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Category “Crítica de Cine”
16 Sep2018

Yucatán

by Victor Alvarado

Tres comedias están haciendo este año las delicias de los espectadores autóctonos como El mejor verano de mi vida que propone que nunca es tarde para reformarse; Campeones, que defiende la dignidad del discapacitado, siendo la candidata española para los Óscar y la cinta en cuestión, Yucatán.  El secreto del éxito de estas comedias es que no ofenden a nadie; transmiten optimismo y esperanza y, sobre todo, dejan más bien al lado la ideología tan marcada de los últimos 30 años de nuestro cine de supuesto signo progresista.Por esas razones, rescatamos de la cartelera Yucatán.

 

El encargado de llevar a cabo este proyecto ha sido Daniel Monzón, al que recordarán por El niño y por Celda 211, que es una de las pocas películas de nuestra nación que se muestran críticas con la banda terrorista ETA. En esta ocasión, se decanta por el difícil género de la comedia. Su  divertido trabajo viene respaldado por un sólido guión escrito por él mismo, cargado de sorpresas y bastantes acertados giros argumentales. Este largometraje bebe de las fuentes del cine clásico americano de dicha temática. Salvo en contadas excepciones es una película que puede verse en familia.

 

Como dato curioso, esta obra fue filmada en un crucero real y los pasajeros colaboraron con el cineasta. Este dato lo conocía desde hace un par de años porque  (casualidades de la vida) una compañera de trabajo se pidió unos días de permiso para poder participar en el crucero de extra. El equipo de producción le proporcionaba  todo el vestuario para conseguir el efecto deseado, aunque los “cruceristas” a ratos lo pasaban regular porque tenían limitado los momentos de diversión por los habituales parones de los rodajes. El reparto es excepcional,  encabezado por Luis Tosar,  el actor fetiche del director, junto a un excelente elenco de actores entre los que destaca Toni Acosta o Stephanie Cayo. Hay mucha química en las tramas amorosas y eso se consigue con el buen trabajo de los intérpretes.

 

Esta historia cuenta el enfrentamiento de dos bandas de timadores que intentan desvalijar al multimillonario de turno en cruceros de lujo.

 

Sin desvelar nada de la trama, la película invita a reflexionar sobre lo que realmente importa en la vida. La cinta  plantea si los bienes materiales nos dan la felicidad o si se convierten en una pesada carga que impide querer con el corazón. La actuación del veterano actor Joan Pera, recordado por ser el doblador de Woody Allen, no es solo buena, sino que representa los valores que se buscan en un padre como la bondad, la solidaridad, el espíritu de sacrificio,  la firmeza y el sentido común para educar (publicado en Cope).

9 Sep2018

Un océano entre nosotros y Mary y la flor de la bruja

by Victor Alvarado

Un océano entre nosotros

 

El cineasta James Marsh, ganador del Óscar por la más que interesante La teoría del todo, vuelve al género del biopic. Este realizador se rodea de buenos actores, acuérdense de la muy lograda actuación de Eddie Redmayne, haciendo de Stephen Hawking. Un  océano entre nosotros cuenta la historia del aventurero Donald Crowhurst, al que da vida Colin Firth, que en 1968 zarpa de Teighmouth para participar en la Golden Globe Race. Este hombre se verá obligado por motivos económicos a capitanear un barco para intentar ganar el premio. La carrera consiste en dar la vuelta al mundo en solitario y sin escalas con la dificultad que se supone.

 

El arranque y los dos primeros tercios de esta producción están bastante conseguidos y el producto entretiene. El último tercio pierde interés, pero tiene su sentido. La sensación de estar viviendo lo que vive el personaje es otro de los aciertos del largometraje. El dato curioso lo encontramos en el guiño cinéfilo a Capitanes intrépidos  (1937) de Víctor Fleming.

