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Category “Crítica de Cine”
10 Mar2019

Capitana Marvel

by Víctor Alvarado

El tándem, formado por Anna Boden y Ryan Fleck, rescata a un poderoso personaje del universo de Marvel, surgido de la mente de un visionario como Stan Lee. Se trata de Capitana Marvel  un personaje no tan popular como otros de la compañía como Iron Man, Spiderman o Capitán América. Sin embargo, estamos ante  un personaje interesante y un poquito distinto a lo que estamos acostumbrados.  El caso es que Disney sigue explotando a la gallina de los huevos de oro (Marvel) con un nuevo producto como Capitana Marvel aprovechando el tirón del Día de la Mujer, ya que ese es el día en que se estrenó  este largometraje. Este personaje, Carol Danvers, fue creado por Roy Thomas y Gene Colan en 1968 y que se convirtió en 1977 en Ms Marvel. Curiosamente, a este personaje se le considera como la heroína femenina más grande de Marvel y como la Vengadora más poderosa de este universo.

Para ello, el equipo de producción pensó en la actriz Brie Larson, recordada últimamente por el gran dramón El castillo de cristal, a la que acompañan al actor Judd Law y un friki de los superhéroes, todo un clásico del género, como Samuel L Jackson en el papel de Nick Furia que lo borda con su seriedad mezclada con ese punto de excentricidad que le caracteriza.

Esta película ambientada en los 90 cuenta la historia de una de las heroínas más poderosas de la historia que se encuentra entre la espada y la pared, pues el destino le sitúa en medio de una guerra de alienígenas de la que debe tomar parte.

Estos realizadores no dejan respirar al espectador con un ritmo trepidante, cargado de multitud de escenas de acción para tapar a uno de los guiones más flojos del mundillo de los superhombres  de la factoría Marvel. La película chirría en el aspecto de que  el libreto no hace honor al nivelazo de los tebeos de superhéroes americanos que se caracterizan por la profundidad de los dramas de sus protagonistas que, en este caso, están tratados de modo superficial y, aunque las comparaciones son odiosas, la película de Spiderman: un nuevo universo, por poner ejemplo, trataba los temas personales de su protagonista, Mike Morales, con muchísimo más detenimiento, lo que bien le ha  servido para ganar el Óscar de animación 2019 y superar a  todos poderosas productoras de dibujos animados y, en este aspecto, se distancia muchísimo del  “palomitero” producto en cuestión. Por cierto, el humor hace acto de presencia de vez en cuando para sacar la sonrisa.

Cambiando de  tema, la película nos habla de esas personas luchadoras que no se rinden nunca,  que cada vez que caen, se vuelven a levantar una y otra vez hasta lograr lo que se proponen en la vida. Por otra parte, afinando mucho, la civilización alienígena que recibe la ayuda de Carol Danvers podría entenderse como una metáfora sobre el drama de la inmigración, pues se trata de darle un hogar a unos seres que se encuentran desperdigados por indistintas galaxias y que muestran su infelicidad al vivir separados de sus seres queridos(publicado en Pantalla 90).

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2 Mar2019

Larga vida y prosperidad

by Víctor Alvarado

Los aficionados a la interminable saga de Star Trek  habrán imaginado que el título de la película Larga vida y prosperidad hace referencia a la frase citada por el doctor Spock en alguna que otra ocasión. Y es que  la protagonista de esta historia se lo sabe todo sobre esta saga galáctica, lo que de algún modo recuerda a la película de Rain Man, protagonizada por Tom Cruise, en la que Dustin Hoffman da vida a un autista de altas capacidades. En este caso Dakota Fanning,  a la sombra de su hermana Ellen Fanning, dos buenas actrices por cierto, resurge de las cenizas, dando vida a una niña autista, luciéndose en  cada uno de los planos del largometraje.

