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22nd Nov2015

Sicario

by Víctor Alvarado

sicario-2015-imagen-2El thriller es un género que, cuando no está construido mediante un sólido guión, suena  a cine de serie B. Sin embargo, en el momento en el que se percibe que está trabajado, te suele atrapar de principio a fin. Sicario es un claro ejemplo de lo segundo; es decir, cine “palomitero” que te mantiene pegado a la butaca.

 
Esta inquietante producción gira en torno a una idealista agente del FBI que tiene que colaborar con un oficial de las fuerzas de élite gubernamentales que utilizan unos métodos, que se encuentran en el límite de la legalidad, para lograr atrapar a peligrosos y astutos delincuentes, provenientes del narcotráfico y que se las saben todas para salirse con la suya.

 
La dirección ha corrido a cargo de Denis Villeneuve que, aunque su apellido suene a piloto de fórmula uno, es un excelente cineasta como demostró con Incendies y Prisioneros, que imprime un ritmo impresionante a todos sus trabajos, consiguiendo una atmósfera tan espectacular que tienes la sensación de estar viviendo la angustia de los protagonistas. Los diálogos presentan un nivel de calidad notable y los personajes plantean temas interesantes dentro de una aparente superficialidad.

 
A este cineasta le encanta plantear complicados dilemas morales en los personajes protagonistas como ya hizo con la citada Prisioneros. En esta producción nos encontramos con dos agentes de la ley antagónicos. La agente, Kate Macy, que es una excelente profesional que siempre está del lado de la ley y que defiende el estado derecho, no tomándose nunca la justicia por su mano. En cambio, para el consultor Alejandro, conocedor de cómo se las gastan los narcotraficantes mexicanos, el fin justifica los medios. Por tanto, el realizador canadiense maneja a la perfección ese contraste, provocando en el espectador un sentimiento de empatía o rechazo, aunque en un tono de grises, lo que puede generar un interesante debate tras su visionado. Por cierto, los actores están espléndidos. No hay que perderse la escena de alta tensión en la frontera cuando, a mitad de metraje, intentan regresar a EEUU.

 
La actriz Emily Blunt representa la impotencia del ser humano ante una situación que le supera, mientras que Josh Brolin interpreta al cínico perfecto. Por último, Benicio del Toro, que cada vez se parece más a Brad Pitt, se luce en todas las escenas en las que participa. Y es que hay algunos que ganan con los años…(publicado en el Diario Ya).

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15th Nov2015

Una decisión peligrosa

by Víctor Alvarado

una-decision-peligrosa_98905La frase ideal para explicar de qué va esta película sería la de esto me suena. Y es que nos preguntamos si era necesario contar una historia de estas características, narrada de mil maneras distintas, como hemos podido comprobar en multitud de largometrajes.

 
Tom y Anna forman una pareja, que ha gastado todos sus ahorros en arreglar una casa y en tratamientos de fertilidad, pues tienen dificultades para tener hijos. Todo cambia cuando encuentran en la cocina de un inquilino del piso que tenían alquilado una fuerte suma de dinero. El problema es que esa bolsa, cargada de billetes, pertenece a un mafioso de la ciudad de Chicago.

 
La película sido dirigida por Henrik Ruben Genz, autor de Terribly Happy, que adapta la novela de Markus Sakey. Esta producción llega a la cartelera con un año de retraso, un dato a tener en cuenta, dado el escaso nivel de la cinta y no se entiende que se haya estrenado en España. Una decisión peligrosa puede parecerle entretenida a un espectador poco experimentado, pero si rascas mínimamente, el guión hace aguas porque estos argumentos nos lo sabemos de memoria, a pesar de contar con un reparto, más o menos interesante encabezado por James Franco, cuya interpretación deja mucho que desear, al que acompañan Kate Hudson, Tom Wilkinson y Omar Sy, protagonista de la notable Intocable. De propina, la película nos parece excesivamente violenta con alguna que otra escena no apta para espectadores sensibles.

 
El elemento que más sorprende de esta cinta es la defensa continua, a su modo, de la familia y la importancia de cuidar a la pareja para que no se pierda el interés por el otro. Por otra parte, los protagonistas hablan continuamente de la imposibilidad de tener hijos por métodos naturales, planteando la posibilidad del uso de técnicas de reproducción asistida, lo que indudablemente invita a pensar el grado de ética de estas prácticas porque no todas ellas presentan o plantean el mismo tipo de conflictos, ya que, como todos nuestros lectores saben, algunas de ella atentan contra la vida de un ser indefenso, aunque esta reflexión no pasa por la mente de sus protagonistas, que de haberse hecho, les hubiese servido al menos para ganarse el aprobado. A esta pareja lo único que le pasa por la cabeza es que tienen que reproducirse si o si… (publicado en Pantalla 90).

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08th Nov2015

Isla bonita

by Víctor Alvarado

isla-bonita_98555Si hay un director español, cuyo trabajo, en este caso, recuerda a Woody Allen, ese es Fernando Colomo. Aunque tenga maneras diferentes de afrontar los temas, porque su capacidad para profundizar no es la misma, es verdad que guarda ciertos paralelismos con su obra, pero sin acercarse al nivel del cineasta neoyorquino.

