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06th Sep2015

Mientras seamos jóvenes

by Víctor Alvarado

7G5A3393.CR2Mientras seamos jóvenes es una comedia agridulce de una pareja de mediana edad que no ha podido tener niños, mientras sus amigos se entregan a la crianza de los hijos, lo que les permite conocer a gente, generalmente, más joven que ellos.

 
La dirección ha corrido a cargo de Noah Baumbach, recordado por Margot y la boda, Frances Ha o Una historia de Brooklyn, aunque tal vez su fuerte sea su trabajo de guionista. De todas formas, sus películas nunca son demasiado brillantes. La producción en cuestión presenta un ritmo cansino, cargado de conversaciones intrascendentes, salvo alguna que otra más o menos acertada. Estamos convencidos de que la producción pasará de puntillas por la taquilla, ya que no queda muy claro el público al que va destinado y el cartel no es muy atractivo. No obstante, hay una escena realmente divertida que es aquella en la que se critica, con inteligencia y gran sentido del humor, el funcionamiento de asociaciones que promueven el yoga, las técnicas de relajación y las religiones de la New Age.

 
La interpretación de Naomi Watts nos parece inmejorable y Ben Stiller, que nos tiene acostumbrados al histrionismo, no desentona y su físico encaja con el personaje.

 
El largometraje invita a pensar cómo afecta a la pareja no haber accedido a la paternidad cuando ves cómo tus amigos viven en esa etapa tan bonita y las consecuencias que ello tiene en el modo de no haber sabido afrontar el problema, al no tener nada a lo que agarrarse. Sorprende el modo tan extraño en que llenan esos momentos, aunque roza lo verosímil, porque se encuentran en tierra de nadie, pues han quemado etapas. Por esa razón, la única opción que les queda es relacionarse con personas de mentalidades distintas y edades inferiores que ellos. Por otra parte, la situación más interesante para ser analizada sería la del rigor con el que trabaja el protagonista como director de documentales, puesto que para él prima el interés científico que hacerlo atractivo frente a la falta de ética de los chavales más jóvenes de la misma profesión que manipulan los hechos, incluso mintiendo, en favor del espectáculo y el éxito comercial (publicado en Pantalla 90).

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30th Jul2015

Ant-man

by Víctor Alvarado

ant-man-cartel-3El éxito de Los guardianes de la galaxia ha provocado o ha permitido que Marvel/ Disney se lance a producir películas de superhéroes menos conocidos de la compañía creada por Martin Goodman. Varios han sido los personajes que se han enfundado el traje de Antman (agradecemos a Panini que nos haya enviado dos ejemplares como para poder hacer esta crítica comparada en profundidad). El primero, que es el más conocido de todos, fue el brillante científico Hank Pink creado por Stan Lee, Jack Kirby y Larry Lieber. Más tarde se enfundó el traje Scott Lang, un ladrón que renunciaba a la vida delincuente por su hija (John Byrne, Bob Layton y David Michelinie). Esta película relaciona a estos personajes, aunque sería injusto no reconocer que un gran experto en cómic como Robert Kirkman creó un tercer Hombre Hormiga bastante pícaro y travieso, llamado Eric O´Grady.

 

El protagonista de esta historia es el actor Paul Rudd en la que también participa el veterano Michael Douglas y la joven, Evangeline Lily, que reconoce que actuar no forma parte de sus prioridades y le permite hacer lo que quiere que es escribir; estar con su familia y trabajar en la ONG que dirige pero que si se pasa dos años sin actuar, no pasa nada, según comentó a Fotogramas.

 
Esta producción, dirigida por Peyton Reed, experto en comedias como Separados y Abajo el amor, busca el entendimiento entre el Hombre Hormiga original, Hank Pink, y el otro más moderno, Scott Lang, inspirado en el número 47 y 48 de Marvel Premire en 1979. La diferencia del cómic con respecto a la película es que en los cómics el encuentro entre ambos es casual, mientras que en el largometraje es forzado, pues Hank necesita al hombre idóneo para su plan. Otra gran diferencia es que cuando Pink se encuentra con Scott, Hank Pink es Chaqueta Amarilla. En cambio, en el largometraje, Chaqueta Amarilla es el supervillano. De todas formas, los guionistas, a pesar de que hacen un flashback de la historia de amor entre el Dr Pink y Janet Van Dyne, desaprovecharon la oportunidad de desarrollar y contar detalles de ese poderoso romance entre él y la Mujer Avispa que tanto juego dio en los Vengadores, a los que se le hace un guiño. Las escenas de acción están muy bien rodadas. El humor escaso en los cómics originales hará las delicias de los muchos espectadores que se acerquen a ella. Sin embargo, aunque se agradecen algunos de esos chistes, tenemos la impresión de que rompen el tono y le restan fuerza, pues ya se sabe el drama de muchos personajes de Marvel, ya que se trata de héroes con los pies de barro. Seres imperfectos, que poseen un don, con los que nos sentimos identificados y que pueden hacer grandes sacrificios por amor a sus seres queridos o a la humanidad.

