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Category “Crítica de Cine”
13 Nov2016

100 metros

by Víctor Alvarado

100-metros-cartelEl cine de cuota española es menos cuota que nunca gracias al talento del cineasta Marcel Barrena,  que deja a un lado el marcado carácter ideológico de nuestro cine para contarnos una historia de superación personal sin escenas violentas; comentarios de mal gusto y escenitas que nos obligan a mandar a los niños a la cama, transmitiendo esperanza, mucha esperanza.

 

Este realizador se ha enfrentado al reto de volver a unir a dos estrellas de nuestro cine como Dani Rovira y Karra Elejalde, expertos en la comedia, que han demostrado su versatilidad en una cinta, donde se entremezcla el drama con el humor. La actriz Alexandra Jiménez, esposa e hija de los protagonistas de la historia, da la necesaria credibilidad, conteniendo a dos titanes de la escena española.

 

Ramón, padre de familia,  vive para el trabajo hasta que su cuerpo empieza a fallar. Diagnosticado de esclerosis múltiple todos los pronósticos parecen indicar que en un año no será capaz de caminar ni 100 metros. Ramón decide plantarle cara a la vida participando en la prueba deportiva más dura del planeta. Con ayuda de su mujer y del gruñón de  su suegro, este hombre inicia un peculiar entrenamiento en el que luchará contra sus limitaciones, demostrándole al mundo que rendirse nunca es una opción.

 

 

Este cineasta ha logrado que una historia, basada en hechos reales sea entretenida y te conmueva, siendo capaz de iluminar la vida de esas personas que tiene la moral por los suelos por culpa de una enfermedad de difícil pronóstico como la esclerosis múltiple. Esta producción demuestra que no podemos hundirnos en el dolor y que existen superhéroes de carne y hueso que con una kriptonita/enfermedad se enfrentan a retos a los que nosotros no seríamos capaces ni de acercarnos. Por otra parte, habría  que decir que los actores se sorprendían de la manera admirable y el sentido del humor con el que estas personas sobrellevaban la enfermedad que puede aparecer o rebrotar de la noche a la mañana.

 

Por otra parte, esta película habla de la necesidad de limar las diferencias, en este caso, entre los miembros de la familia política para lograr un objetivo aprovechando las virtudes y perdonando los defectos.

 

Finalmente, nos quedamos con las declaraciones del auténtico protagonista de esta historia, Ramón Arroyo, que expresó su satisfacción por ese trabajo tan acertado: “Esta película que tiene la vocación social y un profundo interés en ayudar y ser altavoz de las casi 50.000  personas que convivimos con la esclerosis múltiple antes de su estreno ya ha empezado cumplir su cometido. Sí, con nosotros. En los dos últimos años,  la múltiple se ha puesto peleona y hemos pasado momentos duros tanto físicos como emocionales, donde viejos fantasmas volvían a esconderse detrás de las puertas. Podemos decir bien alto y con  mucho orgullo que gracias a  100 metros hemos podido sobrellevar los malos momentos, donde hemos podido recibir por parte de todo el equipo de la película la mejor de las medicinas: el respeto y el cariño” (publicado en el Diario Ya).

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6 Nov2016

Sully

by Víctor Alvarado

sully_99453Al igual que pasa en España con directores de la talla de Garci o Almodóvar, en el cine estadounidense hay varios nombres que siempre suenan como Steven Spielberg, Woody Allen o, en este caso, Clint Eastwood que, independientemente del nivel de sus películas, sus trabajos siempre generan mucha expectación.

 
Sully es su nueva entrega, basada en hechos reales, pues el Capitán “Sully” Sullenberger hizo amerizar su avión en el río Hudson para salvar a 155 pasajeros. No obstante, tuvo que sufrir una investigación como consecuencia de este suceso que estuvo a punto de acabar con su carrera.

 
Clint Eastwood, autor de la maravillosa Gran Torino, hace un producto típicamente americano de esos que tanto le gusta a los habitantes de ese país y que sirve para dar muestras de su patriotismo sin complejos como demostró con la excelente El francotirador. El inicio del largometraje no nos pareció muy prometedor, pero una vez transcurridos los primeros 10 minutos de metraje la cinta fue ganando interés y estamos convencidos de que la calidad de la producción, sin ser de las mejores del cineasta, tiene muchas posibilidades de ser nominada a los Óscar este año.

 
Tom Hanks da vida al protagonista de esta historia con el que guarda cierto parecido. El conocido actor vuelve a aceptar un papel interesante como hizo con El puente de los espías, cosa que no siempre hace tras varios traspiés. Es el clásico personaje de clase media americana honrado que intenta hacer su trabajo lo mejor posible, demostrando su gran sentido del deber. Por cierto, el auténtico Sully fue un alumno brillante y un excelente profesional, incluso trabajando para la NASA. Los flashback están magníficamente dosificados y nos ponen en antecedentes de con qué tipo de persona estamos tratando. Las escenas de acción, a pesar de que todos conocemos la historia de cabo a rabo, hacen creer que algo terrible va a ocurrir, transmitiendo la gran tensión que se tuvo que vivir en esos intensos minutos .