 

La interpretación de Colin Firth consigue trasladar al espectador los sueños y las dudas de una persona normal que es feliz con su familia, pero que busca algo más. David Thewlis representa a un periodista sensacionalista que no parece que busque la objetividad del hecho. Rachel Weisz es la pieza clave de la historia porque tiene claro que su marido no es grande por la hazaña que va a realizar, sino porque es un buen padre; le ha querido mucho y ha sido un bastón en su vida. Esa idea es lo que transmite a sus hijos, inculcando que lo tengan siempre presente. Por otra parte, este largometraje denuncia la presión que ejercen los medios de comunicación ante una persona, en este caso, que destaca en algo porque todo el mundo no está preparado para resistirlo y éstos deben tener en cuenta esa realidad.

 

Como apunte generoso, destaca que el ganador de la competición donase su premio a la familia del navegante y protagonista amateur.

 

Mary y la flor de la bruja

 

Hiromasa Yonebayashi, uno de los futuros sucesores del universo Miyazaki, está continuando el trabajo de los estudios Ghibli, temporalmente cerrados, mediante la creación de la productora Ponoc. Mary y la flor de la bruja es su carta de presentación, tras Arrietty y el mundo de los diminutos, que nos cuenta una historia  fantástica de dibujos animados japoneses sobre una bruja buena que promete acción y aventura junto a momentos de ternura en una cinta que cuida el detalle; defiende a la naturaleza, mostrándose especialmente crítica con el uso de la ciencia sin ética, aunque expresado de un modo sutil y mediante el uso de metáforas (publicado en Cope).

22 Jul2018

El mejor verano de mi vida-La película familiar española de estas vacaciones gracias a Leo Harlem

by Victor Alvarado

¿El amor y la generosidad puede derrotar a grandes magnates?

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8 Jul2018

Ant-Man y la Avispa

by Victor Alvarado

Hace unos años, el tándem  Marvel/Disney dio la campanada con un personaje menos popular,  pero si importante dentro del universo creado por Stan Lee. La producción Ant- Man, el Hombre Hormiga, era una película de aventuras, acción y bastante profunda porque dijimos de ella lo siguiente:”La relación casi paterno-filial, que se establece entre los dos hombres hormiga, invita a pensar en el valor de la acogida. Puede llegarse a ver la relación tan intensa que se produce entre un “padre” capaz de ver más allá de la apariencia y que mira al corazón del otro, donde el poder de la reconciliación tiene bastante peso y como en la historia aparecen científicos que nos recuerdan que el fin no debe justificar los medios”. En esta segunda parte vemos una historia de amor potente que guarda cierta relación con una histórica etapa de Los Vengadores. Por esa razón, esta secuela se titula El Hombre Hormiga y la Avispa que sigue contando con secundarios de lujo como Michael Douglas o, en este caso, Michelle Pfeiffer junto a sus protagonistas Paul Rudd y Evangeline Lilly, que tendrá,  ésta última, gran protagonismo en las escenas más espectaculares.

 

Peyton Reed, que vuelve a pilotar esta nueva aventura de Scott Lang, da más valor, en esta ocasión, a la acción y al humor que al drama. Los efectos especiales están muy logrados y se utilizan acertadamente cuando la situación lo requiere sin forzar la máquina. Tampoco se olvida del concepto de continuidad tan habitual en los cómics de superhéroes. Este director con la ayuda de varios guionistas combina un humor más o menos infantil con un buen ramillete de chistes destinados a un público adulto que pasa desapercibido para los más peques de la casa. Sin embargo, a pesar de contar con todos los medios posibles y ser bastante entretenida, al largometraje le falta algo, no tiene la frescura de la primera, haciendo honor a la repetida frase de segundas partes nunca fueron buenas.

 

En contraposición con lo negativo,  esta producción apuesta por la familia de los dos héroes, un hombre como  Scott que intenta redimirse y que encuentra el apoyo que necesita en la familia de su hermana siempre dispuesta a ayudarle, supliendo sus carencias, pero dando el valor que se merece a una persona que da la vida por su hija. Por otra parte, esta película presenta, con acierto, el drama de Hope que de algún modo se encuentra huérfana  de madre, pero que no pierde la esperanza de reencontrarse con ella.