 
Fernando es un publicista, divorciado en varias ocasiones y venido a menos, que viaja a Menorca para reencontrarse con un amigo. Allí tendrá la oportunidad de conocer a una mujer y su hija que pondrán algo de luz y calorcito a su desordenada vida.

 
A este cineasta lo recordamos por entretenidas cintas como Alegre ma non troppo, Años bárbaros o Bajarse al moro. Isla bonita es una película muy personal sin prestar mucha atención al qué dirán, quejándose de que cada vez hay más burocracia a la hora de buscar financiación. El caso es que le ha salido una comedia fresca no demasiado profunda, tampoco demasiado ligera, que nos ofrece una serie de destapes innecesarios que no aportan nada a la historia y que parece que buscan el lucimiento de la actriz Olivia Delcán, descubrimiento personal del cineasta, cuya interpretación para ser sinceros roza el sobresaliente. Esta comedia de sonrisas más que de carcajadas tiene algunos aciertos de guión, ya que los personajes transmiten que ese estilo de vida es el más natural y más extendido en la sociedad, lo que no quiere decir que sea el más adecuado para formar una familia feliz. Sin embargo, ofrece una serie de largas conversaciones intrascendentes con las que el espectador medio puede llegar a desconectar.

 
Por otra parte, este largometraje, a pesar de que parece que no era su intención, refleja las consecuencias de haber llevado una vida centrada en el trabajo y olvidándose de la importancia de cuidar a la pareja y del valor del compromiso. Además, esta producción frivoliza sobre las relaciones hombre-mujer, confundiendo un triángulo amoroso con un trío o casi “cuarteto” proponiendo, de algún modo, la poligamia o un no sé qué… También es una crítica a las amistades de conveniencia, siendo, por otro lado, un elogio de la amistad verdadera y algunos comentarios del mejor amigo del protagonista podrían servir para generar un pequeño debate sobre la corrección fraterna, aunque salvando muchísimo las distancias. La única persona con cierto sentido común es un anciano al que el protagonista le hace un documental (publicado  en Pantalla 90).

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01st Nov2015

Educación siberiana

by Víctor Alvarado

educacion-siberiana-cartelLa película, que merece nuestro comentario, es una adaptación de la novela autobiográfica de Nicolai Lilin, en la que se relatan los acontecimientos más importantes de este autor desde su niñez hasta el paso a la edad adulta en una comunidad marginal de esa zona de Rusia, apodada por ellos mismos como “criminales siberianos honrados”.

 

Educación siberiana está ambientada fundamentalmente en dos épocas. La primera parte narra la infancia de esos chavales en los años anteriores al hundimiento del Telón de Acero. La segunda cuenta la vida de estas personas en el periodo posterior a la caída del Muro de Berlín. La vida de estos chicos convertidos en jóvenes tendrá siempre presente en sus mentes a su mentor, interpretado por John Malkovich, que les instruye, formándolos como personas.

 
La producción en cuestión ha sido dirigida por el italiano Gabriele Salvatores. De entre sus trabajos destaca la exitosa Puerto escondido, Mediterráneo, y Happy Family, que está basada en la obra de teatro de Alessandro Genovesi. Este largometraje presenta un ritmo irregular, puesto que se proponen momentos de gran intensidad dramática junto a otros intrascendentes. Nos parece que la ambientación es perfecta, sobre todo, el contraste creado en una escena que perfectamente se le podía haber ocurrido al mismísimo John Ford, Howard Hawks o Frank Capra. En esa escena aparece una plaza en un espacio abierto con un tiovivo en el que el grupo protagonista se monta, disfrutando del único rato de libertad en una ciudad repleta de los antiestéticos y funcionales edificios del régimen de la Unión Soviética. La metáfora sobre la ausencia de libertad en los países de la órbita comunista nos parece inmejorable. En contraposición con lo positivo, la excesiva dureza de algunas situaciones no la hace apta para espectadores sensibles.

 
Educación siberiana es un homenaje a la película de Akira Kurosawa Dersu Uzala. Esta cinta puede llamar la atención sobre ciertos valores que propone en un entorno marginal, donde la violencia campa a sus anchas, ya que se trata de cristianos ortodoxos que tienen el singular emblema de la cruz y la pistola, lo que, lógicamente, suena incoherente. Sin embargo, el caso es que, aunque tiran de pistola con mucha facilidad, su educación, su moral y su ética no le permiten traspasar ciertos límites. Las primeras escenas en las que se defienden de los opresores podrían servir para reflexionar sobre la legítima defensa y las consecuencias del uso de la violencia cuando ya no era necesario esa defensa. A muchos de nuestros lectores, por ejemplo, les sorprenderá tanto el profundo respeto del protagonista hacia la mujer de la que está enamorado como su fidelidad a pesar de la discapacidad psíquica de la chica.

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25th Oct2015

El marido de mi hermana

by Víctor Alvarado

el-marido-de-mi-hermana_98091Aunque este actor se llame Pierce Brosnan, para mí siempre seguirá siendo Remington Steele, que fue la entretenida serie detectivesca por la que se dio a conocer. En esta ocasión, vuelve a la comedia, género que, últimamente, se le está dando muy bien, acuérdense de la entretenida Mejor otro día, que tan bien funcionó en taquilla; Tentación en Manhattan, muy recomendable, y Amor es todo lo que necesitas. La película en cuestión se titula El marido de mi hermana, que recuerda a algunas producciones del pasado. El actor británico viene acompañado de dos guapas actrices de origen latino como Jessica Alba y Salma Hayek. Y es que como productor tiene buen gusto a la hora de elegir a sus compañeras de reparto.

