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21st Jun2015

Ahora o nunca

by Víctor Alvarado

ahora-o-nunca-cartel-posterLa directora María Ripoll alejada de las tesis ideológicas de sus compañeros de profesión ofrece un cine fresco, diferente y entretenido como ha demostrado con notables producciones como Lluvia en los zapatos o, la reciente y con valores, Rastros de sándalo. En esta ocasión ha optado por una comedia protagonizada por dos actores como Dani Rovira y María Valverde. No obstante, aunque le podemos dar un aprobado, este trabajo está muy por debajo del nivel de la cineasta. Para prepararse el papel, la citada actriz estuvo viendo La cosa más dulce y La boda de mi mejor amigo, mientras que Rovira se inspiró en el inolvidable Peter Sellers.

 
Después de 10 años de noviazgo, Alex y Eva toman la decisión de casarse en el lugar donde se conocieron, un pueblecito de la campiña inglesa. Sin embargo, no todo sale como ellos pensaban porque los últimos días antes del esperado evento se convierten en una odisea.

 
Ahora o nunca recuerda a Confidencias a medianoche por sus encuentros telefónicos, acuérdense de esas chispeantes conversaciones entre Doris Day y Rock Hudson, siendo una mezcla entre comedia romántica y gamberra. Por lo visto, ambos intérpretes apenas coinciden en pantalla. Todo transcurre a base de llamadas telefónicas. Por eso María Valverde explicó lo siguiente a Fotogramas:”En una relación es mucho más fácil crearla mirándose a los ojos que por teléfono. Por eso era importante que, en las llamadas, estuviéramos presentes los dos, dándonos la réplica”. Esta comedia presenta escenas realmente divertidas. Al mismo tiempo nos encontramos otras escenas que se alargan innecesariamente y no son todo lo graciosas que debieran. Por otra parte, utiliza un lenguaje, en un par de ocasiones, que puede ofender a las creencias de la personas.

 

El largometraje expresa el sentir de la juventud actual desencantada de las relaciones de pareja. En contraposición con lo negativo, destacamos la forma de pensar del protagonista, al que apodan el “planes”, transmite la idea, a lo mejor sin ser consciente, de la necesidad de tener un proyecto de vida, que no es que esté desarrollado en profundidad, pero el hecho de que quiera planificar como le gustaría que fuese su vida, ya es un paso de cierta importancia (publicado en Páginas digital).

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14th Jun2015

Viaje a Sils María

by Víctor Alvarado

viaje-a-sils-maria-posterA esta película la podríamos titular como “la veteranía frente a la juventud”, puesto que la belleza madura de Juliet Binoche se enfrenta al estilo posmoderno de Kristen Stewart, recordada por la saga de Crepúsculo, que intenta cambiar de registro con un papel muy distinto y lo consigue con nota.

 

La cinta está dirigida por un consolidado cineasta, autor de Carlos y Las horas del verano. Nos estamos refiriendo a Olivier Assayas. Juliet Binoche ha tenido cierta dificultad para conectar con el realizador porque ella prepara con su asistente los diálogos de manera sistemática, lo que choca con la forma de trabajar del director parisino, al que no le gusta el ensayo para potenciar la frescura. Por otra parte, éste se ha atrevido con denso y difícil argumento. Sin embargo, a diferencia de otras, no parece pretenciosa. Es una película que puede no gustar al público medio, tanto por la complejidad de los diálogos como que se sustenta prácticamente en dos personajes sobre los que recae el ochenta por ciento de la historia, más apropiada para el teatro que para el cine. La primera hora es más pesada que la segunda que va creciendo a medida que transcurren los minutos.

 
Y es que varias han sido las producciones que tratan este tema en los últimos años desde que Sofía Coppola abriera el tarro de las esencias con la soporífera Somewhere. En el plazo de 4 meses, hemos podido ver en España: Birdman dirigida por González Iñarritu; La sombra del actor protagonizada por Al Pacino y Viaje a Sils María que es la más seria y realista, siendo la que mejor explica los egos o la banalidad de los actores porque no es histriónica como la protagonizada por Michael Keaton. El cineasta humaniza a la protagonista dando una de cal y otra de arena.

 
El personaje de Kristen es interesante porque está repleto de matices y cargado de sentido común, mostrando su gran sinceridad que es una de las cualidades de los jóvenes del siglo XXI, que contrasta con la falta de contacto con la realidad de la diva. Viaje a Sils María es una crítica a la frivolidad del mundo del cine y del teatro. La película puede ayudar a las personas a que sepan aceptar y reconocer que hay una cosa para cada momento (publicado en Diario Ya).

