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Category “Crítica de Cine”
8 Jul2018

Ant-Man y la Avispa

by Victor Alvarado

Hace unos años, el tándem  Marvel/Disney dio la campanada con un personaje menos popular,  pero si importante dentro del universo creado por Stan Lee. La producción Ant- Man, el Hombre Hormiga, era una película de aventuras, acción y bastante profunda porque dijimos de ella lo siguiente:”La relación casi paterno-filial, que se establece entre los dos hombres hormiga, invita a pensar en el valor de la acogida. Puede llegarse a ver la relación tan intensa que se produce entre un “padre” capaz de ver más allá de la apariencia y que mira al corazón del otro, donde el poder de la reconciliación tiene bastante peso y como en la historia aparecen científicos que nos recuerdan que el fin no debe justificar los medios”. En esta segunda parte vemos una historia de amor potente que guarda cierta relación con una histórica etapa de Los Vengadores. Por esa razón, esta secuela se titula El Hombre Hormiga y la Avispa que sigue contando con secundarios de lujo como Michael Douglas o, en este caso, Michelle Pfeiffer junto a sus protagonistas Paul Rudd y Evangeline Lilly, que tendrá,  ésta última, gran protagonismo en las escenas más espectaculares.

 

Peyton Reed, que vuelve a pilotar esta nueva aventura de Scott Lang, da más valor, en esta ocasión, a la acción y al humor que al drama. Los efectos especiales están muy logrados y se utilizan acertadamente cuando la situación lo requiere sin forzar la máquina. Tampoco se olvida del concepto de continuidad tan habitual en los cómics de superhéroes. Este director con la ayuda de varios guionistas combina un humor más o menos infantil con un buen ramillete de chistes destinados a un público adulto que pasa desapercibido para los más peques de la casa. Sin embargo, a pesar de contar con todos los medios posibles y ser bastante entretenida, al largometraje le falta algo, no tiene la frescura de la primera, haciendo honor a la repetida frase de segundas partes nunca fueron buenas.

 

En contraposición con lo negativo,  esta producción apuesta por la familia de los dos héroes, un hombre como  Scott que intenta redimirse y que encuentra el apoyo que necesita en la familia de su hermana siempre dispuesta a ayudarle, supliendo sus carencias, pero dando el valor que se merece a una persona que da la vida por su hija. Por otra parte, esta película presenta, con acierto, el drama de Hope que de algún modo se encuentra huérfana  de madre, pero que no pierde la esperanza de reencontrarse con ella.

 

Por otra parte, hay que prestar atención también a los guiños cinéfilos al clásico de ciencia ficción, El increíble hombre menguante, y al cine de serie B (publicado en Pantalla 90).

24 Jun2018

Las guardianas vs Tully

by Victor Alvarado

Las guardianas

El cineasta francés Xavier Beauvois adapta la novela de Ernest Pérochon. Este director ha contado con la presencia de Nathalie Bay y Laura Smet. De su filmografía destacamos dos producciones como El precio de la fama, una película cargada de humanidad que homenajeaba al cine mudo y, especialmente, a Charles Chaplin. La otra cinta clave de este director es, sin duda, De dioses y hombres que viene avalada por dos premios importantes como el Gran Premio del Jurado de Cannes y el Premio del Jurado Ecuménico. Y es que la película citada en segundo lugar estaba basada en hechos reales. Contaba la enorme labor de una comunidad religiosa que hacía una enorme labor humanitaria en tierras islámicas, cuyos miembros murieron mártires por culpa del radicalismo islámico.

 

El caso es que Las guardianas es su nuevo trabajo en el que se cuenta como las mujeres se hacen cargo de una granja cuando los hombres son llamados a filas para combatir en la Primera Guerra Mundial.