 

Por otra parte, hay que prestar atención también a los guiños cinéfilos al clásico de ciencia ficción, El increíble hombre menguante, y al cine de serie B (publicado en Pantalla 90).

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24 Jun2018

Las guardianas vs Tully

by Victor Alvarado

Las guardianas

El cineasta francés Xavier Beauvois adapta la novela de Ernest Pérochon. Este director ha contado con la presencia de Nathalie Bay y Laura Smet. De su filmografía destacamos dos producciones como El precio de la fama, una película cargada de humanidad que homenajeaba al cine mudo y, especialmente, a Charles Chaplin. La otra cinta clave de este director es, sin duda, De dioses y hombres que viene avalada por dos premios importantes como el Gran Premio del Jurado de Cannes y el Premio del Jurado Ecuménico. Y es que la película citada en segundo lugar estaba basada en hechos reales. Contaba la enorme labor de una comunidad religiosa que hacía una enorme labor humanitaria en tierras islámicas, cuyos miembros murieron mártires por culpa del radicalismo islámico.

 

El caso es que Las guardianas es su nuevo trabajo en el que se cuenta como las mujeres se hacen cargo de una granja cuando los hombres son llamados a filas para combatir en la Primera Guerra Mundial.

 

Este western femenino, que recuerda en cierto sentido a Caravana de mujeres de William Wellman,  refleja, sin estridencias, como conviven los avances técnicos en la agricultura frente a la entrega, el sacrificio o la fidelidad de estas gentes que tienen como referente a  sus familia y a sus creencias, en este caso, católicas.  Nos ha encantado el personaje  de la sirvienta, interpretado por Iris Bry, pues representa a esos cristianos comprometidos que rezan e intentan ser coherentes  con su práctica religiosa, aunque con sus debilidades. Su fe, celebrando los sacramentos, les lleva a entregar su vida por los demás, haciendo su trabajo con amor y a conciencia.

 

La historia de amor tiene una gran belleza; rompe tópicos y nos demuestra la fragilidad del amor de los recién enamorados porque una palabra o hecho puede dar un giro a la historia. La escena del enamoramiento es de la mejores de la historia del cine.

 

Tully

El crítico de cine Juan Luis Sánchez define los trabajos del cineasta Jason Reitman del siguiente modo:”Sus películas tiene la frescura del mejor cine independiente, combinan risas y lágrimas a partes iguales y hablan de temas profundos de gran interés sin molestar al público de la ideología que sea, aunque se trate de temas polémicos.” Para mi gusto tiene dos auténticas maravillas. Yo les recomendaría la divertida película Juno, pues defiende la vida por pequeña que sea con gran inteligencia. La otra producción que no hay que perderse de su filmografía es Up in the air, protagonizada por George Clooney, que daría para un cinefórum de altas miras.

 

Esta semana se estrena su último trabajo, titulado Tully. Para ello vuelve a contar con su actriz preferida Charlize Theron en una película que habla del valor del sacrificio por los hijos, explicándonos las luces y sombras de la maternidad, pero siempre desde una óptica que defiende la vida, aunque algunos de sus chistes estén subidos de tono, ya que la guionista de este director es la stripper Diablo Cody, una mujer políticamente muy incorrecta, pero con valores humanos ciertamente interesantes.

 

Charlize Theron representa el lado negativo de la maternidad cuando el marido no colabora y está en su mundo frente a una especie de alter ego que es la niñera, intepretada por MacKenzie Davis, que le ayuda por la noche  y que, de algún modo, representa al lado positivo de la maternidad. Este cóctel de chicas es lo que este realizador propone como prototipo de madre como queriendo decir  la felicidad se alcanza con esfuerzo, siendo el amor, el arma para derrotar  a la depresión postparto.