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07th Jun2015

Requisitos para ser una persona normal

by Víctor Alvarado

requisitos-para-ser-una-persona-normal-cartelEsta producción viene respaldada por un premio paralelo al Festival de Cine Español de la capital de La Costa del Sol. La cinta obtuvo el prestigioso premio Signis de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación. En una interesante entrevista en Diócesis Málaga, la actriz, guionista y directora declaró lo siguiente: “En esta película, el éxito no tiene que ver con los mensajes que manda la sociedad, sino con conocerte a ti mismo y aceptarte como eres. Este largometraje intenta que rompamos el muro invisible entre padres e hijos para decirse que se quieren. Es, por tanto, una película de sentimientos que hacen falta en los tiempos que corren y es una película que te dibuja una sonrisa en el rostro y creo que en el corazón.”

 

María es una mujer a la que la vida no le sonríe, pues no tiene trabajo; no se habla con su madre y no tiene novio. Un día conoce a Borja (Manuel Burque), un chico rellenito que siempre está a régimen. Ambos hacen un trato para ayudarse mutuamente.

 

La dirección ha corrido a cargo de Leticia Dolera. El resultado es una notable comedia, al estilo del cine indie, con algún que otro homenaje cinéfilo y una buena banda sonora country que recuerda a Juno (y es que esta mujer pasa a formar parte de ese grupo de mujeres menos politizadas, que sus compañeros españoles de profesión, que se dedican a hacer cine con mayúsculas como han demostrado otras como María Ripoll, Belén Macías, Gracia Querejeta o Icíar Bollaín). Requisitos para ser una persona normal les va sorprender por muchas cosas porque no parece una película española; porque en un striptease no se quitan la ropa; porque no habla de la Guerra Civil; porque el guiño a la ideología de género provoca ternura; porque la música es pegadiza; porque dignifica a las personas con síndrome de Down; porque el humor es blanco; porque hasta no desentonan los chistes escatológicos; porque siendo una comedia gamberra, no lo parece; o porque está abierta a la trascendencia y aparece una sugerente oración de la protagonista entre unos globos, mientras escucha una canción.

 
El tema de la incomunicación familiar en la sociedad postmoderna está muy bien reflejado, constatando que la falta de referentes dificulta el pleno desarrollo de la persona hasta que se corrige, ya sea mediante el perdón, ya sea con ayuda psicológica (publicado en Pantalla 90).

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31st May2015

Nuestro último verano en Escocia

by Víctor Alvarado

'WHAT WE DID ON OUR HOLIDAYS'La mejor forma de vender esta película sería del siguiente modo: si te gustó Pequeña Miss Sunshine, este largometraje te encantará, pues se mueve en los mismos temas que su predecesora reflexionando sobre la familia.

 

Los encargados de llevar este proyecto a buen puerto han sido los británicos Andy Hamilton y Guy Jenkin, recordados por la exitosa comedia de situación Outnumbered que los ha catapultado hasta el estrellato, ya que, por otra parte, Nuestro último verano en Escocia ha obtenido unos buenos resultados en taquilla. Las dos primeras semanas de recaudación fueron muy potentes en Gran Bretaña, superando los 2.700.000 euros en 10 días en cartel. Estamos ante una comedia alocada que guarda ciertos paralelismos con un cómic. El guión es brillante, salvo por haber creado un personaje muy forzado y metido con calzador, que hace un guiño a la ideología de género. Se percibe que los directores son auténticos cinéfilos, al haber incluido un chiste sobre la cinta animada Wallace y Gromit junto a muchos detalles de la inolvidable Vikingos de Richard Fleischer, protagonizada por Kirk Douglas y Tony Curtis.

 

La producción está protagonizada por Rosamund Pike que triunfó el año pasado por la intensa y desagradable Perdida. A la actriz le acompaña Andy Tenant, un popular actor televisivo que participó en Doctor Who y que cuenta con muchos seguidores en la serie Broadchurch. Los niños son extraordinarios. Éstos parecen sacados de la vida real, destacando por la naturalidad y la frescura de sus interpretaciones.

 

En este largometraje, si uno se queda en la superficie, sólo puede le servir para pasar una deliciosamente entretenida tarde de cine. Sin embargo, si uno presta una pizca de atención, puede sacar interesantes conclusiones. Nuestro último verano en Escocia ofrece una radiografía de la sociedad actual del estado en el que se encuentran los matrimonios en continua crisis, lo que provoca inseguridades y problemas psicológicos en los hijos, que se encuentran desorientados cuando sus padres discuten o se separan. Por otra parte, podemos decir que está abierta a la trascendencia, aunque de forma bastante sui generis, tan sólo entendible en esta obra con tintes surrealistas.