 
El director ha mostrado a un hombre de carne y hueso enamorado de su mujer y que conectaba y se comunicaba con ella con fluidez en momentos de dificultad. Se trata de un héroe que supo mantener la calma en una situación extrema y que, a pesar de que todo el mérito fue suyo, tuvo la humildad de reconocer la labor de los demás sin echarse flores y resaltando el trabajo en equipo. Por otra parte, el realizador ha reflejado a la perfección el comportamiento de los pasajeros en una situación límite y como algunos de ellos se agarran a la fe y rezan de un modo natural. La verdad es que la jugada salió a la perfección y ese gesto tuvo su recompensa porque le llaman a ese hecho “El milagro del Hudson” (publicado Diario Ya).

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23 Oct2016

La chica del tren

by Víctor Alvarado

la-chica-del-tren_99313Hacía tiempo que un thriller  no generaba tanta expectación a priori como La chica del tren. En una época en las que las producciones de este género se suceden sin solución de continuidad y con más pena que gloria,  el cineasta Tate Taylor, recordado por la buena película Criadas y señoras, adapta la novela negra de homónimo título de Paula Hawkins, que ha vendido 11 millones de ejemplares en todo el mundo. Este largometraje está influenciado por los textos de Patricia Highsmith y, claramente, marcado por la intriga tan característica de falso culpable de Alfred Hitchcock  y su célebre La ventana indiscreta, aunque, en este caso, el  protagonista no es James Stewart,  sino  la actriz Emily Blunt. A esta mujer le acompañan intérpretes más o menos consolidados como Justin Theroux, Luke Evans, Édgar Ramírez, Rebecca Ferguson y Haley Bennett  que son los nombres que más suenan.

 

El argumento gira en torno a Rachel, una mujer que ha pasado por un traumático divorcio, cayendo en la garras del alcohol. Al viajar todos los días en tren  fantasea mientras observa a una pareja aparentemente feliz que vive en frente de una de las paradas. No obstante,  no es oro, todo lo que reluce, pues desde la ventana del citado medio de transporte es testigo de un crimen.

 

La película presenta una cadencia a modo de sierra con altibajos, unos más interesantes y otros que transcurren a cámara lenta, lo que queda claro es que no llega al nivel de su mejor trabajo, tal vez lastrado por una historia muy oscura que, en algunos aspectos, recuerda a Perdida, por el morbo y la maldad de algunos personajes. Está todo muy retorcido. La cinta no alcanza ni por asomo al Maestro del suspense. El final es demasiado enrevesado, gore adolescente e inverosímil, cargándose el relativamente conseguido esfuerzo por intrigar.

 

La película se encarga demostrar los estragos que el alcohol puede llegar hacer en las personas y la importancia de conocer todos los puntos de vista. La astucia y  la veteranía de la policía es un grado para poder cumplir con el deber de sacar la verdad a la luz para que los jueces puedan hacer justicia. El delincuente de esta cinta es un ejemplo de lo que  hay que hacer para hacer infelices a los que te rodean por su falta de virtud y su capacidad de manipulación de la realidad para salirse con la suya (publicado en Pantalla 90).

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16 Oct2016

Luz de Soledad

by Víctor Alvarado

luz-de-soledad_101368Las Siervas de María, Ministras de los Enfermos, sentaron las bases de las Escuelas de Enfermería porque fueron las primeras que realizaron esta especialidad en España en torno a 1915. Sin embargo, este hecho no se hubiera producido sin la iniciativa del Padre Miguel Martínez y Sor Soledad Torres Acosta que la fundaron. Esta producción es un biopic que cuenta la vida de esta luchadora mujer.

 
Olga es una abogada de prestigio, que está agobiada, puesto que no le queda más remedio que recurrir a una monja para que cuide de su problemático padre que, a regañadientes acepta y escucha la historia principal de esta película, Luz de Soledad.

 
Pablo Moreno es el autor de un Dios prohibido y Poveda, que incluye un guiño a la citada en segundo lugar en esta producción. Este cineasta ha ganado dos premios Mirabile Dictu de Roma, considerados como los Óscar del cine católico. La película tiene dos partes bien diferenciadas, una más simpática y dinámica y otra más irregular, marcada por un par de secuencias impactantes realmente logradas y bien planteadas. El mérito de este joven cineasta de 32 años es que, con muy pocos medios, saca el máximo producto posible sin que el relato pierda fuerza.

 
Este realizador ha contado con un reparto especializado en el mundo de las series de televisión entre los que destacan Elena Furiase y su madre Lolita junto a valores seguros como Raúl Escudero, Carlos Cañas o Laura Contreras. Ésta última da vida a esta comprometida mujer, trasmitiendo la sobriedad y el entusiasmo de una persona enamorada del pasaje del Evangelio de San Mateo (25, 36): “Estuve enfermo y me visitasteis… Lo que hicisteis a uno de mis hermanos, me lo hicisteis”. La clave del legado de esta religiosa se resume en que ella entiende su misión en la encarnación de la civilización del amor, superando el mal a fuerza de hacer bien a todos, llevando a la sonrisa en los labios y la humildad en el corazón.

 

Por último, este largometraje es una prueba de cómo Dios cambia el corazón de las personas cuando un personaje secundario, angustiado y muy dolorido por su enfermedad, comprende qué es lo que mueve a estas entregadas religiosas, al reconocer que le había tratado como basura y Sor Inés, su enfermera a domicilio, le había cuidado como si fuera su Dios.