 

Este western femenino, que recuerda en cierto sentido a Caravana de mujeres de William Wellman,  refleja, sin estridencias, como conviven los avances técnicos en la agricultura frente a la entrega, el sacrificio o la fidelidad de estas gentes que tienen como referente a  sus familia y a sus creencias, en este caso, católicas.  Nos ha encantado el personaje  de la sirvienta, interpretado por Iris Bry, pues representa a esos cristianos comprometidos que rezan e intentan ser coherentes  con su práctica religiosa, aunque con sus debilidades. Su fe, celebrando los sacramentos, les lleva a entregar su vida por los demás, haciendo su trabajo con amor y a conciencia.

 

La historia de amor tiene una gran belleza; rompe tópicos y nos demuestra la fragilidad del amor de los recién enamorados porque una palabra o hecho puede dar un giro a la historia. La escena del enamoramiento es de la mejores de la historia del cine.

 

Tully

El crítico de cine Juan Luis Sánchez define los trabajos del cineasta Jason Reitman del siguiente modo:”Sus películas tiene la frescura del mejor cine independiente, combinan risas y lágrimas a partes iguales y hablan de temas profundos de gran interés sin molestar al público de la ideología que sea, aunque se trate de temas polémicos.” Para mi gusto tiene dos auténticas maravillas. Yo les recomendaría la divertida película Juno, pues defiende la vida por pequeña que sea con gran inteligencia. La otra producción que no hay que perderse de su filmografía es Up in the air, protagonizada por George Clooney, que daría para un cinefórum de altas miras.

 

Esta semana se estrena su último trabajo, titulado Tully. Para ello vuelve a contar con su actriz preferida Charlize Theron en una película que habla del valor del sacrificio por los hijos, explicándonos las luces y sombras de la maternidad, pero siempre desde una óptica que defiende la vida, aunque algunos de sus chistes estén subidos de tono, ya que la guionista de este director es la stripper Diablo Cody, una mujer políticamente muy incorrecta, pero con valores humanos ciertamente interesantes.

 

Charlize Theron representa el lado negativo de la maternidad cuando el marido no colabora y está en su mundo frente a una especie de alter ego que es la niñera, intepretada por MacKenzie Davis, que le ayuda por la noche  y que, de algún modo, representa al lado positivo de la maternidad. Este cóctel de chicas es lo que este realizador propone como prototipo de madre como queriendo decir  la felicidad se alcanza con esfuerzo, siendo el amor, el arma para derrotar  a la depresión postparto.

 

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17 Jun2018

Colmillo Blanco

by Victor Alvarado

Jack London vuelve a estar de moda o eso parece, ya que hace unos meses la editorial  Reino de Cordelia se propuso ir sacando todo el arsenal que tiene de la obra del citado escritor y aventurero.

 

Y, en estos días, puede verse en las pantallas españolas, la película de animación Colmillo Blanco que, como todos ustedes saben, se basa en una de las obras más conocidas de Jack London, un escritor que plasmó en sus cuentos sus vivencias personales. Por eso creemos que sus historias resultan tan creíbles.

 

El cineasta luxemburgués Alexandre Espigares, ganador del Óscar al mejor cortometraje animado en 2014,  con muchísimas carencias técnicas, si lo comparamos con el universo Pixar o DreamWorks,  pero sacando el máximo producto al relato. Este realizador logra entretener al espectador con mucha acción; oportunos diálogos y una narración ágil.

 

Las escenas más escabrosas o que pudieran suponer un problema para una producción orientada a los más “peques” de la casa, aunque la puedan disfrutar los adultos,  se solventan con elegantes elipsis que no ocultan o suavizan la realidad,  a veces cruda, del comportamiento animal.

 

El argumento gira en torno a un a un perro, cruce de un lobo y una perrita,  que vive diferentes aventuras con un indio, un delincuente y un sheriff en distintos momentos de su vida.