 

El director Ben Lewin, recordado por Las sesiones y por la película menos conocida, eso sí, El favor, el reloj y el gran pescado, ha sabido sacar el máximo producto a los actores. La película tiene un toque indie, por lo que es bastante dinámica, abriendo las posibilidades porque se juega tanto con el drama como con la comedia y, aunque la visión que se da de este trastorno es realista, no todas las personas con espectro autista son tan brillantes como las que aparecen en este tipo de películas y en ese punto patina.  La excusa para contar esta historia es hablar del mundo de Star Trek, lo que hará las delicias de los trekkies por sus continuos guiños a las aventuras de sus personajes, sin que los que los nada aficionados, entre los que me incluyo, se puedan perder porque no es lo importante de la trama, sino un simple accesorio.

 

Me ha gustado por otra parte la interpretación de Alice Eve, en el papel de la hermana, pues expresa la preocupación de una persona que ha intentado cuidar de ella, pero a la que el día a día le supera,  puesto que tiene que estar  pendiente de su hija y su marido y, por otra parte, se siente responsable de la protección de su hermanita ante la falta de inteligencia emocional de la misma.

 

Cuando uno sale de la sala tiene la sensación de que ha disfrutado con una película,  ya que intenta en parte coger el toro por los cuernos con optimismo como dando a entender que en el futuro todo puede cambiar y que no se puede perder la esperanza. Otro dato a tener en cuenta es una banda sonora alegre acorde con lo comentado en este último párrafo (publicado en Cope).

 

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24 Feb2019

¿Podrás perdonarme algún día?-Agudizando el ingenio para sobrevivir

by Víctor Alvarado

¿Todos nuestros actos tienen sus consecuencias?

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17 Feb2019

Alita. Ángel de combate

by Víctor Alvarado

El amigo de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, autor de películas de serie A que homenajean al cine de serie B con producciones como Machete, Desperado o Abierto hasta el amanecer, adapta en esta ocasión un manga de culto que nunca fue un superventas. El cómic en cuestión se titula, al igual que la película, Alita. Ángel de combate, siendo creado entre 1991 y 1995 por Yukito Kishiro, que tuvo una versión televisiva en dibujos animados (anime) en 1993. Esta producción cuenta con el respaldo de James Cameron con lo que la visión futurista y el dinerito están garantizados.

 

La historia gira en torno a un sensible médico de ciborgs que encuentra a Alita en un desguace,  devolviéndole la vida; enseñándole a sobrevivir en una peligrosa ciudad y ocultándole un misterioso pasado para evitarle sufrimientos innecesarios. Hugo será la persona de carne y hueso que le ayudará a refrescar la memoria.

 

Para el papel protagonista se pensó en Rosa Salazar, cuyos ojos encandilaron y enamoraron al director porque tenían la belleza y el tamaño ideal para adaptar un tebeo japonés. Los secundarios de lujo son el oscarizado Christoph Waltz y el oscarizable Mahershala Ali.

 

El realizador de origen latino vendió la moto de esta película de acción  de altísimo nivel con cierto mensaje social del siguiente modo: “Es universal. Una joven que se siente insignificante porque la encuentran en la basura y, sin embargo, termina descubriendo que tiene poderes para cambiar el mundo. Es un mensaje muy poderoso con el que cualquiera se va a identificar”.

 

El director ha querido darle una espiritualidad cristiana a este largometraje con una serie de detalles como que la catedral sea el lugar favorito de los protagonistas o que Alita sea un personaje mesiánico cargado de ternura, pero que goza de un enorme poder. Se trata de un robot con cerebro humano con una enorme generosidad que perdona y ama hasta el extremo, siendo capaz de dar la vida por los demás. Salvando las enormes distancias,  es un personaje de acción que guarda ciertos paralelismos con la figura de Jesucristo (publicado en Pantalla 90).

 

 

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10 Feb2019

Roma (provida) vs Infiltrado en el KKKlan (en contra del racismo)

by Víctor Alvarado

¿Cuáles son los aciertos y errores de dos películas nominadas a los Óscar?

