un medio independiente que pretende informar, formar y entretener
Category “Crítica de Cine”
26 Oct2009

New York, I love (www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Nunca he sido un seguidor acérrimo de largometrajes que se construyen mediante pequeñas historias, que se entrelazan sin tener que ver las unas con las otras. Sin embargo, el resultado global de esta cinta roza el notable. El montaje final está muy conseguido porque las mejores historias se combinan con otras de inferior calidad. Las excelentes transiciones con una banda sonora muy pegadiza completan el producto final. New york, I love you (2009) es el segundo episodio de la serie Cities of Love, que continúa la línea seguida por Paris, je t’aime ( 2006).

Esta cinta ha reunido a 11 directores, utilizan distintos estilos narrativos, todo ello aderezado con la flor y nata de la interpretación entre los que destacan Natalie Portman, Andy García, Julie Christie o Ethan Hawke entre otros. El sistema de rodaje es realmente curioso, ya que cada una de ellas debía rodarse en un barrio de las ciudad de los sueños y las transiciones no podía acabar con fundidos en negro. Además, para el rodaje de cada uno de los relatos, los cineastas solo disponían de dos días y dos noches para grabar cada uno de los episodios. Las historias giran entorno a la ciudad de Nueva York, donde se entrecruzan la vida de parejas de diferente nacionalidad, cultura, edad y forma de pensar.

Desde el punto de vista sociológico, la cinta analiza a la sociedad, presentando situaciones que tienen que ver con las vida misma y algunas de ellas son realmente interesantes como veremos de inmediato.

La más divertida, sin duda, es el episodio dirigido por Brett Ratner en la que un chico adolescente se “compromete a salir “ con una chica, que va en silla de ruedas. Una historia tratada con gran sentido del humor y con un giro final verdaderamente sorprendente.

En segundo lugar, la situación rodada por Shunji Iwai es un canto a la literatura. Cuenta la vida de un compositor falto de inspiración, que recibe la ayuda de la secretaria de su jefe. Fiódor Dostoievski y su libro El jugador aparecen como la pieza clave para entender el desenlace.
Por otra parte, el episodio de Shekhar Kapur narra la vida de una soprano, que tendrá un curioso encuentro con un particular mayordomo. Habría que decir que por primera vez en su carrera, Shia LaBeouf interpreta al nivel de una grande como Julie Christie. El encuentro entre la cantante y su improvisado sirviente es pura poesía. En este drama se percibe la mano de un cineasta oriental. La escena explica cual debe ser el camino para conquistar a una dama de la forma más elegante. También demuestra que Dios , en ocasiones, interviene en el planeta tierra, colocando “ángeles” que pueden salvarnos la vida. Por último, demuestra que los milagros son posibles.

Finalmente, lo mejor lo dejamos para el final, puesto que el realizador Joshua Marston nos regala una pieza de gran belleza en la que participan Eli Wallach y Cloris Leachman, que los encontramos simpatiquísimos. El barrio de la gran manzana en el que se relata la historia con el mar de fondo completan su conjunto. Habla de un pareja de ancianos, que celebran su 63º aniversario, mientras pasean por las calles de Nueva York. En nuestra modesta opinión, Joshua Marston es el que mejor analiza las relaciones humanas. El vínculo existente entre los abuelillos nos parece entrañable. Conmueve el modo con el que se miran. Sobre todo llama la atención la forma en el que uno se apoya en el otro, siendo un ejemplo para los matrimonios que sufren algún tipo de crisis, ahora que nada más se habla de fracasos matrimoniales. En definitiva, este último capítulo de New York, I love you (2009) daría para un cine forum sobre la familia.

Off
20 Oct2009

Slumdog millonaire (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en www.cope.es y www paginasdigital.es (22-03-09)

El cine políticamente incorrecto tiene una parte de su cuota en el cine independiente americano. Prueba de ello han sido las dos cintas indies nominadas en las anteriores ediciones de los Oscar, como Pequeña miss sunshine, una apuesta por la familia, o Juno (2007), una apuesta por la vida. Este año se ha corrido igual suerte porque Slumdog Millonaire ha recibido, nada más y nada menos, que 10 nominaciones a los Oscar, de los que ha obtenido ocho.

El argumento gira en torno al popular concurso de televisión Quiere ser millonario, en el que Jamal, un chico indio de la calle, se encuentra con la posibilidad de ganar 20 millones de rupias. Sin embargo, cuando está a punto de conseguir el premio, es secuestrado por la policía, puesto que se sospecha que alguien le había filtrado las respuestas, pero no hay truco, cada uno de sus aciertos tiene que ver con cada una de las terribles experiencias de su vida.

Con un formato original y muy cercano al publicitario, Danny Boyle nos sorprende, contándonos una historia en la que convierte en protagonista a una persona que en circunstancias normales pasaría totalmente desapercibida. El relato presenta situaciones muy duras, que explican la triste realidad de la India. Un país lleno de contrastes, que poco a poco va emergiendo, pero que todavía vive situaciones de extrema pobreza. Por tanto, la cinta debe ser considerada un drama, aderezado con buenas dosis de humor propias del guionista de Full Monty (1997), Simon Beaufoy, que fue la persona encargada de adaptar la novela de Vikar Swarup en la que está basada la película.