 

Esta producción es un canto a la naturaleza; a todos sus encantos y misterios, sin mensajes ecologistas en el sentido político, sin pancartas  “greenpeace-empachosas”, sino tratando de mostrar la admiración y el asombro que nos producen a todos los paisajes que allí aparecen. Por otra parte, estamos ante un largometraje que distingue claramente entre el bien y el mal. El indio aparece como un hombre honrado que rehúye el conflicto y que lucha por la supervivencia del grupo, demostrando gran sabiduría en sus decisiones. La mujer del sheriff representa a ese tipo de personas que mediante el cariño, la paciencia y la ternura siempre saben darle la vuelta a la tortilla para que de un hecho que pueda ser una dificultad surja una solución adecuada a un determinado problema.

 

Finalmente, la película invita a reflexionar sobre la necesidad de libertad y el sentido de búsqueda para encontrar el camino que nos ayude a ser felices (publicado en Cope).

 

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10 Jun2018

El malvado zorro feroz-La protección de la infancia y la risa de los padres

by Victor Alvarado

¿La unión hace la fuerza?

¿Los adultos pueden disfrutar con esta película de animación?

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3 Jun2018

El hombre que mató a Don Quijote

by Victor Alvarado

Adam Driver y Jonathan Pryce son los protagonistas de esta particular versión del Quijote escrita por Miguel de Cervantes Saavedra desde la óptica de Terry Gilliam. Según los expertos estamos ante el ex Monty Python que creó su propio universo, convirtiéndose en autor de culto. Es el director de películas peculiares como Doce monos o La nuevas aventuras del barón de Munchausen. Su trabajo más interesante y profundo fue El rey pescador. Por otro lado pensamos que fracasó con la rarísima El imaginario del Dr. Parnassus, siendo El hombre que mató a Don Quijote su segundo intento de hablar de esta joya cervantina, tras Perdidos en la Mancha.
El cineasta declaró a Fotogramas lo siguiente sobre las características de sus protagonistas: “Mis personajes siempre se comportan como niños o lunáticos o Quijotes. Prefieren vivir en un mundo extraordinario. Y eso es peligroso, porque la realidad siempre está ahí, acechando. Y sí cruzas sin mirar en ambas direcciones, el autobús te arrolla.”
El argumento de esta coproducción gira en torno a un director de cine interesado en la historia del popular caballero manchego, que se acaba convirtiendo en el escudero del caballero andante de cuyo nombre no quiero acordarme.

 

Varias han sido las versiones que se han hecho sobre Don Quijote, destacando las interpretaciones de Fernando Rey como Quijote y de Alfredo Landa como Sancho en la producción televisiva de Manuel Guitiérrez Aragón y no nos podemos olvidar de la magnífica serie de animación de Cruz Delgado con el doblaje de Fernando Fernan Gómez. Sin embargo, destaca por encima de todas, la interpretación de Rafael Rivelles, dando vida al Quijote del grandísimo director español Rafael Gil. En este caso, la interpretación de Jonathan Pryce se acerca o se iguala al intérprete citado en último lugar. La escena más brillante de toda la película es aquella en la que el zapatero de esta historia pierde la cordura para transformarse en Alonso Quijano. Tan sólo por eso merece la pena ver la película. Sin embargo, no todo el monte es orégano porque el ritmo de la película es irregular y está cargado del surrealismo tan cargante del realizador británico. Nos parece grotesca la visión que se ofrece de la Guardia Civil y, en particular, la de un oficial de alto rango que guarda un parecido razonable y malintencionado con Mussolini. Por otra parte, la visión que se ofrece de la Iglesia del Siglo de Oro está cargada de tópicos. Otro punto negativo es la visión tan degradante que se ofrece de la mujer.

Finalmente, nos quedamos con la reflexión de sí merece la pena defender los ideales y principios en los que uno cree con pasión y valentía, aunque te puedan tomar por loco. Y es que el héroe quijotesco es el mejor espejo en el que mirase porque siempre apunta a lo alto (publicado en Pantalla 90).

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27 May2018

Han Solo. Una historia de Star Wars

by Victor Alvarado

Reconozco que me he reconciliado con la saga de la Guerra de las Galaxias, tras varios tostones como Rogue one y Star Wars: Los últimos Jedi. Todos sabemos que estas producciones suelen ser una máquina de hacer dinero, pero no deben engañar al público como pasó en cierta manera con las anteriormente citadas.