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3 Feb2019

Green Book

by Víctor Alvarado

Los hermanos Farrelly se caracterizan por ofrecer un humor grueso, disparatado y simplón, pero que tiene muchos seguidores tanto en Europa como en Estados Unidos, aunque a mi juicio, por lo general sus historias me sacan de quicio. Son autores de películas como Dos tontos muy tontos, Los tres chiflados o  Dos tontos todavía más tontos, tratándose  de dos directores que dieron la campanada con dos comedias locas como Yo, yo mismo e Irene y la inolvidable Algo pasa con Mary.

 

En este caso, uno de ellos, Peter Farrelly deja a su hermano de batallas Bob, para optar por una producción que rompe con todos los estereotipos que teníamos de este director. Green Book es una comedia dramática, emocionante y divertida a partes iguales, basada en hechos reales. Se trata de un drama sureño que refleja por otra parte la cultura, la religiosidad y  la vida familiar de italoamericanos en Estados Unidos. Este largometraje viene avalado por 5 nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood y por el premio del público en el Festival de Toronto, que fue para el cineasta una victoria que va más allá de sus sueños más locos.

 

El argumento gira en torno a un portero de un bar de copas que pierde su trabajo y se ve obligado a trabajar como conductor y asistente de un prestigioso músico negro que tiene que utilizar un libro verde, que era una especie de guía de viajes especial para  que las personas de color pudieran encontrar alojamiento, evitando posibles conflictos.

 

Para ello, el realizador ha contado con la indiscutible estrella Viggo Mortensen, recordado obviamente por la trilogía de El Señor de los Anillos.  La interpretación de un actor nórdico, convertido en potro italiano es de lo mejor de este año y, desde luego, esta interpretación es merecedora de un Óscar, pues Viggo Mortensen ha trabajado especialmente este papel  para hacernos creer que  se trata de un italiano de clase media baja en el buen y en el mal sentido.  El citado actor consigue que veamos en Tony un personaje entrañable detrás de una apariencia dura.

 

Esta cinta es un canto a la amistad, lograda a base de limar asperezas y pequeños gestos llenos de significado. Hay que prestar atención a la evolución de los personajes, puesto que se observa cómo van creciendo como personas en la medida en que aceptan los defectos del otro y son capaces de encontrar cualidades en personas de otras culturas.  Por otro lado, la película es un alegato contra el racismo sutil y elegante sin recrearse en escenas que puedan n herir la sensibilidad del espectador, sino mostrando situaciones que pueden ayudar a reflexionar sobre lo absurdo que resultaba que un músico americano de éxito se dedicase a dar conciertos para blancos y no pudiera utilizar sus baños.

 

En un segundo plano nos parece digna de mención  la historia de amor contada a través de cartas y llamadas telefónicas que cautivará a los amantes de los relatos románticos.

 

Finalmente, la crítica ha hablado mucho de la película Roma de Alfonso Cuarón que está bien, pero a mi juicio y aunque tenga todas las papeletas para ganar el Óscar, creo que tanto Bohemian Rhapsody como Green Book son películas más redondas; de mayor calidad y capaces además de entusiasmar al público tanto por sus actuaciones como por sus potentísimas bandas sonoras (publicado en Cope).

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27 Ene2019

El Blues de Beale Street

by Víctor Alvarado

El Blues de Beale Street viene avalado por la nada despreciable cifra de 17 menciones entre premios y nominaciones en todo el mundo. La Academia de Hollywood se ha fijado en este producto de gran nivel con tres nominaciones a los Óscar. La dirección ha corrido a cargo del cineasta afroamericano Barry Jenkins, recordado actualmente por la serie de televisión Queridos blancos. No obstante, este hombre alcanzó la fama con la película Moonlight, siendo uno de los directores que mejor ha reflejado la problemática en torno a la homosexualidad, no tratando el tema de manera frívola, sino profundizando en las dificultades que conlleva a la persona aceptar y comprender su situación personal.