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9 Oct2016

Un monstruo viene a verme

by Víctor Alvarado

un-monstruo-viene-a-verme_101467El director Juan Antonio Bayona  es un valor en alza del cine español, autor de dos buenas películas como El orfanato, una cinta de terror donde se abría el debate entre agnosticismo y creencia junto a  Lo imposible en la que se explicaba esa terrible lucha por la supervivencia con ausencia de trascendencia.

 

Este cineasta estrena Un monstruo viene a verme, que se basa en la novela juvenil de Patrick Ness de homónimo título, que vuelve a hablar de uno de los temas clave de su corta trayectoria profesional, las relaciones materno-filiales. De este modo se puede decir que, casi sin pretenderlo, este realizador completa una especie de trilogía.

 

Esta producción utiliza la fantasía para afrontar el paso de la niñez a  la adolescencia con el añadido de tener que aceptar la muerte en un ser tan querido como una madre que no sólo te ha dado la vida, sino que ha dedicado cada minuto de ella a cuidarte. Juan Antonio Bayona ha tenido la inteligencia de contar una historia, mediante una metáfora muy imaginativa, sin quedarse en los tópicos del género y de la problemática de los chavales, aportando algo especial y dotándolo de elementos que enriquecen la historia como la secuencia abierta a la trascendencia al lado de una iglesia o el modo en el que la abuela se gana la confianza del nieto progresivamente. El amor y los gestos de cariño parecen esenciales en esta historia para superar un hecho traumático. Por otra parte, la cinta es una reflexión sobre los seres humanos que no somos ni buenos ni malos, sino que estamos en una escala de grises, lo que no implica que no tengamos la capacidad de distinguir el bien del mal.

 

Finalmente, ha contado con un reparto encabezado por Sigourney Weaver, Felicity  Jones, Liam Neesom y Lewis Macdougall, un niño que hace un notable trabajo. Además, no hay que perderse los guiños cinéfilos a King Kong y El increíble hombre menguante por poner un par de ejemplos con las que guarda ciertos paralelismos y  que juegan con las metáforas al igual que ésta, aunque las conclusiones sean diferentes (publicado en el Diario Ya).

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2 Oct2016

El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares vs Los 7 magníficos

by Víctor Alvarado

MISS PEREGRINE'S HOME FOR PECULIAR CHILDRENGuste más o menos. Te resulte más o menos atractivo. Hay que reconocer que el cineasta Tim Burton es siempre fiel a su especial universo de seres “monstruosos” ,que tienen su particular corazoncito.

 

El caso es que se estrena la nueva producción salida de su factoría como El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares, que ha contado con un elenco de lujo de veteranos de alta calidad como Samuel L Jackson en un papel histriónico acertadísimo, que no se pierde una película fantástica o de superhéroes junto a actores más jóvenes como Eva Green o Asa Butterfield, al que recordarán por La invención de Hugo. El director adapta el bestseller de Ramson Riggs. Tim Burton regresa a las historias que le hicieron brillar como Eduardo manostijeras, La novia cadáver o la inolvidable relación de un padre con un hijo en Big fish. La cinta está cargada de guiños cinéfilos a Titánic,  Atrapado en el tiempo, Jason y los argonautas, Harry Potter o Lady Halcón. La canción  de la banda sonora de Florence and  The Machine: “Wish That You Were Here” es magnífica.

 

La película es una mezcla entre  historia fantástica y  de superhéroes. Tal vez eso se deba al pasado de su guionista, Jane Goldman, especializada en esta temática. Esta producción del gótico cineasta muestra su lado más sensible y nos enseña que las persona, que son o se sienten, diferentes no deben marginarse porque todos somos distintos e  irrepetibles, lo que nos hace únicos por lo que seguro que tenemos dones  que pueden ponerse al servicio de los demás. Por otro lado, es un homenaje a la entregada labor de los abuelos.

 

Los  siete magníficos

 

Todo nuestros lectores saben  que el germen de esta película  parte de uno de los mejores directores japoneses de la historia, Akira Kurosawa, autor de Los siete samuráis que dio lugar  a un entretenido largometraje hasta cierto punto con una impresionante banda sonora en 1960,  dirigido por  John Sturges y protagonizada especialmente por Yul Brynner  y un  Steve McQueen que, en un principio, iba a ser un secundario, pero que quitó protagonismo a otros intérpretes porque era un auténtico roba planos por lo bien que estaba en todas las escenas. Por tanto, podemos decir que no hay que perderse este potente western y en un año que parece que resurge el género. Está claro que es el remake del remake, pero manteniendo la esencia.

 

El director ha contado con dos estrellas de lujo como Denzel Washington que no sé si encaja bien como protagonista negro por el racismo propio de la época en la que está ambientada y no debemos perdernos el  personaje creado por Ethan Hawke.

 

Bajo mi humilde punto de vista, esta producción de 2016  mejora a la versión clásica, tanto en la acción de un realizador especializado en ese género, Antoine Fuqua, como en las cuestiones de fondo. Merece la pena destacar el modo en el que se refleja la amistad, la lealtad y las firmes convicciones religiosas de los protagonistas y secundarios que no solo rezan en unas situaciones límite, sino que se percibe que  su oración parte de una vivencia de la fe  profunda, sincera y auténtica.