 
La relación casi paterno-filial, que se establece entre los dos Hombres Hormiga, invita inmediatamente a pensar en el valor de la acogida. Puede llegarse a ver la relación tan intensa que se produce entre un “padre” que es capaz de ver más allá de la apariencia y que mira al corazón del otro. Por otra parte, el poder curativo de la reconciliación puede que haga acto de presencia en una sencilla escena que transmite la idea de la esperanza en la familia. También destaca que el uso de la ciencia debe tener unas limitaciones porque el fin no justifica los medios. En definitiva, se trata de una entretenida cinta de superhéroes, no de las mejores, pero que deja buen sabor de boca, recordándonos la importancia de las segundas oportunidades (publicado en Páginas digital).

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26th Jul2015

Todo saldrá bien

by Víctor Alvarado

todo-saldra-bien-2015-imagen2Parece que está de moda la cocina de autor, pero el cine de autor nunca se pasa de moda porque siempre habrá algunos que se rebelen contra lo establecido. En los últimos años, muchos hemos disfrutado con los trabajos de algunos de ellos como Los hermanos Dardenne con dos magníficas películas (Dos días, una noche y El niño de la bicicleta) o Ken Loach, autor de La parte de los ángeles y Buscando a Eric. En este caso, Win Wenders, muy reconocido por su trabajo en El cielo sobre Berlín, por la que obtuvo el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes, ha estrenado Todo saldrá bien.

 
Para ello, ha contado con un reparto potente encabezado por James Franco, al que acompañan Rachel McAdams, Charlotte Gainsbourg y María-Josée Croze, que lo hizo genial en una cinta de superación personal como La escafandra y la mariposa. El director demuestra gran dominio de la cámara. Tal vez, esto se deba a su gran afición al cine, pues tuvo una época en la que veía 5 películas al día. Sin embargo, lo que más llama la atención es que se haya atrevido a filmar un drama íntimo en 3 dimensiones, algo difícil de encajar para muchos seguidores del cine dramático. El resultado ha sido razonablemente bueno, teniendo en cuenta la dificultad de rodar una historia ambientada en distintas estaciones del año. El ritmo es lento, pausado, con la intención de que caigamos en la cuenta de lo que pasa por la mente del protagonista. En los primeros 20 minutos escasean los diálogos, lo que puede provocar que algunos abandonen su visionado, aunque luego aumentan las conversaciones y todo se hace más llevadero.

 

 

El realizador, que se ha definido en algunos medios de comunicación como cristiano de izquierdas, nos ofrece un relato de cierta riqueza antropológica que se hace la siguiente pregunta: ¿Cómo te perdonas a ti mismo cuando has hecho algo imperdonable? Estamos, por tanto, ante una historia de redención, ya que esa intranquilidad de su conciencia le hace plantearse su apertura hacia los afectados, haciendo lo necesario para curar o restañar las heridas, donde los silencios tienen su importancia.

 
La cinta plantea dos modos de afrontar una experiencia dolorosa, puesto que el cineasta, con bastante habilidad, nos explica que mediante la oración y la visita a una iglesia se suavizan y superan los problemas más rápido que quien no ha tenido esa experiencia con la trascendencia.

 
Por último, hay que prestar atención al reguero de símbolos que Win Wenders ha integrado en el metraje, porque son muy significativos, mostrando la religiosidad del director y sugiriendo que de, algún modo Dios también acompaña al ateo, poniendo “ángeles” en su vida (publicado en Pantalla 90).

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19th Jul2015

Eternal

by Víctor Alvarado

HW7A5136.CR2Este mes ha llegado a nuestra cartelera una producción de ciencia ficción de un nivel algo superior a la media con un planteamiento original con tintes de crítica social, protagonizado por Ben Kingsley y Ryan Reynolds.

 
Damien es un hombre de éxito, tanto en lo profesional como en lo económico, que padece una enfermedad terminal. Le proponen la posibilidad de obtener la inmortalidad, pagando una fuerte suma de dinero.

 
La dirección ha corrido a cargo de Tarsem Singh, un cineasta indio capaz de realizar películas razonablemente entretenidas como Immortals o Blancanieves (Mirror, Mirror). Los encargados de que este trabajo haya ido por el buen camino han sido los guionistas españoles, Alex y David Pastor, autores de Infectados y Los últimos días, lo que les ha abierto las puertas a Hollywood. El guión nos parece aparentemente bien construido con alguna pega, que busca un amplio espectro de público.

 

 

Cuando uno sale de la sala de proyección, después de haber visto la película, el sabor de boca es muy positivo. No obstante, si la analizas fríamente te empiezas a dar cuenta de ciertos detalles que la hacen más convencional de lo que pudiera parecer en un principio. Tal vez, hubiese sido una buena idea haber reducido el número de escenas de acción, ya que restan verosimilitud a la historia, cuya idea principal nos parece acertada, pues abre el debate sobre los límites de la ciencia y de los peligros de jugar a ser dioses. Si se presta atención al modo de actuar del protagonista, uno puede llegar a la conclusión de que la ética tiene cierta importancia en sus decisiones, ya que se muestra partidario de los avances de la ciencia siempre que no interfieran en el prójimo. Por otra parte, merece la pena hacer un seguimiento a otro personaje que coincide en el modo de pensar de su compañero, que presenta un concepto de la ética relativo en el uso de la ciencia.