 
Han Solo. Una historia de Star Wars es una cinta que lo que promete, lo cumple. Una parte de la crítica ha sido dura con ella. Yo siento llevarle la contraria porque a mi juicio iguala a la saga primigenia, transmitiendo valores universales y proponiendo entretenidas aventuras, contadas con dinamismo y buenos diálogos.

 
La dirección ha corrido a cargo de Ron Howard capaz de lo mejor como demostró con Cinderella man, Llamaradas o Una mente maravillosa, y de lo peor con patéticas producciones como las basadas en las novelas de Dan Brown. Este realizador sustituye a otros dos directores por el descontento de Disney con su trabajo. Este hombre resucita el género de aventuras clásicas en una especie de vuelta a los orígenes.

 
En cuanto a las interpretaciones hay mucho que decir, pues el protagonista da la talla, aunque ha recibido muchas críticas a pesar de la bendición recibida por el gran Harrison Ford. A mí me ha encantado el trabajo Alden Enrenreich. El problema es que no hay química entre él y Emilia Clarke, recordada por ser khaleesi en la serie Juego de tronos, que no nos parece expresiva, trasmitiendo demasiada frialdad. Ella representa a una especie de femme fatale. El mejor trabajo de todos es del ambiguo personaje al que da vida Woody Harrelson, que demuestra ser un auténtico maestro a la hora de interpretar a un contrabandista en esta especie de cinta espacial con aroma a western. El papel de Paul Bettany es un tanto simple y su caracterización guarda un parecido razonable con Miguel Bosé.

 
El largometraje invita a reflexionar sobre lo que supone la amistad cuando se tiene el corazón herido por haber perdido a sus familiares en la infancia. No hay que perderse, por tanto, el primer encuentro entre Chewbacca y el célebre piloto del Halcón Milenario. Esta película ensalza el trabajo en equipo para lograr los objetivos. El dron-novia de Lando Calrissian representa a la importante labor de esas personas que luchan por la libertad tan necesaria para que el ser humano sea feliz y pueda vivir en paz. Finalmente, hay que prestar atención al guiño cinéfilo del realizador a su película Willow, ya que aparece su protagonista Warwick Davis (publicado en Cope).

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20 May2018

Sansón

by Victor Alvarado

Para que los niños y jóvenes se adentren en películas religiosas, la mejor manera de comenzar podría ser conociendo  a uno de los primeros superhéroes de la historia, ya que Sansón fue el baluarte  de los judíos en su lucha contra los filisteos. Se trata de la segunda vez que este personaje  se lleva  a la gran pantalla tras Sansón y Dalila de Cecil B DeMille, protagonizada por Víctor Mature y Hedy Lamarr.

Y es que esta semana se estrena Sansón del cineasta Bruce McDonald que promete cine religioso de aventuras y está fueron sus declaraciones: “Esta producción contiene un mensaje inspirador que no sólo está reservado para los inclinados a la religión. No es necesario ser cristiano para ir a ver esta película. Es verdad que Dios está presente en las acciones de los personajes, pero también te hará pensar en quién eres y en la relevancia de tu vida para los que te rodean.” El citado director tiene un par de proyectos que, a priori, merece la pena destacar como la historia real de Chris Bertish, que atravesó  el Atlántico en una tabla de surf o The Shaper , sobre una chica que sueña con participar en la selección de surf  de su país.

Esta producción está bien rodada. Nunca pierde el ritmo, aunque se percibe que andan escasos de medios. No obstante,  guarda cierto equilibrio entre  humor, drama y acción, aunque habría que decir que se le va ligeramente la mano con la violencia.