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25 Sep2016

Footprints, el camino de tu vida

by Víctor Alvarado

footprints_pequen_oLa productora Infinito+1 ha demostrado, con los documentales Tierra de María y La última cima sobre el  sacerdote Pablo Domínguez, que el cine religioso y la rentabilidad económica no están reñidos. Esta empresa  audiovisual cuenta historias reales con finales optimistas.

 

El argumento de Footprints, el camino de tu vida gira en torno a un anuncio publicado en Arizona en el que básicamente se decía que se buscaban personas dispuestas a caminar 900 kilómetros durante 40 días, en el que se garantizaban una serie de penurias como el frío, el calor o el cansancio por los parajes del Camino de Santiago para descubrir el sentido de la existencia. Esta película recoge las aventuras de once valientes que aceptaron el reto: cristianos conversos; padres de familia; deportistas, sacerdotes o personas que habían llevado una mala vida.

 

Este año, el cineasta Juan Manuel Cotelo, como hizo en otras ocasiones con éxito, estrena este documental con el lema:”La película que camina y ayuda a caminar”. Esta producción, al igual que el excelente documental de gran fidelidad histórica, Melchor Rodríguez, el ángel rojo en otra productora, podrá ser proyectada en tu localidad si hay un número de personas relativamente considerable que lo solicitan en la página web. El realizador madrileño consigue que su trabajo, entre didáctico y profundo, nunca pierda ni el sentido ni el ritmo para captar la atención del espectador con testimonios espirituales, dibujos animados y bellos paisajes acompañados de una música relajante. El cineasta, cuando lo considera oportuno, cambia el enfoque para no cansar, pues ya se sabe que un documental a partir del minuto 60 debe ofrecer algo distinto con el que sorprender al espectador que empieza a perder la atención.

 

El documental muestra una serie de perlas que pueden ser objeto de comentario como aquella en la que uno de los protagonistas reflexiona sobre el sentido del sufrimiento y el valor del sacrificio, afirmando que en algunas ocasiones el camino más placentero no es siempre el  mejor y después de un esfuerzo el grado de satisfacción puede ser mayor y el afrontamiento, ante una pequeña dificultad del día a día, resulta más llevadero. Este grupo de aventureros coinciden en señalar a la Eucaristía como el mejor momento del día porque afirman que les transmite una energía sobrehumana, que les permite continuar.

 

Por último, destacamos que para los peregrinos, el momento más difícil del viaje fue, cuando después de haber ido cada uno a su ritmo durante las primeras etapas del viaje, tienen que unirse, como si fuera la comunidad del Señor de los Anillos para conseguir atravesar los Picos de Europa. Lo hicieron a relevos, como si de un equipo ciclista se tratara , lo que más llama la atención es que se sentían como una fuerza especial en el que hasta los caminantes más débiles marcaban un buen ritmo muy similar al resto de sus compañeros, siendo uno de los días que menos tardaron en completar una durísima etapa (publicado Diario Ya).

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18 Sep2016

Morgan

by Víctor Alvarado

morganEsta crítica la podríamos titular como “todo queda en familia”, ya que el cineasta Luke Scott, hijo de Ridley, en este caso, en labores de productor, debuta con una película de ciencia-ficción, rodando como su tío Tony Scott y perdón por la redundancia, según comenta algún crítico de prestigio. Esta producción guarda ciertos paralelismos con la obra maestra Blade Runner, filmada por su progenitor. Todo hay que decirlo, el chico apunta maneras.

 
Lee Weathers es una especialista en resolver problemas corporativos. Después un accidente deberá evaluar si una nueva forma de vida, creada en laboratorio, es apta para convivir y relacionarse con seres humanos, puesto que presenta una pequeña imperfección en su comportamiento que necesita ser analizada.

 
Este largometraje, algo claustrofóbico y muy bien ambientado, aunque carente de la iluminación adecuada, consta de dos partes bien diferenciadas. La primera presenta un ritmo pausado intrigante, mientras que la segunda nos sorprende con un potente giro argumental que convierte a la cinta en un producto de acción, cargado de adrenalina. Por cierto, hay alguna que otra escena que puede herir la sensibilidad de los espectadores. No obstante, se podría haber aprovechado mejor la supuesta inteligencia del personaje manipulado genéticamente para torear a los investigadores porque hubiese dado bastante juego.

 
Morgan viene respaldada no sólo por brillantes estrellas como Jennifer Jason Leigh y Paul Giamatti, que se convierten en magníficos acompañantes secundarios de Anya Taylor-Joy, cuya interpretación trasmite desasosiego y Kate Mara que cambia su habitual registro amable, por el que la conocíamos, para transmitir la frialdad que requiere su personaje.

 
El tema principal de esta producción es la biotecnología, lo que sirve para reflexionar sobre los límites de la ciencia; sobre si el fin justifica los medios o si resulta ético utilizar embriones para convertirlos en máquinas al servicio de las empresas, eliminando sus sentimientos para aumentar su rendimiento, borrándoles la capacidad para distinguir entre lo correcto y lo incorrecto, el bien y el mal, que pueda servir de freno para evitar males mayores. Tenemos la impresión de que su director deja libertad sin manipulación para que el espectador juzgue por sí mismo, una vez que están puestas todas las cartas sobre la mesa (publicado en Páginas Digital).