 
No deben perderse al personaje del abuelo y la relación que establece con sus nietos, pues sabe ver lo que otros no ven en ellos, enseñándoles, a su particularísimo modo, a crecer como personas y a ser felices.
Finalmente lanzamos la siguiente pregunta: ¿qué tiene que decir el perdón en toda esta historia?

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24th May2015

Caza al asesino

by Víctor Alvarado

cazagunman-imagen-1Como todos nuestros lectores saben, los cineastas españoles están dejando a un lado la política, quitando al ganador de La isla mínima curiosamente, para centrarse en intensos dramas y en cintas de acción e intriga como la producida, en este caso y en parte, por la productora española Nostromo Pictures.

 

Sin embargo, un francés ha sido el encargado de llevar a cabo este proyecto, dada su alta capacidad para este tipo de trabajos, como ya demostró con la entretenida Venganza, protagonizada por Leam Neeson. Conociendo el dinamismo que Pierre Morel imprime a sus producciones, extraña que el ritmo de ésta sea irregular, cargado de conversaciones intrascendentes. Todo parece bastante forzado, tal y como se desarrolla la historia, no resulta creíble a pesar de contar con el respaldo de una novela de Jean-Patrick Manchete en la que apoyarse. No obstante, hasta el título es tan poco original que hace dos años se estrenó otra cinta con el mismo nombre. Llama la atención una escena de acción de la película que se ha rodado en una plaza de toros española.

 

Para ello, ha contado con un reparto de lujo encabezado por Idris Elba, Javier Bardem y Sean Penn. Las interpretaciones no son nada del otro mundo, si exceptuamos la de Idris Elba. La cinta busca el lucimiento corporal de Penn como si se tratase de Sylvester Stallone.

 

La película es violenta como todas las del cineasta en la que el protagonista intenta redimirse de un oscuro pasado como espía, colaborando con una ONG con la intención de cambiar la realidad que le rodea. Ya es de agradecer que una cinta de estas características se acuerde de la importante labor de los cooperantes, aunque se quiere ser políticamente correcto, al no mostrar las inquietudes interiores de esos voluntarios que, en apariencia, altruistamente se entregan a esa causa. Por otra parte, el largometraje nos ofrece una introducción tratando de explicar el motivo de los conflictos en África como el de que la riqueza de esos países está en manos extranjeras, mostrando como naciones potencialmente ricas se encuentran cada vez con una población más empobrecida. En cierta medida es una crítica a las grandes multinacionales que atentan contra la dignidad de los habitantes de las zonas mineras sólo mirando su propio interés (publicado en Pantalla 90).

 

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17th May2015

La profesora de Historia

by Víctor Alvarado

la-profesora-de-historia-imagenLes confieso que soy un apasionado de la historia, aunque soy consciente de que a todas las personas no les gusta. No obstante, eso depende del libro que te hayas leído o de la persona que te haya hablado de ella, que si es capaz de entusiasmarte, seguro que te acabas enganchando. Yo he tenido profesores razonablemente motivadores y un padre enamorado de la materia. La directora Marie-Castille Metion-Schaar ha demostrado que es posible lograrlo, incluso, en los ámbitos menos propicios.

 

Esta mujer de cine ha dirigido La profesora de Historia, que está basada en hechos reales, pues cuenta la labor de una entregada educadora en el Liceo León Blum. Se percibe el gran trabajo de documentación no sólo sobre la labor de la profesora, sino porque refleja a la perfección, lo que ocurre en las aulas del multiculturalismo galo, una realidad extrapolable a España, ya que todos sabemos el estado tan lamentable en el que se encuentra la secundaria en España por la falta de disciplina y las dificultades que tienen los profesores para fomentar el esfuerzo. Por lo visto, la profesora en cuestión es temida por sus alumnos, pero llama la atención que al finalizar el curso se muestren apenados cuando llega la hora de la despedida. La realizadora francesa declaró a la prensa las pretensiones de su trabajo: “Me parece que la película se articula por la cuestión de la herencia. ¿Qué se hereda? Pero también, ¿Qué se deja a nuestros “herederos”? ¿Qué se hace de su historia? ¿Es posible ignorarla y comprender la herencia de otros? ¿Qué se conserva?”

 

La película gira en torno a una profesora que, tras la desmotivación de los alumnos por la asignatura, les propone participar en un concurso que tiene por objeto la transmisión de unos valores que defiendan los derechos del hombre y los principios de la democracia. El Concurso Nacional de la Resistencia y la Deportación viene respaldado tanto por el Ministerio de Educación como por el del Ejército en sus más de 50 años de existencia.