Por otra parte, destacan los personajes universales, sabiamente creados por Boyle, por el modo que tienen de entender la vida. Esta idea no es la primera vez que el realizador británico la plantea, pues en su producción Millones (2004) hizo algo parecido. Jamal, bien interpretado por Dev Patel, representa a una persona desprendida, inocente, sincera, coherente con su vida y capaz de trabajarse hasta límites insospechados a la persona a la que considera el amor de su vida. ¿Conquistará a la chica o no la conquistará? Ésa es la cuestión.

En cambio, su hermano Salim (Madhur Mittal) aparece como una persona materialista, que siempre que puede aprovecha el momento de hacer negocios. La interpretación de Feida Pinto es espléndida a pesar de su sobriedad.

En general, los actores están muy convincentes en todas sus etapas. Como dato curioso, Azharuddin Mohammed Ismail como Salim y Rubiana Ali como Latika, los intérpretes infantiles, fueron encontrados en los barrios marginales de la ciudad y se les llegó a escolarizar.

Tampoco pasa inadvertido el guiño del largometraje a la novela de Alejandro Dumas Los tres mosqueteros. «Todos para uno y uno para todos» es el célebre lema que circunda a lo largo de toda la producción cinematográfica. Sin duda, se muestra como la pieza esencial en el engranaje del guión y sirve para destacar el poderoso vínculo que une a los protagonistas.

Además, es digna de ser analizada la idea de que un director católico como Boyle entre el destino y la trascendencia. El concepto de que todo está predestinado frente a la posibilidad de darle la vuelta a la vida con tu esfuerzo y con la ayuda de Dios, que te da libertad para decidir. Por otro lado, el largometraje resalta la felicidad con la que los más necesitados afrontan los problemas frente a las sociedades occidentales, donde nos venimos abajo con el menor contratiempo que surge en nuestras vidas.

En definitiva, nos encontramos un excelente drama con todos los ingredientes para disfrutar en familia, vibrando con una banda sonora muy pegadiza de ritmos orientales al estilo Bollywood, que se rodó con las manejables cámaras digitales SI-2K para no modificar ni manipular los marginales ambientes de la India.

Off
16 Oct2009

Katyn (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en www.fantasymundo.com

Tras muchos años de silencio, el polaco Andrzej Wajda se ha atrevido a contar por primera vez un hecho que permaneció oculto hasta la caída del muro de Berlín. Un largometraje que optó al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa en el 2008.

Este largometraje histórico narra el genocidio cometido por los soviéticos en Katyn al principio de la Segunda Guerra Mundial. Las fosas comunes, donde se encontraban los cuerpos, fueron descubiertas en el año 1943 por los nazis. Sin embargo, al terminar el conflicto bélico, los miembros del partido comunista ruso, dada la importancia que tuvieron en alcanzar la victoria en 1945 y el gran poder político internacional que aglutinaban, consiguieron hacer creer a la opinión pública que ellos no había intervenido en esos crímenes de unos 20000 oficiales polacos, descargándose de toda responsabilidad acusaron a los alemanes.

El reparto lo componen un grupo de actores desconocidos en España entre los que destacan Andrzej Chyra y Maja Ostaszewska. La actriz protagonista representa a la lucha de una mujer, que busca desesperadamente a su marido y que no se rendirá hasta estar segura de que su marido murió en Katyn. En definitiva permite reflexionar sobre la incertidumbre y la ansiedad que genera una situación extrema, sobre todo, si perdura en el tiempo.

La dirección corresponde al ya citado, conocido por trabajos como Cenizas y diamantes (1958), dijo lo siguiente en declaraciones a Fotogramas: “Nunca pensé que viviría para ver la caída de la URSS o que la libertad de Polonia me daría la oportunidad de tratar en la pantalla el crimen y la mentira de Katyn”. Por tanto, el cineasta ha querido homenajear a su padre, Jakub Wajda, un capitán del 27 Regimiento de infantería polaco tristemente desaparecido y, a su madre, que sufrió una espera interminable.

La realización del film deja grandes destellos de calidad, puesto que se podía haber quedado en un drama televisivo y no es el caso. En ocasiones, su dureza puede remover el alma del espectador. La película es un documento esencial para comprender un suceso de la historia de Polonia junto con libros como Paracuellos-Katyn del historiador César Vidal. Las imágenes de archivo completan un relato cinematográfico contado con gran realismo. La ambientación resulta magnífica, pues refleja a la perfección el pensamiento de la sociedad polaca con sus tradiciones. Por esa razón deja lugar a la trascendencia porque de todos es conocida la formación espiritual de los polacos. Un pueblo de profundas raíces católicas como se puede observar en el transcurso de la cinta, donde los creyentes rezan el rosario en momentos de máxima tensión.

Cambiando de tema, la producción nos parece equilibrada por el modo en que el director ha repartido los papeles. Demuestra que no guarda rencor a un hecho ocurrido 70 años atrás, sino que simplemente quiere que se conozca la verdad de un asesinato masivo, que no respetó ningún acuerdo internacional. Su denuncia da la impresión que se centra en críticas a las autoridades rusas que respaldaron esas tremendas actuaciones de las que no se sabe mucho.

Off
9 Oct2009

The Damned United ( publicado en www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Como no podría ser de otra manera y siguiendo la tónica de todos los años, el cine británico nos regala una pequeña joya, que no ha sido distribuida con demasiadas copias en España. Nos estamos refiriendo a The Damned United.

