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19th Nov2017

La Liga de la Justicia-La unión hace la fuerza con referencias mesiánicas

by Victor Alvarado

¿Hay que poner los dones al servicio de la humanidad?

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12th Nov2017

La mejor receta vs La gran enfermedad del amor

by Victor Alvarado

¿Es posible el entendimiento entre dos culturas diferentes?

¿Se puede crear una comedia dramática sin caer en tópicos?

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05th Nov2017

Creadores de criaturas: The Frankenstein Complex

by Victor Alvarado

El género del documental parece que cada vez interesa más a un determinado  tipo de público que tiene ganas de conocer en profundidad un tema en concreto. En este último año hemos podido disfrutar de documentales de la talla de Converso, Todo sobre el asasdo, Aguirre o, en este caso, Creadores de criaturas: The Frankenstein Complex.

 

Los realizadores Gills Penso y Alexandre Poncet nos trasladan, con su gran trabajo, a los años 80 para mostrarnos el talento de los creadores de monstruos para producciones de ciencia-ficción, terror o fantasía porque intentaban hacernos pasar una tarde entretenida, a través de brillantes maquillajes o haciendo unas esculturas-marionetas que rozaban la perfección. Algunas veces eran hiperrealistas y parecían estar vivas a pesar de que la tecnología no estaba tan avanzada.

 

Este ensayo cinematográfico explica el cariño y el mimo con que estos hombres trataban a sus seres inanimados para hacernos creer durante  el visionado que pudieran existir en realidad,  proyectando sus miedos en esas figuras y jugando a ser “dioses”.

 

Los cineastas franceses, que han hecho este documental,  dejan a las claras que el mal ha existido en el mundo y que de  una u otra manera los hombres se han enfrentado a sus monstruos en la prehistoria;  en la literatura como se observa  en los arquetipos de los villanos y en seres malvados de los cuentos o incluso en  la religión como se percibe en la serpiente que habla  con Adán y Eva  para explicar el mal o el temor a lo desconocido.

 

Por otra parte, hace un recorrido por la historia del género fantástico desde su época más primitiva, pero eficaz de los genios del maquillaje a principios del siglo XX hasta los últimos avances tecnológicos de corte digital de Parque Jurásico.

 

Los autores han pretendido que reflexionemos sobre estos artistas que en los años 80 eran unas estrellas indiscutibles y que pasaron en pocos años a ser perfectos desconocidos, puesto que  no tenían rival en el dominio de la técnica de la marioneta o los animatronics que necesitaban de varios expertos para el manejo de un sólo personaje. Sin embargo, en el paso a la era digital… unos no supieron o no pudieron dar el salto, mientras que otros tuvieron visión de futuro y supieron adaptarse a los tiempos o incluso conseguir que ambos estilos de trabajo pudieran convivir. Se percibe que algunos se cayeron del caballo y tuvieron que resurgir de las cenizas para sobrevivir o volver a disfrutar de las mieles del éxito.

 

Los aficionados a este tipo de largometrajes podrán disfrutar y conocer la trastienda robótica de Los Gremlins, Alien,  Star Wars hasta llegar Hellboy  o Parque Jurásico, donde ya las dificultades estarían en los actores al tener que interpretar a sus personajes sin nadie que les diese la réplica y pegados a una pantalla verde.

 

Como dato curioso, este documental permite conocer la forma de trabajar la arcilla y el modo en que dibujan y diseñan a sus personajes a través de la narración visual, utilizando la grabación ultrarrápida que demuestra la gran imaginación de éstos.

 

Nos  han gustado las declaraciones de Guillermo del Toro  que  en las que afirma,  sobre su trabajo, que hay que hacerse niño  a pesar de ser adulto y tener ilusión para continuar los proyectos en los que te ves envuelto y que su momento de máxima felicidad es en el inicio en un rodaje que es cuando estos seres monstruosos saltan al plató (publicado en Pantalla 90).

29th Oct2017

El secreto de Marrowbone

by Victor Alvarado

Sergio G. Sánchez, guionista de El orfanato y Lo imposible, se ha pasado a la dirección para ofrecernos lo que promete ser el peliculón español del año: El secreto de Marrowbone, rodada íntegramente en inglés por motivos de mercado. El cineasta novel, que estudió cine en Nueva York y que es el autor del cortometraje 7337, está contento por ser el organizador de la fiesta de una producción de este nivel como él lo llama.