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11 Sep2016

El Principito

by Víctor Alvarado

thumb_el-principito_101014Les confieso que El Principito  es uno de mis libros de cabecera porque su contenido no te deja indiferente y te toca el alma.

 

La dirección de esta adaptación del cuento El Principito de Antoine de SaintExupéry ha correspondido a Mark Osborne, autor de la primera parte de Kun Fu Panda. Este hombre de cine se ha inspirado  en la película  Mi tío de Jacques Tati  y  en alguna que otra producción del universo Pixar como UP o Del revés como, si son observadores, podrán comprobar.

 

El cineasta no adapta al pie de la letra la célebre obra del autor francés, pues es consciente de su dificultad por su surrealismo. Sin embargo, este realizador saca alguno de los episodios más potentes de este cuento para adultos o para todos los públicos según se mire, entremezclándolos en una historia coherente, donde éstos encajan a la perfección y nos hacen pensar. Ha debido de contar con un equipo muy completo  e imaginativo de colaboradores, ya que en esta producción aparecen tanto escenas de dibujos en tres dimensiones como marionetas animadas con la técnica de  Stop Motion. La música de Hans Zimmer nos parece merecedora del Óscar a la mejor banda sonora y a la mejor canción. Por cierto, la canción en español de la artista Roko es una auténtica joya.

 

Es la historia de una niña, controlada y dirigida por una madre que aspira a que su hija entre en un prestigioso colegio privado a toda costa sin preocuparle, aparentemente, lo que su hija pueda sentir.

 

La película es una especie de oda a la amistad y nos enseña el modo de afrontar la pérdida de un ser querido. Me parece especialmente brillante la célebre frase: “Sólo con el corazón se puede ver bien, lo esencial es invisible a los ojos”. Este extracto demuestra la elegancia  por un lado y la profundidad por otro, siendo una frase imprescindible para toda persona que no se quede en la superficie o para toda persona creyente. Transmite esperanza y te anima a reflexionar sobre la fe. Este autor francés se educó en un colegio católico, perdiendo su fe en su juventud, pero que en una de últimas obras escribió una oración en la que parece que la recupera, detalle a tener en cuenta en un escritor cuya obra destaca por su marcado carácter autobiográfico.

 

Por último, la cinta nos enseña  que no podemos tenerlo todo planificado en la vida y que hay que estar abierto a ver lo que los demás nos tengan que aportar o para escuchar la sugerencia de un ser superior (Publicado en Pantalla 90).

 

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8 Sep2016

Blood Father

by Víctor Alvarado

blood-father-imagen-8Ya era hora de que tuviésemos noticias del actor Mel Gibson, al que muchos recordarán por sus meteduras de pata a causa del alcohol, que tantas vidas anónimas ha destrozado como demuestra la película. Sin embargo, nadie puede negar su valía de director, ofreciéndonos obras maestras como Apocalipto o la profunda e impactante La Pasión. Nunca podremos negar que muchos de nosotros  hemos disfrutado con sus interpretaciones en taquilleros éxitos como Conspiración, El castor o El patriota. El caso es que poco a poco va saliendo del pozo y del silencio  intencionado de los medios de comunicación por su incorrección política y su fe. Por esa razón, esta semana vamos a disfrutar de Blood Father, que es una historia de redención, donde se  mezclan los argumentos de Gran Torino  y Venganza.

 

John Link es un ex convicto que tiene una hija, que huye de un cártel de la droga. Este individuo hará todo lo posible para que ella salve su vida.

 

El cineasta Jean-François Richet ha sabido aprovechar casi con toda probabilidad ciertos pasajes de la novela de Peter Craig en la que se basa, porque combina la familiaridad y la calidad en un género, que no destaca especialmente por la cantidad y la  profundidad de buenas conversaciones. Este realizador es todo un experto en cine de acción, recordado por Asalto al distrito 13 .H a creado una especie de western moderno con aroma a roadmovie.   El director  ha cuidado que los diálogos primen por encima de la acción en la que ambos elementos se entremezclan sabiamente para que la producción no pierda interés en ningún momento. La cinta está cargada de guiños a sus películas más conocidas. Cuando vean esta producción,  aparecerá en su mente, en parte, Arma Letal o Mad Max, aunque hace referencia a algunas otras. Se trata de un thriller de indudable categoría que seguro que, tirando de filmoteca, guarda ciertos paralelismos con otra del género, pero también parece ciertamente original. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto con un thriller de estas características.

 

No  hay que perderse la escena en la que, de algún modo, el actor protagonista se confiesa en una capilla en una especie de Alcohólicos Anónimos o Proyecto Hombre, tanto de sus pecados en la gran pantalla como en la vida real, pues estamos ante un largometraje abierto a la trascendencia, en la que la estrella hollywoodiense intenta  relanzar su carrera y resurgir de las cenizas con fuerza. Por otra parte, la hija del protagonista hace una encendida defensa de la dignidad de los inmigrantes.

 

 

Blood Father es una historia de perdedores que merecen una segunda oportunidad, que necesitan perdonar y ser perdonados porque no lo han hecho bien en el pasado. Ese viaje  de huida puede entenderse como un camino para empezar de nuevo (publicado en Pantalla 90).