 

Este realizador adapta la novela de James Baldwin, titulada If Beale Street could. Esta es la historia de una mujer coraje de esas que dan la vida por los demás, pues intenta llevar su embarazo a buen puerto, mientras intenta demostrar la inocencia de su novio, acusado injustamente de violación.

 

El trabajo con los actores es brillantísimo.  La iluminación, un tanto oscura, va en la línea del cineasta, que en este caso ha creado un ambiente claustrofóbico por momentos y le da a la producción un ritmo lento y pausado que invita a la reflexión. Sin embargo, en algunos momentos esta  técnica narrativa se convierte en un lastre, ya que le quita fuerza, en algunas escenas demasiado largas, a una producción de un enorme potencial. De hecho, podría llevarse la ansiada estatuilla por el mejor guión adaptado.

 

Centrándonos en los temas  importantes del largometraje,  el cineasta vuelve a mostrar su enorme sensibilidad para introducirse en el alma de los personajes. En este caso, nos cuenta la historia de dos prometidos; la actriz Kiky Lane  es la auténtica protagonista. El actor Stephan James da vida al protagonista masculino. Estos jóvenes tienen la intención de casarse como le pide, de algún modo, su fe en Jesucristo y su amor sincero. El realizador presenta la relación de estos chicos y sus promesas matrimoniales, mostrándolos como si fuesen una sola carne, pues aparecen juntos en las alegrías y en las penas; en la salud y en la enfermedad; todos los días de su vida, poniendo toda la carne en el asador, porque el chico se encuentra en una posición difícil por estar en la cárcel, lo que dificulta mucho la relación.

 

Por otra parte habría que destacar como la valiente protagonista y su novio (embarazados de penalti) apuestan por “la vida por pequeña que sea”,  donde algunos personajes secundarios como los abuelos dan una lección de lo que significa la defensa del inocente cuando se encuentra en el vientre de su hija. La llegada de esa criatura es percibida como un regalo de Dios y una enorme alegría para toda la familia. La banda sonora de música negra y la banda sonora original de Nicholas Bitrell van en consonancia con el nivelazo de la película (publicado en Pantalla 90).

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20 Ene2019

Cristal

by Víctor Alvarado

Cuando uno piensa en cine de superhéroes inmediatamente le vienen a la mente los cómics de DC, capitaneados por Superman y Batman y los de Marvel de su vecino y amigo Spiderman y los Vengadores, pero no habría que olvidarse de un peliculón, convertido en obra de culto y con muchísima razón, como El protegido, en el que Bruce Willis sobriamente da vida a un héroe anónimo, mientras que Samuel L Jackson representa a Glass, uno de los más geniales supervillanos de la historia del cine.  Cristal es la secuela que se estrena en estas fechas entre la que se coló la excesivamente valorada Múltiple con un James McAvoy espectacular a lo Jack Nicholson en El resplandor, personaje que repite en esta tercera entrega. Estos ingredientes apuntan a la creación de un nuevo universo  de los superhombres.

 

Esta trilogía la dirige, como no podía ser de otra manera, M Night Shyamalan, recordado por películas como El Sexto sentido, Señales o El incidente que retoma una historia que en principio parece muy interesante. Tenemos las declaraciones de su director a Fotogramas: “La compañía Disney quiso que rodara de inmediato una continuación de El protegido, pero para mí, aquella era una historia cerrada. Sin embargo, con el paso de los años tuve una idea para regresar a ese mundo de colores primarios de tebeo. Una idea que tenía que ver con la sensación de desprotección que tenemos en la actualidad. Y también con el boom de las películas de superhéroes, nacidos en las viñetas, quise unir ambos conceptos: la sociedad actual con un espacio cerrado de terror y esa necesidad de ser salvados”.