 

 

Los referentes cinematográficos para este trabajo han sido El otro de Robert Mulligan y, muy especialmente, por A las nueve, cada noche de Jack Clayton, que se basaba en la novela de Julian Gloag. El citado director dio las claves de esta cinta en declaraciones a Cinerama: “Hay un tema recurrente  en mi cine, en esta y en la cintas que hecho como guionista, es que siempre hablan de personajes que intentan volver a un lugar que no existe. En el caso de Marrowbone es encontrar el lugar seguro donde puedas preservar tu inocencia. Es un tema que siempre me ha interesado, el desarraigo, tal vez porque yo he viajado mucho durante mi adolescencia. La pregunta que me hago constantemente es cómo puedo llevarme la casa allí donde voy. Eso aparece en todas mis historias”.

 

 

El realizador ha contado con un reparto extranjero en el que los actores que hacen de los hermanos guardan cierto parecido entre ellos con lo que tienes la sensación de convivir con una auténtica familia.

 

 

El arranque inicial de la cinta está muy logrado, a pesar de que se tiene la sensación de que el realizador juega con el espectador y uno se huele lo que va a pasar mucho antes de que ocurra, pero sí ya se ha visto El sexto sentido o Los otros se pierden ciertos efectos sorpresa, ya que se le ve el plumero. Las escenas más impactantes no dan miedo, sino que producen desasosiego. Las virtudes de este largometraje las encontramos en la capacidad para trasladarte a otra época; la fotografía de exteriores que contrasta con la oscuridad de la casa y una deliciosa banda sonora de Fernando Velázquez.

 

 

Desde un punto de vista antropológico, esta producción vuelve a tocar un tema habitual como el de la familia que vuelve a estar de moda en el género de terror, aunque, en este caso, centrada en la hermandad, dando a entender que la familia es un núcleo en el que si hay amor verdadero se genera seguridad, siendo un pilar de contención ante los problemas y las dificultades. Nos ha encantado la idea del ofrecimiento de algunos familiares de la historia para cruzar la raya que les permita mirar al futuro con optimismo junto con el lema de esta atormentada familia que se quiere (publicado en Pantalla 90).

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22nd Oct2017

Red de libertad

by Victor Alvarado

La lista de Schindler fue una de las primeras producciones de gran entidad en contar la historia de héroes de carne y hueso que se jugaron la vida para salvar a judíos de los campos de concentración. Los españoles tenemos bastante que decir con respecto al tema, pues el diplomático español Sanz Briz se jugó el tipo como se puede ver en El ángel de Budapest, protagonizada por Antonio Valero.

 

 Red de libertad es la nueva entrega en esta materia de Pablo Moreno, un experto en cine religioso, autor de estimables películas como Un dios prohibido, Poveda o  Luz de soledad, que vuelve a contarnos una historia que está basada en hechos reales. Esta producción cuenta la historia de Helena Studler, una Hija de la Caridad que, como dice su director, desafió al poder de un imperio, salvando a más de 2000 personas gracias a su red de libertad.

 

Este largometraje  surge con motivo del 400 aniversario de la fundación de la familia Vivenciana,  impulsada por San Vicente de Paúl y Santa Luisa de Marillach en 1627, que destaca por sus localizaciones, pues se rodó en los campos de concentración originales y en países como Francia,  Portugal y España.

 

El equipo de prensa destaca que el contexto de entonces guarda paralelismos sorprendentes con los conflictos bélicos actuales, recordando cómo la vida de esta mujer se convierte en un referente de superación y lucha contra la injusticia.

 

Su director saca el máximo producto a esta historia porque su presupuesto es escaso, un poco más de 400.000 euros, una cifra que se nos antoja escasa. Sin embargo,  el resultado es notable gracias a su experiencia, a pesar de su juventud y al talento de la actriz  Assumpta Serna,  que nos hizo disfrutar en su papel en El maestro de esgrima, que transmite el arrojo y la valentía de una mujer a la que su fe en Jesucristo le pide acción; es decir, amor  para quien lo necesita incluso, poniendo su vida en peligro. Para ello, esta mujer fue capaz de hacer una especie de cadena de favores al estilo de la película de Mimi Leder, protagonizada por el actor Kevin Spacey, para lograr su cometido, siendo luz en la oscuridad y acogiendo  a la persona sin mirar su nacionalidad,  raza o religión. La otra virtud de este largometraje es que deja claro que hay personajes blancos y negros,  pero que existe la escala de grises, ya que hay colaboracionistas o militares nazis que, en momentos puntuales, se juegan el pellejo o el prestigio por algunos judíos.

