un medio independiente que pretende informar, formar y entretener
11th Jun2017

Ignacio de Loyola

by Victor Alvarado

Parece que de un tiempo atrás se están pudiendo ver en todo el mundo más películas con valores, religiosas o de vidas de santos, detalle impensable en otras épocas cercanas. Es una especie de repunte que transmite esperanza. De hecho, del cine español de los últimos años han  salido títulos como Pedro Poveda o  Luz de Soledad. El caso es que de Extremo Oriente, concretamente de Filipinas, llega Ignacio de Loyola.

 

La dirección ha correspondido a Paolo Dy  que explicó su satisfacción por poder hablar de este santo: “Crecí en una escuela fundada por jesuitas y tenía una gran admiración por San Ignacio. Pero fue solo cuando viajé a España y  vi con mis propios ojos los lugares de sus mayores triunfos y tristezas, cuando me di cuenta que la fuerza interior y el fuego de Ignacio nacieron del sol ibérico. En el libro liderazgos heroicos su autor dice que ciertamente, vale la pena ofrecer a  todas las personas y, en especial, a los jóvenes la posibilidad de redescubrir la vida de este hombre que cambió el rumbo de occidente”.

 

Se percibe que esta producción ha contado con los suficientes medios técnicos y humanos como para que pueda funcionar en taquilla. Las batallas están narradas con ritmo, poderío y resultan creíbles, mientras que las escenas de mayor carga dramática muestran la suficiente profundidad para que entendamos este personaje de sobresaliente vida interior sin que uno tenga la sensación de que está hablando con un  erudito, alejado de la realidad.

 

Cuando uno analiza la interpretación del actor español, Andreas Muñoz, uno tiene la sensación de encontrarse verdaderamente con uno de los líderes de la Contrarreforma. No obstante, observamos dos errores de bulto. Uno  el del conocido episodio en el que Loyola se confiesa  con un soldado al no encontrar confesor durante una batalla, en cambio, en la película aparta a un sacerdote de su lado. El otro fallo importante ha sido el de darle mucho morbo a su encuentro con la Inquisición, pues en realidad fue un episodio muy secundario y poco transcendente en  la vida del fundador de los Jesuitas.

 

Nos ha parecido muy acertada la escena de la prostituta porque explica el  sentido de  los ejercicios espirituales, creados por San Ignacio de Loyola y  por  enseñar cómo Jesucristo dignifica la persona para que pueda sentirse amada, sane el alma y logre la felicidad.

 

Por último, nos quedamos con el  párrafo final de la carta de su amor platónico Catalina en el que se entiende que ha comprendido el alto grado de conversión de este hombre que está llamado a una gran misión y que dice lo siguiente: “Conocí un caballero ejemplar que se  arrodilló ante mi diciendo que sería un honor morir por mí. A veces, para salvar la vida del otro, lo único necesario es  que otra persona vea el valor de tu vida y tu persona. Tú me salvaste la vida. Y tú puede salvar a muchos más como Caballero de Dios. Tú eres Su Luz y Su Fuego. No lo olvides. Que  la Nueva Dama, Nuestra Reina del Cielo, te mantenga sano y fuerte y que ella esté contigo, ya que yo no puedo.

 

Siempre tuya, Catalina.”

 

Off
28th May2017

Nagasaki: recuerdos de mi hijo

by Victor Alvarado

El cineasta Yoji Yamada ha dado un giro interesante a su carrera, volcándose en reflexiones sobre la familia a través de producciones como Nuestra Madre; el drama de Una familia de Tokio; la reciente  comedia Maravillosa familia de Tokio o la cinta en cuestión: Nagasaki: recuerdos de mi hijo, que viene avalada por el Premio al Mejor Actor (Kazunari Ninomiya) y Mejor actriz Secundaria (Haru Kuroki) de la Academia del Cine Japonés y que fue la representante en los Óscar 2017 por Japón.

 

Esta cinta conmemora el 70 aniversario de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, recordando lo que supuso para sus familiares ese fatídico día. El argumento gira en torno a Nobuko, una viuda con gran iniciativa,  a pesar de la reciente muerte de su hijo durante el bombardeo nuclear. Sin embargo, un hecho lo cambiará todo porque su hijo Koji  se aparecerá en innumerables ocasiones en una especie de milagro para hablar del pasado y de la familia.

 

Este cineasta, a través de los ojos de una madre que perdió su hijo, nos cuenta, con una especie de realismo mágico, la forma de superar el duelo por la muerte de un ser querido,  en la que el humor no está reñido con la hondura dramática. Se trata de una mujer religiosa que combina su práctica católica y su cariño a la Virgen María con las tradiciones propias de la cultura nipona como su profundo respeto a sus familiares fallecidos en una de las ciudades más cristianas de ese país y que gracias a su fe lleva una vida más fácil y se le intenta hacer a los demás.

 

El modo de filmar del realizador recuerda al estilo de Rafael Gordon como si de una obra teatro se tratara, pero sin que se tenga la sensación del acartonamiento propio del medio teatral cuando se emite en un medio audiovisual porque los diálogos son frescos y de entre la cotidianidad va saliendo pequeñas píldoras que van más allá. Nos ha parecido especialmente brillante la escena final de mensaje trascendente porque trasmite que,  a pesar de los problemas y tropiezos de la vida terrenal, la esperanza en la resurrección tiene la última palabra.

 

Las interpretaciones son fabulosas. Hay una genialidad de la protagonista que se desarrolla en una de  las conversaciones con su hijo, puesto que en una época en la que muchas mujeres son casadas y ella se manifiesta partidaria de la libertad para comprometerse por amor.