 

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17 Jun2018

Colmillo Blanco

by Victor Alvarado

Jack London vuelve a estar de moda o eso parece, ya que hace unos meses la editorial  Reino de Cordelia se propuso ir sacando todo el arsenal que tiene de la obra del citado escritor y aventurero.

 

Y, en estos días, puede verse en las pantallas españolas, la película de animación Colmillo Blanco que, como todos ustedes saben, se basa en una de las obras más conocidas de Jack London, un escritor que plasmó en sus cuentos sus vivencias personales. Por eso creemos que sus historias resultan tan creíbles.

 

El cineasta luxemburgués Alexandre Espigares, ganador del Óscar al mejor cortometraje animado en 2014,  con muchísimas carencias técnicas, si lo comparamos con el universo Pixar o DreamWorks,  pero sacando el máximo producto al relato. Este realizador logra entretener al espectador con mucha acción; oportunos diálogos y una narración ágil.

 

Las escenas más escabrosas o que pudieran suponer un problema para una producción orientada a los más “peques” de la casa, aunque la puedan disfrutar los adultos,  se solventan con elegantes elipsis que no ocultan o suavizan la realidad,  a veces cruda, del comportamiento animal.

 

El argumento gira en torno a un a un perro, cruce de un lobo y una perrita,  que vive diferentes aventuras con un indio, un delincuente y un sheriff en distintos momentos de su vida.

 

Esta producción es un canto a la naturaleza; a todos sus encantos y misterios, sin mensajes ecologistas en el sentido político, sin pancartas  “greenpeace-empachosas”, sino tratando de mostrar la admiración y el asombro que nos producen a todos los paisajes que allí aparecen. Por otra parte, estamos ante un largometraje que distingue claramente entre el bien y el mal. El indio aparece como un hombre honrado que rehúye el conflicto y que lucha por la supervivencia del grupo, demostrando gran sabiduría en sus decisiones. La mujer del sheriff representa a ese tipo de personas que mediante el cariño, la paciencia y la ternura siempre saben darle la vuelta a la tortilla para que de un hecho que pueda ser una dificultad surja una solución adecuada a un determinado problema.

 

Finalmente, la película invita a reflexionar sobre la necesidad de libertad y el sentido de búsqueda para encontrar el camino que nos ayude a ser felices (publicado en Cope).

 

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10 Jun2018

El malvado zorro feroz-La protección de la infancia y la risa de los padres

by Victor Alvarado

¿La unión hace la fuerza?

¿Los adultos pueden disfrutar con esta película de animación?

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3 Jun2018

El hombre que mató a Don Quijote

by Victor Alvarado

Adam Driver y Jonathan Pryce son los protagonistas de esta particular versión del Quijote escrita por Miguel de Cervantes Saavedra desde la óptica de Terry Gilliam. Según los expertos estamos ante el ex Monty Python que creó su propio universo, convirtiéndose en autor de culto. Es el director de películas peculiares como Doce monos o La nuevas aventuras del barón de Munchausen. Su trabajo más interesante y profundo fue El rey pescador. Por otro lado pensamos que fracasó con la rarísima El imaginario del Dr. Parnassus, siendo El hombre que mató a Don Quijote su segundo intento de hablar de esta joya cervantina, tras Perdidos en la Mancha.
El cineasta declaró a Fotogramas lo siguiente sobre las características de sus protagonistas: “Mis personajes siempre se comportan como niños o lunáticos o Quijotes. Prefieren vivir en un mundo extraordinario. Y eso es peligroso, porque la realidad siempre está ahí, acechando. Y sí cruzas sin mirar en ambas direcciones, el autobús te arrolla.”
El argumento de esta coproducción gira en torno a un director de cine interesado en la historia del popular caballero manchego, que se acaba convirtiendo en el escudero del caballero andante de cuyo nombre no quiero acordarme.