 
Richard Haig es un profesor británico que imparte clases en una universidad estadounidense. Después de una etapa de su vida de flor en flor por la influencia de su mujeriego padre, encuentra al amor de su vida Kate, que se queda embarazada. Es, en ese momento clave, cuando aparece Olivia, la Hermana de Kate y todo se complica.

 

La dirección ha corrido a cargo de Tom Vaughan, autor de Medidas extraordinarias y Algo pasa en Las Vegas, que ha hecho una comedia de enredo superficial y frívola. Estamos, por tanto, ante una comedia de sonrisas, que simplemente se deja ver. Sin embargo, para tratarse de un guionista y un director británico no ofrece nada del humor tan agudo que caracteriza a los ingleses. Desde luego, no creo que nadie se acuerde de ella dentro de un par de semanas porque, entre otras cosas, los diálogos son intrascendentes.

 
Esta producción permite reflexionar sobre el modo en que los comportamientos hedonistas de los progenitores influyen en la educación de sus hijos, aunque no se sea consciente, lo que, en muchas ocasiones, tiene sus consecuencias. Por otra parte, se reflejan los problemas de la sociedad postmoderna para comprometerse con otra persona para toda la vida, mostrando la dificultad del sí quiero para siempre. Por último, hay un personaje secundario que da muestras de su ética (el único), al no firmar un documento por cumplir con un simple trámite sino porque considera que lo verdaderamente importante de su trabajo es el beneficio que genera en el ser humano y no un simple paripé(publicado en Páginas Digital).

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18th Oct2015

Marte

by Víctor Alvarado

the-martian-imagen-1De todos es conocida la afición de Ridley Scott por la historia, por un lado, y del espacio, el universo, las naves espaciales y los extraterrestres por otro. En este caso, este hombre de cine quiere cumplir el sueño de viajar a Marte, aunque sea de mentirijillas porque estrena Marte que cuenta con un reparto en el que destacan Matt Damon, cuya interpretación pensamos que huele a Óscar y Jessica Chastain, que la semana pasada hizo doblete, luciéndose con sobriedad, una mujer que destaca por su versatilidad y capacidad camaleónica.

 
Scott es un apasionado de la ciencia y está esperanzado que desaparezcan las películas de ciencia ficción para convertirse sólo en ciencia. Esta cinta versa sobre el planeta rojo y está basada en el libro, El marciano, del escritor de Andy Weir. Por lo visto, es una mezcla entre Apolo XIII y Náufrago, con lo que estamos ante una cinta que, a priori, ha podido ser un arma de doble filo porque o te atrapaba desde el principio, o podía haberse hecho realmente pesada porque un personaje sólo no suele aguantar demasiado bien en pantalla. Sin embargo, el cineasta ha resuelto con habilidad extraordinaria al contar el modo en que los habitantes de la tierra y sus compañeros viven la angustiosa situación de saber si es posible o no salvar a este Robinson Crusoe perdido en un lugar lejano. El realizador poco aficionado al uso del humor utiliza este recurso en innumerables ocasiones con acierto para desengrasar las escenas más áridas o dramáticas. Si quitamos alguna que otra situación, el ejercicio de supervivencia del personaje roza lo verosímil, razón por la cual, la película conecta con el espectador que se siente identificado con el protagonista.

 
Finalmente, el titular que podía acompañar a esta producción podría ser el de nada es imposible para el ser humano, si se lo propone; se esfuerza para lograrlo y se encuentra con compañeros generosos. Se agradece que, el realizador agnóstico confeso, apele a la trascendencia, en alguna que otra situación, de una forma bastante explícita y significativa, rompiendo los habituales estereotipos de los personajes latinos, mostrándolos como personas de una religiosidad sana, cariñosas, humanas y bastante simpáticas. Curiosamente, otro personaje secundario es consciente de que la felicidad se logra en buena medida con una familia numerosa y unida. Por último, hubiese sido interesante analizar el tema del sentimiento de culpa que sólo se apunta en algunos momentos puntuales (publicado en el Diario Ya).

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12th Oct2015

El coro

by Víctor Alvarado

el-coro-2014-cartelEl coro gana la partida desde el principio tan sólo al conocerse el reparto: Dustin Hoffman que obtuvo dos Óscar; Kathy Bates que tiene una estatuilla en su haber; Debra Winger tres veces nominada y así podríamos seguir y no terminar nunca.

 
La dirección ha corrido a cargo del canadiense, François Girard, el autor de El violín rojo, que ha contado con un gran guionista como Ben Ripley, que mostró su talento escribiendo el guión de una película de ciencia ficción como Código fuente (muy recomendable). Al realizador le gustó la idea de una historia de superación personal en la que unos chicos estrujan su voz, trabajando en un coro hasta que llegan a la pubertad y estas fueron sus declaraciones: “La brevedad de los coros de chicos nos recuerda que en este viaje por la vida siempre ganamos algo y perdemos algo. Los seres humanos tendemos hacia la percepción estática de nuestras experiencias, pero lo cierto es que cambiamos constantemente, nos movemos evolucionando sin cesar. Y pese a que queremos vivir con certezas, éstas se harán añicos de un modo u otro. Éstas son cosas ciertas para los chicos que cantan en el coro de esta historia, pero creo que todos podemos identificados con ellos”.