Se trata de un biopic sobre el entrenador Brian Clough. Por un lado, relata los 44 días que estuvo trabajando como manager del Leeds United y la rivalidad con el anterior entrenador del citado equipo. Por otro lado, la cinta utiliza el flashback para explicar la trayectoria profesional que le llevaría a fichar por uno de los más grandes equipos del fútbol inglés.

El papel protagonista corre a cargo de Michael Sheen, el rey Midas de la interpretación porque todo lo que toca lo convierte en oro. Pues posee una especial habilidad para participar en producciones de bastante éxito. Colaboró en la película Elizabeth I (2005) y en El desafio.Frost contra Nixon (2008), donde bordaba todas y cada una de las escenas en las que participaba al igual que en The Damned United (2009). También merece la pena destacar el papel del actor Timothy Spall, que, además, es un clásico del cine británico actual. Representa al ojeador que acompañaba a dicho entrenador.

La dirección corresponde a Tom Hooper, conocido por su trabajo en la miniserie John Adams y, sobre todo, por Elizabeth I (2005). En palabras del cineasta este largometraje no es una producción sobre el fútbol, sino que se centra en la arrolladora personalidad de Brian Clough. Esta obra del celuloide está bastante cuidada. Se percibe que la novela de David Peace ha sido perfectamente adaptada por parte del guionista Peter Morgan.

Esta obra cinematográfica habla de un personaje demasiado sincero, pero con principios éticos y morales notables, que deja hueco a la trascendencia, enfrentándose al poder fáctico el entrenador Don Revie.

Además, profundiza sobre el peligro de la fama cuando no se administra adecuadamente o de olvidarse los bastones en los que se sustenta el éxito. Esta historia, basada en hechos reales, deja entrever que se puede aprender de los propios errores y que hay que reconocer el mérito de las personas, que nos hacen prosperar en la vida.

Por otra parte, el largometraje ayuda a reconocer la nobleza de una persona con capacidad de arrepentirse de sus fallos y para tomar medidas para que ese problema no vuelva a repetirse.

Analizando el tema de la amistad, nos damos cuenta de que el realizador ha explicado magníficamente el vacío que te puede provocar un amigo que desaparece de tu vida, aunque lo haga temporalmente.

¿Y los aficionados al deporte pueden encontrarse a gusto con el visionado de la cinta? Pues si, les puede ayudar a comprender la importancia de tener un criterio firme y un estilo definido para poder triunfar. Por supuesto, propone que no todo vale en materia deportiva. En definitiva, reflexiona sobre el juego limpio en el deporte.

Off
7 Oct2009

El secreto de sus ojos (publicado en www.fantasymundo.com)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Uno de los directores más importantes del cine argentino regresa con la película El secreto de sus ojos (2009), aunque con matices distintos a los habituales.

Y es que Juan José Campanella nos tiene acostumbrados a historias de amor y nostalgia. Dicho trabajo conserva estos dos elementos, pero añadiendo la chispa de la intriga como elemento conductor para convertirlo en un producto diferente.

La historia gira entorno a un abogado y a una funcionaria judicial, que trabajan en un caso y que tratan de recuperar una relación muy peculiar que mantuvieron durante un periodo de tiempo varios años atrás, mientras se ayudaban mutuamente a resolver un proceso que les trajo de cabeza.

Los actores trabajan extraordinariamente bien. El Tándem compuesto por Ricardo Darín y Soledad Villamil funciona a la perfección, existiendo una química razonablemente positiva. La interpretación roza la naturalidad absoluta. Darín se come literalmente la pantalla con su participación. La actriz Villamil actúa con gran sencillez y con gran economía de gestos. Tampoco nos podemos olvidar del actor Guillermo Francella, que resulta simpatiquísimo. Además, su personaje es el más interesante de la cinta. Un papel por el que pelearon Francella y Darín.

A nuestro juicio, se trata de una de las mejores producciones de Juan José Campanella, sacando petróleo de los actores. Se ha basado en una novela de Eduardo Sacheri, ambientada en los años 70. Por tanto es la primera vez que adapta una obra literaria. Demuestra ser un maestro, manejando los hilos de este thriller romántico, ensamblando con extraordinaria habilidad el drama con la intriga, que anima un largometraje, que adolece de ritmo en determinados momentos.

Por otra parte, las escenas de amor han sido rodadas con la elegancia propia del cine clásico. Sin embargo, probablemente lo más destacable del largometraje sea el personaje del actor Guillermo Francella, puesto que el director ha sabido destacar en él la lealtad en grado máximo. Pero para comprenderlo tienen que ver El secreto de sus ojos (2009) porque esta cinta demuestra lo que puede hacer un amigo sincero por otro.

Finalmente y como dato curioso, la hermana de Campanella, al trabajar en el Tribunal Supremo de Buenos Aires, consiguió los permisos para rodar. Se taparon las pantallas de ordenador con montañas de expedientes con el fin de ambientar las instalaciones y que todo pareciera de los 70.

Off
2 Oct2009

Los sustitutos (publicado en www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

El creador de películas como Terminator 3 (2003) nos presenta una honesta producción de ciencia ficción, basada en la novela gráfica de Robert Venditti. Un largometraje que no abusa de escenas de acción gratuitas.

La historia gira entorno a una sociedad que delega su actividad en unos clones robóticos. Sin embargo, todo parece maravilloso hasta que se cometen una serie de crímenes que los agentes Greer y Peters investigan, puesto que encuentran que los cuerpos humanos y sus réplicas cibernéticas han sido asesinados y destrozados respectivamente, mientras tanto un grupo de rebeldes se enfrenta a una civilización adormecida como consecuencia de su dependencia de los sustitutos.