 

Finalmente, nos encontramos dos detalles en los que merece la pena detenerse. El primero aparece cuando la protagonista se da cuenta de que no es ético aceptar los productos de estraperlo de un buen amigo y la generosidad de la novia de Koji que guarda luto a su chico, que no inició una relación hasta que no estuvo segura de haber superado el dolor que le causó la pérdida y pidiendo consentimiento a la progenitora de su difunto novio, buscando a alguien muy especial  que le quisiera de verdad y que le pudiera sustituir con acierto (publicado Diario Ya).

Off
14th May2017

El jugador de ajedrez

by Victor Alvarado

El cine español de los últimos 3o años se caracteriza por su marcado sectarismo ideológico,  fundamentalmente, cuando se trata de hablar de la Guerra Civil Española y por su afán de reescribir la historia para adaptarla a sus intereses. Sin embargo, El jugador de ajedrez es la excepción que confirma la regla porque su protagonista se considera católico de derechas moderado y tiene un amigo comunista. El único pero a nivel histórico que se le podría poner es que no va mucho a la iglesia y que renuncia a formar parte de la Falange, puesto que en esa época tan convulsa antes, durante y después de la contienda armada sería algo de lo más normal  su pertenencia a ese partido y por lo menos la misa dominical.

 

En 1934, Diego Padilla gana el Campeonato de España de Ajedrez y se enamora de una chica francesa. Esta pareja se  casará, trasladándose a París. Este hombre es acusado de espionaje durante la ocupación nazi y el ajedrez se muestra como la única tabla de salvación, nunca mejor dicho.

 

La dirección ha corrido a cargo de Luis Oliveros, que adapta la novela homónima de Julio Castedo, una producción que está dando mucho que hablar fuera de España. Esta producción se llevó tres premios en el WorldFest Houston Independent Film Festival (Mejor Película Histórica, Banda Sonora Original y Mejor Actor para Marc Clotet), en el que se han consagrado directores de la talla de Steven Spielberg, Francis Ford Coppola o Ridley Scott.

 

La mayor virtud del cineasta es que, con muy pocos medios, ha sido capaz de sacar el máximo producto a este largometraje sin que se perciban con facilidad  sus deficiencias. Los problemas se solucionan con ingenio  junto a un guión muy bien construido, donde  los diálogos nos parecen  concisos y brillantes, dejando claras las posiciones y los sentimientos de los personajes principales y secundarios.

 

Es de agradecer la ponderación y la cierta objetividad de su realizador, centrándose más en la persona que en sus posicionamientos políticos lógicos después  de un conflicto bélico. Los dos colegas españoles destacan por ser “buena gente”, donde se busca la reconciliación de bandos enfrentados a través de la historia de amistad entre dos hombres que se conocen desde la infancia. La ética, la moral y su fidelidad como marido van en consonancia con sus creencias cristianas católicas. En resumidas cuentas, se trata de un personaje coherente de  firmes convicciones. Merece la pena prestar atención a la conversación que mantiene el oficial alemán con el valiente ajedrecista español que no reniega de su fe (publicado en Diario Ya).

Off
07th May2017

Un reino unido

by Victor Alvarado

“Nadie es libre, si no es dueño de su destino.”

 

La citada frase sirve para definir y entender a la perfección como se desarrolló  de modo pacífico el proceso de descolonización de Bostwana, liderado por su rey Seretse Khama, que permitió la llegada de la democracia a su país.

 

La cineasta Amma Asante,  autora de Belle, ofrece una historia de amor interracial entre el mencionado príncipe y la oficinista londinense Ruth Williams. Se trata de una adaptación del libro de Susan Williams, titulado Colour Bar que, como habrán imaginado, está basado en hechos reales.

 

La realizadora se ha sentido identificada con el proyecto y nos vendió el producto de un modo original, mostrándose buena conocedora de la realidad: “Lo considero una historia tan británica como africana. Es tanto parte de la historia del Reino Unido como de la historia de Bostwana. Y era importante para mí ponerme en el lugar de los personajes. Y eso incluía a los políticos británicos cuyas acciones quizá hayan parecido racistas, pero cuyas motivaciones eran proteger sus intereses nacionales. Quería mostrar el dilema real del gobierno británico. También tomé la decisión deliberada de contar la historia a través de los ojos de los protagonistas. El público negro se identificará con la experiencia de ser ”el otro”. Pero cuando Ruth llega a ese país africano, ella es la foránea y ella es la que es vista con recelo. Así que estamos tratando la idea del “otro”. Realmente quería mostrar a Ruth desesperada por conseguir la aceptación del  pueblo de Bostwana, no era una “salvadora blanca”, necesitaba que le apoyasen.”

 

Esta directora  nos ofrece una cinta clásica  con cuidada fotografía en la línea de Pasaje a la India y Laurence de Arabia de David Lean. Los diálogos van al grano. Son directos, pero no por ello están exentos de profundidad porque en su sencillez explican tanto la problemática del país  como el modo de proceder de los políticos.

 

Esta magnífica producción que, a mi juicio debería entrar en la carrera por los Óscar, ha contado con dos actores de gran nivel como David Oyelowo y, muy especialmente, Rosamund Pike por su amplio abanico de recursos interpretativos.

 

La película demuestra que el amor no tiene fronteras y que cuando eres una sola carne, puedes ponerte en el pellejo del otro, superando las dificultades con sacrificio pero sin perder la esperanza en que se pueda levantar el vuelo. Esta producción refleja que detrás de un gran hombre hay una gran mujer,  puesto que sus apariciones fueron trascendentales para la consecución de ese noble objetivo porque es de los pocos países de África que han logrado vivir de forma próspera tras lograr su independencia sin dejarse influenciar por la Sudáfrica del Apartheid. Hay que prestar atención al conmovedor discurso y el modo en el que ella se gana la confianza de un pueblo y una cultura sabia de gran interés antropológico. La labor política de Seretse fue alabada por el político sudafricano Nelson Mandela que llegó a decir  que su cometido fue un faro de luz e inspiración.