 

En este caso, no voy a coincidir con parte de la crítica que no ha puesto demasiado bien a esta producción, pero a mí, sin ser tan buena, como la citada El protegido, el resultado final me parece satisfactorio para cerrar el círculo y la química con los actores lo dice absolutamente todo. Se trata, para quien todavía no lo sepa, de una versión adulta de las historias de superhéroes con gran cantidad de guiños a clásicos y modernos del género. Cristal es la versión de un cómic desde la óptica de un supervillano. Esta historia nos recuerda que existe el bien y el mal encarnado en personas,  pero que también se encuentra la escala de los grises, donde todo no es lo que parece. La película es una crítica a la corrección política que manipula al personal, haciendo todo lo posible por ocultar a la opinión pública lo que de verdad merece la pena con el objeto de controlar a las masas. Estamos por tanto ante una producción que habla de la necesidad de conocer la verdad que nos da la libertad para poder actuar, ya que una verdad silenciada limita la capacidad para entender una problemática (publicado en Cope).

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12 Ene2019

Dios no está muerto. Una luz en la oscuridad-Una interesante película sobre el perdón a la que le falta un actor de renombre

by Víctor Alvarado

¿El amor tiene que ser el motor de un cristiano?

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6 Ene2019

Spiderman: Un nuevo universo

by Víctor Alvarado

 

 

La verdad es que la competencia por hacerse con la taquilla durante estas navidades ha sido realmente dura porque los estrenos han sido potentísimos. Recordamos títulos como El regreso de Mary Poppins (las letras de las canciones transmiten un mensaje positivo),  Aquaman, Bumblebee y, en este caso, las aventuras del trepamuros. Varios han sido los lanzamientos que se han hecho sobre el Hombre Araña, creado por Stan Lee y Steve Ditko. Nos viene a la mente el Spiderman de los 70; la excelente trilogía y brillante adaptación de Sam Raimi protagonizada por Tobey McGuire; el oscuro díptico interpretado por Andrew Garfield y el penúltimo relanzamiento Spiderman: Home coming dirigida por John Watts y protagonizada por el jovencísimo Tom Holland. El caso es que, en esta ocasión, se estrena Spiderman: Un nuevo universo. Es un proyecto paralelo a la cinta anteriormente citada.

 

Se trata de una película de animación de Sony que pretende arrasar en todas las salas de proyección. La terna elegida para este trabajo ha sido la formada por Rodney Rothman, Bob Persichetti y Peter Ramsey que nos hablan de Miles Morales, el Spiderman negro, creado por el gran guionista Brian Michael Bendis y la artista Sara Pichelli, inspirado, por lo visto, en el político Obama y el actor Danny Glover, disfrazado de arácnido. Tenemos las declaraciones para Fotogramas de uno de los directores Ronnie Rothman que nos da las claves de esa historia: “Usamos la animación para contar una historia que ofrece una experiencia diferente. Miles es el corazón de la película. Es mitad afroamericano, mitad puertorriqueño, entre dos culturas,que se parece más a cómo es la gente hoy en Nueva york. Representa una visión del mundo más contemporánea, pero también tenemos a un Peter Parker que ha superado la treintena y que es muy distinto a lo que habíamos visto hasta ahora”. Estos tres genios de la animación han creado un producto original, alternativo, simpático y que juega con el espacio y el tiempo. Creemos que puede interesar al público en general y a los muy aficionados a  las aventuras de su vecino y amigo Spiderman que fliparán con una de las mejores adaptaciones que se ha hecho de este héroe, que en mi modesta opinión se merece el Óscar a la mejor película de animación del año. La película es entretenidísima. Presenta un ritmo trepidante, pero no exento de profundidad.