 

La auténtica estrella del largometraje es la actriz Ariane Ascaride, que se mostró muy comprometida con lo que la película defendía. Esta producción pretende que reflexionemos sobre nuestra vocación y nuestro grado de implicación, saltando la siguiente pregunta: ¿qué eres capaz de arriesgar para estar satisfecho de tu trabajo? o ¿cómo se educa al desorientado joven del siglo XXI? Por otra parte, los alumnos que aparecen en la película han sufrido en sus vidas y se enfrentan a compañeros de procedencia muy heterogénea. La realizadora ha intentado que pensemos en que es posible con mucho esfuerzo despertar el interés por la cultura a quien muchos daban por perdidos, mostrando la fe que la protagonista tiene en el ser humano y que la educación es el modo que tienen para promocionarse los más desfavorecidos.

 

Finalmente, esta película trata el tema del Holocausto planteando dos interesantes ideas. La primera que sirve para explicar que los que sobrevivieron a semejante desastre fueron los judíos que no perdieron la esperanza. La segunda idea está planteada desde el existencialismo, pero que todo creyente también seguro que se la ha hecho alguna vez en su vida: ¿dónde estaba Dios ante tal fracaso del ser humano?(publicado en Páginas digital).

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10th May2015

Astérix: La residencia de los dioses

by Víctor Alvarado

Astérix-La-residencia-de-los-dioses-1“Estamos en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y siempre al invasor…”

 

La producción encantará tanto a grandes como a pequeños porque las aventuras de Astérix y Obélix han encandilado a varias generaciones, ya que Uderzo y Goscinny supieron entender a la perfección que había que hacer para que su obra se convirtiera en universal. Del talento del tranquilón Uderzo con los lápices y del inteligente guionista Goscinny, conocedor tanto de la escuela americana como, lógicamente, de la franco-belga, surgió La residencia de los dioses, el número 17de la colección, que adaptan los debutantes Lois Clichy y Alexandre Astier en 3D. La película me ha parecido muy entretenida. Sin embargo, no es recomendable para un público con una edad inferior a 8 años, pues los cómics de Astérix siempre han tenido dobles lecturas con lo que los adultos no sacarán las mismas conclusiones que los niños. De todas formas, para entender el particular humor del mencionado tándem es conveniente haberse leído alguna historieta, si quieres disfrutar de su visionado.

 

La cinta gira en torno a la figura de Julio César que, cansado de no vencer por las armas a ese grupúsculo de irreductibles galos, planea construir una lujosa residencia, donde los romanos puedan disfrutar de sus vacaciones. Estos habitantes de esa pequeña aldea se dejarán seducir por las redes de la civilización. El terceto formado por Astérix, Obélix y Panorámix reunirá todas sus fuerzas para no dejarse engatusar y poder desbaratar el plan.

 

Aunque el humor impregne completamente al largometraje, hay que decir que los anacronismos en los que la forma de vivir de esa época se entremezclan con la forma de vivir del siglo XX y sirven para apuntar temas interesantes. Esto se logra no sólo con las chispeantes genialidades de Goscinny como la del personaje romano llamado Salarius Dignus, sino explicando, con mucha gracia, las reivindicaciones laborales y de libertad de los legionarios y esclavos respectivamente. Por otra parte, las andanzas de estos personajes, en general, hablan de la necesidad de pertenencia a un grupo y de sentirse identificado con una cultura o estilo de vida. El valor más importante que transmiten los protagonistas de la película es el de la amistad y la lealtad junto a la facilidad para confraternizar con el extranjero, buscando más lo que les une que lo que les separa, un detalle presente en todas las producciones y álbumes de los citados personajes (publicado en el Diario Ya).

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03rd May2015

Vengadores: La era de Ultrón

by Víctor Alvarado

los-vengadores-2-imagen-10Tras el éxito cosechado hace unos años, regresa con fuerza una saga de Marvel titulada Vengadores: La era de Ultrón. El encargado de llevar a buen puerto este proyecto ha sido Joss Whedon, que ya dirigió la irregular, pero “palomitera” primera parte. Esta producción mejora a la anterior tanto en el notable y simpático guión como en el sobresaliente manejo de los efectos especiales.

 
La película gira en torno al enfrentamiento entre Últrón y este equipo de superhombres con los pies de barro, que cuenta con el aliciente de dos nuevos personajes: Bruja Escarlata y Quicksilver.