Off
23rd Abr2017

La profesora

by Victor Alvarado

Entre tanto estreno intrascendente, hemos encontrado una pequeña perla del cine europeo, concretamente, una película checa titulada La profesora.

 
En ella se cuentan las andanzas de una profesora que, por cada centro escolar que pasa, se dedica a conocer las profesiones de los padres de sus alumnos para pedirle pequeños favores, aprovechándose de su situación de poder por tratarse de un cargo político comunista cuando Checoslovaquia pertenecía a la Unión Soviética.

 
La dirección ha correspondido al checo Jan Hrebejk, autor de El amor en tiempos de odio, cuyo trabajo viene avalado por los premios de Karlovy Vary y Gijón. Se trata de un largometraje que, sin alardes técnicos, cuenta una historia interesante que conjuga con acierto el presente con una serie de flashbacks del pasado sin que en ningún momento se tenga esa sensación de confusión porque está muy bien montada, pues los temas están planteados de un modo meridianamente claro y el final te deja una sensación de desazón bastante impactante al enterarte de que está basada en hechos reales con lo que lo planteado en la producción gana en credibilidad.

 
La interpretación de la actriz Zuzana Mauréry nos parece difícilmente igualable, ya que uno tiene la impresión de que su personaje de María Drazdechova, tiene tan claro el natural modo de proceder que, aunque sea inmoral su comportamiento, tiene grabado que tiene que ser así porque se considera intocable. El espectador puede llegar a no ser consciente de la perversidad del hecho por lo bien que lo enmascara esta intérprete con esa mirada y sonrisa cínica realmente convincente.

 
Esta cinta es una crítica al modo de actuar de regímenes totalitarios, en este caso, marxista para los que el fin justifica los medios. Nos parece bastante estremecedora la forma en que la maestra va manipulando a las familias de los chavales y lo peligroso del uso de estas técnicas, pues intenta hacer ver que la mentira y la injusticia triunfan frente a la verdad y a que el esfuerzo real tenga sus frutos. Esta película muestra la dificultad de una directora decente para denunciar un tema de acoso porque los padres de su escuela carecen de la libertad necesaria para contar los hechos por temor a represalias políticas; por la presión de la mayoría y por los chantajes a los que han sido sometidos.

 
Nos parece una película imprescindible en estos tiempos que corren donde el bullying campa a sus anchas (publicado en Diario Ya).

Off
09th Abr2017

Life (Vida)

by Victor Alvarado

En los últimos años, uno tiene la impresión de que el género de la ciencia ficción cada vez tiene más adeptos y las producciones  de este género se suceden sin solución de continuidad, con mayor o menor acierto.

 

La cinta en cuestión, Life, deja mucho que desear. El encargado de encauzar esta aventura espacial ha sido el cineasta sueco Daniel Espinosa, aunque con raíces chilenas, como habrán podido imaginar, al que recordamos por El invitado y por el notable thriller El niño 44.

 

Después del visionado de la producción se entiende perfectamente el hermetismo del director que no ha querido desvelar detalles de la misma, hecho perfectamente entendible porque de haber contado algo, la cinta se quedaría en nada. No obstante, la película ha contado con un equipo de expertos en materia científica que asesoraron en muchos aspectos al equipo de guionistas.

 

Esta película guarda ciertos paralelismos con Alien, el octavo pasajero de Ridley Scott tanto en el intrigante planteamiento como por la atmósfera creada y de un modo menos explícito a la siempre interesante Gravity de Alfonso Cuarón.

 

El duelo interpretativo corresponde a Ryan Reynolds, que todavía está disfrutando del éxito de Deadpool y Jake Gyllenhaal, que hace doblete tras la muy recomendable Redención.

 

El desarrollo de los personajes es escueto por no decir intrascendente, si exceptuamos una conversación de minuto y medio en la que los protagonistas  hablan sobre el sentido de la vida. El chico que ha sido militar tiene una visión negativa frente a la chica que  afirma que está cautivada, en sentido contrario, por lo que la belleza de la naturaleza le aporta a la existencia.

 

Las personas que van al cine de modo esporádico se encontrarán con un entretenido largometraje de intriga que mantiene el interés, sobre todo, por un giro final que intenta salvar los muebles de las posibles deficiencias.

 

Finalmente, nos quedamos con las reflexiones de Jake Gyllenhaal a Fotogramas que nos ofrece una visión distinta de la planteada en esta crítica a la que damos un aprobado raspado:”Es un género que habla sobre nosotros, sobre el ser humano y sus miedos. Proyecta esos temores a lo desconocido, a ese vacío inmenso,  a la propia eternidad. También ha servido como parábola política, pero lo que me interesa más  es ese aspecto humano. Esa sensación de angustia, de claustrofobia, define muy bien lo que siente el hombre cuando se enfrenta a esa negrura infinita del espacio (publicado en Pantalla 90)”.

Off
26th Mar2017

Una historia de locos

by Victor Alvarado

La película denuncia el genocidio cometido por el estado turco entre 1915 y 1923. Un país que reconoce que  hubo masacre, pero negando el exterminio de un millón y medio de armenios cristianos que sufrieron todo tipo de vejaciones, planteado de manera sistemática por el partido nacionalista reformista turco, conocido como el Comité de Unión y Progreso y  por el sobrenombre de Jóvenes Turcos.

 

El largometraje comienza con el magnicidio de uno de los líderes turcos Mehmet Talat  a manos del armenio Soghomon Tehlirian que lo acusaba de haber liquidado a todos los habitantes de una aldea. Este hombre fue acusado, arrestado y absuelto por un juzgado alemán.

 

El argumento de esta historia gira en torno a  un joven que, en la década de los 80, sufre de rebote un atentado por parte del Ejército Secreto de Liberación de Armenia que posteriormente tratará de comprender el porqué sus verdugos actuaron de ese modo.