 

Este largometraje invita a pensar en la necesidad de sustentar nuestra vida en sólidos pilares como la familia; el valor de la palabra dada o ser honrado con nosotros mismos. La relación de amistad entre Peter Parker y  Miles Morales está cargadísima de humor, pero sin olvidarse del fondo porque el  primero dice que ser un superhéroe es un acto de fe y Miles quiere ser la esperanza de Brooklyn. Son palabras llenas de significado que pueden ofrecer varias lecturas tanto materiales como espirituales. Por otra parte, la relación paterno filial está dotada de ternura, demostrando que un padre, aunque sepa lo que le conviene a su hijo, puede no saber expresar como comunicar o expresarlo a su descendencia. Sin embargo,  sus decisiones con respecto a la educación están tomadas con amor y cariño. Finalmente, por un lado es necesario prestar atención a la nueva tía May  y, por otra parte, hay que darse cuenta de que se trata de una producción que es un canto a la amistad;  al trabajo en equipo y a poner nuestros dones al servicio de los demás (publicado en Cope).

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3 Ene2019

Bumblebee

by Víctor Alvarado

Los cómics sobre las andanzas de los Transformers, editados actualmente en España por Planeta, fueron creados por la compañía Marvel para ayudar a la venta de los juguetes fabricados por Hasbro. Nadie esperaba nada de ellos, pero el éxito tan rotundo de esta serie limitada de tebeos permitió que se convirtiera en una serie regular, llegando a la nada despreciable cifra de 80 números. Estos tebeos estadounidenses destacaban tanto por la calidad de sus dibujos como por el buen nivel de sus guiones  y se puede comprobar que no frivolizaban con ciertos temas o el alto código ético de estos autobots, capitaneados por Optimus Prime frente a sus rivales los decepticons, dirigidos, con mano firme, por el terrible Megatron para que el que el fin justificaba los medios.

 

Por otra parte, como todos ustedes saben, el éxito de los citados juguetes, la brillante colección de tebeos y la popular serie de televisión ha dado lugar a esta interminable saga de máquinas de guerra. El caso es que, como el apoyo de sus seguidores sigue siendo tan contundente, el productor Michael Bay ha apostado por la sexta entrega que es una precuela dirigida  por Travis Knight, recordado por la cinta de animación: Kubo y las dos ruedas.

 

La historia gira en torno a una chica de 18 años de edad, interpretada por Hailee Steinfeld, que no encuentra su lugar en el mundo. Sin embargo, todo cambia cuando, casi por casualidad, descubre al pequeño robot, llamado Bumblebee,  destrozado y abandonado en un desguace. La amistad, que surge entre esta mujercita y este joven coche  de color amarillo con vida propia que recuerda a un escarabajo, será importante para vencer a dos villanos con ruedas.

 

El cineasta no se conforma con el habitual fuego de artificio de este tipo de producciones, sino que sabe introducir ciertos momentos de intimidad en la vida de los personajes que nos permiten introducirnos en cierta manera en su corazón. La mencionada actriz  representa a una especie de Peter Parker en femenino que necesita encontrarse a sí misma como consecuencia del fallecimiento de su padre y se percibe el intento de los guionistas de profundizar  en el tema, lo que nos parece muy acertado. Esta producción nos recuerda que, tras un momento oscuridad, pueden aparecer estrellas que iluminen nuestro camino, lo que quiere decir que a veces son necesarias las contrariedades para encontrar soluciones a los problemas y dificultades. La enternecedora relación de amistad que se establece entre los dos protagonistas, robot y chica, nos invita a reflexionar sobre sí las máquinas creadas por el hombre pueden llegar a pensar y sentir como una persona.

 

Finalmente, el camión estrella, Optimus Prime, aunque aparece de refilón, vuelve a ser ese referente moral para unos desconcertados autobots (publicado en Pantalla 90).