 

 

Sin embargo, la trama no se que ahí, porque plantea una interesante idea sobre la necesidad de estar preparado para la muerte y la conveniencia de dejar ordenada ciertas cuestiones pendientes sobre nuestra vida personal (Pantalla 90).

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12th Jul2015

¿Te acuerdas de mí?

by Víctor Alvarado

te-acuerdas-de-mi_97884El cine italiano está muy polarizado, pero ¿Te acuerdas de mí? , podríamos decir que se encuentra en el centro. Se trata de una comedia romántica que, en su planteamiento, guarda ciertos paralelismos con 50 primeras citas, protagonizada por Adam Sandler y Drew Barrymore.

 

La producción está dirigida por Rolando Ravello. Este hombre de cine es un actor muy considerado, que debutó como cineasta en 2012 con Todos contra todos, escrita y protagonizada por él, donde obtuvo el Premio del Público en la última edición del Festival de Nantes, lo que le ha abierto las puertas para su segundo trabajo.

 

Roberto y Bea son dos personas que se conocen desde niños, aunque ellos no lo saben cuando se reencuentran en una clínica de psicología, ya que ambos sufren unas peculiares enfermedades, pues él es un cleptómano, mientras que ella padece una narcolepsia, que le impide recordar su pasado cada vez que tiene un episodio de sueño cuando se emociona.

 

Para este cuento de hadas moderno con príncipe y princesa de carne y hueso, el realizador ha contado con Ambra Angiolini, conocida en España por la canción: Te pertenezco, y Edoardo Leo. Los actores nos parecen inmejorables. Sin embargo, para muchos esta película puede pasar desapercibida y puede que no tenga demasiado tirón. Estamos convencidos de que, si estuviera protagonizada por actores estadounidenses de cierta enjundia, este largometraje tendría un éxito rotundo, pues está sustentada por buenos cimientos. Las escenas están cargadas de magia y de un simpático sentido del humor, más de sonrisas que de carcajadas.

 

Esta cinta defiende la idea de que el amor es una conquista diaria. Un amor entendido como un esfuerzo, una lucha, no tan sólo un sentimiento. La persistencia de querer a alguien de verdad en la salud y en la enfermedad, al igual que vemos en las promesas matrimoniales. No se queda en la fase del enamoramiento, sino que nos sugiere implícitamente algo más profundo, pudiendo ser bastante útil para esos jóvenes tan acostumbrados a las separaciones o divorcios de sus padres y que quieran cambiar el “chip”(publicado en Diario Ya).

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05th Jul2015

El niño 44

by Víctor Alvarado

el-nino-44-poster-cartelNo suele ser muy habitual que en un thriller aprovechen la oportunidad para criticar a regímenes de la órbita comunista. No obstante, existen excelentes excepciones como La vida de los otros o Bárbara. Hace unas semanas se estrenó El niño 44, que es una adaptación del éxito de ventas de Tom Rob Smith en la que se habla del psicópata Andrei Chikatilo, más conocido como “El Carnicero de Rostov”, que mató a gran cantidad de personas, sobre todo, niños, de ahí el título de la obra.

 
La dirección ha corrido a cargo de Daniel Espinosa que, aunque suene a español, es sueco, siendo su tercer trabajo tras El invitado y Dinero fácil. Tengo que decir que este drama de suspense me parece impecable y que, no resultando demasiado inquietante, te atrapa por lo bien contada que está la historia y por lo bien que van dosificando la información, donde ninguna conversación tiene desperdicio.

 

 

El reparto lo encabezan Tom Hardy, recordado por la última entrega de Mad Max y Naomi Rapace, protagonista de la saga de Stieg Larsson, Millennium. Y si las caracterizaciones son magníficas, las buenas interpretaciones hacen el resto. Tom Hardy interpreta a un agente dedicado a detectar traidores a Stalin, tal y como declaró a Fotogramas: “Es un huérfano que se convierte en héroe de guerra, un símbolo del comunismo que cae en desgracia cuando pierde la fe en el régimen y se niega a denunciar por traición a su esposa.”

 
El citado escritor de la novela en la que se basa esta película declaró a Cinerama que lo estupendo de las historias de detectives y de investigaciones policiales es que reflejan mucho sobre la sociedad en las que se producen. Si se quiere entender el mundo, no hay nada más que fijarse en cómo actúa la policía de un determinado lugar. Lo que me da pie para hablar del protagonista que, a pesar de ser un policía político, muestra una ética que le impide actuar en contra de sus principios. Nos parece interesante el modo en que este va evolucionando, dándose cuenta de que esos ideales que defendía eran una falsedad. Por último, el director presta una especial atención al valor de la acogida.

 

 

Por otra parte, la cinta deja caer la dureza de los gobiernos totalitarios, en este caso, el comunista, cuyas barbaridades han sido silenciadas por algunos medios de comunicación, llama la atención como liquidaban a quien no pensaba como ellos o la forma en que los trasladaban a los temidos gulags (publicado en Páginas Digital).

