un reparto de lujo y suenan los nombres de Bradley Cooper, Dianne Wiest Michael peña, Laurence Fishburne y Taissa Farmiga.

 

La web Periodista Digital destaca lo siguiente: “El actor vuelve a caracterizar a un hombre duro, hosco con cara de pocos amigos, pero que enseguida empatiza con el espectador. La película reflexiona sobre el lugar que ocupan en la sociedad actual las personas de la tercera edad y lo difícil que es para ella sobrevivir en ese entorno”.

 

Por cierto, les podemos decir  que esta cinta está basada en hechos reales, contando la vida de Leo Sharp que hizo de conductor para los narcos a sus 87 años transportando cocaína, mostrándose muy arrepentido ante el juez de lo que había hecho. Fue condenado, pero se le liberó por deterioro de la salud.

 

Esta producción, sin ser de las mejores del realizador, vuelve a resultar de interés porque en su aparente sencillez deja entrever ciertos paralelismos entre la vida personal del propio Clint Eastwood y este personaje que le ha acompañado toda la vida, ya que por poner un ejemplo el protagonista de Gran Torino guarda cierto parecido al de la obra en cuestión. El realizador sabe dosificar sabiamente el drama, el humor y es capaz de mantener cierta intriga hasta el final.

 

La película ofrece varias lecturas. La primera es que como dice su protagonista, hay que saber cuidar a la familia porque la vida profesional puede tener sus altibajos. Sin embargo, si uno cuida a la institución familiar logrará ser feliz y hacer felices a los demás y encontrar a un bastón en el que apoyarse cuando vengan mal dadas. La posibilidad de perdón y arrepentimiento es una idea que se plantea una y otra vez. Nos ha parecido muy interesante la conversación entre Bradley Cooper y Clint Eastwood en ese sentido y narrada con naturalidad. Este largometraje apunta a que la  adicción al trabajo afecta a las relaciones interpersonales. Por otra parte, esta cinta demuestra que en Estados Unidos el que la hace la paga;  sea quien sea y tenga la edad que tenga (publicado en Cope).

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10 Mar2019

Capitana Marvel

by Víctor Alvarado

El tándem, formado por Anna Boden y Ryan Fleck, rescata a un poderoso personaje del universo de Marvel, surgido de la mente de un visionario como Stan Lee. Se trata de Capitana Marvel  un personaje no tan popular como otros de la compañía como Iron Man, Spiderman o Capitán América. Sin embargo, estamos ante  un personaje interesante y un poquito distinto a lo que estamos acostumbrados.  El caso es que Disney sigue explotando a la gallina de los huevos de oro (Marvel) con un nuevo producto como Capitana Marvel aprovechando el tirón del Día de la Mujer, ya que ese es el día en que se estrenó  este largometraje. Este personaje, Carol Danvers, fue creado por Roy Thomas y Gene Colan en 1968 y que se convirtió en 1977 en Ms Marvel. Curiosamente, a este personaje se le considera como la heroína femenina más grande de Marvel y como la Vengadora más poderosa de este universo.

Para ello, el equipo de producción pensó en la actriz Brie Larson, recordada últimamente por el gran dramón El castillo de cristal, a la que acompañan al actor Judd Law y un friki de los superhéroes, todo un clásico del género, como Samuel L Jackson en el papel de Nick Furia que lo borda con su seriedad mezclada con ese punto de excentricidad que le caracteriza.

Esta película ambientada en los 90 cuenta la historia de una de las heroínas más poderosas de la historia que se encuentra entre la espada y la pared, pues el destino le sitúa en medio de una guerra de alienígenas de la que debe tomar parte.

Estos realizadores no dejan respirar al espectador con un ritmo trepidante, cargado de multitud de escenas de acción para tapar a uno de los guiones más flojos del mundillo de los superhombres  de la factoría Marvel. La película chirría en el aspecto de que  el libreto no hace honor al nivelazo de los tebeos de superhéroes americanos que se caracterizan por la profundidad de los dramas de sus protagonistas que, en este caso, están tratados de modo superficial y, aunque las comparaciones son odiosas, la película de Spiderman: un nuevo universo, por poner ejemplo, trataba los temas personales de su protagonista, Mike Morales, con muchísimo más detenimiento, lo que bien le ha  servido para ganar el Óscar de animación 2019 y superar a  todos poderosas productoras de dibujos animados y, en este aspecto, se distancia muchísimo del  “palomitero” producto en cuestión. Por cierto, el humor hace acto de presencia de vez en cuando para sacar la sonrisa.