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3 Jul2016

Esperando al rey

by Víctor Alvarado

IMG_6703.CR2El cine americano, con mayor o menor acierto, aunque acercándose claramente a la realidad, ha contado la génesis o las consecuencias de la recesión económica y recordamos títulos como  The company  men  en la que aparecía Kevin Costner, Margin call con Kevin Spacey y la reciente, La gran apuesta.

 

El director de cine y compositor de bandas sonoras, Tom Tykwer,  ha sido el encargado de llevar a buen puerto, nunca mejor dicho, Esperando al rey, basado en la novela de Dave Eggers. Esta coproducción alemana/estadounidense ha recibido 3 nominaciones (película, montaje y diseño) en el citado país germano.

 

El protagonista indiscutible de este largometraje  ha sido el novio de América durante muchos años, Tom Hanks, que parece que vive una segunda juventud, tras el éxito cosechado en la excelente El puente de los espías, una de las mejores películas de 2015. Quizás, el problema más grande de esta cinta es que se cuenta una historia intrascendente para tratarse de una novela y todo el peso de la historia recae en un personaje que no tiene nada especial, salvo el modo en el que conecta con su hija porque se percibe que hizo un buen trabajo paternal y educativo con ella.

 

Alan Clay es un empresario, que necesita reinventarse, después de una negociación fallida que acabó con multitud de despidos en plena crisis económica. Éste recibe el encargo de ir a Arabia Saudita para presentar un potente proyecto al gobernante de esta nación de Oriente Medio, pero éste no da señales de vida.

 

Puede llamar la atención que el protagonista no busque líos de faldas ante tanta soledad, sino va unida a una relación estable y sincera. La película en un segundo plano es  una crítica hacia el integrismo islámico, la pena de muerte y la ausencia de libertad de la mujer que encuentra en una doctora el contrapunto, ya que es utilizada para demostrar que el amor no tiene fronteras. Por otra parte, se apunta el abuso hacia los derechos de los trabajadores, pues, en ocasiones, el modo de reducir costes consiste en la contratación de mano de obra barata, lo que atenta contra la dignidad del trabajador. Esta realidad aparece denunciada en un par de situaciones, pero no podemos decir que esta película sea precisamente un drama social (publicado en Pantalla 90).

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26 Jun2016

Expediente Warren: El caso Enfield

by Víctor Alvarado

the-conjunring-2-imagen-10Tengo que reconocer que el género de terror no es plato de mi gusto porque me aburre o simplemente porque no me apetece o no me interesa. No obstante, las películas del cineasta James Wan tienen una magia especial capaz de envolverte, ya que asustan no por un golpe de volumen, sino porque crea una atmósfera  que  te predispone a pasarlo  mal y lo consigue. Eso fue exactamente lo que ocurrió con Insidious que nos ofrece una primera parte realmente atractiva que decae un tanto en la segunda parte de la producción. Sin embargo, la obra maestra de este director fue Expediente Warren: The Conjuring que, a nuestro juicio, es la mejor película que se ha hecho sobre casas encantadas, pues estaba basada en hechos reales, ya que se trata de un conocido matrimonio católico, expertos en fenómenos paranormales, que se tomaban en serio su trabajo,  intentando a toda costa no dar gato por liebre.

 

Los actores, que dan vida a los personajes de esta secuela que mezcla algunos subgéneros, siguen siendo Patrick Wilson y Vera Farmiga que lo bordan.  Esta mujer nos ha deleitado con un abanico amplísimo de registros.

 

El citado cineasta explicó a Fotogramas las razones que le llevaron a repetir con un proyecto que había funcionado con anterioridad: “Sólo me atrevo con una secuela cuando sale de forma natural. La prueba está entiendo  en que no he dirigido ninguna continuación de la saga Saw. Pero Ed y Lorraine son dos personajes muy ricos y me apetecía volver a sus vidas, saber y contar más cosas sobre ellos. Soy un fan absoluto del cine de terror y, al contrario de lo que se piensa, en este género los personajes son tan importantes como el guión, la atmósfera y los sustos. Si amas a tus personajes, cualquier situación  te funcionará porque no quieres que les pase nada malo.”

 

Estas palabras del director nos dan pie a constatar lo trabajados que están los personajes, puesto que, con pequeñas pinceladas, nos hacen caer en la cuenta que se trata de personas de una sólida formación, unos buenos principios y una gran coherencia cristiana. Ellos, antes de aventurarse a pensar que se trata de un fenómeno paranormal, se aseguran y descartan que  no se trate de una enfermedad de tipo psiquiátrico. Estos dos profesionales son buscadores de la verdad con mayúsculas. No estamos, por tanto, ante los típicos personajes esquemáticos de la mayoría de las cintas de terror adolescente. Se deduce que el realizador se ha documentado acertadamente para  dar a conocer el modo de  pensar de la Iglesia Católica  sin desvirtuar su mensaje. El valor de la familia queda patente tanto en la realidad de las víctimas como en la de los héroes como el lugar en el que se sanan las heridas; se comprende al otro y se liman las diferencias.