 

Varias han sido las versiones que se han hecho sobre Don Quijote, destacando las interpretaciones de Fernando Rey como Quijote y de Alfredo Landa como Sancho en la producción televisiva de Manuel Guitiérrez Aragón y no nos podemos olvidar de la magnífica serie de animación de Cruz Delgado con el doblaje de Fernando Fernan Gómez. Sin embargo, destaca por encima de todas, la interpretación de Rafael Rivelles, dando vida al Quijote del grandísimo director español Rafael Gil. En este caso, la interpretación de Jonathan Pryce se acerca o se iguala al intérprete citado en último lugar. La escena más brillante de toda la película es aquella en la que el zapatero de esta historia pierde la cordura para transformarse en Alonso Quijano. Tan sólo por eso merece la pena ver la película. Sin embargo, no todo el monte es orégano porque el ritmo de la película es irregular y está cargado del surrealismo tan cargante del realizador británico. Nos parece grotesca la visión que se ofrece de la Guardia Civil y, en particular, la de un oficial de alto rango que guarda un parecido razonable y malintencionado con Mussolini. Por otra parte, la visión que se ofrece de la Iglesia del Siglo de Oro está cargada de tópicos. Otro punto negativo es la visión tan degradante que se ofrece de la mujer.

Finalmente, nos quedamos con la reflexión de sí merece la pena defender los ideales y principios en los que uno cree con pasión y valentía, aunque te puedan tomar por loco. Y es que el héroe quijotesco es el mejor espejo en el que mirase porque siempre apunta a lo alto (publicado en Pantalla 90).

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27 May2018

Han Solo. Una historia de Star Wars

by Victor Alvarado

Reconozco que me he reconciliado con la saga de la Guerra de las Galaxias, tras varios tostones como Rogue one y Star Wars: Los últimos Jedi. Todos sabemos que estas producciones suelen ser una máquina de hacer dinero, pero no deben engañar al público como pasó en cierta manera con las anteriormente citadas.

 
Han Solo. Una historia de Star Wars es una cinta que lo que promete, lo cumple. Una parte de la crítica ha sido dura con ella. Yo siento llevarle la contraria porque a mi juicio iguala a la saga primigenia, transmitiendo valores universales y proponiendo entretenidas aventuras, contadas con dinamismo y buenos diálogos.

 
La dirección ha corrido a cargo de Ron Howard capaz de lo mejor como demostró con Cinderella man, Llamaradas o Una mente maravillosa, y de lo peor con patéticas producciones como las basadas en las novelas de Dan Brown. Este realizador sustituye a otros dos directores por el descontento de Disney con su trabajo. Este hombre resucita el género de aventuras clásicas en una especie de vuelta a los orígenes.

 
En cuanto a las interpretaciones hay mucho que decir, pues el protagonista da la talla, aunque ha recibido muchas críticas a pesar de la bendición recibida por el gran Harrison Ford. A mí me ha encantado el trabajo Alden Enrenreich. El problema es que no hay química entre él y Emilia Clarke, recordada por ser khaleesi en la serie Juego de tronos, que no nos parece expresiva, trasmitiendo demasiada frialdad. Ella representa a una especie de femme fatale. El mejor trabajo de todos es del ambiguo personaje al que da vida Woody Harrelson, que demuestra ser un auténtico maestro a la hora de interpretar a un contrabandista en esta especie de cinta espacial con aroma a western. El papel de Paul Bettany es un tanto simple y su caracterización guarda un parecido razonable con Miguel Bosé.

 
El largometraje invita a reflexionar sobre lo que supone la amistad cuando se tiene el corazón herido por haber perdido a sus familiares en la infancia. No hay que perderse, por tanto, el primer encuentro entre Chewbacca y el célebre piloto del Halcón Milenario. Esta película ensalza el trabajo en equipo para lograr los objetivos. El dron-novia de Lando Calrissian representa a la importante labor de esas personas que luchan por la libertad tan necesaria para que el ser humano sea feliz y pueda vivir en paz. Finalmente, hay que prestar atención al guiño cinéfilo del realizador a su película Willow, ya que aparece su protagonista Warwick Davis (publicado en Cope).