 

Como dato curioso, esta religiosa francesa llegó a salvar al mismísimo François Mitterrand, que llegaría a ser un importante político francés como todos nuestros lectores saben (publicado en el Diario Ya).

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15th Oct2017

El castillo de cristal-Todo el mundo ama lo mejor que puede

by Victor Alvarado

¿Los milagros quieren decirnos algo en esta historia, protagonizada por Brie Larson y Woody Harrelson?

¿El alcoholismo anula las capacidades?

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08th Oct2017

Blade Runner 2049

by Victor Alvarado

Nadie daba un duro por  Blade Runner de Ridley Scott.  En la fecha de su estreno los resultados en taquilla no fueron los esperados y la crítica fue muy dura, pero se acabó convirtiendo en obra de culto. Los aficionados que la han visto con detenimiento coinciden en señalar que la original es una obra maestra y su final ha quedado marcado en nuestra retina por su carácter mesiánico, por su belleza estética y por las lágrimas en la lluvia.

 

Aunque no somos partidarios de secuelas, todos estamos de acuerdo en que Denis Villenueve  era el cineasta más indicado para esta secuela Blade Runner 2049, tras películas como Sicario o la cinta  de alienígenas La llegada. Para ello ha contado con un reparto de campanillas encabezado por Harrison Ford y al que acompañan Ryan Gosling, Ana de Armas o Robin Wright.

 

El cineasta vendió la moto de su producción en declaraciones a Fotogramas: “La primera vez que escuché que querían hacer una secuela me dije ¿Están locos o qué? ¡Esta película es intocable! Me pareció una fantástica mala idea. Pero me picó la curiosidad, mucho más, al conocer que no sólo Ridley Scott estaba tras el proyecto, sino que Hampton Fancher, el sufrido y  nunca bien ponderado guionista del original, también se había subido al barco (…). Si  ellos estaban involucrados en una continuación, no podía ser algo mediocre. No busqué la película, ella llegó a mí”.

 

La clave de esta historia la encontramos en la ambientación porque la atmósfera creada te ayuda a entender y te introduce en el pellejo, nunca mejor dicho, de los protagonistas.

 

Ryan Gosling, el “replicante”, nos ha parecido después de verlo en pantalla como el actor idóneo  por su sobriedad y por el aire que se da con el anterior héroe interpretado por Harrison Ford. Este largometraje, a pesar del riesgo de hacer una segunda parte de una maravilla de la ciencia ficción, no se queda corto, rozando el sobresaliente. No obstante, no tengo claro que el público vaya a responder de modo masivo después del boca a boca por su peculiaridad. Los 163 minutos no se hacen pesados, si exceptuamos un par de escenas que se alargan innecesariamente.

 

Se puede decir, sin miedo a equivocarnos, que es heredera de la cultura judeo-cristiana, ya que todos recordarán como termina la primera parte en la que muchos vieron al personaje interpretado por Rutger Hauer como un guiño a Jesucristo. Esta película va en la misma línea. En ese sentido  espiritual hay personajes que creen en milagros; se destaca que la libertad no tienen precio y se afirma que el alma es esencial en una personas y los personajes entienden que se insufla en  el nacimiento y que se puede amar al desconocido en una escena trascendental, acuérdense de que san Pablo, cuando predicaba a los filósofos en el Areópago de Atenas,  enseñaba  a amar y a rezar  al  Dios desconocido de los griegos, trasmitiendo que  hay esperanza para el futuro. Por otra parte, la trama amorosa está muy conseguida para el contexto futurista en el que se desarrolla.

 

El cineasta cambia las lágrimas en la lluvia por la nieve y vuelve a plantear  la idea de sobre sí es posible que las máquinas sientan como los seres humanos o  que  se pueda deshumanizar a los hombres para convertirlos en esclavos mediante la manipulación genética, quitándoles los sentimientos. Este director quiere que reflexionemos sobre si se puede llegar a controlar del todo lo que uno siente por un recuerdo o  por una situación impactante e inesperada por muy controlada que se encuentre a nivel científico (publicado en Diario Ya).