 
La película presenta un ritmo pausado, recreándose en las escenas musicales que los amantes del canto agradecerán gracias al talento de los alumnos de un conocido coro a nivel internacional. El largometraje adolece de alguna que otra situación cómica que le hubiera dado mayor dinamismo al relato. Algunos pueden encontrar ciertos paralelismos con Los chicos del coro, aunque la temática es similar, el argumento es completamente distinto y el nivel es de notable alto. Por otra parte, se hubiera agradecido alguna que otra conversación más porque una parte quedará a la imaginación del espectador. No obstante, el cineasta hablaba de este modo del citado guionista: “Era un guión lleno de verdad, con muchas capas, escrito por un escritor muy sensible que resulta ser también músico, lo que no es baladí, pues la música puede ser algo difícil de maridar con las palabras”.

 
Stet es un niño problemático, hijo de madre soltera, que tiene especiales dotes para el canto. El director de su escuela piensa que puede explotar su cualidad especial. El chaval tendrá la oportunidad de estudiar en un prestigioso colegio privado. Sin embargo, su incapacidad para adaptarse, pondrá en peligro la explotación de ese talento. Un peculiar profesor intentará hacerle reaccionar con escuetos, pero contundentes argumentos.

 
El tema fundamental de El coro es el de la capacidad de superación y los sacrificios que hay que hacer para sacar lo mejor de uno mismo. Sirve para reflexionar sobre los dones que nos dan y lo efímero de algunos de ellos, lo que nos pueden llevar a optar por dos caminos: el de venirse abajo o el de continuar superándose, con la vista puesta en otros objetivos. No deben perderse un par de escenas por el modo tan sugerente con el que están expuestas. En la primera escena el profesor aparece con sus alumnos y les habla sobre cómo autores creyentes crean obras como una forma de relacionarse con Dios. La segunda situación del director del coro es que se confiesa ateo, pero reconoce que la música es el arte más sublime y espiritual para conectar con la trascendencia. Les aconsejamos que no se pierdan la canción que puede escucharse al inicio de los créditos. La letra de la misma es bastante esclarecedora para comprender el mensaje principal de esta cinta (publicado en Diario Ya).

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04th Oct2015

El precio de la fama

by Víctor Alvarado

thumb_el-precio-de-la-fama_98449Estoy convencido de que en más de una ocasión han escuchado la expresión: “Hay personas que nacen con estrella y otras que nacen estrelladas”. Al director, Xavier Beauvois, le ocurre lo primero de lo que se deduce por su reducida filmografía de 6 trabajos en 20 años, que se puede decir que presenta un buen nivel. De este modo, nos encontramos que, por su debut cinematográfico por Nord, recibió dos nominaciones a los César franceses, mientras que consiguió dos premios en el Festival de Cannes por No olvides que vas a morir, aunque su obra maestra es, sin duda, De dioses y hombres, por la que obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el César a la Mejor película, en la que contaba con objetividad las luces de una congregación religiosa.

 
Y si las estrellas de esta película serían Charles Chaplin y el citado cineasta, los estrellados serían los protagonistas de El precio de la fama. En ella se cuenta la historia real de cómo dos vagabundos, en 1977, al enterarse de la muerte de uno de las grandes iconos del cine mudo junto a Buster Keaton y Harold Lloyd, profanaron su tumba y pidieron un rescate del célebre actor de bigote y bombín.

 
Las interpretaciones corresponden a un actor muy apropiado para el papel como Benoît Poelvoorde, que ya había protagonizado la inolvidable Tímidos anónimos, ya que su expresividad y gestualidad van en consonancia con la idea de dedicar interesantes y significativos momentos a homenajear al cine mudo. A este actor le acompaña Roschdy Zem.

 
El precio de la fama no llega ni por asomo al insuperable nivel de su anterior trabajo. Sin embargo, el calificativo de amable (le faltó un poco de mala idea) sería el más indicado para explicar lo que nos vamos a encontrar durante su visionado, puesto que la película, sin ser maravillosa, se deja ver, aunque se alarga innecesariamente porque el curioso argumento no debería de dar para más de 90 minutos. Cuando uno sale de la sala de proyección tiene la sensación de no haber visto gran cosa, pero tampoco de haber tirado el dinero. Su humor es de sonrisas más que de carcajadas. Por cierto, la banda sonora es delicada e inolvidable.

 
En este largometraje se apunta el drama de la inmigración. Sus personajes despiertan el sentimiento de ternura, que te toca el corazón, un valor fundamental en estos tiempos en los que vivimos. Sus gestos hacia el prójimo lo dicen todo, a pesar de su sencillez. Llama la atención la lealtad de una especie de mayordomo de Chaplin. La película está abierta a la trascendencia y es culturalmente cristiana, haciéndonos reflexionar sobre el arrepentimiento, que puede tener consecuencias positivas gracias a personas comprensivas (puplicado en Pantalla 90).