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20 May2018

Sansón

by Victor Alvarado

Para que los niños y jóvenes se adentren en películas religiosas, la mejor manera de comenzar podría ser conociendo  a uno de los primeros superhéroes de la historia, ya que Sansón fue el baluarte  de los judíos en su lucha contra los filisteos. Se trata de la segunda vez que este personaje  se lleva  a la gran pantalla tras Sansón y Dalila de Cecil B DeMille, protagonizada por Víctor Mature y Hedy Lamarr.

Y es que esta semana se estrena Sansón del cineasta Bruce McDonald que promete cine religioso de aventuras y está fueron sus declaraciones: “Esta producción contiene un mensaje inspirador que no sólo está reservado para los inclinados a la religión. No es necesario ser cristiano para ir a ver esta película. Es verdad que Dios está presente en las acciones de los personajes, pero también te hará pensar en quién eres y en la relevancia de tu vida para los que te rodean.” El citado director tiene un par de proyectos que, a priori, merece la pena destacar como la historia real de Chris Bertish, que atravesó  el Atlántico en una tabla de surf o The Shaper , sobre una chica que sueña con participar en la selección de surf  de su país.

Esta producción está bien rodada. Nunca pierde el ritmo, aunque se percibe que andan escasos de medios. No obstante,  guarda cierto equilibrio entre  humor, drama y acción, aunque habría que decir que se le va ligeramente la mano con la violencia.

En el reparto destaca el veterano actor Rutger Hauer, recordado por su personaje de replicante en Blade Runner, junto a dos actores que aparecieron en la saga Crepúsculo como  Taylor James y Jackson Rathbone que transmite sinceridad e inocencia en sus declaraciones todo lo contrario a las malas artes del personaje que interpreta: “Es una de las historias bíblicas que aprendí cuando era niño. Oías contar de sansón, de la quijada de burro con la que mató a muchos filisteos, del corte de cabello. Y verlo cobrar vida en la gran pantalla es algo que, cuando era pequeño, me hubiera encantado ver. Además,  como padre, estoy emocionado de poder  llevar a mi hijo a disfrutar de esta película.”

 

La película, sin ser una maravilla, es entretenida. Ésta invita a reflexionar sobre el modo en el que nos llama el Señor. Este hombre tiene un don que debe poner al servicio de sus compatriotas cuando siente la llamada de Dios. El realizador logra mostrar con acierto la evolución de un personaje  que al principio se niega a aceptar lo que Dios le encomienda hasta que comprende que su deber es proteger a su pueblo y que un gran poder requiere una gran responsabilidad, agotando las vías diplomáticas para lograr la paz antes de utilizar su poder para derrotar al enemigo. La oración se muestra como el motor que hace mejores a las personas (publicado en Cope).

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29 Abr2018

Vengadores: Infinity War-Los valores universales frente al control genocida del aumento de población

by Victor Alvarado

¿Cómo funciona en pantalla este reparto coral?

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22 Abr2018

Sergio y Serguéi

by Victor Alvarado

La pequeña joya de este mes es una coproducción hispano-cubana-estadounidense que nos habla del desmoronamiento del “telón de acero” desde la óptica de la comedia inteligente.

La historia  está basada en hechos reales. Sergio y Serguéi cuenta el encuentro, casi por casualidad, de dos radioaficionados en una especie de misión imposible, ya que uno es cubano y el otro es el último astronauta soviético de la historia que se encuentra en la estación espacial Mir.

La dirección corresponde a Ernesto Daranas, recordado por la apreciada Conducta, que no se cómo se ha producido con dinero cubano cuando  este país destaca por su capacidad para restringir las libertades. Como dato curioso, esta película hace una crítica al comunismo del citado país por ese control que ejerce el estado sobre la vida privada de las personas, todo contado con gran sentido del humor y simpatía. La denuncia, que aquí se hace, se asemeja, aunque en un estilo distinto, a la cinta alemana La vida de los otros de Florian Henckel.