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01st Oct2017

Converso vs La reina Victoria y Abdul-La religión a debate

by Victor Alvarado

¿Cómo son las conversiones a “lo san Pablo”?

¿Es posible el diálogo interreligioso?

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24th Sep2017

IT-Una buena historia de pandillas que huele a Óscar con un payaso terrorífico

by Victor Alvarado

¿Cómo puede funcionar una trama amorosa en una película de miedo?

¿La unidad/amistad hace la fuerza?

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16th Sep2017

Alí y Nino-María Valverde se come al resto del reparto

by Victor Alvarado

¿Es posible el diálogo interreligioso?

¿El burka atenta contra la dignidad de la mujer?

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10th Sep2017

Churchill

by Victor Alvarado

Se está convirtiendo casi en norma de los últimos años que los directores de cine que quieren hablar de un determinado personaje histórico se centren en un episodio muy concreto de sus vidas. Ese es el caso de la cinta: Churchill.

 
Esta producción cuenta los episodios de este gran hombre de estado relacionados con los días anteriores al desembarco de Normandía y como fue la relación con su mujer en esos momentos de tensión, así como los distintos intercambios verbales con los altos cargos militares como Eisenhower o Montgomery.

 
La dirección ha corrido a cargo de Jonathan Teplitzky , autor de Un largo viaje o Mejor que el sexo que, con relativamente pocos medios, consigue ofrecernos un producto ciertamente interesante. Los diálogos son brillantes y nada complacientes con la figura del político. Este cineasta logra que haya química entre la pareja protagonista y las interpretaciones son magníficas. Destaca Miranda Richardson, haciendo de Sra. del Primer Ministro, mientras que, tanto la caracterización como el trabajo artístico de Brian Cox en el papel de Churchill, lo convierten en serio candidato al Óscar.

 
De todos es conocida la célebre frase de Churchill en un discurso político en relación a su enfrentamiento contra la Alemania de Hitler que decía sangre, esfuerzo, sudor y lágrimas. Pues bien, el citado actor expresa las dificultades de un líder para tomar decisiones en la que están en juego la vida de muchas personas y la enorme responsabilidad que ello conlleva. El realizador se empeña en no idealizar al político. Para ello humaniza y hace vulnerable al personaje para que comprendamos que es un ser humano como cualquiera de nosotros, pero poseedor de una capacidad importante de liderazgo para animar a la población a no rendirse para alcanzar la libertad como un elemento esencial de la democracia ante un régimen totalitario como el alemán de esa época.

 
Este largometraje está abierto a la trascendencia. Este hombre medita encerrado en su habitación, ya que vemos a una persona atormentada por haber sufrido un fracaso en el pasado y su experiencia profesional le dice que podría ocurrir lo mismo en Normandía, puesto que él vivió el desastre del desembarco de Galípoli. Éste se pone a rezar en tono desafiante, aunque después se serena y reconoce que todo está en manos de Dios.

 
Su mujer en una conversación le manifiesta su desacuerdo con las decisiones que toma y le recrimina que le fallan las formas, lo que le sirve como cura de humildad, recordándonos que detrás de un gran hombre se encuentra una gran mujer y viceversa(publicado en Diario Ya) .

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11th Jun2017

Ignacio de Loyola

by Victor Alvarado

Parece que de un tiempo atrás se están pudiendo ver en todo el mundo más películas con valores, religiosas o de vidas de santos, detalle impensable en otras épocas cercanas. Es una especie de repunte que transmite esperanza. De hecho, del cine español de los últimos años han  salido títulos como Pedro Poveda o  Luz de Soledad. El caso es que de Extremo Oriente, concretamente de Filipinas, llega Ignacio de Loyola.

 

La dirección ha correspondido a Paolo Dy  que explicó su satisfacción por poder hablar de este santo: “Crecí en una escuela fundada por jesuitas y tenía una gran admiración por San Ignacio. Pero fue solo cuando viajé a España y  vi con mis propios ojos los lugares de sus mayores triunfos y tristezas, cuando me di cuenta que la fuerza interior y el fuego de Ignacio nacieron del sol ibérico. En el libro liderazgos heroicos su autor dice que ciertamente, vale la pena ofrecer a  todas las personas y, en especial, a los jóvenes la posibilidad de redescubrir la vida de este hombre que cambió el rumbo de occidente”.