En lo referente a los actores, el papel de Radha Mitchell nos parece bastante insípido e inexpresivo a pesar del interesante trabajo realizado en El milagro de Henry Pool (2008), en el cual demostró ser una buena actriz. Por otra parte, el actor Bruce Willis interpreta las dos caras de un mismo personaje. En su versión humana, el personaje está muy bien diseñado, cicatriz incluida, mientras que en su versión autómata, el peluquín, que utiliza, nos parece matador.

El argumento, aunque recuerda a las novelas de Ray Bradbory y a Un mundo feliz del escritor Aldous Huxley o a películas como la Isla (2005) y La invasión de los ladrones de cuerpos (1956), presenta aspectos interesantes, que merecen la pena ser analizados:

En primer lugar, el trabajo del cineasta demuestra que el ser humano se deteriora cuando se pone al servicio de la ciencia sin tener en cuenta la ética.

En segundo lugar y como dato curioso, el autor de la novela, en la que se basa la película, se inspiró en un libro de sociología, que recopilaba datos sobre un estudio de los primeros videojuegos comunitarios. Por esta razón, esta cinta es una crítica de lo que podría pasar a la sociedad actual si se encierra en sí misma, alejándose de las relaciones sociales, porque, como sabemos, cada vez el hombre es más dependiente de las tecnologías y de las drogas. Por tanto, se habla de la necesidad del ser humano de relacionarse y de enriquecerse del trato con los demás para encontrar la ansiada felicidad.

Finalmente y en tercer lugar, nos parece original el planteamiento del cineasta Jonathan Mostow de que los hombres confíen plenamente en robots para que les solucionen la vida. Lo que serviría para explicar qué le sucedería a una sociedad hedonista y consumista que se hartara de disfrutar y facultase a máquinas para no afrontar la vida con sus alegrías y sus penas.

Off
27 Sep2009

¡Me ha caído el muerto!

by Víctor Alvarado

Publicado en www.paginasdigital.es y www.cope.es

Víctor Alvarado14/04/2009

Dos en el Cielo (Victor Fleming, 1943), ¡Qué bello es vivir! (Frank Capra, 1946), Fantasmas de Roma (Antonio Pietrangeli, 1961), Ghost (Jerry Zucker, 1990), Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1992) y El Sexto Sentido (Shyamalan, 1999) parecen ser las fuentes de inspiración de ¡Me ha caído el muerto! (2008), una comedia ideal para desengrasar nuestro abotargado cerebro y nuestro compungido corazón después de haber visto tanto drama nominado a los Oscar.

Cuenta la historia de un odontólogo, egocéntrico, maniático e impertinente, que tras una operación, muere durante siete minutos. Esa circunstancia permitirá que el doctor Bertram Pincus tenga la capacidad de comunicarse con fantasmas, que continuamente le piden favores. Pero Frank Herlihy, uno de esos seres procedente del más allá, insiste a Pincus para que se comunique con su viuda con la finalidad liberarle de la garras del nuevo novio de la misma.

Indudablemente, la estrella del largometraje es el humorista británico Ricky Gervais, que se come la pantalla y a todo actor secundario que se le acerque interpretativamente hablando. Es un actor que, sin histrionismo alguno, provoca que te retuerzas de la risa en la butaca de cualquier cine, por su forma tan particular de «fabricar» el humor. Casi sin pestañear se lleva al espectador de calle. Lo afirma una persona que desconoce su trabajo en la popular serie The Office. Le auguro un futuro impresionante. En mi modesta opinión, este actor puede ser el relevo de Jack Nicholson si está acertado en la elección de guiones en los Estados Unidos. El resto del reparto lo completan dos correctos actores como Téa Leoni y Greg Kinnear.

Tanto la dirección como el guión corresponden a David Koepp, que evidencia ciertas carencias, pero ciertamente las compensa con su buen conocimiento del cine clásico, que le permite ciertos toques de elegancia. Según el realizador, la cinta es una divertida parodia sobre las clínicas dentales, las colonoscopias y la muerte. Lo más característico de esta comedia es el humor negro junto con la réplica y dúplica de los actores, en algún que otro diálogo, que consiguen mantenerte la sonrisa en los labios casi los 98 minutos de metraje. El gran hándicap que encontramos es el abusivo uso del humor escatológico, muy de moda en la comedia actual, tal vez utilizado para atraer a un público adolescente. Además, la inmensa mayoría de los diálogos son superficiales, no obstante, la película ofrece unos 15 minutos que merecen la pena ser analizados. Pues se trata de conceptos que van a contracorriente de la sociedad occidental. El doctor Pincus se muestra como el típico cascarrabias, agrio y antipático. Sin embargo, la vida le ofrecerá una oportunidad de cambiar su desagradable forma de ser. La frase que aparece en un cartel publicitario le hará recapacitar: «Sólo merece la pena vivir para los demás». La idea del servicio a los demás aparece como el gran motor que debe mover al mundo, manifestándose en varios personajes. Un elemento que debe estar presente, sobre todo, en tiempos de crisis.

Conclusión: los asistentes a la sala van a encontrarse con una comedia que, sin ser una maravilla, divierte. Seguramente no curará una depresión, pero servirá para olvidarte de tus problemas durante un par de horas. Por cierto, te recomiendo la última canción de la película: Please be patient with me.