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28th Jun2015

Con todas nuestras fuerzas

by Víctor Alvarado

con-todas-nuestras-fuerzas_97816El cine de superación personal funciona realmente bien en taquilla y suele ser una buena alternativa al cine comercial y los blockbusters, puesto que no sólo entretiene, sino que habla del valor del sacrificio. Demuestra que todo es posible, si uno se lo propone.

 

Curiosamente, a nivel casero, existen numerosos ejemplos. De hecho, la historia que en Con todas nuestras fuerzas se cuenta tiene que ver con una noticia muy comentada y con un video que tiene gran cantidad de visitas en el archiconocido YouTube. Existen numerosas producciones que nos cuentan unas hazañas que rozan lo increíble, pero que son reales como la vida misma, acuérdense de La escafandra y la mariposa o las más recientes Invencible, La teoría del todo y La historia de Marie Heurtin.

 
En esta ocasión, le toca el turno a Con todas nuestras fuerzas, una historia basada en hechos reales, dirigida por Nils Tavernier, el hijo de Bertrand Tavernier, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona. Este cineasta proviene del mundillo de los documentales y, en parte se nota. Sin embargo, ha querido cargar la mano en la épica como si de una película americana de deportes se tratara. El film se deja ver, pero no destaca demasiado por su profundidad, ni es demasiado emocionante, aunque el mensaje es positivo. Por cierto, esta cinta la distribuye A Contracorriente Films que está trayendo buenos productos franceses a España.

 
Este largometraje demuestra lo que un padre puede hacer por un hijo; es decir, amor con mayúsculas, participando, en este caso, en un Iroman que es como un triatlon, pero de grandes dimensiones. Este hecho permite reflexionar sobre el modo tan distinto, aunque no se puede generalizar, que tiene un padre y una madre de afrontar una grave enfermedad de un hijo, pues la mujer se suele volcar y el hombre se puede quedar al margen. Esta producción explica el acercamiento de un hijo a un padre que quiere hacerle partícipe de un sueño. Por otra parte, esta cinta es un canto a la familia y hay que prestar atención a un discurso de la hija del matrimonio que sirve para subrayar lo que un miembro de la familia siente por el otro y el significado de querer a una persona de corazón. Llama la atención este personaje porque demuestra como los hermanos de niños con graves problemáticas suelen afrontarla con gran madurez.

 

 

Finalmente, el reparto lo componen Jacques Gamblin (Pequeña Lola), Alexandra Lamy (Ricky) y Fabien Héraud (publicado en Diario Ya).

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21st Jun2015

Ahora o nunca

by Víctor Alvarado

ahora-o-nunca-cartel-posterLa directora María Ripoll alejada de las tesis ideológicas de sus compañeros de profesión ofrece un cine fresco, diferente y entretenido como ha demostrado con notables producciones como Lluvia en los zapatos o, la reciente y con valores, Rastros de sándalo. En esta ocasión ha optado por una comedia protagonizada por dos actores como Dani Rovira y María Valverde. No obstante, aunque le podemos dar un aprobado, este trabajo está muy por debajo del nivel de la cineasta. Para prepararse el papel, la citada actriz estuvo viendo La cosa más dulce y La boda de mi mejor amigo, mientras que Rovira se inspiró en el inolvidable Peter Sellers.

 
Después de 10 años de noviazgo, Alex y Eva toman la decisión de casarse en el lugar donde se conocieron, un pueblecito de la campiña inglesa. Sin embargo, no todo sale como ellos pensaban porque los últimos días antes del esperado evento se convierten en una odisea.

 
Ahora o nunca recuerda a Confidencias a medianoche por sus encuentros telefónicos, acuérdense de esas chispeantes conversaciones entre Doris Day y Rock Hudson, siendo una mezcla entre comedia romántica y gamberra. Por lo visto, ambos intérpretes apenas coinciden en pantalla. Todo transcurre a base de llamadas telefónicas. Por eso María Valverde explicó lo siguiente a Fotogramas:”En una relación es mucho más fácil crearla mirándose a los ojos que por teléfono. Por eso era importante que, en las llamadas, estuviéramos presentes los dos, dándonos la réplica”. Esta comedia presenta escenas realmente divertidas. Al mismo tiempo nos encontramos otras escenas que se alargan innecesariamente y no son todo lo graciosas que debieran. Por otra parte, utiliza un lenguaje, en un par de ocasiones, que puede ofender a las creencias de la personas.

 

El largometraje expresa el sentir de la juventud actual desencantada de las relaciones de pareja. En contraposición con lo negativo, destacamos la forma de pensar del protagonista, al que apodan el “planes”, transmite la idea, a lo mejor sin ser consciente, de la necesidad de tener un proyecto de vida, que no es que esté desarrollado en profundidad, pero el hecho de que quiera planificar como le gustaría que fuese su vida, ya es un paso de cierta importancia (publicado en Páginas digital).

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14th Jun2015

Viaje a Sils María

by Víctor Alvarado

viaje-a-sils-maria-posterA esta película la podríamos titular como “la veteranía frente a la juventud”, puesto que la belleza madura de Juliet Binoche se enfrenta al estilo posmoderno de Kristen Stewart, recordada por la saga de Crepúsculo, que intenta cambiar de registro con un papel muy distinto y lo consigue con nota.