 

Una historia  de locos está hábilmente relatada por el cineasta francés Robert Guédiguian, recordado por películas maravillosas como El cumpleaños de Ariane  y  Las nieves del Kilimanjaro que vuelve a contar con su mujer Ariane Ascaride para la protagonista femenina. Este director explicó las claves de su cine, haciendo una crítica a las prácticas terroristas por parte  de grupos de izquierda para lograr sus objetivos y estas fueron sus declaraciones a Fotogramas: “Siempre  he sido un cineasta político, nunca subjetivo, a pesar de que, hoy en día, si tratas de  transmitir un mensaje parece que ya no es arte. Pero pienso justo lo contrario: todos los artistas que me han conmovido trataban de transmitir algo,  nadie recuerda a los que sólo seguían la moda. Y aquí lo único que digo es que tratar de relacionar los efectos con las causas es más interesante que  condenar o escuchar  a los que sólo condenan.”

 

Esta cinta  propone un interesante ejercicio de estilo, pues relaciona a una víctima del terrorismo  de los años 80 con la madre de un terrorista de una forma peculiar para que reflexionemos sobre la posibilidad del perdón. Por otra parte, es una crítica al sin sentido que tiene que los hijos de cristianos defiendan los ideales de sus padres desde la óptica de la revolución comunista, carente de referentes espirituales y morales, lo que puede resultar  paradójico. El  joven terrorista protagonista se planteará  si ese era el  modo adecuado de actuar o se dejó embaucar  por esa ideología (publicado en Diario YA).

Off
05th Mar2017

La chica desconocida

by Victor Alvarado

lachicaDicen que esta película de los hermanos Dardenne ha bajado el nivel con respecto a las anteriores y nosotros les llevamos la contraria porque tocan los temas de siempre con su habitual agudeza y profundidad.

 

A  Luc y Jean Pierre Dardenne los recordamos por producciones como Rosetta y las recientes  El niño de la bicicleta y, sobre todo, por Dos días y una noche, que nos habló con acierto de la dignidad del trabajador en tono de denuncia social, en la que la actriz Marion Cotillard estaba soberbia, haciendo de la voz de la conciencia. Curiosamente, la filmoteca de Cataluña en referencia al largometraje, La chica desconocida, dedicará una retrospectiva de la carrera de los citados cineastas.  Se trata de unos hombres de cine; una especie de artesanos del séptimo arte que, con muy pocos medios, sacan el máximo producto a sus trabajos. Tocan temas sociales, dando en la diana con sus sencillos, pero certeros planteamientos con los que cualquier cristiano o ser humano puede sentirse interpelado por sus afilados dardos que agitan las conciencias. Esta obra ha sido escrita y dirigida por ambos como la mayoría de sus trabajos y en la que la actuación de la excelente actriz, Adele Haenel, le ha servido para recibir una nominación a los César 2017.

 

Jenny es una joven doctora que, tras una dura jornada de trabajo, no abre la puerta a la mujer que reclamaba su auxilio porque ya había terminado su turno con creces. Al día siguiente, esa mujer apareció muerta y esta médico de familia decide investigar qué pudo haber ocurrido.

 

La película tiene un ritmo lógicamente pausado para facilitar la reflexión, pero donde no dejan de suceder situaciones que sorprenden al espectador, mostrando el lado más humano tanto de los personajes más positivos como de los más negativos, aunque la intriga es más bien accesoria.

 

La cinta invita a reflexionar sobre la ética profesional y la vocación porque, sí se siente una fuerte llamada  a realizar un trabajo, estos autores plantean que esa entrega no puede ser a tiempo parcial y si uno es médico, maestro o fisioterapeuta debe de serlo en cualquier situación que se tercie y cueste lo que cueste. Nos ha parecido muy acertado el modo en que la  doctora  intenta cautivar o convencer a su compañero de lo que supone y lo gratificante de su profesión. Los cineastas colocan a los personajes en una posición complicada para que pensemos que hubiésemos hecho nosotros en esas circunstancias y  si hubiésemos sido consecuentes con lo que nuestra ética o moral nos dictamina.

 

A modo de conclusión, este largometraje eleva al grado máximo la dignidad de la persona, donde un abrazo puede valer o no más que mil palabras (publicado en Pantalla 90).

Off
19th Feb2017

Lo que de verdad importa

by Victor Alvarado

lo-que-de-verdad-importa_102951Esta semana se estrena una película de esas que te toca el corazón y encima el 100% de los beneficios irán a parar a la red de campamentos para niños enfermos (SeriousFun Children´s Network), fundada por el mítico Paul Newman y la fundación Aladina, que preside Paco Arango.

 

La dirección de este trabajo corresponde al  citado en último lugar, al que recordarán por la serie  de televisión ¡Ala…Dina!, que hace unos años debutó con una cinta bastante bonita, titulada Maktub, que de un modo simpático hablaba sobre el cáncer y la esperanza.

 

Los que tengan temor a que un cineasta español haya dirigido esta producción canadiense, no deben asustarse porque Paco Arango no es el tipo de directores que se agarra al habitual sectarismo de nuestro cine, sino que se aparta de ese modo de entender la vida,  desmarcándose como ya  han hecho Icíar Bollaín,  Gracia Querejeta,  Gustavo Ron, Juan Antonio Bayona o  Pablo moreno. Este cineasta ha contado una historia profunda, optimista y divertida, impregnada de realismo mágico, transmitiendo valores e ilusión.

 

Cuenta la historia de Alec, un ingeniero mecánico inglés incapaz de poner orden en su vida. Cuando su tienda de reparación de aparatos electrónicos “El curandero” está a punto de quebrar, un familiar que nunca supo que tenía se ofrece a solucionar sus problemas a cambio de que se traslade un año a Nueva Escocia (Canadá), lugar de origen de sus antepasados. Allí descubrirá que a su alrededor comienzan a suceder las cosas más incomprensibles.