En el reparto destaca el veterano actor Rutger Hauer, recordado por su personaje de replicante en Blade Runner, junto a dos actores que aparecieron en la saga Crepúsculo como  Taylor James y Jackson Rathbone que transmite sinceridad e inocencia en sus declaraciones todo lo contrario a las malas artes del personaje que interpreta: “Es una de las historias bíblicas que aprendí cuando era niño. Oías contar de sansón, de la quijada de burro con la que mató a muchos filisteos, del corte de cabello. Y verlo cobrar vida en la gran pantalla es algo que, cuando era pequeño, me hubiera encantado ver. Además,  como padre, estoy emocionado de poder  llevar a mi hijo a disfrutar de esta película.”

 

La película, sin ser una maravilla, es entretenida. Ésta invita a reflexionar sobre el modo en el que nos llama el Señor. Este hombre tiene un don que debe poner al servicio de sus compatriotas cuando siente la llamada de Dios. El realizador logra mostrar con acierto la evolución de un personaje  que al principio se niega a aceptar lo que Dios le encomienda hasta que comprende que su deber es proteger a su pueblo y que un gran poder requiere una gran responsabilidad, agotando las vías diplomáticas para lograr la paz antes de utilizar su poder para derrotar al enemigo. La oración se muestra como el motor que hace mejores a las personas (publicado en Cope).

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29 Abr2018

Vengadores: Infinity War-Los valores universales frente al control genocida del aumento de población

by Victor Alvarado

¿Cómo funciona en pantalla este reparto coral?

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22 Abr2018

Sergio y Serguéi

by Victor Alvarado

La pequeña joya de este mes es una coproducción hispano-cubana-estadounidense que nos habla del desmoronamiento del “telón de acero” desde la óptica de la comedia inteligente.

La historia  está basada en hechos reales. Sergio y Serguéi cuenta el encuentro, casi por casualidad, de dos radioaficionados en una especie de misión imposible, ya que uno es cubano y el otro es el último astronauta soviético de la historia que se encuentra en la estación espacial Mir.

La dirección corresponde a Ernesto Daranas, recordado por la apreciada Conducta, que no se cómo se ha producido con dinero cubano cuando  este país destaca por su capacidad para restringir las libertades. Como dato curioso, esta película hace una crítica al comunismo del citado país por ese control que ejerce el estado sobre la vida privada de las personas, todo contado con gran sentido del humor y simpatía. La denuncia, que aquí se hace, se asemeja, aunque en un estilo distinto, a la cinta alemana La vida de los otros de Florian Henckel.

Por otra parte, sorprende  que el protagonista sea un profesor de marxismo partidario de modificar a esta ideología o que la madre del protagonista rece a la Virgen María, dada la persecución  que sufrió la Iglesia durante el Castrismo. No hay que perderse los acertados comentarios  del radioaficionado norteamericano de origen polaco en una escena donde se explica con claridad y contundencia no solo los sufrimientos causados por el nazismo, sino también el terror del comunismo alentado por Stalin (blog Cope).

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22 Abr2018

Campeones

by Victor Alvarado

Las películas de Javier Fesser, hermano del humorista Guillermo Fesser, miembro del dúo Gomaespuma, se caracterizan por su surrealista sentido del humor o por su incomprensible anticlericalismo. Es el autor de las versiones más potentes que se han hecho sobre Mortadelo y Filemón. Su trabajo más polémico fue Camino, en la que daba la impresión de que se burlaba de las creencias de una niña de profundas convicciones religiosas que pasó por una terrible enfermedad. La película en cuestión, Campeones, vuelve a sacar el lado más humano que pudimos ver en El milagro de P. Tinto o Cándida de cuyo guión fue el autor.

Esta producción, en la que destaca el actor Javier Gutiérrez, nos habla de la superación personal y resalta la dignidad de los discapacitados intelectuales  que son igual de válidos o más que los que se consideran normales, en un tiempo, en el que muchos proponen como solución,  al supuesto problema,  el aborto. Este detalle llama la atención cuando por ejemplo existen varios casos de personas con síndrome de  Down como el caso de Pablo Pineda o Luis que han demostrado su capacidad para integrarse en la sociedad como trabajadores de provecho.  Al citado cineasta casi sin haberlo pensado,  le ha salido una película provida en el buen sentido del término (publicado en Blog Cope).