 

La cinta está dirigida por un consolidado cineasta, autor de Carlos y Las horas del verano. Nos estamos refiriendo a Olivier Assayas. Juliet Binoche ha tenido cierta dificultad para conectar con el realizador porque ella prepara con su asistente los diálogos de manera sistemática, lo que choca con la forma de trabajar del director parisino, al que no le gusta el ensayo para potenciar la frescura. Por otra parte, éste se ha atrevido con denso y difícil argumento. Sin embargo, a diferencia de otras, no parece pretenciosa. Es una película que puede no gustar al público medio, tanto por la complejidad de los diálogos como que se sustenta prácticamente en dos personajes sobre los que recae el ochenta por ciento de la historia, más apropiada para el teatro que para el cine. La primera hora es más pesada que la segunda que va creciendo a medida que transcurren los minutos.

 
Y es que varias han sido las producciones que tratan este tema en los últimos años desde que Sofía Coppola abriera el tarro de las esencias con la soporífera Somewhere. En el plazo de 4 meses, hemos podido ver en España: Birdman dirigida por González Iñarritu; La sombra del actor protagonizada por Al Pacino y Viaje a Sils María que es la más seria y realista, siendo la que mejor explica los egos o la banalidad de los actores porque no es histriónica como la protagonizada por Michael Keaton. El cineasta humaniza a la protagonista dando una de cal y otra de arena.

 
El personaje de Kristen es interesante porque está repleto de matices y cargado de sentido común, mostrando su gran sinceridad que es una de las cualidades de los jóvenes del siglo XXI, que contrasta con la falta de contacto con la realidad de la diva. Viaje a Sils María es una crítica a la frivolidad del mundo del cine y del teatro. La película puede ayudar a las personas a que sepan aceptar y reconocer que hay una cosa para cada momento (publicado en Diario Ya).

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07th Jun2015

Requisitos para ser una persona normal

by Víctor Alvarado

requisitos-para-ser-una-persona-normal-cartelEsta producción viene respaldada por un premio paralelo al Festival de Cine Español de la capital de La Costa del Sol. La cinta obtuvo el prestigioso premio Signis de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación. En una interesante entrevista en Diócesis Málaga, la actriz, guionista y directora declaró lo siguiente: “En esta película, el éxito no tiene que ver con los mensajes que manda la sociedad, sino con conocerte a ti mismo y aceptarte como eres. Este largometraje intenta que rompamos el muro invisible entre padres e hijos para decirse que se quieren. Es, por tanto, una película de sentimientos que hacen falta en los tiempos que corren y es una película que te dibuja una sonrisa en el rostro y creo que en el corazón.”

 

María es una mujer a la que la vida no le sonríe, pues no tiene trabajo; no se habla con su madre y no tiene novio. Un día conoce a Borja (Manuel Burque), un chico rellenito que siempre está a régimen. Ambos hacen un trato para ayudarse mutuamente.

 

La dirección ha corrido a cargo de Leticia Dolera. El resultado es una notable comedia, al estilo del cine indie, con algún que otro homenaje cinéfilo y una buena banda sonora country que recuerda a Juno (y es que esta mujer pasa a formar parte de ese grupo de mujeres menos politizadas, que sus compañeros españoles de profesión, que se dedican a hacer cine con mayúsculas como han demostrado otras como María Ripoll, Belén Macías, Gracia Querejeta o Icíar Bollaín). Requisitos para ser una persona normal les va sorprender por muchas cosas porque no parece una película española; porque en un striptease no se quitan la ropa; porque no habla de la Guerra Civil; porque el guiño a la ideología de género provoca ternura; porque la música es pegadiza; porque dignifica a las personas con síndrome de Down; porque el humor es blanco; porque hasta no desentonan los chistes escatológicos; porque siendo una comedia gamberra, no lo parece; o porque está abierta a la trascendencia y aparece una sugerente oración de la protagonista entre unos globos, mientras escucha una canción.

 
El tema de la incomunicación familiar en la sociedad postmoderna está muy bien reflejado, constatando que la falta de referentes dificulta el pleno desarrollo de la persona hasta que se corrige, ya sea mediante el perdón, ya sea con ayuda psicológica (publicado en Pantalla 90).

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31st May2015

Nuestro último verano en Escocia

by Víctor Alvarado

'WHAT WE DID ON OUR HOLIDAYS'La mejor forma de vender esta película sería del siguiente modo: si te gustó Pequeña Miss Sunshine, este largometraje te encantará, pues se mueve en los mismos temas que su predecesora reflexionando sobre la familia.