Por otra parte, sorprende  que el protagonista sea un profesor de marxismo partidario de modificar a esta ideología o que la madre del protagonista rece a la Virgen María, dada la persecución  que sufrió la Iglesia durante el Castrismo. No hay que perderse los acertados comentarios  del radioaficionado norteamericano de origen polaco en una escena donde se explica con claridad y contundencia no solo los sufrimientos causados por el nazismo, sino también el terror del comunismo alentado por Stalin (blog Cope).

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22 Abr2018

Campeones

by Victor Alvarado

Las películas de Javier Fesser, hermano del humorista Guillermo Fesser, miembro del dúo Gomaespuma, se caracterizan por su surrealista sentido del humor o por su incomprensible anticlericalismo. Es el autor de las versiones más potentes que se han hecho sobre Mortadelo y Filemón. Su trabajo más polémico fue Camino, en la que daba la impresión de que se burlaba de las creencias de una niña de profundas convicciones religiosas que pasó por una terrible enfermedad. La película en cuestión, Campeones, vuelve a sacar el lado más humano que pudimos ver en El milagro de P. Tinto o Cándida de cuyo guión fue el autor.

Esta producción, en la que destaca el actor Javier Gutiérrez, nos habla de la superación personal y resalta la dignidad de los discapacitados intelectuales  que son igual de válidos o más que los que se consideran normales, en un tiempo, en el que muchos proponen como solución,  al supuesto problema,  el aborto. Este detalle llama la atención cuando por ejemplo existen varios casos de personas con síndrome de  Down como el caso de Pablo Pineda o Luis que han demostrado su capacidad para integrarse en la sociedad como trabajadores de provecho.  Al citado cineasta casi sin haberlo pensado,  le ha salido una película provida en el buen sentido del término (publicado en Blog Cope).

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15 Abr2018

La casa torcida

by Victor Alvarado

¡Qué levante la mano quien no se ha leído alguna novela de intriga inglesa! Y es que los británicos han mostrado gran talento para ello, recordamos nombres como Arthur Conan Doyle, Víctor Whitechurch, Edmund Crispin, Chesterton, Dorothy Sayers o la estrella de las estrellas Agatha Christie, cuyas obras han sido llevadas innumerables veces a la gran pantalla, acuérdense de Diez negritos o Asesinato en el Orient Express. Esta mujer  siempre nos hizo a todos rompernos la cabeza, tratando de descubrir al criminal.

 

La dirección ha corrido a cargo de Gilles Paquet-Brener, autor de La llave de Sarah, que ha contado para esta cinta coral con la televisiva Stephanie Martini, la gran actriz Glenn Close o el actor Max Irons en el papel del detective Charles Hayward, un personaje no tan conocido como la Srta. Marple o Hércules  Poirot en lo que a investigadores creados por la célebre escritora se refiere. El caso es que La casa torcida, editada en 1949, ha sido llevada por primera vez a la gran pantalla. Como dato curioso era la preferida de Agatha Christie.

 

La historia gira en torno al investigador Max Hayward que deberá descubrir al autor de un asesinato dentro de la familia de un magnate de origen griego, que vive en Gran Bretaña en la que todos parecen sospechosos.

 

El citado cineasta ha contado con un guionista especializado en  contar historias de familias de la aristocracia inglesa como Julian Fellowes , al que recordarán por ser el escritor  del guión de la serie Downton Abbey y la película Gosford Park. Este señor es capaz de describir  el carácter de cada personaje de un plumazo con acierto. Se trata de una de las mejores adaptaciones que se han hecho de las obras de Agatha Christie. La ambientación es magnífica, aunque los personajes transmiten demasiada frialdad, lo que le resta fuerza  a la película. Los giros argumentales mantienen la atención del espectador que nunca tiene claro quién es el asesino. En cuanto al desenlace, sin desvelarles nada, hay que decir que es de los más sorprendentes que nunca se han visto o leído. Seguro que a los aficionados al género les encantará.