 

Se percibe que esta producción ha contado con los suficientes medios técnicos y humanos como para que pueda funcionar en taquilla. Las batallas están narradas con ritmo, poderío y resultan creíbles, mientras que las escenas de mayor carga dramática muestran la suficiente profundidad para que entendamos este personaje de sobresaliente vida interior sin que uno tenga la sensación de que está hablando con un  erudito, alejado de la realidad.

 

Cuando uno analiza la interpretación del actor español, Andreas Muñoz, uno tiene la sensación de encontrarse verdaderamente con uno de los líderes de la Contrarreforma. No obstante, observamos dos errores de bulto. Uno  el del conocido episodio en el que Loyola se confiesa  con un soldado al no encontrar confesor durante una batalla, en cambio, en la película aparta a un sacerdote de su lado. El otro fallo importante ha sido el de darle mucho morbo a su encuentro con la Inquisición, pues en realidad fue un episodio muy secundario y poco transcendente en  la vida del fundador de los Jesuitas.

 

Nos ha parecido muy acertada la escena de la prostituta porque explica el  sentido de  los ejercicios espirituales, creados por San Ignacio de Loyola y  por  enseñar cómo Jesucristo dignifica la persona para que pueda sentirse amada, sane el alma y logre la felicidad.

 

Por último, nos quedamos con el  párrafo final de la carta de su amor platónico Catalina en el que se entiende que ha comprendido el alto grado de conversión de este hombre que está llamado a una gran misión y que dice lo siguiente: “Conocí un caballero ejemplar que se  arrodilló ante mi diciendo que sería un honor morir por mí. A veces, para salvar la vida del otro, lo único necesario es  que otra persona vea el valor de tu vida y tu persona. Tú me salvaste la vida. Y tú puede salvar a muchos más como Caballero de Dios. Tú eres Su Luz y Su Fuego. No lo olvides. Que  la Nueva Dama, Nuestra Reina del Cielo, te mantenga sano y fuerte y que ella esté contigo, ya que yo no puedo.

 

Siempre tuya, Catalina.”

 

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28th May2017

Nagasaki: recuerdos de mi hijo

by Victor Alvarado

El cineasta Yoji Yamada ha dado un giro interesante a su carrera, volcándose en reflexiones sobre la familia a través de producciones como Nuestra Madre; el drama de Una familia de Tokio; la reciente  comedia Maravillosa familia de Tokio o la cinta en cuestión: Nagasaki: recuerdos de mi hijo, que viene avalada por el Premio al Mejor Actor (Kazunari Ninomiya) y Mejor actriz Secundaria (Haru Kuroki) de la Academia del Cine Japonés y que fue la representante en los Óscar 2017 por Japón.

 

Esta cinta conmemora el 70 aniversario de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, recordando lo que supuso para sus familiares ese fatídico día. El argumento gira en torno a Nobuko, una viuda con gran iniciativa,  a pesar de la reciente muerte de su hijo durante el bombardeo nuclear. Sin embargo, un hecho lo cambiará todo porque su hijo Koji  se aparecerá en innumerables ocasiones en una especie de milagro para hablar del pasado y de la familia.

 

Este cineasta, a través de los ojos de una madre que perdió su hijo, nos cuenta, con una especie de realismo mágico, la forma de superar el duelo por la muerte de un ser querido,  en la que el humor no está reñido con la hondura dramática. Se trata de una mujer religiosa que combina su práctica católica y su cariño a la Virgen María con las tradiciones propias de la cultura nipona como su profundo respeto a sus familiares fallecidos en una de las ciudades más cristianas de ese país y que gracias a su fe lleva una vida más fácil y se le intenta hacer a los demás.

 

El modo de filmar del realizador recuerda al estilo de Rafael Gordon como si de una obra teatro se tratara, pero sin que se tenga la sensación del acartonamiento propio del medio teatral cuando se emite en un medio audiovisual porque los diálogos son frescos y de entre la cotidianidad va saliendo pequeñas píldoras que van más allá. Nos ha parecido especialmente brillante la escena final de mensaje trascendente porque trasmite que,  a pesar de los problemas y tropiezos de la vida terrenal, la esperanza en la resurrección tiene la última palabra.