 

Los encargados de llevar este proyecto a buen puerto han sido los británicos Andy Hamilton y Guy Jenkin, recordados por la exitosa comedia de situación Outnumbered que los ha catapultado hasta el estrellato, ya que, por otra parte, Nuestro último verano en Escocia ha obtenido unos buenos resultados en taquilla. Las dos primeras semanas de recaudación fueron muy potentes en Gran Bretaña, superando los 2.700.000 euros en 10 días en cartel. Estamos ante una comedia alocada que guarda ciertos paralelismos con un cómic. El guión es brillante, salvo por haber creado un personaje muy forzado y metido con calzador, que hace un guiño a la ideología de género. Se percibe que los directores son auténticos cinéfilos, al haber incluido un chiste sobre la cinta animada Wallace y Gromit junto a muchos detalles de la inolvidable Vikingos de Richard Fleischer, protagonizada por Kirk Douglas y Tony Curtis.

 

La producción está protagonizada por Rosamund Pike que triunfó el año pasado por la intensa y desagradable Perdida. A la actriz le acompaña Andy Tenant, un popular actor televisivo que participó en Doctor Who y que cuenta con muchos seguidores en la serie Broadchurch. Los niños son extraordinarios. Éstos parecen sacados de la vida real, destacando por la naturalidad y la frescura de sus interpretaciones.

 

En este largometraje, si uno se queda en la superficie, sólo puede le servir para pasar una deliciosamente entretenida tarde de cine. Sin embargo, si uno presta una pizca de atención, puede sacar interesantes conclusiones. Nuestro último verano en Escocia ofrece una radiografía de la sociedad actual del estado en el que se encuentran los matrimonios en continua crisis, lo que provoca inseguridades y problemas psicológicos en los hijos, que se encuentran desorientados cuando sus padres discuten o se separan. Por otra parte, podemos decir que está abierta a la trascendencia, aunque de forma bastante sui generis, tan sólo entendible en esta obra con tintes surrealistas.

 
No deben perderse al personaje del abuelo y la relación que establece con sus nietos, pues sabe ver lo que otros no ven en ellos, enseñándoles, a su particularísimo modo, a crecer como personas y a ser felices.
Finalmente lanzamos la siguiente pregunta: ¿qué tiene que decir el perdón en toda esta historia?

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24th May2015

Caza al asesino

by Víctor Alvarado

cazagunman-imagen-1Como todos nuestros lectores saben, los cineastas españoles están dejando a un lado la política, quitando al ganador de La isla mínima curiosamente, para centrarse en intensos dramas y en cintas de acción e intriga como la producida, en este caso y en parte, por la productora española Nostromo Pictures.

 

Sin embargo, un francés ha sido el encargado de llevar a cabo este proyecto, dada su alta capacidad para este tipo de trabajos, como ya demostró con la entretenida Venganza, protagonizada por Leam Neeson. Conociendo el dinamismo que Pierre Morel imprime a sus producciones, extraña que el ritmo de ésta sea irregular, cargado de conversaciones intrascendentes. Todo parece bastante forzado, tal y como se desarrolla la historia, no resulta creíble a pesar de contar con el respaldo de una novela de Jean-Patrick Manchete en la que apoyarse. No obstante, hasta el título es tan poco original que hace dos años se estrenó otra cinta con el mismo nombre. Llama la atención una escena de acción de la película que se ha rodado en una plaza de toros española.

 

Para ello, ha contado con un reparto de lujo encabezado por Idris Elba, Javier Bardem y Sean Penn. Las interpretaciones no son nada del otro mundo, si exceptuamos la de Idris Elba. La cinta busca el lucimiento corporal de Penn como si se tratase de Sylvester Stallone.

 

La película es violenta como todas las del cineasta en la que el protagonista intenta redimirse de un oscuro pasado como espía, colaborando con una ONG con la intención de cambiar la realidad que le rodea. Ya es de agradecer que una cinta de estas características se acuerde de la importante labor de los cooperantes, aunque se quiere ser políticamente correcto, al no mostrar las inquietudes interiores de esos voluntarios que, en apariencia, altruistamente se entregan a esa causa. Por otra parte, el largometraje nos ofrece una introducción tratando de explicar el motivo de los conflictos en África como el de que la riqueza de esos países está en manos extranjeras, mostrando como naciones potencialmente ricas se encuentran cada vez con una población más empobrecida. En cierta medida es una crítica a las grandes multinacionales que atentan contra la dignidad de los habitantes de las zonas mineras sólo mirando su propio interés (publicado en Pantalla 90).

 

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17th May2015

La profesora de Historia

by Víctor Alvarado

la-profesora-de-historia-imagenLes confieso que soy un apasionado de la historia, aunque soy consciente de que a todas las personas no les gusta. No obstante, eso depende del libro que te hayas leído o de la persona que te haya hablado de ella, que si es capaz de entusiasmarte, seguro que te acabas enganchando. Yo he tenido profesores razonablemente motivadores y un padre enamorado de la materia. La directora Marie-Castille Metion-Schaar ha demostrado que es posible lograrlo, incluso, en los ámbitos menos propicios.