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16 Dic2018

Un asunto de familia

by Víctor Alvarado

Cuando uno piensa en cine social, inmediatamente le viene a la mente el trabajo de ciertos cineastas de prestigio como Vittorio de Sica, Nieves Conde, Ken Loach, Fernando León de Aranoa o los hermanos Dardenne. Sin embargo, nadie podría imaginar que el magnífico director nipón Hirokazu Kore-eda, especializado en reflexionar sobre la familia con excelentes producciones como Nuestra hermana pequeña,  De tal padre, tal hijo o mi película favorita Kiseki (milagro), nos iba a  ofrecer un producto de la citada característica. Un asunto de familia reflexiona lógicamente sobre esta institución, pero se centra en una familia, valga la redundancia, en situación de riesgo. Este relato es descarnado porque vemos que sus protagonistas tienen que cometer  pequeños robos y perder la dignidad en trabajos que promueven el hedonismo para sobrevivir, con lo que, en esta ocasión, no se puede decir que sea una historia para todos los públicos como ha pasado en otros momentos con sus trabajos.

 

Por cierto, esta película sería una mezcla entre Still walking por introducirse en el día a día de tres generaciones y Air doll a la vez,  por mostrar  un mensaje negativo sobre la sexualidad, puesto que presenta algunas escenas subidas de tono en lugares poco recomendables. No obstante, la película es visualmente muy atractiva, ayudando a comprender que es lo que le lleva a un hombre a comportarse de un determinado modo. Los diálogos resultan creíbles y. a pesar de ser presentadas varias escenas con parsimonia,  no paran de ocurrir cosas, llamando la  atención del espectador.

 

El argumento gira en torno a una familia de clase obrera y de sustrato cultural muy bajo que adoptan a una niña de un modo muy particular que sufre malos tratos.

 

El valor de la acogida se hace presente, pues, a pesar de la “odisea” por la que pasan, éstos entienden que existen personas que se encuentran en situaciones mucho más difíciles que  por las que ellos viven. Se trata de individuos con tendencia a la delincuencia, pero con el corazón generoso y una gran capacidad para amar. En relación con ello, esta cinta expresa el drama de una mujer con unas ganas tremendas de ser madre, que es estéril, sufriendo mucho por ello. Esta propuesta de una familia disfuncional, salvando las distancias, guarda ciertos paralelismos con Pequeña Miss Sunshine, siendo está mucho más difícil de digerir, ya que  es bastante más dura y, por supuesto, no es tan divertida ni muchos menos que esa producción americana. De todas formas,  esta producción nos ofrece momentos emocionantes que nos hablan de la necesidad de querer y de sentirse queridos (publicado en Cope).

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9 Dic2018

El regreso de Ben

by Víctor Alvarado

Si hiciéramos un listado de las producciones que se han hechos sobre madres coraje de la historia del cine, encontraríamos un buen puñado de buenas historias. La actriz, Julia Roberts, últimamente está participando en producciones interesantes y profundas como Wonder. Esta mujer busca personajes que se adaptan a la edad que tiene y aparenta.  En este caso, es la estrella y la luchadora madre de El regreso de Ben. Esta artista repite con un papel de madre valiente  que no se rinde. La interpretación es de Óscar, al igual que la del actor que hace de hijo Lucas Hedges, el hijo del realizador, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona.

 

El encargado de llevar este trabajo a buen puerto ha sido Peter Hedges, director de La extraña vida Timothy Green o la excelente comedia Como la vida misma, protagonizada por Steve Carrell, que nos ofrecía una acertada reflexión sobre el valor de la familia. Por otra parte, no sólo tiene talento como cineasta, sino también como guionista, pues nos hizo a todos reír y llorar escribiendo el libreto de ¿A quién ama a Gilbert Grape? Este cineasta nos ofrece una película dura, que cuenta la vida de un drogadicto en una familia de clase media aparentemente feliz hasta el regreso de este chico para celebrar la Navidad, en la que su madre se compromete a vigilarlo durante 24 horas para evitar recaídas. La película es intensa; no pierde el interés  y, mantiene, en cierta manera, la intriga hasta el final a pesar de tratarse de un drama en toda regla. Todo se sustenta en un sólido guión que se introduce en el alma de los protagonistas y a la vez refleja a la perfección la problemática de la adicción a las drogas

 

El personaje de Julia Roberts representa a esas madres entregadas que lo dan todo por sus hijos cuando éstos se encuentran en apuros. Se apunta que es una mujer creyente, ligeramente practicante, fiel a las tradiciones y que confía en el amor y la misericordia de Dios. De hecho, esta producción, en cierto modo, podría considerarse una especie de parábola de El hijo pródigo, aunque con matices, ya que la madre enarbola la bandera del amor incondicional de Dios que da muchas oportunidades y te deja empezar desde cero.