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27th Sep2015

Irrational man

by Víctor Alvarado

irrational-man-imagen-2El incombustible Woody Allen demuestra una gran capacidad como guionista y director, ya que todos los años saca una película adelante. Por esa razón, no todas presentan los mismos niveles de calidad. El año pasado nos hizo disfrutar a todos con Magia a la luz de la luna, la película más creyente de su trayectoria, si la comparamos con el resto de su filmografía, marcada por su óptica existencialista. De todas formas, vuelve a las andadas marcadamente pesimistas.

 
Abe Lucas es un profesor universitario desencantado y al que los líos de faldas le dejan vacío. Este hombre tiene varios encuentros amorosos coincidentes en el tiempo con una compañera de trabajo y una alumna con la que tendrá una conversación que le transformará.

 
Esta producción me ha sorprendido gratamente porque no esperaba absolutamente nada de ella, puesto que había leído críticas muy favorables o muy negativas. Sin embargo, quitando momentos puntuales, la película nos ha parecido lo suficientemente entretenida como para estar con la “antena” puesta la mayor parte del tiempo. A mitad de metraje nos encontramos con un par de situaciones en las que parece que va a perder interés, pero es en ese momento cuando se inicia la trama de intriga que te mantiene pegado a la butaca hasta el final de la proyección. La ironía y el cinismo salpican todo el largometraje, sacándote en varias ocasiones la sonrisa. Como dato curioso, los cinéfilos van a pillar el guiño cinematográfico a la película de Frank Capra, Arsénico por compasión protagonizada por Cary Grant y Priscilla Lane.

 
Los actores principales de esta cinta son Joaquin Phoenix, muy contenido haciendo de alter ego de Woody Allen y una Emma Stone sencillamente espléndida.

 
Esta producción hace un repaso al pensamiento filosófico de los últimos siglos como el de Kant, Nietzsche, Kierkegaard o los de la corriente existencialista encabezada por Jean Paul Sartre. Por otra parte, los temas que trata el realizador neoyorquino vuelven a ser los mismos de siempre, pues el protagonista se pregunta por el sentido la vida y, teniendo en cuenta su ateísmo militante, reconoce la natural tendencia del ser humano a escuchar la voz de su conciencia y la necesidad del hombre a regirse por lo que dictamina su moral. Finalmente, podemos decir que esta película es la respuesta a Match Point en el sentido de cómo el factor suerte influye en nuestras vidas (publicado en Diario Ya).

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20th Sep2015

La visita

by Víctor Alvarado

la-visita-cartel-1Últimamente, la familia y el género de terror han hecho buenas migas, funcionando a la perfección y con cierta hondura dramática para tratarse de unas producciones que sólo pretenden entretener. No nos olvidamos de Expediente Warren. The conjuring, Insidious, o, en este caso, La visita.

 
La actriz Kathrin Hahn interpreta a una mujer que tuvo una trifulca con sus padres cuando finalizaba la adolescencia por un amor incomprendido, marchándose de casa. Quince años más tarde, ella recibe la llamada de sus progenitores, que quieren conocer a sus nietos, por lo que los chavales viajan a su casa en el campo.

 
A la quinta llegó la vencida tras varios fracasos como La joven del agua, El incidente o Airbender, M. Night Shyamalan da una campanada relativa con su nuevo trabajo, La visita. La dirección ha correspondido a un cineasta que ha vuelto a dirigir una producción que va en la línea por la que muchos lo admirábamos y que era lo que le reclamaban sus seguidores, acuérdense de las inolvidables El sexto sentido, El protegido, que se ha convertido en una obra de culto con cada vez más adeptos, y Señales. El resultado es bastante satisfactorio y, sin ser el mejor de sus largometrajes o su creación más redonda, cumple las expectativas. Se ha buscado un amplio espectro de público, por lo que se podría calificar como una película no demasiado aterradora para ver en familia, aderezado con bastantes dosis de humor blanco después de cada susto. La pena es alguna que otra escena un tanto infantiloide. Por otro lado, el uso de la cámara al hombro agota en ciertos momentos y se agradece que se use en momentos puntuales.

 
Para ello ha contado con actores poco conocidos para evitar cualquier tipo de distracción. Por cierto, el realizador no tiene su habitual cameo a lo Alfred Hitchcock.

 
Como se puede comprobar en el libro escrito por Ramón Monedero en la editorial Encuentro, la familia tiene un especial significado en su filmografía. Piensen en La joven del agua, dedicado a sus seres queridos, o After Earth. Esta cinta defiende a la familia como el lugar donde se superan todas las dificultades, en la que el perdón puede que tenga o no la última palabra. Además, se hace referencia al daño que causa el rencor. Por otra parte, se refleja el dolor de los hijos cuando sus padres se separan y las huellas o secuelas psicológicas que se producen en los niños como la falta de autoestima o la aparición de manías(publicado en Páginas Digital).

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13th Sep2015

El maestro

by Víctor Alvarado

elmaestroLa educación es un tema que interesa a la inmensa mayoría de las personas. Todos hemos tenido un maestro o una profesora, que nos ha tocado el corazón. El cine nos ha ofrecido algunas muestras de cómo un docente puede lograr que unos chicos maduren y se promocionen en la vida. Seguro que les vienen a la mente títulos como Adiós Mr. Chips, Hoy empieza todo o El club de los poetas muertos.