 

Esta mujer de cine ha dirigido La profesora de Historia, que está basada en hechos reales, pues cuenta la labor de una entregada educadora en el Liceo León Blum. Se percibe el gran trabajo de documentación no sólo sobre la labor de la profesora, sino porque refleja a la perfección, lo que ocurre en las aulas del multiculturalismo galo, una realidad extrapolable a España, ya que todos sabemos el estado tan lamentable en el que se encuentra la secundaria en España por la falta de disciplina y las dificultades que tienen los profesores para fomentar el esfuerzo. Por lo visto, la profesora en cuestión es temida por sus alumnos, pero llama la atención que al finalizar el curso se muestren apenados cuando llega la hora de la despedida. La realizadora francesa declaró a la prensa las pretensiones de su trabajo: “Me parece que la película se articula por la cuestión de la herencia. ¿Qué se hereda? Pero también, ¿Qué se deja a nuestros “herederos”? ¿Qué se hace de su historia? ¿Es posible ignorarla y comprender la herencia de otros? ¿Qué se conserva?”

 

La película gira en torno a una profesora que, tras la desmotivación de los alumnos por la asignatura, les propone participar en un concurso que tiene por objeto la transmisión de unos valores que defiendan los derechos del hombre y los principios de la democracia. El Concurso Nacional de la Resistencia y la Deportación viene respaldado tanto por el Ministerio de Educación como por el del Ejército en sus más de 50 años de existencia.

 

La auténtica estrella del largometraje es la actriz Ariane Ascaride, que se mostró muy comprometida con lo que la película defendía. Esta producción pretende que reflexionemos sobre nuestra vocación y nuestro grado de implicación, saltando la siguiente pregunta: ¿qué eres capaz de arriesgar para estar satisfecho de tu trabajo? o ¿cómo se educa al desorientado joven del siglo XXI? Por otra parte, los alumnos que aparecen en la película han sufrido en sus vidas y se enfrentan a compañeros de procedencia muy heterogénea. La realizadora ha intentado que pensemos en que es posible con mucho esfuerzo despertar el interés por la cultura a quien muchos daban por perdidos, mostrando la fe que la protagonista tiene en el ser humano y que la educación es el modo que tienen para promocionarse los más desfavorecidos.

 

Finalmente, esta película trata el tema del Holocausto planteando dos interesantes ideas. La primera que sirve para explicar que los que sobrevivieron a semejante desastre fueron los judíos que no perdieron la esperanza. La segunda idea está planteada desde el existencialismo, pero que todo creyente también seguro que se la ha hecho alguna vez en su vida: ¿dónde estaba Dios ante tal fracaso del ser humano?(publicado en Páginas digital).

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10th May2015

Astérix: La residencia de los dioses

by Víctor Alvarado

Astérix-La-residencia-de-los-dioses-1“Estamos en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y siempre al invasor…”

 

La producción encantará tanto a grandes como a pequeños porque las aventuras de Astérix y Obélix han encandilado a varias generaciones, ya que Uderzo y Goscinny supieron entender a la perfección que había que hacer para que su obra se convirtiera en universal. Del talento del tranquilón Uderzo con los lápices y del inteligente guionista Goscinny, conocedor tanto de la escuela americana como, lógicamente, de la franco-belga, surgió La residencia de los dioses, el número 17de la colección, que adaptan los debutantes Lois Clichy y Alexandre Astier en 3D. La película me ha parecido muy entretenida. Sin embargo, no es recomendable para un público con una edad inferior a 8 años, pues los cómics de Astérix siempre han tenido dobles lecturas con lo que los adultos no sacarán las mismas conclusiones que los niños. De todas formas, para entender el particular humor del mencionado tándem es conveniente haberse leído alguna historieta, si quieres disfrutar de su visionado.

 

La cinta gira en torno a la figura de Julio César que, cansado de no vencer por las armas a ese grupúsculo de irreductibles galos, planea construir una lujosa residencia, donde los romanos puedan disfrutar de sus vacaciones. Estos habitantes de esa pequeña aldea se dejarán seducir por las redes de la civilización. El terceto formado por Astérix, Obélix y Panorámix reunirá todas sus fuerzas para no dejarse engatusar y poder desbaratar el plan.

 

Aunque el humor impregne completamente al largometraje, hay que decir que los anacronismos en los que la forma de vivir de esa época se entremezclan con la forma de vivir del siglo XX y sirven para apuntar temas interesantes. Esto se logra no sólo con las chispeantes genialidades de Goscinny como la del personaje romano llamado Salarius Dignus, sino explicando, con mucha gracia, las reivindicaciones laborales y de libertad de los legionarios y esclavos respectivamente. Por otra parte, las andanzas de estos personajes, en general, hablan de la necesidad de pertenencia a un grupo y de sentirse identificado con una cultura o estilo de vida. El valor más importante que transmiten los protagonistas de la película es el de la amistad y la lealtad junto a la facilidad para confraternizar con el extranjero, buscando más lo que les une que lo que les separa, un detalle presente en todas las producciones y álbumes de los citados personajes (publicado en el Diario Ya).

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03rd May2015

Vengadores: La era de Ultrón

by Víctor Alvarado

los-vengadores-2-imagen-10Tras el éxito cosechado hace unos años, regresa con fuerza una saga de Marvel titulada Vengadores: La era de Ultrón. El encargado de llevar a buen puerto este proyecto ha sido Joss Whedon, que ya dirigió la irregular, pero “palomitera” primera parte. Esta producción mejora a la anterior tanto en el notable y simpático guión como en el sobresaliente manejo de los efectos especiales.