Cambiando de  tema, la película nos habla de esas personas luchadoras que no se rinden nunca,  que cada vez que caen, se vuelven a levantar una y otra vez hasta lograr lo que se proponen en la vida. Por otra parte, afinando mucho, la civilización alienígena que recibe la ayuda de Carol Danvers podría entenderse como una metáfora sobre el drama de la inmigración, pues se trata de darle un hogar a unos seres que se encuentran desperdigados por indistintas galaxias y que muestran su infelicidad al vivir separados de sus seres queridos(publicado en Pantalla 90).

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2 Mar2019

Larga vida y prosperidad

by Víctor Alvarado

Los aficionados a la interminable saga de Star Trek  habrán imaginado que el título de la película Larga vida y prosperidad hace referencia a la frase citada por el doctor Spock en alguna que otra ocasión. Y es que  la protagonista de esta historia se lo sabe todo sobre esta saga galáctica, lo que de algún modo recuerda a la película de Rain Man, protagonizada por Tom Cruise, en la que Dustin Hoffman da vida a un autista de altas capacidades. En este caso Dakota Fanning,  a la sombra de su hermana Ellen Fanning, dos buenas actrices por cierto, resurge de las cenizas, dando vida a una niña autista, luciéndose en  cada uno de los planos del largometraje.

 

El director Ben Lewin, recordado por Las sesiones y por la película menos conocida, eso sí, El favor, el reloj y el gran pescado, ha sabido sacar el máximo producto a los actores. La película tiene un toque indie, por lo que es bastante dinámica, abriendo las posibilidades porque se juega tanto con el drama como con la comedia y, aunque la visión que se da de este trastorno es realista, no todas las personas con espectro autista son tan brillantes como las que aparecen en este tipo de películas y en ese punto patina.  La excusa para contar esta historia es hablar del mundo de Star Trek, lo que hará las delicias de los trekkies por sus continuos guiños a las aventuras de sus personajes, sin que los que los nada aficionados, entre los que me incluyo, se puedan perder porque no es lo importante de la trama, sino un simple accesorio.

 

Me ha gustado por otra parte la interpretación de Alice Eve, en el papel de la hermana, pues expresa la preocupación de una persona que ha intentado cuidar de ella, pero a la que el día a día le supera,  puesto que tiene que estar  pendiente de su hija y su marido y, por otra parte, se siente responsable de la protección de su hermanita ante la falta de inteligencia emocional de la misma.

 

Cuando uno sale de la sala tiene la sensación de que ha disfrutado con una película,  ya que intenta en parte coger el toro por los cuernos con optimismo como dando a entender que en el futuro todo puede cambiar y que no se puede perder la esperanza. Otro dato a tener en cuenta es una banda sonora alegre acorde con lo comentado en este último párrafo (publicado en Cope).

 

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24 Feb2019

¿Podrás perdonarme algún día?-Agudizando el ingenio para sobrevivir

by Víctor Alvarado

¿Todos nuestros actos tienen sus consecuencias?

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17 Feb2019

Alita. Ángel de combate

by Víctor Alvarado

El amigo de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, autor de películas de serie A que homenajean al cine de serie B con producciones como Machete, Desperado o Abierto hasta el amanecer, adapta en esta ocasión un manga de culto que nunca fue un superventas. El cómic en cuestión se titula, al igual que la película, Alita. Ángel de combate, siendo creado entre 1991 y 1995 por Yukito Kishiro, que tuvo una versión televisiva en dibujos animados (anime) en 1993. Esta producción cuenta con el respaldo de James Cameron con lo que la visión futurista y el dinerito están garantizados.

 

La historia gira en torno a un sensible médico de ciborgs que encuentra a Alita en un desguace,  devolviéndole la vida; enseñándole a sobrevivir en una peligrosa ciudad y ocultándole un misterioso pasado para evitarle sufrimientos innecesarios. Hugo será la persona de carne y hueso que le ayudará a refrescar la memoria.

 

Para el papel protagonista se pensó en Rosa Salazar, cuyos ojos encandilaron y enamoraron al director porque tenían la belleza y el tamaño ideal para adaptar un tebeo japonés. Los secundarios de lujo son el oscarizado Christoph Waltz y el oscarizable Mahershala Ali.

 

El realizador de origen latino vendió la moto de esta película de acción  de altísimo nivel con cierto mensaje social del siguiente modo: “Es universal. Una joven que se siente insignificante porque la encuentran en la basura y, sin embargo, termina descubriendo que tiene poderes para cambiar el mundo. Es un mensaje muy poderoso con el que cualquiera se va a identificar”.

 

El director ha querido darle una espiritualidad cristiana a este largometraje con una serie de detalles como que la catedral sea el lugar favorito de los protagonistas o que Alita sea un personaje mesiánico cargado de ternura, pero que goza de un enorme poder. Se trata de un robot con cerebro humano con una enorme generosidad que perdona y ama hasta el extremo, siendo capaz de dar la vida por los demás. Salvando las enormes distancias,  es un personaje de acción que guarda ciertos paralelismos con la figura de Jesucristo (publicado en Pantalla 90).