 
Esta película está dirigida por Giacomo Campiotti, un imaginativo director que saca el máximo producto a cintas que, a priori, llegan a la cartelera con cierta desventaja. Este cineasta es el autor de una profunda cinta para adolescentes como Blanca como la nieve, roja como la sangre y el biopic Prefiero el paraíso, que contaba la vida del santo más simpático de la Iglesia católica, San Felipe Neri, una delicia para comprender qué significa ser cristiano, acuérdense de la célebre frase: ”Sed buenos, si podéis”.

 
La diferencia con El maestro radica en que está basada en hechos reales, demostrando que si uno se lo propone puede lograrlo. Este realizador explica que nos vamos a encontrar al acercarnos a esta pequeña joya: “La historia del maestro es importante no sólo para recordar a un gran hombre como Alberto Manzi, sino también para poner en el centro de atención, este momento dramático, la importancia de la escuela y de la educación de los chicos como base necesaria para la supervivencia de una convivencia social civilizada. Les enseña a pensar. Trabaja con ellos para formar a hombres libres, capaces de tomar decisiones libres. Esto es, para mí, la enseñanza más importante aún hoy para todos nosotros, desafortunadamente acostumbrados a quejarnos (aunque sea de forma justificada) no debemos renunciar a luchar y a protestar pero sin embargo, cualquier persona puede y debe continuar cumpliendo, también en las situaciones más difíciles, su propio deber en la manera más sincera, única, y creativa posible, realizando esos pequeños “milagros” que contagiarán a los que están a nuestro alrededor y mejorarán un poco el mundo”.

 
La interpretación de Claudio Santamaría nada tiene que envidiar a las grandes estrellas de Hollywood, pues nos parece repleta de matices. No nos olvidamos de dos personajes secundarios como Ricotta y el niño, por la naturalidad y la dulzura de sus actuaciones.

 
Esta producción explica, al estar basada en hechos reales, que es posible lograr que, chavales con tendencias delictivas, puedan aspirar a ser honrados ciudadanos, aunque el reto sea difícil. Lo importante es encontrar estrategias que permitan enfrentarse a misiones “imposibles”. Por otra parte, este largometraje puede ayudar a discernir sobre la vocación profesional, siendo la historia de una persona que se siente llamada a la enseñanza y a la que ningún obstáculo podrá impedir que este hombre transmita todo lo que lleva dentro, puesto que se implica en la vida de los niños para comprender que les ha llevado a cometer delitos y a ser como son. Hay que prestar atención al modo con el que se gana a los alumnos para poder desempeñar su labor y alcanzar su objetivo (publicado en Pantalla 90).

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06th Sep2015

Mientras seamos jóvenes

by Víctor Alvarado

7G5A3393.CR2Mientras seamos jóvenes es una comedia agridulce de una pareja de mediana edad que no ha podido tener niños, mientras sus amigos se entregan a la crianza de los hijos, lo que les permite conocer a gente, generalmente, más joven que ellos.

 
La dirección ha corrido a cargo de Noah Baumbach, recordado por Margot y la boda, Frances Ha o Una historia de Brooklyn, aunque tal vez su fuerte sea su trabajo de guionista. De todas formas, sus películas nunca son demasiado brillantes. La producción en cuestión presenta un ritmo cansino, cargado de conversaciones intrascendentes, salvo alguna que otra más o menos acertada. Estamos convencidos de que la producción pasará de puntillas por la taquilla, ya que no queda muy claro el público al que va destinado y el cartel no es muy atractivo. No obstante, hay una escena realmente divertida que es aquella en la que se critica, con inteligencia y gran sentido del humor, el funcionamiento de asociaciones que promueven el yoga, las técnicas de relajación y las religiones de la New Age.

 
La interpretación de Naomi Watts nos parece inmejorable y Ben Stiller, que nos tiene acostumbrados al histrionismo, no desentona y su físico encaja con el personaje.

 
El largometraje invita a pensar cómo afecta a la pareja no haber accedido a la paternidad cuando ves cómo tus amigos viven en esa etapa tan bonita y las consecuencias que ello tiene en el modo de no haber sabido afrontar el problema, al no tener nada a lo que agarrarse. Sorprende el modo tan extraño en que llenan esos momentos, aunque roza lo verosímil, porque se encuentran en tierra de nadie, pues han quemado etapas. Por esa razón, la única opción que les queda es relacionarse con personas de mentalidades distintas y edades inferiores que ellos. Por otra parte, la situación más interesante para ser analizada sería la del rigor con el que trabaja el protagonista como director de documentales, puesto que para él prima el interés científico que hacerlo atractivo frente a la falta de ética de los chavales más jóvenes de la misma profesión que manipulan los hechos, incluso mintiendo, en favor del espectáculo y el éxito comercial (publicado en Pantalla 90).