Off
22 Sep2009

Malditos bastardos

by Víctor Alvarado

Publicado en www.fantasymundo.com

Víctor Alvarado

En esta ocasión, el cine bélico ha encontrado su continuidad en un Quentin Tarantino más Tarantino que nunca, puesto que, como saben, ha estrenado Malditos bastardos (2009), volviendo al estilo de producción que le hizo saltar a la fama.

Esta película tiene un doble argumento. Por un lado, cuenta la historia de Shosanna Dreyfuss, interpretada por Mèlanie Laurent, una mujer judía y dueña de un cine que prepara una gran venganza contra los alemanes que, al principio de la Segunda Guerra Mundial, mataron a su familia. Por otro lado, nos narra como el teniente Aldo Raine, organiza un comando de estadounidenses judíos que se dedicará a eliminar a todo teutón que se cruce en su camino, cortándole, incluso, la cabellera.

En cuanto a la interpretación destacaría al actor Christoph Waltz, cuya presencia mejora esta cinta de disimulada parodia que sirve para que el director homenajee a los grandes actores que a lo largo de la historia del séptimo arte ha representado a los maniqueos oficiales alemanes. Su contenida actuación contrasta con la histriónica participación de Brad Pitt.

La realización corresponde a Quentin Tarantino que ha vuelto por los fueros de Pulp Fiction (1994) con lo cual el éxito está garantizado y su calidad merece por lo menos el notable. Desde luego, tiene todos los ingredientes tarantinianos como el gran sentido del humor; esas historias narradas por capítulos; la extrema violencia y que sus protagonistas sean mujeres. Este último dato nos serviría para afirmar que este director dignifica a las féminas, poniéndolas en el lugar que se merecen.

Cambiando de tema, la cinta se deja ver. Resulta entretenida a pesar del exceso de diálogo que inunda la producción. Los diálogos, como decía, son demasiado elaborados, muy barrocos, con lo que parecen un tanto artificiales. Aún así el guión tiene una buena estructura, que te permite seguir con facilidad la trama y, como no podía ser de otra manera, el cineasta norteamericano deja huella con sus continuas referencias cinematográficas y guiños a otros géneros cinematográficos. Esta idea será agradecida por los aficionados al buen cine.

Como dato curioso, el título de la cinta en cuestión se basa en una película italiana de Enzo Castellari que se llamaba Aquel maldito tren blindado (1978) que en inglés se denominó Inglorius Basterds. Además, el citado director italiano realiza un Cameo en este largometraje.

A nuestro juicio, la cinta es excesivamente larga. Dura nada más y nada menos que 150 minutos y a la escena de la taberna le convendría algún que otro recorte. También podríamos cuestionarnos si era necesario ese exceso de violencia de algunas escenas. Pienso que esa violencia tan gráfica puede presentarse con mayor elegancia.

Conclusión, con el visionado de Malditos Bastardos nos vamos a encontrar un Tarantino en su estilo más puro. Es un director que, cuando se lo propone, es capaz de hacernos disfrutar con un buena obra del celuloide, mientras nos comemos un bol de palomitas.

Off
15 Sep2009

12 trampas (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en www.paginasdigital.es

Si exceptuamos Frozen river (2008), el nivel cinematográfico del mes de septiembre deja mucho que desear. Por esa razón y sin que sirva de precedente, vamos a hablar de un film puramente comercial. Nos estamos refiriendo a 12 trampas.
La historia gira entorno al policía Danny Fisher, al que un peligroso delincuente quiere hacerle la vida imposible, puesto que éste le acusa de haber matado a su novia, aunque realmente fue un accidente. Para ello secuestrará a la mujer del agente. Para poder rescatar a su amada, Fisher tendrá que superar las 12 pruebas impuestas por el malvado Miles Jackson.

La trayectoria del cineasta Renny Harlin ha consistido en crear productos de puro entretenimiento para un amplio espectro de público. Sus trabajos se cuentan por éxitos de taquilla con Deep Blue Sea (1999) o Máximo riesgo (1993). Sin embargo, en esta ocasión nos ofrece una película nada singular porque este largometraje recuerda a la tercera parte de La jungla de cristal (1995), donde los protagonistas tenían que descifrar una serie de pruebas, ofreciendo un desenlace muy similar. También esta producción fotocopia a Speed (1994). Si no me creen, piensen ustedes en esa cinta en la que aparecían Sandra Bullock y Keanu Reeves tratando de detener un autobús a toda velocidad. En este caso habría que cambiar el autobús por el tranvía. Por otra parte, este largometraje huele a la mitología romana de los 12 trabajos de Hércules o la popular de Asterix y las doce pruebas (1976) por su título. Por tanto, la originalidad brilla por su ausencia.

Sin embargo, esta película tiene un punto a su favor, ya que se trata de una cinta exclusivamente de acción en la que las persecuciones y explosiones mantienen al espectador en tensión en todo momento. A esta clase de largometrajes se le puede denominar «historias sin trampa, ni cartón»; es decir, no existe diferencia entre el material que ofrece el trailer y lo que nos vamos a encontrar en la sala de proyección. Por esta razón podemos decir que se trata de una película sincera, que no engaña a nadie.

Finalmente, el gran atractivo para niños y adolescentes se encuentra en poder contar con la presencia de John Cena, un actor que proviene del mundo de la lucha libre americana. Su interpretación no llama la atención, pero hay que reconocer que da el tipo.