 

 

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10 Feb2019

Roma (provida) vs Infiltrado en el KKKlan (en contra del racismo)

by Víctor Alvarado

¿Cuáles son los aciertos y errores de dos películas nominadas a los Óscar?

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3 Feb2019

Green Book

by Víctor Alvarado

Los hermanos Farrelly se caracterizan por ofrecer un humor grueso, disparatado y simplón, pero que tiene muchos seguidores tanto en Europa como en Estados Unidos, aunque a mi juicio, por lo general sus historias me sacan de quicio. Son autores de películas como Dos tontos muy tontos, Los tres chiflados o  Dos tontos todavía más tontos, tratándose  de dos directores que dieron la campanada con dos comedias locas como Yo, yo mismo e Irene y la inolvidable Algo pasa con Mary.

 

En este caso, uno de ellos, Peter Farrelly deja a su hermano de batallas Bob, para optar por una producción que rompe con todos los estereotipos que teníamos de este director. Green Book es una comedia dramática, emocionante y divertida a partes iguales, basada en hechos reales. Se trata de un drama sureño que refleja por otra parte la cultura, la religiosidad y  la vida familiar de italoamericanos en Estados Unidos. Este largometraje viene avalado por 5 nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood y por el premio del público en el Festival de Toronto, que fue para el cineasta una victoria que va más allá de sus sueños más locos.

 

El argumento gira en torno a un portero de un bar de copas que pierde su trabajo y se ve obligado a trabajar como conductor y asistente de un prestigioso músico negro que tiene que utilizar un libro verde, que era una especie de guía de viajes especial para  que las personas de color pudieran encontrar alojamiento, evitando posibles conflictos.

 

Para ello, el realizador ha contado con la indiscutible estrella Viggo Mortensen, recordado obviamente por la trilogía de El Señor de los Anillos.  La interpretación de un actor nórdico, convertido en potro italiano es de lo mejor de este año y, desde luego, esta interpretación es merecedora de un Óscar, pues Viggo Mortensen ha trabajado especialmente este papel  para hacernos creer que  se trata de un italiano de clase media baja en el buen y en el mal sentido.  El citado actor consigue que veamos en Tony un personaje entrañable detrás de una apariencia dura.

 

Esta cinta es un canto a la amistad, lograda a base de limar asperezas y pequeños gestos llenos de significado. Hay que prestar atención a la evolución de los personajes, puesto que se observa cómo van creciendo como personas en la medida en que aceptan los defectos del otro y son capaces de encontrar cualidades en personas de otras culturas.  Por otro lado, la película es un alegato contra el racismo sutil y elegante sin recrearse en escenas que puedan n herir la sensibilidad del espectador, sino mostrando situaciones que pueden ayudar a reflexionar sobre lo absurdo que resultaba que un músico americano de éxito se dedicase a dar conciertos para blancos y no pudiera utilizar sus baños.

 

En un segundo plano nos parece digna de mención  la historia de amor contada a través de cartas y llamadas telefónicas que cautivará a los amantes de los relatos románticos.

 

Finalmente, la crítica ha hablado mucho de la película Roma de Alfonso Cuarón que está bien, pero a mi juicio y aunque tenga todas las papeletas para ganar el Óscar, creo que tanto Bohemian Rhapsody como Green Book son películas más redondas; de mayor calidad y capaces además de entusiasmar al público tanto por sus actuaciones como por sus potentísimas bandas sonoras (publicado en Cope).

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27 Ene2019

El Blues de Beale Street

by Víctor Alvarado

El Blues de Beale Street viene avalado por la nada despreciable cifra de 17 menciones entre premios y nominaciones en todo el mundo. La Academia de Hollywood se ha fijado en este producto de gran nivel con tres nominaciones a los Óscar. La dirección ha corrido a cargo del cineasta afroamericano Barry Jenkins, recordado actualmente por la serie de televisión Queridos blancos. No obstante, este hombre alcanzó la fama con la película Moonlight, siendo uno de los directores que mejor ha reflejado la problemática en torno a la homosexualidad, no tratando el tema de manera frívola, sino profundizando en las dificultades que conlleva a la persona aceptar y comprender su situación personal.

 

Este realizador adapta la novela de James Baldwin, titulada If Beale Street could. Esta es la historia de una mujer coraje de esas que dan la vida por los demás, pues intenta llevar su embarazo a buen puerto, mientras intenta demostrar la inocencia de su novio, acusado injustamente de violación.