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30th Jul2015

Ant-man

by Víctor Alvarado

ant-man-cartel-3El éxito de Los guardianes de la galaxia ha provocado o ha permitido que Marvel/ Disney se lance a producir películas de superhéroes menos conocidos de la compañía creada por Martin Goodman. Varios han sido los personajes que se han enfundado el traje de Antman (agradecemos a Panini que nos haya enviado dos ejemplares como para poder hacer esta crítica comparada en profundidad). El primero, que es el más conocido de todos, fue el brillante científico Hank Pink creado por Stan Lee, Jack Kirby y Larry Lieber. Más tarde se enfundó el traje Scott Lang, un ladrón que renunciaba a la vida delincuente por su hija (John Byrne, Bob Layton y David Michelinie). Esta película relaciona a estos personajes, aunque sería injusto no reconocer que un gran experto en cómic como Robert Kirkman creó un tercer Hombre Hormiga bastante pícaro y travieso, llamado Eric O´Grady.

 

El protagonista de esta historia es el actor Paul Rudd en la que también participa el veterano Michael Douglas y la joven, Evangeline Lily, que reconoce que actuar no forma parte de sus prioridades y le permite hacer lo que quiere que es escribir; estar con su familia y trabajar en la ONG que dirige pero que si se pasa dos años sin actuar, no pasa nada, según comentó a Fotogramas.

 
Esta producción, dirigida por Peyton Reed, experto en comedias como Separados y Abajo el amor, busca el entendimiento entre el Hombre Hormiga original, Hank Pink, y el otro más moderno, Scott Lang, inspirado en el número 47 y 48 de Marvel Premire en 1979. La diferencia del cómic con respecto a la película es que en los cómics el encuentro entre ambos es casual, mientras que en el largometraje es forzado, pues Hank necesita al hombre idóneo para su plan. Otra gran diferencia es que cuando Pink se encuentra con Scott, Hank Pink es Chaqueta Amarilla. En cambio, en el largometraje, Chaqueta Amarilla es el supervillano. De todas formas, los guionistas, a pesar de que hacen un flashback de la historia de amor entre el Dr Pink y Janet Van Dyne, desaprovecharon la oportunidad de desarrollar y contar detalles de ese poderoso romance entre él y la Mujer Avispa que tanto juego dio en los Vengadores, a los que se le hace un guiño. Las escenas de acción están muy bien rodadas. El humor escaso en los cómics originales hará las delicias de los muchos espectadores que se acerquen a ella. Sin embargo, aunque se agradecen algunos de esos chistes, tenemos la impresión de que rompen el tono y le restan fuerza, pues ya se sabe el drama de muchos personajes de Marvel, ya que se trata de héroes con los pies de barro. Seres imperfectos, que poseen un don, con los que nos sentimos identificados y que pueden hacer grandes sacrificios por amor a sus seres queridos o a la humanidad.

 
La relación casi paterno-filial, que se establece entre los dos Hombres Hormiga, invita inmediatamente a pensar en el valor de la acogida. Puede llegarse a ver la relación tan intensa que se produce entre un “padre” que es capaz de ver más allá de la apariencia y que mira al corazón del otro. Por otra parte, el poder curativo de la reconciliación puede que haga acto de presencia en una sencilla escena que transmite la idea de la esperanza en la familia. También destaca que el uso de la ciencia debe tener unas limitaciones porque el fin no justifica los medios. En definitiva, se trata de una entretenida cinta de superhéroes, no de las mejores, pero que deja buen sabor de boca, recordándonos la importancia de las segundas oportunidades (publicado en Páginas digital).

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26th Jul2015

Todo saldrá bien

by Víctor Alvarado

todo-saldra-bien-2015-imagen2Parece que está de moda la cocina de autor, pero el cine de autor nunca se pasa de moda porque siempre habrá algunos que se rebelen contra lo establecido. En los últimos años, muchos hemos disfrutado con los trabajos de algunos de ellos como Los hermanos Dardenne con dos magníficas películas (Dos días, una noche y El niño de la bicicleta) o Ken Loach, autor de La parte de los ángeles y Buscando a Eric. En este caso, Win Wenders, muy reconocido por su trabajo en El cielo sobre Berlín, por la que obtuvo el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes, ha estrenado Todo saldrá bien.

 
Para ello, ha contado con un reparto potente encabezado por James Franco, al que acompañan Rachel McAdams, Charlotte Gainsbourg y María-Josée Croze, que lo hizo genial en una cinta de superación personal como La escafandra y la mariposa. El director demuestra gran dominio de la cámara. Tal vez, esto se deba a su gran afición al cine, pues tuvo una época en la que veía 5 películas al día. Sin embargo, lo que más llama la atención es que se haya atrevido a filmar un drama íntimo en 3 dimensiones, algo difícil de encajar para muchos seguidores del cine dramático. El resultado ha sido razonablemente bueno, teniendo en cuenta la dificultad de rodar una historia ambientada en distintas estaciones del año. El ritmo es lento, pausado, con la intención de que caigamos en la cuenta de lo que pasa por la mente del protagonista. En los primeros 20 minutos escasean los diálogos, lo que puede provocar que algunos abandonen su visionado, aunque luego aumentan las conversaciones y todo se hace más llevadero.