 

Por otro lado, esta cinta refleja la dificultad para salir de las adicciones porque esclavizan al ser humano, ofreciendo cierta esperanza, representada en los centros que se dedican a rehabilitar a los toxicómanos. La película está orientada a un público adulto, aunque sería muy conveniente que la vieran jóvenes y adolescente y participar en un cine-fórum para que comprendieran porque hay que estar tan alejados de este tipo de sustancias que anulan la libertad del ser humano (publicado en Pantalla 90).

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1 Dic2018

The guilty-Una de las grandes películas de intriga de 2018

by Víctor Alvarado

¿Cuándo es importante implicarnos en  nuestro trabajo más de lo debido?

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25 Nov2018

El misterio del padre Pío-Sus sorprendentes milagros y su capacidad para perdonar

by Víctor Alvarado

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18 Nov2018

Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald

by Víctor Alvarado

Para los que pensaban que el universo de J K Rowling, capitaneado por Harry Potter, estaba ya finiquitado, habría que decir que existe una interesante serie de televisión como Cormoran Strike y que, tras el éxito de Animales fantásticos y dónde encontrarlos ha sido nuevamente la guionista de su secuela Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald, que es a su vez una precuela de la escuela de Hogwarts.

 

La dirección ha corrido a cargo de David Yates, todo un experto en mundos mágicos, siendo el realizador de  algunos de los episodios de la interminable saga de Harry Potter.

 

Este cineasta vuelve a rodearse de un elenco potente entre los que destaca Jude Law o el rey de los gestos y las miradas Eddie Redmaine, al que recordamos por su excelente trabajo en La teoría del todo, dando vida al científico Stephen Hawking. La química con las actrices nos parece desigual pues con Zöe Kravitz funciona bien, pero con Kattie Waterston en el papel de Tina nos parece un tanto chirriante. Esta producción presenta un ritmo irregular con momentos espectaculares y diálogos brillantes frente a otras escenas realmente olvidables y casi soporíferas.

 

Para introducirse en este tipo de películas de corte fantástico es necesario darse cuenta de que es un producto salido de la mente de una escritora con una imaginación extraordinaria y no debe entenderse como un producto esotérico, aunque lógicamente se pueda pensar en ello. No obstante, deja entrever el positivo mensaje que la autora ha querido transmitir en su obra, apuntando temas que merecen la pena señalar como la lucha entre las fuerzas del bien frente a las del mal de unos magos, educados en Hogwarts, en la que se transmiten valores ciertamente interesantes. La  impecable caracterización del villano por parte de Johnny Deep representa la verdadera encarnación del mal, tanto por su brutalidad como por sus discursos engañosos, seductores y ambiguos. El protagonista, Newt Scamander, no está dispuesto a pasar ciertos límites porque para él el fin no debe justificar los medios y no se decantará por ningún bando hasta que no esté seguro de las verdaderas intenciones de ambos.

El referente moral es un rejuvenecido Dumbledore (Jude Law), que es fiel a la palabra dada y que reconoce la confesión y el arrepentimiento como algo que le reconforta, reconociendo el bienestar psicológico, no sé si espiritual, que le produce sentirse perdonado y se deduce que perdonando también.

 

Por último, el protagonista  doma y protege a seres extraños con muy buena  mano, transmitiendo su amor a la naturaleza (publicado en Pantalla 90).

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