Off
9 Sep2009

Frozen river (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en www.fantasymundo.com

En esta últimas semanas y buceando entre la mediocridad se pueden encontrar auténticos tesoros como la película, Frozen river (2008), si es que tienes la suerte de que se haya estrenado en tu localidad.

La historia gira entorno a una mujer con dos hijos a la que su marido abandona, por lo que dicha señora tendrá que buscarse la vida para sacar a sus niños adelante y poder pagar la hipoteca. Para ello, Ray Eddy entablará una relación muy peculiar con una india, Lila, que vive en la reserva Mohawks colindante con Canadá, puesto que ambas ayudarán a atravesar la frontera de EE UU, pasando por un río helado a inmigrantes ilegales.

La dirección corre a cargo de Courtney Hunt, una cineasta novel que ha sorprendido al mundo con esta joya del cine independiente, cuya distribución ha sido escasa por culpa de su bajo presupuesto. La cinta en cuestión ha recibido multitud de premios como el Premio Signis o el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. También ha obtenido dos premios del Independent Spirit, así como una nominación a los Óscar como mejor guión original entre otros. Por otra parte, su trabajo es delicado y sencillo. Resulta interesante la sensibilidad que muestra en todas y cada una de las escenas rodadas sin buscar la lágrima fácil. Se trata de una realizadora a la que será necesario seguirle la pista.

Cambiando de tema, los actores, tanto secundarios como principales, nos ofrecen magníficas interpretaciones. En especial, la actriz Melissa Leo, que ganó la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián, su mirada y sus gestos te ayudan a ponerte en el pellejo de la protagonista.

El que se atreva a entrar en una sala de proyección va a encontrarse un largometraje en el que se explica con claridad el drama de la inmigración, una realidad que a los españoles nos toca muy de cerca, destacando los peligros a los que se tienen que enfrentar. Por otro lado, la cinta nos habla de la esperanza y la lucha por sacar una familia adelante. También, nos permite reflexionar sobre el sentido de la vida, donde las creencias en un ser superior juegan un papel importante en una situación crítica en la que se defiende la vida de un ser inocente. Además, la cinta nos regala una lección de amistad entre Ray Eddy y Lila. Por cierto, quiero amigos tan leales como los que aparecen en esta obra del celuloide.

Off
5 Sep2009

Enemigos públicos (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Lo más destacable de la cinta es la lealtad que demuestra John Dillinger con respecto a sus compañeros y a la chica a la que ama, todo ello sin olvidar los innumerables defectos que posee. Por otra parte, el agente Melvin Purvis aparece como el honrado e incorruptible policía que hace lo imposible por atrapar a los delicuentes. Éste se rodea de los mejores hombres para evitar que pongan en peligro sus vidas. Además, la película muestra la importancia de disponer de todos los medios tecnológicos y científicos para atrapar a toda persona que haya cometido algún delito.

Off
4 Sep2009

Agallas (publicado en www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Los directores españoles no nos tienen habituados al género del thriller. En esta ocasión, Andrés Luque Pérez y Samuel Martín Mateos nos ofrecen una historia que combina el cine negro con ciertos tintes cómicos.

El argumento gira en torno a dos personajes. Sebas (Hugo Silva) es un delincuente de poca monta que acaba de salir de la cárcel y que descubre a un empresario gallego al que le sale el dinero por las orejas. Por esta razón hace todo lo posible por acercarse a él. El empresario, Regueira (Carmelo Gómez), descubre que Sebas tiene agallas para trabajar como pistolero.

Los actores resultan muy convincentes. La actuación de Carmelo Gómez es sarcástica, mientras que la de Hugo Silva, tal vez, parezca un tanto exagerada. Esto puede deberse a que el actor se tomaba muy en serio el papel, puesto que Silva entendía que tenía que ser un perro de presa, persiguiendo a su amo, el narcotraficante Regueira. Según afirma el director Andrés Luque: “Fuera del rodaje no sabías, si hablabas con Hugo Silva o con su personaje Sebas”.

¿Qué podemos decir de los directores? Pues que este relato cinematográfico te podrá gustar más o menos, sin embargo, es innegable la profesionalidad de dos cineastas noveles, que provienen del mundo de la televisión; que son grandes aficionados al cine y que cumplen un sueño de juventud. Por un lado la trayectoria de Andrés Luque se ha centrado en realizar reportajes y documentales para el programa En Portada y ha sido director adjunto de Cartelera en TVE. Además, entre otros, ha recibido el premio Italia de periodismo, el premio Manos Unidas de televisión o el premio Naciones Unidas al mejor programa de televisión sobre la Infancia y Juventud. Por otro lado, Samuel Martín Mateos es el director y realizador de Cartelera en la actualidad.

Por tanto, el trabajo de sendos realizadores es serio y su labor de documentación es exhaustiva, resaltando perfectamente los ambientes gallegos: el mundo de las Rías Bajas con sus preciosos acantilados; la religiosidad popular y el funcionamiento de las mafias de las drogas que rondan las costas del Atlántico.

La cinta se centra en dos personajes: Sebas un personajes ambicioso y sin escrúpulos que quiere ascender en la vida a toda costa, mientras que Regueira aparece como una persona cansada de estar en la cumbre, que piensa rebajar su estatus para evitar situaciones estresantes. A todo esto hay que añadir pequeñas chispas de humor que sirven para aliviar situaciones de alta tensión junto con un giro final realmente sorprendente y divertido. La película explica hasta donde puede llegar el ser humano cuando ansía hacerse con el poder, lo que puede extrapolarse a cualquier ámbito de la vida.