 

 

El realizador, que se ha definido en algunos medios de comunicación como cristiano de izquierdas, nos ofrece un relato de cierta riqueza antropológica que se hace la siguiente pregunta: ¿Cómo te perdonas a ti mismo cuando has hecho algo imperdonable? Estamos, por tanto, ante una historia de redención, ya que esa intranquilidad de su conciencia le hace plantearse su apertura hacia los afectados, haciendo lo necesario para curar o restañar las heridas, donde los silencios tienen su importancia.

 
La cinta plantea dos modos de afrontar una experiencia dolorosa, puesto que el cineasta, con bastante habilidad, nos explica que mediante la oración y la visita a una iglesia se suavizan y superan los problemas más rápido que quien no ha tenido esa experiencia con la trascendencia.

 
Por último, hay que prestar atención al reguero de símbolos que Win Wenders ha integrado en el metraje, porque son muy significativos, mostrando la religiosidad del director y sugiriendo que de, algún modo Dios también acompaña al ateo, poniendo “ángeles” en su vida (publicado en Pantalla 90).

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19th Jul2015

Eternal

by Víctor Alvarado

HW7A5136.CR2Este mes ha llegado a nuestra cartelera una producción de ciencia ficción de un nivel algo superior a la media con un planteamiento original con tintes de crítica social, protagonizado por Ben Kingsley y Ryan Reynolds.

 
Damien es un hombre de éxito, tanto en lo profesional como en lo económico, que padece una enfermedad terminal. Le proponen la posibilidad de obtener la inmortalidad, pagando una fuerte suma de dinero.

 
La dirección ha corrido a cargo de Tarsem Singh, un cineasta indio capaz de realizar películas razonablemente entretenidas como Immortals o Blancanieves (Mirror, Mirror). Los encargados de que este trabajo haya ido por el buen camino han sido los guionistas españoles, Alex y David Pastor, autores de Infectados y Los últimos días, lo que les ha abierto las puertas a Hollywood. El guión nos parece aparentemente bien construido con alguna pega, que busca un amplio espectro de público.

 

 

Cuando uno sale de la sala de proyección, después de haber visto la película, el sabor de boca es muy positivo. No obstante, si la analizas fríamente te empiezas a dar cuenta de ciertos detalles que la hacen más convencional de lo que pudiera parecer en un principio. Tal vez, hubiese sido una buena idea haber reducido el número de escenas de acción, ya que restan verosimilitud a la historia, cuya idea principal nos parece acertada, pues abre el debate sobre los límites de la ciencia y de los peligros de jugar a ser dioses. Si se presta atención al modo de actuar del protagonista, uno puede llegar a la conclusión de que la ética tiene cierta importancia en sus decisiones, ya que se muestra partidario de los avances de la ciencia siempre que no interfieran en el prójimo. Por otra parte, merece la pena hacer un seguimiento a otro personaje que coincide en el modo de pensar de su compañero, que presenta un concepto de la ética relativo en el uso de la ciencia.

 

 

Sin embargo, la trama no se que ahí, porque plantea una interesante idea sobre la necesidad de estar preparado para la muerte y la conveniencia de dejar ordenada ciertas cuestiones pendientes sobre nuestra vida personal (Pantalla 90).

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12th Jul2015

¿Te acuerdas de mí?

by Víctor Alvarado

te-acuerdas-de-mi_97884El cine italiano está muy polarizado, pero ¿Te acuerdas de mí? , podríamos decir que se encuentra en el centro. Se trata de una comedia romántica que, en su planteamiento, guarda ciertos paralelismos con 50 primeras citas, protagonizada por Adam Sandler y Drew Barrymore.

 

La producción está dirigida por Rolando Ravello. Este hombre de cine es un actor muy considerado, que debutó como cineasta en 2012 con Todos contra todos, escrita y protagonizada por él, donde obtuvo el Premio del Público en la última edición del Festival de Nantes, lo que le ha abierto las puertas para su segundo trabajo.

 

Roberto y Bea son dos personas que se conocen desde niños, aunque ellos no lo saben cuando se reencuentran en una clínica de psicología, ya que ambos sufren unas peculiares enfermedades, pues él es un cleptómano, mientras que ella padece una narcolepsia, que le impide recordar su pasado cada vez que tiene un episodio de sueño cuando se emociona.

 

Para este cuento de hadas moderno con príncipe y princesa de carne y hueso, el realizador ha contado con Ambra Angiolini, conocida en España por la canción: Te pertenezco, y Edoardo Leo. Los actores nos parecen inmejorables. Sin embargo, para muchos esta película puede pasar desapercibida y puede que no tenga demasiado tirón. Estamos convencidos de que, si estuviera protagonizada por actores estadounidenses de cierta enjundia, este largometraje tendría un éxito rotundo, pues está sustentada por buenos cimientos. Las escenas están cargadas de magia y de un simpático sentido del humor, más de sonrisas que de carcajadas.

 

Esta cinta defiende la idea de que el amor es una conquista diaria. Un amor entendido como un esfuerzo, una lucha, no tan sólo un sentimiento. La persistencia de querer a alguien de verdad en la salud y en la enfermedad, al igual que vemos en las promesas matrimoniales. No se queda en la fase del enamoramiento, sino que nos sugiere implícitamente algo más profundo, pudiendo ser bastante útil para esos jóvenes tan acostumbrados a las separaciones o divorcios de sus padres y que quieran cambiar el “chip”(publicado en Diario Ya).

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