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15 Abr2018

La casa torcida

by Victor Alvarado

¡Qué levante la mano quien no se ha leído alguna novela de intriga inglesa! Y es que los británicos han mostrado gran talento para ello, recordamos nombres como Arthur Conan Doyle, Víctor Whitechurch, Edmund Crispin, Chesterton, Dorothy Sayers o la estrella de las estrellas Agatha Christie, cuyas obras han sido llevadas innumerables veces a la gran pantalla, acuérdense de Diez negritos o Asesinato en el Orient Express. Esta mujer  siempre nos hizo a todos rompernos la cabeza, tratando de descubrir al criminal.

 

La dirección ha corrido a cargo de Gilles Paquet-Brener, autor de La llave de Sarah, que ha contado para esta cinta coral con la televisiva Stephanie Martini, la gran actriz Glenn Close o el actor Max Irons en el papel del detective Charles Hayward, un personaje no tan conocido como la Srta. Marple o Hércules  Poirot en lo que a investigadores creados por la célebre escritora se refiere. El caso es que La casa torcida, editada en 1949, ha sido llevada por primera vez a la gran pantalla. Como dato curioso era la preferida de Agatha Christie.

 

La historia gira en torno al investigador Max Hayward que deberá descubrir al autor de un asesinato dentro de la familia de un magnate de origen griego, que vive en Gran Bretaña en la que todos parecen sospechosos.

 

El citado cineasta ha contado con un guionista especializado en  contar historias de familias de la aristocracia inglesa como Julian Fellowes , al que recordarán por ser el escritor  del guión de la serie Downton Abbey y la película Gosford Park. Este señor es capaz de describir  el carácter de cada personaje de un plumazo con acierto. Se trata de una de las mejores adaptaciones que se han hecho de las obras de Agatha Christie. La ambientación es magnífica, aunque los personajes transmiten demasiada frialdad, lo que le resta fuerza  a la película. Los giros argumentales mantienen la atención del espectador que nunca tiene claro quién es el asesino. En cuanto al desenlace, sin desvelarles nada, hay que decir que es de los más sorprendentes que nunca se han visto o leído. Seguro que a los aficionados al género les encantará.

 

El largometraje  es una crítica a esas familias que lo tienen todo con tan solo pensarlo. Estas personas tienen una vida fácil,  lo que provoca que tiendan a hundirse ante los obstáculos o dificultades de la vida. Nos han gustado las sabias palabras de la más coherente de todos ellos, interpretada por Glenn Close que aconseja a su sobrina-nieta que sea equilibrada en su planteamiento de vida como dando a entender que en el término medio se encuentra la virtud, cuando alguien se encuentra en una situación de privilegio (publicado en Cope).

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10 Abr2018

Ready Player One-Una producción sobre videojuegos abierta a la trascendencia

by Victor Alvarado

¿Cuáles son las claves para entender a Steven Spielberg?

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28 Mar2018

Pablo, el apóstol de Cristo

by Victor Alvarado

Según los grandes estudiosos, historiadores y teólogos, la figura del incansable viajero san Pablo resulta esencial en la expansión del cristianismo porque en su encuentro con el Resucitado entendió que esa buena noticia no sólo estaba destinada a los judíos, sino que había que trasladarla a toda la humanidad.

 

El cineasta Andrew Hyatt parece  tenerlo claro en su nuevo trabajo: Pablo, el apóstol de Cristo. Para ello, el realizador ha contado con un buen reparto encabezado por Jim Caviezel, recordado por La pasión de Cristo y por su compromiso cristiano, al que acompañan Olivier Martínez, James Faulkner, Joanna Whalley y John Lynch.