Finalmente, habrá quien podrá encontrar algunas escenas de mal gusto, pero es que no se trata de dos hijas de la caridad, sino de dos seres carentes de valores.

Off
21 Jun2009

la vida secreta de las abejas

by Víctor Alvarado

La vida secreta de las abejas
Víctor Alvarado06/04/2009
Publicado en www.paginasdigital.es y www.cope.es
Este largometraje cuenta las aventuras de la adolescente Lily Owens con su criada y buena amiga Rosaleen, que busca conocer la verdad de la desaparición de su madre. Este tema atormenta a la pequeña desde la más tierna infancia, que se refugia en la Virgen María como forma de consuelo ante las duras reprimendas de su tosco padre.

Lo más destacable de la película es el duelo interpretativo entre Queen Latifah y Dakota Fanning. La relación que establecen resulta realmente entrañable y conmovedora. Y, sobre todo, la autora hace hincapié en el proceso necesario para generar una confianza que permita compartir los misterios de una vida mediante el diálogo y el cariño. Dakota Fanning manifiesta con gran desenvoltura la curiosidad de todo quinceañero por conocer las caras ocultas de su pasado. ¿Quién no se hacía preguntas con esa edad?
Por otra parte, la historia deja entrever valores como la capacidad de perdonar, la religiosidad positiva como fuerza sanadora y la amistad como medio para crecer como persona. La cinta, al estar ambientada en la América profunda de los años 60, refleja adecuadamente y con cierto toque de denuncia las graves dificultades a las que se tuvo que enfrentar la comunidad afroamericana para conseguir los mismos derechos que los blancos. Martin Luther King aparece como una de las llaves para que el milagro fuera posible.
En contraposición con lo positivo, a la cinta le falta pegada. Parece que la miel de las abejas ha impregnado demasiado a la trama. Se trata de una historia interesante en el fondo, pero narrada de un modo empalagoso. Este relato cinematográfico, y perdón por la expresión, huele a Winnie the Pooh. Probablemente, la directora Gina Prince-Bythewood ha buscado un público femenino, contando una historia de mujeres, donde los hombres pintan poco.
En definitiva, nos encontramos con una realizadora que apunta maneras y que ha captado la esencia espiritual de las novelas de Sue Monk Kidd. Además, esta obra del celuloide se apoya en una buena banda sonora. Por cierto, ¿Sabían ustedes que Alicia Keys aprendió a tocar el violonchelo para una de las escenas de la película?

Off
21 Jun2009

Confesiones de una compradora compulsiva

by Víctor Alvarado

Confesiones de una compradora compulsiva
Víctor Alvarado30/03/2009 publicado en www.paginasdigital.es y www.cope.es
Confesiones de una compradora compulsiva (2009) está basada en una serie de best seller de notable éxito en Gran Bretaña y Estados Unidos. Concretamente, el guión de la película está inspirado en los dos primeros títulos de la escritora Sophie Kinsella, Loca por las compras y Loca por las compras en Manhattan. Como el propio nombre indica, cuenta las andanzas de una periodista que vive por encima de sus posibilidades, gastando desmesuradamente. Esta chica sueña con escribir en una revista de moda. Sin embargo, por un terrible error, se verá obligada a trabajar como columnista de una revista especializada en economía.

El director P.J. Hogan se siente cómodo en la comedia, siendo destacable su trabajo en La boda de mi mejor amigo (1997). Su estilo narrativo es bastante elegante, desarrollando las situaciones cómicas con fluidez y naturalidad.
Por otra parte, el realizador australiano hace un interesante análisis de la sociedad consumista y sus repercusiones, pero sin caer en discursos ideológicos, dando a entender que compramos más de lo que necesitamos. Una idea que queda patente a lo largo de toda la historia. La familia aparece como el lugar donde refugiarse cuando los problemas inundan nuestra vida. También se dejan caer temas candentes de los que se habla en los medios de comunicación, como la crítica a los altos ejecutivos, que no reducen sus porcentajes de beneficios, aunque las empresas pierdan dinero y se perjudique a los más débiles. Tampoco deja en buen lugar a la mentira que, de no ser corregida, puede empeorar una situación. Un tema que debería de calar en las altas esferas del poder de nuestro país, sobre todo en tiempos de crisis.
Por último, hay que destacar la idea que aparece en una de las frases del largometraje que puede generar un interesante debate como es la de la posibilidad de construir tu futuro con tu propio esfuerzo sin la necesidad de un nombre, un apoyo o patrocinio. Esa cultura del esfuerzo que parece que, en la actualidad, algunos pretenden devaluar. La citada frase coincide con la honestidad que el protagonista muestra en la película.
En lo referente al reparto, la actriz Isla Fisher se desenvuelve razonablemente bien ante las cámaras, aunque su pareja en la ficción, el actor Hugh Dancy, resulte un tanto insípido. El problema es que no hay demasiada química entre los protagonistas, a pesar de todo, los secundarios refuerzan y revitalizan las debilidades anteriormente mencionadas. Finalmente, la nota colorista la ponen unos simpáticos maniquís con muchas ganas de marcha.

confesiones-de-una-compradora-compulsiva1

Off
21 Jun2009

Gran Torino

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es y www.cope.es)
Ha costado muy poco, prácticamente un puñado de dólares. Ha salido muy rentable y es un homenaje a toda la filmografía del realizador norteamericano. Hay escenas que recuerdan a algunos de sus western; otras, sin duda, rememoran al mítico Harry Callahan, por sus frases lapidarias. Tampoco nos podemos olvidar de sus constantes guiños a películas como El sargento de hierro (1986). Sin embargo, convendría recordar que sus últimas obras como director reflejan cierto aire de cambio en su carrera cinematográfica.