 

Las interpretaciones son fabulosas. Hay una genialidad de la protagonista que se desarrolla en una de  las conversaciones con su hijo, puesto que en una época en la que muchas mujeres son casadas y ella se manifiesta partidaria de la libertad para comprometerse por amor.

 

Finalmente, nos encontramos dos detalles en los que merece la pena detenerse. El primero aparece cuando la protagonista se da cuenta de que no es ético aceptar los productos de estraperlo de un buen amigo y la generosidad de la novia de Koji que guarda luto a su chico, que no inició una relación hasta que no estuvo segura de haber superado el dolor que le causó la pérdida y pidiendo consentimiento a la progenitora de su difunto novio, buscando a alguien muy especial  que le quisiera de verdad y que le pudiera sustituir con acierto (publicado Diario Ya).

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14th May2017

El jugador de ajedrez

by Victor Alvarado

El cine español de los últimos 3o años se caracteriza por su marcado sectarismo ideológico,  fundamentalmente, cuando se trata de hablar de la Guerra Civil Española y por su afán de reescribir la historia para adaptarla a sus intereses. Sin embargo, El jugador de ajedrez es la excepción que confirma la regla porque su protagonista se considera católico de derechas moderado y tiene un amigo comunista. El único pero a nivel histórico que se le podría poner es que no va mucho a la iglesia y que renuncia a formar parte de la Falange, puesto que en esa época tan convulsa antes, durante y después de la contienda armada sería algo de lo más normal  su pertenencia a ese partido y por lo menos la misa dominical.

 

En 1934, Diego Padilla gana el Campeonato de España de Ajedrez y se enamora de una chica francesa. Esta pareja se  casará, trasladándose a París. Este hombre es acusado de espionaje durante la ocupación nazi y el ajedrez se muestra como la única tabla de salvación, nunca mejor dicho.

 

La dirección ha corrido a cargo de Luis Oliveros, que adapta la novela homónima de Julio Castedo, una producción que está dando mucho que hablar fuera de España. Esta producción se llevó tres premios en el WorldFest Houston Independent Film Festival (Mejor Película Histórica, Banda Sonora Original y Mejor Actor para Marc Clotet), en el que se han consagrado directores de la talla de Steven Spielberg, Francis Ford Coppola o Ridley Scott.

 

La mayor virtud del cineasta es que, con muy pocos medios, ha sido capaz de sacar el máximo producto a este largometraje sin que se perciban con facilidad  sus deficiencias. Los problemas se solucionan con ingenio  junto a un guión muy bien construido, donde  los diálogos nos parecen  concisos y brillantes, dejando claras las posiciones y los sentimientos de los personajes principales y secundarios.

 

Es de agradecer la ponderación y la cierta objetividad de su realizador, centrándose más en la persona que en sus posicionamientos políticos lógicos después  de un conflicto bélico. Los dos colegas españoles destacan por ser “buena gente”, donde se busca la reconciliación de bandos enfrentados a través de la historia de amistad entre dos hombres que se conocen desde la infancia. La ética, la moral y su fidelidad como marido van en consonancia con sus creencias cristianas católicas. En resumidas cuentas, se trata de un personaje coherente de  firmes convicciones. Merece la pena prestar atención a la conversación que mantiene el oficial alemán con el valiente ajedrecista español que no reniega de su fe (publicado en Diario Ya).

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07th May2017

Un reino unido

by Victor Alvarado

“Nadie es libre, si no es dueño de su destino.”

 

La citada frase sirve para definir y entender a la perfección como se desarrolló  de modo pacífico el proceso de descolonización de Bostwana, liderado por su rey Seretse Khama, que permitió la llegada de la democracia a su país.

 

La cineasta Amma Asante,  autora de Belle, ofrece una historia de amor interracial entre el mencionado príncipe y la oficinista londinense Ruth Williams. Se trata de una adaptación del libro de Susan Williams, titulado Colour Bar que, como habrán imaginado, está basado en hechos reales.