 

Habría que decir que este trabajo merece la pena no sólo por su altruismo, sino porque su calidad alcanza el  sobresaliente,  tanto desde el punto de vista técnico pues trabaja un fotógrafo de la talla de Javier Aguirresarobe como desde el punto de vista humano, con actores televisivos de la talla de Oliver Jackson-Cohen (Drácula de NBC), Camilla Luddintong (Anatomía de Grey) o Jorge García de la serie Perdidos.

 

Esta película, cuyo guión está escrito con ingenio y sin caer  en el buenísimo, enseña que los dones que Dios nos otorga,  los debemos poner al servicio de los demás. Y es que el protagonista presenta un aire mesiánico que, sí son observadores habrán percibido y que debe descubrir cuál es su misión en el mundo. Es como una película de superhéroes en cuanto al mensaje, pero sin superhéroes dando tortazos, ni vestidos con mallas ajustadas. Durante su visionado podemos reflexionar  sobre las heridas que necesitamos curar para darnos cuenta de nuestro potencial y poder ser felices.

 

Como dato curioso y en sentido positivo, los sacerdotes que aparecen en la película trasmiten credibilidad; alto grado de compromiso; sentido del humor y se acercan a la realidad que muchos hemos conocido. Personas dispuestas a asistir a los demás; conocedores del alma humana; enseñando con autoridad y mostrando una sonrisa auténtica y sincera (pulbicado en el diario Ya).

Off
12th Feb2017

Batman la Lego película

by Victor Alvarado

lego-batman-imagen-12El éxito de La Lego película, uno de esos aciertos de la  animación para todos los públicos, ha permitido que se pueda hacer una secuela, tipo spin off, donde  El Batman de Lego, que tanto captó la atención del público, resurja de nuevo. La Warner se hace la competencia a sí misma, acuérdense de Ben Affleck y Christian Bale, que  tuvieron mucho éxito como personajes de carne y hueso. A Steve McQueen,  salvando las distancias, lo conocían como el roba planos en la película de Los siete magníficos, algún crítico de cine, con acierto, le ha puesto el mismo sobrenombre, pero no es casual, pues es uno de los protagonistas indiscutibles de la serie de tv de DC Lego Super Heroes.

 

 

El encargado de llevar a cabo este proyecto ha sido el director debutante Chris McKay con experiencia en televisión. Este cineasta opta por la comedia gamberra de animación (son geniales los guiños a la serie de televisión de los años 60 de Adam West)  con un ritmo excesivamente acelerado con lo que los frenazos se notan demasiado en los momentos de gran carga dramática. Hubiese sido necesario un  mayor equilibrio entre la acción y los diálogos más profundos. No obstante, tanto padres como niños saldrán contentos de la sala de proyección. Por otra parte, tal está siendo el éxito de esta segunda parte que se está preparando la siguiente como hábilmente muestra un tráiler que acompaña a la producción.

 

 

Algunos lectores se preguntarán que nos aporta esta producción si dejamos a un lado las simpáticas situaciones cómicas como esa voz en off  del principio de la producción que describe los créditos iniciales.  La verdad es que nos ha sorprendido gratamente como se ha tratado el valor de la acogida que permite reflexionar sobre la necesidad de sentirse queridos por una familia que es como un equipo, donde todos  se quieren con cualidades y defectos incluidos. Cambiando de tema, refleja el alto grado de compromiso del protagonista en su “cruzada” frente al mal y el valor de una promesa dada, que nos recuerda la ética del personaje sin desvirtuar,  por tanto, la filosofía del Caballero Oscuro original, creado por la compañía DC. Hay que prestar atención a la escena en la que Bruce Wayne recuerda a sus padres con cariño y admiración, pues puede entenderse como un acercamiento sutil a la trascendencia.

 

 

Por cierto y como dato curioso,  Juan Antonio Bayona le pone voz a  Superman, su personaje favorito de esas características, mientras que el doblador español Claudio Serrano, que literalmente, como él ha contado, se dejó la voz para doblar al Batman de Nolan, brilla haciendo lo propio en esta ocasión con el hombre murciélago, aunque en mayor medida porque nos ha salido parlanchín ( publicado en Pantalla 90).

Off
29th Ene2017

Figuras ocultas y Lion

by Victor Alvarado

lionFiguras ocultas vs Lion

En este artículo les ofrecemos dos críticas por el precio de una y enfrentamos entre comillas a dos películas que han entrado en la carrera por los Óscar.

 
Figuras ocultas

 
En primer lugar, le recomendamos Figuras ocultas de Theodore Melfi, recordado por St Vincent, que adapta la novela de Margot Lee Shetterly de homónimo título que ha contado con un tridente de magníficas actrices como Taraji P. Henson, Janelle Monáe y Octavia Spencer que, a nuestro juicio, tiene posibilidades de obtener la ansiada estatuilla junto a un Kevin Costner, al que merece la pena ver en versión original.

 
Esta entretenida producción, nominada a tres candidaturas a los Óscar, incluyendo a mejor película, nos propone una historia basada en hechos reales de mujeres, cuyas prodigiosas mentes, superdotadas para la ciencia, tuvieron gran protagonismo en la NASA logrando, con su trabajo, que el astronauta John Glenn fuera el primer hombre en orbitar alrededor de la tierra.

 
Esta cinta, entre comedia y drama, nos permite reflexionar sobre la dignidad de la persona, pues estas mujeres afroamericanas tuvieron que esforzarse no sólo por obtener un título universitario en los años 50, sino por demostrar su valía rompiendo, de algún modo, las barreras existentes por el tema del racismo. Por cierto, llama la atención la naturalidad con la que el cineasta trata la dimensión religiosa de las protagonistas sin ningún tipo de complejos a diferencia de lo que pasa en la mayoría del cine español de los últimos 30 años, mostrando la necesidad que tenemos de Dios tanto en los momentos críticos como en la batalla del día a día.