El inicio de la historia nos puede resultar familiar, puesto que aparece un Walt Kowalski, gruñón y con el ceño fruncido a lo Harry, el Sucio (1971), que en el funeral de su esposa mira con recelo a todos los asistentes al acto religioso. Le molestan sus hijos, pasando por sus irreverentes nietos, hasta llegar a un jovencísimo sacerdote, que le persigue incansablemente porque quiere hacer cumplir la última voluntad de la mujer de Walt, que simplemente quería que se confesase con él. Por otro parte, la vida de Sr. Kowalski, un racista recalcitrante, cambiará progresivamente cuando, obligado por las circunstancias, tenga que salvarle la vida a Thao, un apocado chaval de la etnia Hmong o de «los jamones» como dice el protagonista. La comunidad Hmong es una etnia proveniente de las montañas de Laos, Vietnam, Tailandia y otras partes de Asia, que se trasladó a Estados Unidos tras su participación en la Guerra de Vietnam.
Algunos críticos han considerado al Gran Torino como la continuación de Million Dollar Baby (2004) y coincido plenamente con ellos. Esta película es el auténtico reverso de la medalla de la anterior producción; es decir, mientras en la excelente Million Dollar Baby (2004) se transmitían ideas negativas y nihilistas, Gran Torino (2008) aparece, como más luminosa y optimista, muy próxima a la esperanza tan bien reflejada en su anterior trabajo de El Intercambio (2008). Las cuestiones de fondo de la cinta están tratadas sólo con la inteligencia, la astucia y la habilidad de un auténtico maestro. En primer lugar, a través del humor consigue que te encariñes con los personajes, con unas situaciones cargadas de sarcasmo. Es memorable la escena en la que el Sr. Kowalski enseña a Thao a comportarse como un tipo duro. También resulta extraordinaria la relación de amistad que surge entre un solitario Walt Kowalski (un Clint Eastwood merecedor del Oscar por haber creado un personaje que ha durado 40 años y que se está intentando que sea el ganador del año venidero) y Thao, un típico adolescente necesitado de un referente paterno. El vínculo que establecen recuerda a los grandes clásicos, como Capitanes intrépidos (Victor Fleming, 1937) ¿Recuerdan cómo Spencer Tracy moldeaba el alma de Freddie Bartholomew? Pues algo parecido.
La interpretación de Clint Eastwood va a traer cola. El inicio es un tanto chirriante porque el protagonista parece que va a morder a alguien. Sin embargo, la evolución del personaje a lo largo de la historia es prodigiosa y creíble en todo momento. Nos encanta la inteligente forma de actuar del personaje en un final con redención incluida.

Otro punto que merece la pena ser analizado es la relación que el protagonista establece con el sacerdote católico porque, mientras en Million Dollar Baby (2004) la falta de entendimiento es total, en Gran Torino (2008) la actitud de diálogo con el sacerdote es auténtica, por lo que se observa un cambio de postura con respecto a la Iglesia por parte del director. Esta idea parece que ha sido aprovechada por el director para «matar» y redimir a un personaje, que había sido su referencia durante cuarenta años, para buscar historias más espirituales. Y este comentario no es una interpretación del que firma, puesto que las referencias cristológicas del largometraje son más que evidentes. Creo que el director estadounidense ha estado esperando hasta encontrar el guión adecuado que diese respuesta a su película sobre el boxeo-eutanasia. El hombre más buscado del continente fue el guionista, Nick Schenk.
Por otra parte, desde un punto de vista sociológico, Eastwood apunta un grave problema de la sociedad, en este caso americana, como son los conflictos entre tribus urbanas, donde el choque racial parece inevitable, si se carece de un nivel educativo razonable. Muchos antropólogos estarían encantados de poder analizar los comportamientos de una etnia como la presentada en la cinta, desconocida para la sociedad occidental. Resulta interesante observar el planteamiento del realizador americano, que busca los puntos comunes extrapolables a todos los seres humanos a pesar de las diferencias evidentes de la cultura Hmong con respecto a la cultura anglosajona.
En contraposición con lo positivo, Eastwood ha innovado, con un monitor de video portátil e inalámbrico ideal, para poder dirigir las escenas en las que también hace de actor. A pesar de ello, algunos excelentes analistas cinematográficos dicen que sigue sin cuidar el detalle. A otros les molesta los subrayados del director. Además, es criticable el trailer, intencionadamente distinto a la película en cuestión, que puede echar para atrás a personas que desconozcan la personalidad de este hombre de cine o no tengan referencias del film. Seguramente existen razones para esa decisión. Nos imaginamos que el autor de esta genial obra del celuloide pretende sorprender.
Conclusión: el largometraje no es sólo divertido, sino divertidísimo. Se trata de un relato cinematográfico muy entretenido y que muestra profundas convicciones.
Por cierto, ¿alguien puede conseguirme un Gran Torino de 1972?

Off
Páginas:«1...2021222324252627