 

El largometraje  es una crítica a esas familias que lo tienen todo con tan solo pensarlo. Estas personas tienen una vida fácil,  lo que provoca que tiendan a hundirse ante los obstáculos o dificultades de la vida. Nos han gustado las sabias palabras de la más coherente de todos ellos, interpretada por Glenn Close que aconseja a su sobrina-nieta que sea equilibrada en su planteamiento de vida como dando a entender que en el término medio se encuentra la virtud, cuando alguien se encuentra en una situación de privilegio (publicado en Cope).

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10 Abr2018

Ready Player One-Una producción sobre videojuegos abierta a la trascendencia

by Victor Alvarado

¿Cuáles son las claves para entender a Steven Spielberg?

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28 Mar2018

Pablo, el apóstol de Cristo

by Victor Alvarado

Según los grandes estudiosos, historiadores y teólogos, la figura del incansable viajero san Pablo resulta esencial en la expansión del cristianismo porque en su encuentro con el Resucitado entendió que esa buena noticia no sólo estaba destinada a los judíos, sino que había que trasladarla a toda la humanidad.

 

El cineasta Andrew Hyatt parece  tenerlo claro en su nuevo trabajo: Pablo, el apóstol de Cristo. Para ello, el realizador ha contado con un buen reparto encabezado por Jim Caviezel, recordado por La pasión de Cristo y por su compromiso cristiano, al que acompañan Olivier Martínez, James Faulkner, Joanna Whalley y John Lynch.

 

El director contó a la prensa la idea que había querido transmitir:”Es una película religiosa que no rehúye mostrar la realidad del miedo, el peligro y la persecución que tuvieron que afrontar los primeros creyentes en tiempos de Nerón… y sus asombrosos actos de fe, amor y servicio. Practicar la fe cristiana a menudo suponía una sentencia de muerte en la Antigua Roma, que solía ejecutarse por medios espeluznantes. Pero, a pesar de todo ello, la iglesia de los primeros tiempos siguió adelante”. Sus creadores   han hecho todo lo posible para mantenerse fieles a la Biblia en los detalles de la vida de Pablo y sus viajes. Luego crearon a una serie de personajes que interactuarán con él para entrelazar la trama dramática a lo largo de toda la película.

 

Para este trabajo se han unido varias productoras católicas y protestantes. Les resumimos brevemente el cometido de algunas de  ellas:

+ODB Films es un ministerio católico dedicado a promover un encuentro con Cristo por medio de películas de gran riqueza espiritual y gran talento artístico.

+Giving Films fue fundada por Richard L. Jackson y Fred Bernstein como filial de Astute Films, LLC para financiar y producir películas que susciten debates en torno a la fe.

+AFFIRM Films, vinculada a Sony, produce, adquiere y comercializa películas que inspiran, alientan y entretienen a espectadores de todo el mundo. De esta productora han salido películas maravillosas con Soul surfer, El cielo es real o Los milagros del cielo.

 

La presentación de esta historia, que todos conocemos, desde otro punto de vista hace que todo lo que vemos nos parezca más original; es decir, desde la óptica del médico y evangelista san Lucas con lo que no se hace monótona y, lo más importante, se mantiene bastante fiel, en lo esencial, a la vida de San Pablo. Las tramas secundarias enriquecen a la historia principal y sirven para que conozcamos detalles de las vivencias de los primeros cristianos que en su mayoría intentaban ser coherentes y fieles a las enseñanzas de Jesús de Nazaret.

 

En contraposición con lo positivo, a esta producción le falta luz porque es demasiado oscura incluso en las escenas al aire libre. Nos parece un error grave no haber tenido en cuenta ese elemento, pues empaña tanto el buen hacer del realizador como de los actores (publicado en Cope).

 

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