 

Lion

 
Cambiando de película, el director novel Garth Davis, experto en series de televisión, opta por la historia de Saroo Bierly (muy bien interpretado tanto por el jovencísimo Sunny Pawar como por el conocido Dev Patel), un niño indio que vivió una odisea para encontrar a su familia biológica en el citado país asiático 25 años después de perderse y ser adoptado por una familia australiana.

 

Lion, que ha contado con la notable Nicole Kidman, está nominado a varios Óscar como la anterior, concretamente a 6, nos invita a reflexionar sobre la necesidad del ser humano de conocer sus orígenes para comprenderse mejor a sí mismo y del valor de la acogida porque supone muchas renuncias para los nuevos padres sin saber a ciencia cierta cómo va a encajar ese niño en una familia que, en principio, no es la suya y que ha sufrido mucho en el pasado. Se trata de la típica producción que deja buen sabor de boca, pero con muchos altibajos, unos bastante más intensos que otros (publicado en Diario Ya).

Off
15th Ene2017

Proyecto Lázaro

by Victor Alvarado

proyecto_lazaro-439899805-mmedDe vez en cuando aparece  casi de la nada, el cineasta español Mateo Gil, que ha sido el guionista de Alejandro Amenábar en Abre los ojos, Mar adentro o Ágora. Le recordamos por la peculiar Nadie conoce a nadie y el notable western Blackthorn, ambas   protagonizadas por Eduardo Noriega, su actor fetiche  que, en esta ocasión, no participa  en Proyecto Lázaro, una producción de ciencia ficción.

 

El reparto lo conforman Tom Hughes y  Oona Chaplin que es la tercera de una saga, ya que su abuelo era Charles Chaplin; su madre Geraldine Chaplin, que ha trabajado mucho en España y, por tanto  la citada actriz es la nieta de Charlot, teniendo la misma fuerza en la mirada. Esta actriz parece hipnotizada por el mensaje de la película porque se empeña en transmitir a la prensa la idea de que no le gustaría vivir para siempre (una opinión difícil de entender o compartir cuando una de las grandes preocupaciones del ser humano es desesperarse o agobiarse cuando piensa en la posibilidad de la no existencia de la vida eterna).

 

Esta cinta tiene que ver con algún episodio de la inquietante  serie de televisión Black mirror, planteando varios dilemas morales. El arranque inicial del cineasta español nos parece bastante brillante, ya que consigue inquietar al espectador al contar como era la vida del protagonista hasta que se entera de que sufre un cáncer terminal y piensa en la recurrir a la criogenia hasta que se encuentre una solución a su enfermedad que permita a resucitarle para luego introducirle en un inquietante mundo futurista, aséptico,  nihilista, al estilo de algunos libros de  H P Lovecarft, salvando las distancias. No obstante,  a la mitad de metraje el interés decae  y los razonamientos del protagonista resultan demasiado reiterativos.

 

El realizador español se empeña en reafirmar su ateísmo a través de su personaje protagonista tanto en  la ambientación como en la argumentación, tratando de convencernos de que solo la ciencia está capacitada para transmitir esperanza. Sin embargo, el director utiliza el tema de la resurrección de Lázaro que aparece en la Biblia como instrumento para transmitir un mensaje opuesto al Evangelio, lo que resulta paradójico. Por otra parte, esa ausencia de Dios parece lógico que  le lleve a  la nada, pues como decía San Pablo si no ha resucitado el Señor, vana es nuestra fe. Mateo Gil apunta el problema de jugar a ser dioses y se cuestiona si el fin justifica los medios,  mientras que lanza una interesante cuestión que dónde se queda el alma, si se realiza una resurrección artificial (publicado en Pantalla 90).

Off
08th Ene2017

Silencio

by Victor Alvarado

silence-2016-imagenA esta temporada cinematográfica la podríamos titular como la del resurgimiento potente de  películas de temática cristiana porque el cine español ha estrenado Luz de soledad y Footprints; el cine europeo Las inocentes y Blanka, que es una coproducción  italo-filipina, mientras que de la Meca del cine han salido dos producciones extraordinarias como Hasta el último hombre de Mel Gibson y Silencio de Martin Scorsese,  que nos disponemos  a analizar.

 

El argumento gira en torno a dos jesuitas del siglo XVII que viajaron a Japón para conocer porque uno de los padres de la Compañía de Jesús, fundada por San Ignacio de Loyola, había apostatado de  su fe por causa de la tortura infringida por algunos japoneses.

 

Este largometraje es  un  proyecto personal de este maravilloso director, recordado por Taxi driver, Uno de los nuestros,  Infiltrados,  La invención de Hugo o  Shutter Island, que ha estado danzando durante más de 20 años y que explica a la perfección el funcionamiento y el sentido de las congregaciones religiosas.  Esta película, Silencio, está basada en  la novela histórica del escritor japonés católico Shusaku Endo. El ritmo  es pausado y lento, pero atractivo, atrapándote  de principio a fin. La intensidad dramática te  mantiene en tensión porque se sea o no creyente no parece difícil comprender  y ponerse  en el lugar de los protagonistas. La mayor virtud  del cineasta Martin Scorsese es la cantidad de matices que da a los personajes tanto los positivos como los más tóxicos, lo que le da credibilidad a la historia. No obstante, hay críticos de cine que dicen que se ensaña con el villano. Estamos  convencidos de que este trabajo no dejará a nadie indiferente. Se puede entender como la reconciliación del realizador con la Iglesia Católica. En definitiva, se trata de una película con muchas posibilidades para entrar en la carrera por los Óscar.