 

El director contó a la prensa la idea que había querido transmitir:”Es una película religiosa que no rehúye mostrar la realidad del miedo, el peligro y la persecución que tuvieron que afrontar los primeros creyentes en tiempos de Nerón… y sus asombrosos actos de fe, amor y servicio. Practicar la fe cristiana a menudo suponía una sentencia de muerte en la Antigua Roma, que solía ejecutarse por medios espeluznantes. Pero, a pesar de todo ello, la iglesia de los primeros tiempos siguió adelante”. Sus creadores   han hecho todo lo posible para mantenerse fieles a la Biblia en los detalles de la vida de Pablo y sus viajes. Luego crearon a una serie de personajes que interactuarán con él para entrelazar la trama dramática a lo largo de toda la película.

 

Para este trabajo se han unido varias productoras católicas y protestantes. Les resumimos brevemente el cometido de algunas de  ellas:

+ODB Films es un ministerio católico dedicado a promover un encuentro con Cristo por medio de películas de gran riqueza espiritual y gran talento artístico.

+Giving Films fue fundada por Richard L. Jackson y Fred Bernstein como filial de Astute Films, LLC para financiar y producir películas que susciten debates en torno a la fe.

+AFFIRM Films, vinculada a Sony, produce, adquiere y comercializa películas que inspiran, alientan y entretienen a espectadores de todo el mundo. De esta productora han salido películas maravillosas con Soul surfer, El cielo es real o Los milagros del cielo.

 

La presentación de esta historia, que todos conocemos, desde otro punto de vista hace que todo lo que vemos nos parezca más original; es decir, desde la óptica del médico y evangelista san Lucas con lo que no se hace monótona y, lo más importante, se mantiene bastante fiel, en lo esencial, a la vida de San Pablo. Las tramas secundarias enriquecen a la historia principal y sirven para que conozcamos detalles de las vivencias de los primeros cristianos que en su mayoría intentaban ser coherentes y fieles a las enseñanzas de Jesús de Nazaret.

 

En contraposición con lo positivo, a esta producción le falta luz porque es demasiado oscura incluso en las escenas al aire libre. Nos parece un error grave no haber tenido en cuenta ese elemento, pues empaña tanto el buen hacer del realizador como de los actores (publicado en Cope).

 

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21 Mar2018

La casa junto al mar-Inteligente análisis sobre los desencantados con la izquierda

by Victor Alvarado

¿Esta producción de Robert Guédiguian transmite esperanza?

¿Cómo se trata el drama de la inmigración?

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11 Mar2018

El caso de Cristo

by Victor Alvarado

En los últimos años, el cine de temática religiosa intenta abrirse camino entre superproducciones que copan casi todas las salas. Estas películas tienen más seguidores de los que muchos podrían pensar a pesar del ninguneo que sufren por parte de muchos medios de comunicación. Este largometraje estuvo dos semanas en el top 10 de los Estados Unidos.

 

El caso de Cristo es el nuevo trabajo de Jon Gunn, autor de Deseos al viento,  El poder de la cruz y La calle del perdón, un cineasta especializado en películas espirituales y profundas. Este director, con la ayuda de la productora Pure Flix, adapta el bestseller del periodista Lee Strobel, que es el protagonista de esta historia, pues lo que se cuenta está basado en hechos reales. El libro en cuestión vendió millones de ejemplares.

 

Lee Strobel era un periodista de prestigio de los años 80, un hombre muy valorado por sus trabajos de investigación. Este señor  y su mujer se consideraban ateos convencidos hasta que ella se convierte al cristianismo porque una enfermera creyente salva la vida de su hija, situación que distancia a la pareja, ya que él quiere demostrar a su esposa que la resurrección de Jesucristo nunca pudo ocurrir y que por tanto Dios no existe, para lo cual realiza una exhaustiva  investigación, entrevistando a científicos de gran altura.

 

Mike Vogel da vida a este hombre, donde destacan secundarios de lujo como  el nominado  al Óscar Robert Forster y una actriz como Faye Dunaway  que no necesita carta de presentación, pero que borda los pocos minutos que aparece en pantalla.

 

El cineasta imprime un ritmo lento a la historia, dosificando sabiamente la información para mantener siempre la intriga, mostrando las dificultades de un matrimonio cuando cambian sus circunstancias y tienen que enfrentarse a nuevos retos.