 

El trabajo con los actores es brillantísimo.  La iluminación, un tanto oscura, va en la línea del cineasta, que en este caso ha creado un ambiente claustrofóbico por momentos y le da a la producción un ritmo lento y pausado que invita a la reflexión. Sin embargo, en algunos momentos esta  técnica narrativa se convierte en un lastre, ya que le quita fuerza, en algunas escenas demasiado largas, a una producción de un enorme potencial. De hecho, podría llevarse la ansiada estatuilla por el mejor guión adaptado.

 

Centrándonos en los temas  importantes del largometraje,  el cineasta vuelve a mostrar su enorme sensibilidad para introducirse en el alma de los personajes. En este caso, nos cuenta la historia de dos prometidos; la actriz Kiky Lane  es la auténtica protagonista. El actor Stephan James da vida al protagonista masculino. Estos jóvenes tienen la intención de casarse como le pide, de algún modo, su fe en Jesucristo y su amor sincero. El realizador presenta la relación de estos chicos y sus promesas matrimoniales, mostrándolos como si fuesen una sola carne, pues aparecen juntos en las alegrías y en las penas; en la salud y en la enfermedad; todos los días de su vida, poniendo toda la carne en el asador, porque el chico se encuentra en una posición difícil por estar en la cárcel, lo que dificulta mucho la relación.

 

Por otra parte habría que destacar como la valiente protagonista y su novio (embarazados de penalti) apuestan por “la vida por pequeña que sea”,  donde algunos personajes secundarios como los abuelos dan una lección de lo que significa la defensa del inocente cuando se encuentra en el vientre de su hija. La llegada de esa criatura es percibida como un regalo de Dios y una enorme alegría para toda la familia. La banda sonora de música negra y la banda sonora original de Nicholas Bitrell van en consonancia con el nivelazo de la película (publicado en Pantalla 90).

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20 Ene2019

Cristal

by Víctor Alvarado

Cuando uno piensa en cine de superhéroes inmediatamente le vienen a la mente los cómics de DC, capitaneados por Superman y Batman y los de Marvel de su vecino y amigo Spiderman y los Vengadores, pero no habría que olvidarse de un peliculón, convertido en obra de culto y con muchísima razón, como El protegido, en el que Bruce Willis sobriamente da vida a un héroe anónimo, mientras que Samuel L Jackson representa a Glass, uno de los más geniales supervillanos de la historia del cine.  Cristal es la secuela que se estrena en estas fechas entre la que se coló la excesivamente valorada Múltiple con un James McAvoy espectacular a lo Jack Nicholson en El resplandor, personaje que repite en esta tercera entrega. Estos ingredientes apuntan a la creación de un nuevo universo  de los superhombres.

 

Esta trilogía la dirige, como no podía ser de otra manera, M Night Shyamalan, recordado por películas como El Sexto sentido, Señales o El incidente que retoma una historia que en principio parece muy interesante. Tenemos las declaraciones de su director a Fotogramas: “La compañía Disney quiso que rodara de inmediato una continuación de El protegido, pero para mí, aquella era una historia cerrada. Sin embargo, con el paso de los años tuve una idea para regresar a ese mundo de colores primarios de tebeo. Una idea que tenía que ver con la sensación de desprotección que tenemos en la actualidad. Y también con el boom de las películas de superhéroes, nacidos en las viñetas, quise unir ambos conceptos: la sociedad actual con un espacio cerrado de terror y esa necesidad de ser salvados”.

 

En este caso, no voy a coincidir con parte de la crítica que no ha puesto demasiado bien a esta producción, pero a mí, sin ser tan buena, como la citada El protegido, el resultado final me parece satisfactorio para cerrar el círculo y la química con los actores lo dice absolutamente todo. Se trata, para quien todavía no lo sepa, de una versión adulta de las historias de superhéroes con gran cantidad de guiños a clásicos y modernos del género. Cristal es la versión de un cómic desde la óptica de un supervillano. Esta historia nos recuerda que existe el bien y el mal encarnado en personas,  pero que también se encuentra la escala de los grises, donde todo no es lo que parece. La película es una crítica a la corrección política que manipula al personal, haciendo todo lo posible por ocultar a la opinión pública lo que de verdad merece la pena con el objeto de controlar a las masas. Estamos por tanto ante una producción que habla de la necesidad de conocer la verdad que nos da la libertad para poder actuar, ya que una verdad silenciada limita la capacidad para entender una problemática (publicado en Cope).

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12 Ene2019

Dios no está muerto. Una luz en la oscuridad-Una interesante película sobre el perdón a la que le falta un actor de renombre

by Víctor Alvarado

¿El amor tiene que ser el motor de un cristiano?

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