 

El reparto lo componen dos magníficos actores como Alan Driver y Liam Neesson junto a un Andrew Garfield, protagonista de la última saga de Spiderman que, a pesar de no ser santo de mi devoción, progresa adecuadamente como nos decían en el colegio. Los actores de rasgos orientales se acercan a la matrícula de honor con sus interpretaciones.

 

Esta cinta es un homenaje a la gente sencilla; a esos más de mil  campesinos nipones que murieron mártires  por defender su fe y que están en proceso de beatificación. Aparecen como cristianos fieles al mensaje enseñado por Jesucristo, no siendo presentados como fanáticos, sino como personas muy coherentes, lo que servía de acicate para los misioneros jesuitas, inspirados en San Francisco Javier para que tuviesen más claro que su entrega había merecido la pena. La cinta intenta hacernos pensar de hasta dónde estás dispuesto a llegar por un ideal.  Invita a reflexionar sobre el modo que tiene Dios de comunicarse con el hombre que se toma unos tiempos distintos a los nuestros. Por último, el cineasta hace una propuesta interesante en la  que plantea que si cuando un hombre es obligado a renegar de sus creencias por la fuerza bruta, es posible que su corazón deje de confiar en la Providencia. Por otra parte, el guionista ha ajustado los diálogos de manera acertada en la que los personajes hablan del Evangelio y lo pueden relacionar con su vida en la que se muestra que el amor de Dios es más poderoso que nuestras flaquezas (publicado en el Diario Ya).

Off
15th Dic2016

Hasta el último hombre-Un películón de Mel Gibson como director

by Victor Alvarado

hasta-el-ultimo-hombre_102011¡Por fin! Ya era hora de que regresara uno de los mejores actores/directores del panorama internacional como Mel Gibson, autor de la impresionante La Pasión de Cristo (cargado de una profunda teología); la oscarizada Braveheart o la fiel a la historia de lo que supuso la llegada de los españoles, misioneros y conquistadores a América, en Apocalipto. Este cineasta nos cuenta la historia del médico Desmond Doss que fue el primer objetor de conciencia galardonado con la Medalla de Honor al Congreso de Los Estados Unidos que, aunque era favorable al conflicto bélico por el afán imperialista de Japón y Alemania, quiso ser coherente con su fe y no matar a nadie, salvando a 75 hombres sin llevar un arma. Hemos encontrado declaraciones de todas las ramas del cristianismo que viven en ese país, defendiendo los argumentos de esta producción.

 
El intérprete estrella es Andrew Garfield, recordado por La red social y Spiderman, muy bien encauzado por Gibson. El humorista Vince Vaughn que cambia de registro dando señales de su versatilidad junto a la actriz Teresa Palmer, que nos ofrece dos o tres momentos memorables. El actor Andrew Garfield definió a esta persona en declaraciones a Fotogramas como una criatura divina, un hombre que renegaba de toda glorificación, pero que hizo algo sobrehumano. Reconociendo que él no arrastraría ni siquiera un nombre por un campo de batalla y el salvó a 75. La primera parte nos cuenta la vida de Desmond Doss desde su infancia, para que entendamos por qué es tan fiel a sus convicciones religiosas de corte cristiano y sin utilizar ninguna arma, pero tampoco renunciando a su patriotismo. La segunda parte se centra fundamentalmente en la destructiva y sangrienta batalla de Okinawa.

 

Se trata de un cineasta que se toma su tiempo planificando la historia que quiere contar, ya que no puede cometer ningún fallo para evitar que sus detractores tengan argumentos a que agarrarse para hacerle el boicot. El resultado es que mejora las capacidades de los actores; la fotografía es impactante e insuperable; los diálogos nos parecen brillantes y los mensajes demoledores. Por otro lado, tiene la virtud de que en sus cintas el drama y el humor tenga su sentido y guarden cierto equilibrio. Hasta el último hombre logra emocionarnos por la historia que cuenta. Uno tiene la sensación de que el autor de la película no te manipula para conseguirlo. Nos ha parecido muy interesante escuchar las declaraciones de esos militares a modo de documental al final del largometraje porque demuestran que el relato cinematográfico se ajusta a la realidad. Este realizador, como hacía John Ford, de un plumazo describe a todos los secundarios del batallón con una precisión milimétrica, lo que te proporciona elementos para comprender mejor cuáles son las razones por las que esas personas actúan como actúan.

 
Creo que no exagero cuando afirmo que es la mejor película que he visto en los últimos 4 años y probablemente esta obra maestra sea una de las mejores producciones bélicas de la historia junto a Senderos de gloria, Los cañones de Navarone, Salvar al soldado Ryan, Cuando éramos soldados o El francotirador, aunque seguro que me dejo alguna en el tintero, porque demuestra las luces y sombras del ejército como la dureza de la guerra con escenas fuertes, la férrea disciplina, la táctica o valores como la valentía, la camaradería y la capacidad de sacrificio por sus compañeros.

 
La película nos invita a reflexionar sobre la coherencia de un cristiano que quiere ser fiel a los mandamientos que Dios otorgó a Moisés. Cueste lo que cuesta, no por fanatismo, sino por convicción. El director no tiene reparos en mostrar al protagonista orando o meditando varios pasajes de la Biblia. Este médico de campaña demuestra que los ideales religiosos no están reñidos con el sentido del deber, pues el protagonista da la vida por sus amigos e, incluso, enemigos como lo haría el mismísimo Jesucristo. Estamos ante una persona que escucha lo que el Señor tiene que decirle para que su forma de actuar sea consecuente.

 
Finalmente, tanto con el corazón como con la cabeza pienso que esta película se merece algún que otro Óscar de importancia como mínimo (publicado en el Diario Ya).