 

La película presenta un claro aroma protestante, pero sin intentar desacreditar al catolicismo porque creo que el cristianismo sea de la rama que sea puede sentirse identificado con la historia que aquí se cuenta y la cinta no defrauda  en ese sentido porque lo que promete, lo cumple.

 

Este largometraje, narrado con solvencia, al estilo de esos grandes títulos sobre periodismo de investigación que a todos nos suenan, habla de la necesidad de conocer la verdad cueste lo que  cueste. Por otra parte, El caso de Cristo invita a pensar que se puede encontrar a Dios mediante el corazón o con el uso de la razón, aunque posteriormente sea necesario un encuentro con la Providencia a través de la oración. Por último, este largometraje refleja una realidad que demuestra que, en ocasiones, unas malas vivencias con el padre dificultan la relación con la trascendencia. Hay que prestar una especial atención a las escenas entre el abuelo Strobel y su hijo (publicado en Cope).

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3 Mar2018

Gorrión rojo

by Victor Alvarado

Las dos caras de la moneda del cine sobre espionaje son, por un lado, las entretenidas y dinámicas adaptaciones de las novelas de Ian Fleming y su mítico James Bond y, por otro, las adaptaciones, por ejemplo, de las novelas de John le Carré, pues casi nunca, aunque hay excepciones, ha tenido la  fortuna suficiente cuando  algunas de sus obras se han llevado a la gran pantalla. Tal vez porque es demasiado realista y algunas  tramas no se entienden del todo bien y resultan insufribles. Quizás se deba a que la vida de un espía no debe ser casi nunca demasiado divertida, salvo en momentos o situaciones puntuales de gran estrés.

 

El cineasta Francis Lawrence, autor de la mejor saga juvenil de los últimos años como Los juegos del hambre y de producciones  interesantes como  Soy leyenda, adapta la novela de Jason Matthews con la ayuda del guionista Justin Haythe. Para ello, el cineasta se ha sabido rodear de un importante elenco de actores donde destacan Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling y, por supuesto, la actriz fetiche del realizador, Jennifer Lawrence que es, para nuestro gusto, una de las mejores actrices jóvenes del panorama internacional.

 

El director rompe los tópicos que dicen que una película de espionaje, basada en la realidad, tiene que ser aburrida, dotándole de cierto dinamismo, teniendo en cuenta las limitaciones. Tienes la sensación de que lo que estás viendo podría coincidir con lo que se escondía tras el Telón de acero. Sin embargo, a pesar de no coincidir con algunos críticos de cine,  creo que la trama se entiende razonablemente bien, algo nada habitual en el género del espionaje. En contraposición con lo positivo, se insiste en escenas de contenido sexual morboso para contar como los servicios secretos rusos preparaban a chicas guapas para convertirlas en maestras de la seducción para conseguir información valiosa sobre otros países. Por otra parte, se hace un uso desagradable y demasiado gráfico de la violencia, no apta para todos los públicos y estómagos, aunque sin llegar al gore.

 

La película permite reflexionar sobre cómo la KGB soviética y los actuales herederos del comunismo atentan contra la libertad y la dignidad de la mujer al convertir a esas muchachas en prostitutas al servicio del estado. En ese sentido, se podría considerar un largometraje de denuncia, en la que el espía americano tiene  cierta ética profesional, percibiendo que ha recibido una educación sana e íntegra que le permite pensar y sentir por sí mismo. Este planteamiento de vida choca con la falta de escrúpulos que caracteriza a ese tipo de países que no respetan los valores de la democracia. Nos ha gustado el personaje de la madre porque, conocedora del chantaje al que se ve sometida  su hija que quiere proteger a su progenitora, mayor y enferma, para que no le quiten la medicación; aconseja a su hija que no se corrompa del todo y que no pase todos los límites frente a los que atentan contra los derechos de las personas, coartando su libertad(pubicado en Pantalla 90).

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