 

Cambiando de tema, este cineasta es un profundo conocedor del género. Te introduce en  la historia mediante una presentación muy impactante que, a mitad de metraje, cuando está casi en su punto álgido, se le va un poco de las manos, pero  que sabe reconducir, manejando los sustos en el momento adecuado, no dejando ningún cabo suelto para que no quede duda de la gran calidad de su guión.

 

Los espectadores, tras su visionado, se vieron sorprendidos, mientras comentaban los mejores momentos de la película, se quedaron boquiabiertos y se hizo el silencio en la sala al comprobar que se trataba de una historia basada en hechos reales y las personas, que  en ella aparecen, vivieron esa experiencia aterradora a finales de los años 70 (publicado en Páginas Digital).

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19 Jun2016

Mi hija, mi hermana

by Víctor Alvarado

mi hijaTodos hemos disfrutado con películas del oeste protagonizadas por John Wayne como El dorado y Río rojo de Howard Hawks o las  dirigidas por Raoul Walsh, ¿se acuerdan ustedes de Murieron con las botas puestas o Una trompeta lejana?, pues bien la cinta en cuestión es un homenaje al mejor cineasta de la historia John Ford,  autor de la “Trilogía de la caballería” o Centauros del desierto producción que guarda ciertos paralelismos con Mi hija, mi Hermana. La diferencia del afrontamiento de dos generaciones distintas ante esa situación traumática entre  el padre y  el hermano de la secuestrada  es un signo de distinción con respecto al western del citado cineasta de origen irlandés.

 

Alain es un francés que todos los años disfruta con su familia del festival de música country de su país con una fragancia a Far West. Ese mismo día  su hija desaparece  con lo que la familia queda destrozada. Este hombre moverá Roma con Santiago para localizar a su hija con la ayuda del hermano de ésta.

 

Este trabajo ha sido dirigido por Thomas Bidegain. Se trata de  un guionista de prestigio ganador de los César al Mejor Guión por Un profeta y Óxido y hueso. Además, ha escrito el libreto de la taquillera La familia Belier. Como habrán podido imaginar, esta cinta tiene un claro aroma a western con buenos paisajes, presentando un ritmo pausado, que invita a la reflexión para comprender la odisea del personaje, pero que puede resultar cansino para el espectador medio acostumbrado otro tipo de cadencia.

 

El protagonista de esta producción ha sido François Damiens,  al que recordarán por su excelente trabajo en la melancólica, pero intensa La delicadeza, basada en la novela de David Foenkinos. El actor transmite  la autenticidad y la serenidad necesaria para no ponerse nervioso en situaciones de extrema tensión.

 

 

Mi hija, mi hermana refleja la necesidad que tenemos de saber lo que pasa con nuestros seres queridos. Vemos la actitud de un padre coraje que no se resigna y la entrega generosa y desinteresada de un hermano capaz de sacrificar su juventud. La película deja entrever la problemática de las personas que caen en las redes del islamismo radical, elemento que encaja a la perfección en una sociedad como la gala donde se fomenta el multiculturalismo, al tener unas raíces  superficiales que les permiten ser manipuladas con facilidad.  Nos parece imprescindible el juego de miradas de los últimos fotogramas del largometraje  para comprender el calvario de los protagonistas y, con gran economía de gestos,  se transmite esperanza y la escena final pone los pelos de punta (publicado en Páginas Digital).

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12 Jun2016

Si Dios quiere

by Víctor Alvarado

Si dios quiere bocadillosLa película que les presentamos viene avalada por el éxito en la taquilla italiana, donde el debate ateísmo  y fe se contraponen en una divertida producción.

 

 

La dirección ha correspondido a Edoardo Falcone, nacido en Roma, autor del guión de Viva La Italia y del libreto de una  pequeña película bastante interesante como ¿Te acuerdas  de mí?, que nos recordaba que el amor es una conquista diaria. Para este arrollador debut cinematográfico, el realizador ha pensado que era posible generar un conflicto entre un  prestigioso, altivo y ateo cirujano con un hijo muy creyente que quiere ser un sacerdote, mostrando que el humor no está reñido con la profundidad. El realizador se muestra admirador de la comedia de su país y sus directores como Mario Monicelli, Dino Risi, Pietro Germi o Ettore Scola. El humor blanco e inteligente brilla por su presencia   con ciertos toques, en momentos puntuales, que rozan la astracanada, recordando a Muñoz Seca, aunque salvando las distancias. Si a esto le añadimos  unos cuantos giros argumentales, el resultado final roza el notable.

 

 

El reparto lo encabezan Marco Giallini y Alesandro Gassman, hijo del archiconocido Vittorio Gassman, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en  el cine funciona, que lejos de lo anecdótico, habría  que decir que  no sería justo no reconocer el indudable talento del actor.

 

 

El planteamiento del realizador novel  no está exento de dificultades porque,  a diferencia de la mayoría del cine español actual,  no se hace caricatura del cura a pesar del tono cómico, siendo mostrado   como ese sacerdote que todos conocemos que, con sus defectos y cualidades, orienta con cariño a sus feligreses; conoce la realidad que les rodea; se acuerda de los más necesitados; es un buen amigo capaz de ver más allá. Te plantea la vocación, pero dejando libertad y respetando las decisiones individuales. Nos ha gustado particularmente como es  mostrada la juventud  que está harta de todo y se encuentra vacía y que tiene la valentía de  hacerse preguntas y tener ciertos gestos para cambiar su vida de otra manera, convirtiéndose en seguidor de Jesucristo (publicado en Páginas digital).