Off
20th Nov2016

La llegada-La idea de que el idioma que hablas determina cómo percibes el mundo

by Victor Alvarado

ARRIVALAunque pueda sonar a piloto de Fórmula Uno, Denis Villeneuve es un director de cine que, además es sinónimo de éxito, siendo autor de impactantes largometrajes como Prisioneros, que hace comerte la cabeza; la simple interesante Incendies y la desasosegante Sicario. A este cineasta le fascina la ciencia ficción y, en este caso, adapta el relato corto de Ted Chiang: La historia de tu vida. No obstante, la película se titula La llegada.

 

El citado autor del relato desveló en unas declaraciones las claves de este más que apetecible trabajo: “La historia trata sobre muchas cosas distintas, pero una de ellas es lo que se conoce como hipótesis de Sapir-Whorf, que es la idea de que el idioma que hablas determina cómo percibes el mundo, e incluso qué clase de pensamientos puedes tener. La protagonista de la historia es una lingüista que aprende poco a poco un idioma alienígena, y eso cambia su forma de entender la vida”. Por otra parte, el director destacó, comentario con el que coincidimos, lo siguiente: “Conocemos al personaje de Louise a través de la historia con su hija. Es una de mis partes favoritas de la película. Aportó mucha humanidad, profundidad y una hermosa vulnerabilidad a su personaje, una melancolía que yo estaba buscando”.

 

La historia gira en torno a una serie de naves espaciales que invaden todo el planeta Tierra, de manera, en principio, pacífica, por lo que será necesario un grupo humano entre el que se encuentra una experta lingüista Louise Banks, que a toda prisa tendrá que encontrar respuestas para evitar un conflicto bélico de grandes dimensiones.

 

La película es una mezcla o guarda similitudes con Encuentros en la tercera fase, la serie V o Contact y, sin embargo, es completamente distinta a lo que estamos acostumbrados. Todo esto puede deberse a la intensidad que trasmite el realizador a sus dispares trabajos porque la temática es indiferente, pero siempre dando en la diana y provocando al espectador. Villeneuve mantiene la intriga hasta un emocionante final que puede sorprender al espectador más experimentado.

El trabajo de los actores Jeremy Renner y Forest Whitaker es realmente bueno y, en especial, Amy Adams que tiene todas las papeletas para entrar en la carrera por los Óscar con esta cautivadora interpretación.

 

La cinta , La llegada, hace referencia a la necesidad de entender qué se nos quiere comunicar antes de tomar una decisión de terribles consecuencias cuando existe una barrera idiomática, donde hay que prestar atención tanto al lenguaje verbal como al no verbal, todo ello sin olvidar a los sentimientos, mostrando la intención de comprender al otro (publicado en Diario Ya).

Off
13th Nov2016

100 metros

by Victor Alvarado

100-metros-cartelEl cine de cuota española es menos cuota que nunca gracias al talento del cineasta Marcel Barrena,  que deja a un lado el marcado carácter ideológico de nuestro cine para contarnos una historia de superación personal sin escenas violentas; comentarios de mal gusto y escenitas que nos obligan a mandar a los niños a la cama, transmitiendo esperanza, mucha esperanza.

 

Este realizador se ha enfrentado al reto de volver a unir a dos estrellas de nuestro cine como Dani Rovira y Karra Elejalde, expertos en la comedia, que han demostrado su versatilidad en una cinta, donde se entremezcla el drama con el humor. La actriz Alexandra Jiménez, esposa e hija de los protagonistas de la historia, da la necesaria credibilidad, conteniendo a dos titanes de la escena española.

 

Ramón, padre de familia,  vive para el trabajo hasta que su cuerpo empieza a fallar. Diagnosticado de esclerosis múltiple todos los pronósticos parecen indicar que en un año no será capaz de caminar ni 100 metros. Ramón decide plantarle cara a la vida participando en la prueba deportiva más dura del planeta. Con ayuda de su mujer y del gruñón de  su suegro, este hombre inicia un peculiar entrenamiento en el que luchará contra sus limitaciones, demostrándole al mundo que rendirse nunca es una opción.

 

 

Este cineasta ha logrado que una historia, basada en hechos reales sea entretenida y te conmueva, siendo capaz de iluminar la vida de esas personas que tiene la moral por los suelos por culpa de una enfermedad de difícil pronóstico como la esclerosis múltiple. Esta producción demuestra que no podemos hundirnos en el dolor y que existen superhéroes de carne y hueso que con una kriptonita/enfermedad se enfrentan a retos a los que nosotros no seríamos capaces ni de acercarnos. Por otra parte, habría  que decir que los actores se sorprendían de la manera admirable y el sentido del humor con el que estas personas sobrellevaban la enfermedad que puede aparecer o rebrotar de la noche a la mañana.

 

Por otra parte, esta película habla de la necesidad de limar las diferencias, en este caso, entre los miembros de la familia política para lograr un objetivo aprovechando las virtudes y perdonando los defectos.

 

Finalmente, nos quedamos con las declaraciones del auténtico protagonista de esta historia, Ramón Arroyo, que expresó su satisfacción por ese trabajo tan acertado: “Esta película que tiene la vocación social y un profundo interés en ayudar y ser altavoz de las casi 50.000  personas que convivimos con la esclerosis múltiple antes de su estreno ya ha empezado cumplir su cometido. Sí, con nosotros. En los dos últimos años,  la múltiple se ha puesto peleona y hemos pasado momentos duros tanto físicos como emocionales, donde viejos fantasmas volvían a esconderse detrás de las puertas. Podemos decir bien alto y con  mucho orgullo que gracias a  100 metros hemos podido sobrellevar los malos momentos, donde hemos podido recibir por parte de todo el equipo de la película la mejor de las medicinas: el respeto y el cariño” (publicado en el Diario Ya).

Off
Páginas:1234567...22»