 

La realizadora se ha sentido identificada con el proyecto y nos vendió el producto de un modo original, mostrándose buena conocedora de la realidad: “Lo considero una historia tan británica como africana. Es tanto parte de la historia del Reino Unido como de la historia de Bostwana. Y era importante para mí ponerme en el lugar de los personajes. Y eso incluía a los políticos británicos cuyas acciones quizá hayan parecido racistas, pero cuyas motivaciones eran proteger sus intereses nacionales. Quería mostrar el dilema real del gobierno británico. También tomé la decisión deliberada de contar la historia a través de los ojos de los protagonistas. El público negro se identificará con la experiencia de ser ”el otro”. Pero cuando Ruth llega a ese país africano, ella es la foránea y ella es la que es vista con recelo. Así que estamos tratando la idea del “otro”. Realmente quería mostrar a Ruth desesperada por conseguir la aceptación del  pueblo de Bostwana, no era una “salvadora blanca”, necesitaba que le apoyasen.”

 

Esta directora  nos ofrece una cinta clásica  con cuidada fotografía en la línea de Pasaje a la India y Laurence de Arabia de David Lean. Los diálogos van al grano. Son directos, pero no por ello están exentos de profundidad porque en su sencillez explican tanto la problemática del país  como el modo de proceder de los políticos.

 

Esta magnífica producción que, a mi juicio debería entrar en la carrera por los Óscar, ha contado con dos actores de gran nivel como David Oyelowo y, muy especialmente, Rosamund Pike por su amplio abanico de recursos interpretativos.

 

La película demuestra que el amor no tiene fronteras y que cuando eres una sola carne, puedes ponerte en el pellejo del otro, superando las dificultades con sacrificio pero sin perder la esperanza en que se pueda levantar el vuelo. Esta producción refleja que detrás de un gran hombre hay una gran mujer,  puesto que sus apariciones fueron trascendentales para la consecución de ese noble objetivo porque es de los pocos países de África que han logrado vivir de forma próspera tras lograr su independencia sin dejarse influenciar por la Sudáfrica del Apartheid. Hay que prestar atención al conmovedor discurso y el modo en el que ella se gana la confianza de un pueblo y una cultura sabia de gran interés antropológico. La labor política de Seretse fue alabada por el político sudafricano Nelson Mandela que llegó a decir  que su cometido fue un faro de luz e inspiración.

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23rd Abr2017

La profesora

by Victor Alvarado

Entre tanto estreno intrascendente, hemos encontrado una pequeña perla del cine europeo, concretamente, una película checa titulada La profesora.

 
En ella se cuentan las andanzas de una profesora que, por cada centro escolar que pasa, se dedica a conocer las profesiones de los padres de sus alumnos para pedirle pequeños favores, aprovechándose de su situación de poder por tratarse de un cargo político comunista cuando Checoslovaquia pertenecía a la Unión Soviética.

 
La dirección ha correspondido al checo Jan Hrebejk, autor de El amor en tiempos de odio, cuyo trabajo viene avalado por los premios de Karlovy Vary y Gijón. Se trata de un largometraje que, sin alardes técnicos, cuenta una historia interesante que conjuga con acierto el presente con una serie de flashbacks del pasado sin que en ningún momento se tenga esa sensación de confusión porque está muy bien montada, pues los temas están planteados de un modo meridianamente claro y el final te deja una sensación de desazón bastante impactante al enterarte de que está basada en hechos reales con lo que lo planteado en la producción gana en credibilidad.

 
La interpretación de la actriz Zuzana Mauréry nos parece difícilmente igualable, ya que uno tiene la impresión de que su personaje de María Drazdechova, tiene tan claro el natural modo de proceder que, aunque sea inmoral su comportamiento, tiene grabado que tiene que ser así porque se considera intocable. El espectador puede llegar a no ser consciente de la perversidad del hecho por lo bien que lo enmascara esta intérprete con esa mirada y sonrisa cínica realmente convincente.

 
Esta cinta es una crítica al modo de actuar de regímenes totalitarios, en este caso, marxista para los que el fin justifica los medios. Nos parece bastante estremecedora la forma en que la maestra va manipulando a las familias de los chavales y lo peligroso del uso de estas técnicas, pues intenta hacer ver que la mentira y la injusticia triunfan frente a la verdad y a que el esfuerzo real tenga sus frutos. Esta película muestra la dificultad de una directora decente para denunciar un tema de acoso porque los padres de su escuela carecen de la libertad necesaria para contar los hechos por temor a represalias políticas; por la presión de la mayoría y por los chantajes a los que han sido sometidos.

 
Nos parece una película imprescindible en estos tiempos que corren donde el bullying campa a sus anchas (publicado en Diario Ya).

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