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5 Jun2016

Una madre imperfecta

by Víctor Alvarado

un madre imperfectaEl cine ha mostrado en innumerables ocasiones los distintos tipos de madres que pueden existir como se puede leer en el libro Madres de cine (Alianza) de Óscar López y Pablo Vilaboy. Una madre imperfecta nos ofrece el particular punto de vista de Lorene Scafaria, que nos cuenta una historia que tiene mucho que ver con la relación de la cineasta de origen italiano con su madre. La directora declaró lo que nos íbamos a encontrar del siguiente modo: “Mi madre se pasa mucho tiempo sola. Me siento muy culpable por eso. Tengo mucho resentimiento por esa culpa, y luego más culpa por ese resentimiento, con muchas capas de amor entre medias. Ojalá pudiera llenar el vacío que dejó mi padre, pero era alguien fuera de lo común. Y lo echo muchísimo de menos. Tras la muerte, mi madre y yo lloramos de forma tan distintas, que costaba encontrar puntos en común. Pero, al verla sobrellevar su dolor de forma tan maravillosa y  tan optimista,  quería contar su historia”.

 

Se trata de una película más bien episódica con varios momentos perfectamente olvidables que no dejan de ser entretenidos porque el humor hace acto de presencia. No obstante, parece que no queda claro por dónde quiere llevarnos la cineasta. La excepción la encontramos en la memorable  primera escena en la que el actor J K Simmons aparece, donde se crea una situación “mágica” con Susan Sarandon en la que la química entre ambos es muy especial porque la conversación que mantienen destaca por su naturalidad y realismo. El juego de gestos y miradas sin excesos hacen el resto. Tampoco hay que perderse la conversación que mantiene la protagonista con la familia del marido, que refleja los valores de la familia tradicional italiana.

 

La película nos cuenta la historia de una  optimista viuda que está dispuesta a ayudar a cualquiera que quiera aceptar sus consejos, ya sea a una señora enferma; ya sea a organizar  la boda de una mujer que se casa en un claro guiño a  la ideología de género; ya sea apoyando a su hija que necesita superar una mala racha. En definitiva, la cinta intenta mostrarnos los aciertos y errores de una madre mediterránea, preocupada por el bienestar de la familia, que da muestras de su generosidad y sinceridad, ya que busca lo mejor para sus hijos, recordándonos que uno es padre y madre  para el resto de su vida (publicado en Páginas digital).

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29 May2016

Un doctor en la campiña

by Víctor Alvarado

un-doctor-en-la-campina_100332Tanto  en la mayoría de las películas como en casi todas las series de televisión hemos visto prácticas médicas que no se corresponden con la auténtica labor de los sanitarios. La diferencia radica en que las dos películas firmadas por  Thomas Lilti se ajustan bastante más a la realidad. Tal vez, eso se deba a su formación como médico.

 

Jean Pierre es un médico rural que tiene encantados a los habitantes de una zona de Francia porque está abierto las 24 horas del día, los 7 días de la semana, prácticamente sin vacaciones y totalmente dedicado a su profesión. Sin embargo, todo cambia cuando le diagnostican una grave enfermedad y tiene que buscar a un sustituto que se ajuste a su entregada filosofía de vida.

 

La dirección de Thomas Lilti, recordado por la estimable ópera prima Hipócrates, demuestra su talento con una pequeña perla. La película presenta un ritmo pausado, pero sin llegar a agotar, que nos muestra la  labor de un doctor en la campiña francesa, salpicándola con pequeñas píldoras de humor que la hacen bastante llevadera. Los diálogos son un tanto  escuetos,  pero certeros. Transmiten realismo y son profundos en su sencillez, sin subrayados, como le gusta decir a algunos críticos. Los paisajes hacen acto de presencia y no sólo están de relleno, sino que nos parecen muy sugerentes como si quisieran transmitir algo más. Como dato curioso, hay un guiño a la música country, que nos ha parecido más que acertado y que sirve para oxigenar.

 

La cinta se sostiene con el excelente trabajo de Marianne Denicourt y un sobresaliente actor como François Cluzet, que está sensacional y sin histrionismos. Estamos convencidos de que todos los que se acerquen a esta producción verán reflejada la profesión  que interpreta,  tan diferente a su papel de la película Intocable, que tanta fama le dio.

 

Esta producción cuenta la historia de una vocación entendida como la absoluta entrega a una profesión, basándose en principios humanistas en la que lo primero no es sólo conseguir curar la enfermedad, sino lograr el bienestar y el equilibrio psicológico de la persona. En relación a esta entrega, la película plantea el cómo dar paso a la siguiente generación médica, donde la tecnología y la asepsia priman sobre la labor humana. Por tanto, el objetivo de este largometraje es hacernos pensar el modo de dignificar al enfermo.

 

Por último, nos ha parecido bastante oportuna la escena en la que la doctora, preocupada,  se enfrenta a un caso de aborto, haciendo referencia a las parejas tóxicas que presionan a la embarazada para que termine con la vida del embrión o del feto (publicado en el Diario Ya).

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