 
La película gira en torno al enfrentamiento entre Últrón y este equipo de superhombres con los pies de barro, que cuenta con el aliciente de dos nuevos personajes: Bruja Escarlata y Quicksilver.

 
Los Vengadores fueron creados por el guionista Stan Lee y por el dibujante Jack Kirby, aunque el supervillano de Ultrón surgió del talento de Roy Thomas y John Buscema que en 1968 presentaron al personaje (para prepararnos esta crítica nos hemos leído dos cómics que nos hablan de este personaje y agradecemos a Panini el nihilista, pero entretenido Los vengadores: La cólera de Ultrón, donde se cuentan detalles de esta primera historieta). Las diferencias fundamentales entre el cómic en el que se basa esta historia son: En primer lugar, la creación de Ultrón, pues si en los cómics era Hank Pink, un personaje importante en este equipo, que se enfunda el traje de Hombre Hormiga, en el largometraje podríamos decir que se trata de una travesura de Tony Stark. En segundo lugar, en los cómics Jarvis aparece como el mayordomo de los Vengadores. En este caso, Jarvis es un ente de inteligencia artificial que sufrirá una transformación en un ser que no vamos a desvelar, pero que presenta matices que difieren del original.

 

 

Los cómics de superhéroes y, en especial, los de Marvel transmiten valores ciertamente interesantes. Llama la atención que los protagonistas se reúnan en un iglesia con lo que ello significa para enfrentarse con su antagónico que destaca por su falta de sentimientos y por la ausencia de Dios en su generación, reflejado ampliamente en el mencionado cómic de 2015, La cólera de Últrón. El ideal de familia queda patente en la sólida relación entre Ojo de Halcón y su mujer. Sin embargo, la cosa no se queda ahí, ya que el romance Banner-Romanoff, que recuerda a la Bella y la Bestia o a la película de King Kong, busca no sólo quedarse en la superficie. Ellos son conscientes de que uno de los fines del matrimonio es el de tener hijos fruto del amor. Por otra parte, a lo mejor nuestros lectores no saben que, a lo largo de la historia han existido varias versiones mejoradas de Últrón, pues es una máquina que evoluciona para crear más problemas al mundo y resulta, por lo tanto, más difícil derrotarlo. Esta idea junto al origen del personaje de Visión abre el debate de si las máquinas algún día podrán pensar y sentir como los seres humanos (publicado en Pantalla90).

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26th Abr2015

Felices 140

by Víctor Alvarado

felices-140-imagenes1El cine español de mejor nivel y menos parcial lo forman un grupo de mujeres que nos tienen encantados. Recordamos algunas de ellas como Iciar Bollaín, María Ripoll, Belén Macías o Gracia Querejeta.

 
La cineasta, hija del gran productor Elías Querejeta, tiene varias películas de alto nivel como Héctor, 7 mesas de billar francés o 15 años y un día. Este año estrena Felices 140, que cuenta lo que pasa entre un grupo de personas cuando una de ellas cuenta que le ha tocado el premio del Euro-millón.

 

Aunque no toda la crítica apoya esta cinta que cree poco en el ser humano, rompemos una lanza a favor de la realizadora porque consigue atraparte con una historia que parece que no es nada del otro mundo, pero en el que vemos situaciones que siempre terminan por sorprender. Y es que pasa todo tan rápido que, cuando te quieres dar cuenta, todo ha terminado porque se pasa el tiempo volando. Llama la atención el sencillo, pero inquietante final que da más miedo que una película de terror.

 

La familia es un tema importante dentro de la filmografía de la directora madrileña que disecciona con acierto, ofreciendo una visión más o menos positiva, aunque no idílica de la institución. En esta ocasión, muestra el lado más oscuro de ella y del modo de entender la vida de la sociedad actual. Las declaraciones de esta realizadora a Fotogramas, si uno tiene principios, nos permiten reflexionar sobre cómo la ausencia o presencia de decisiones éticas puede influir en la educación de nuestros hijos:»En el caso del chaval de la película, me interesaba la idea de un padre que trataba de convencer a su hijo de que quiere hacer lo contrario, cuando todo el mundo sabe que no lo es”. La autora, apoyándose en el guión de Santos Mercero, quiere profundizar en la condición humana, en la forma en que la gente saca su peor cara cuando el dinero aparece en sus vidas. La codicia, que tan bien refleja Tolkien en su personaje de Gollum y su conocido tesoro, aparece como el peor de los defectos que destruye o pudre todo lo que hay alrededor.

 

La cineasta ha contado con su actriz fetiche Maribel Verdú, una de mis actrices favoritas, que lo vuelve a bordar. El reparto es coral y destacan Marian Alvarez, Nora Navas y dos actores muy consolidados como Antonio de la Torre y el camaleónico Eduard Fernández. Nos ha gustado el personaje del citado en último lugar, pues sirve para explicar el modo en que la conciencia de las personas influye en que tomemos la decisión adecuada o inadecuada para que nuestro ser se quede tranquilo o no (publicado en Páginas digital).

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