 
Los Vengadores fueron creados por el guionista Stan Lee y por el dibujante Jack Kirby, aunque el supervillano de Ultrón surgió del talento de Roy Thomas y John Buscema que en 1968 presentaron al personaje (para prepararnos esta crítica nos hemos leído dos cómics que nos hablan de este personaje y agradecemos a Panini el nihilista, pero entretenido Los vengadores: La cólera de Ultrón, donde se cuentan detalles de esta primera historieta). Las diferencias fundamentales entre el cómic en el que se basa esta historia son: En primer lugar, la creación de Ultrón, pues si en los cómics era Hank Pink, un personaje importante en este equipo, que se enfunda el traje de Hombre Hormiga, en el largometraje podríamos decir que se trata de una travesura de Tony Stark. En segundo lugar, en los cómics Jarvis aparece como el mayordomo de los Vengadores. En este caso, Jarvis es un ente de inteligencia artificial que sufrirá una transformación en un ser que no vamos a desvelar, pero que presenta matices que difieren del original.

 

 

Los cómics de superhéroes y, en especial, los de Marvel transmiten valores ciertamente interesantes. Llama la atención que los protagonistas se reúnan en un iglesia con lo que ello significa para enfrentarse con su antagónico que destaca por su falta de sentimientos y por la ausencia de Dios en su generación, reflejado ampliamente en el mencionado cómic de 2015, La cólera de Últrón. El ideal de familia queda patente en la sólida relación entre Ojo de Halcón y su mujer. Sin embargo, la cosa no se queda ahí, ya que el romance Banner-Romanoff, que recuerda a la Bella y la Bestia o a la película de King Kong, busca no sólo quedarse en la superficie. Ellos son conscientes de que uno de los fines del matrimonio es el de tener hijos fruto del amor. Por otra parte, a lo mejor nuestros lectores no saben que, a lo largo de la historia han existido varias versiones mejoradas de Últrón, pues es una máquina que evoluciona para crear más problemas al mundo y resulta, por lo tanto, más difícil derrotarlo. Esta idea junto al origen del personaje de Visión abre el debate de si las máquinas algún día podrán pensar y sentir como los seres humanos (publicado en Pantalla90).

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26th Abr2015

Felices 140

by Víctor Alvarado

felices-140-imagenes1El cine español de mejor nivel y menos parcial lo forman un grupo de mujeres que nos tienen encantados. Recordamos algunas de ellas como Iciar Bollaín, María Ripoll, Belén Macías o Gracia Querejeta.

 
La cineasta, hija del gran productor Elías Querejeta, tiene varias películas de alto nivel como Héctor, 7 mesas de billar francés o 15 años y un día. Este año estrena Felices 140, que cuenta lo que pasa entre un grupo de personas cuando una de ellas cuenta que le ha tocado el premio del Euro-millón.

 

Aunque no toda la crítica apoya esta cinta que cree poco en el ser humano, rompemos una lanza a favor de la realizadora porque consigue atraparte con una historia que parece que no es nada del otro mundo, pero en el que vemos situaciones que siempre terminan por sorprender. Y es que pasa todo tan rápido que, cuando te quieres dar cuenta, todo ha terminado porque se pasa el tiempo volando. Llama la atención el sencillo, pero inquietante final que da más miedo que una película de terror.

 

La familia es un tema importante dentro de la filmografía de la directora madrileña que disecciona con acierto, ofreciendo una visión más o menos positiva, aunque no idílica de la institución. En esta ocasión, muestra el lado más oscuro de ella y del modo de entender la vida de la sociedad actual. Las declaraciones de esta realizadora a Fotogramas, si uno tiene principios, nos permiten reflexionar sobre cómo la ausencia o presencia de decisiones éticas puede influir en la educación de nuestros hijos:»En el caso del chaval de la película, me interesaba la idea de un padre que trataba de convencer a su hijo de que quiere hacer lo contrario, cuando todo el mundo sabe que no lo es”. La autora, apoyándose en el guión de Santos Mercero, quiere profundizar en la condición humana, en la forma en que la gente saca su peor cara cuando el dinero aparece en sus vidas. La codicia, que tan bien refleja Tolkien en su personaje de Gollum y su conocido tesoro, aparece como el peor de los defectos que destruye o pudre todo lo que hay alrededor.

 

La cineasta ha contado con su actriz fetiche Maribel Verdú, una de mis actrices favoritas, que lo vuelve a bordar. El reparto es coral y destacan Marian Alvarez, Nora Navas y dos actores muy consolidados como Antonio de la Torre y el camaleónico Eduard Fernández. Nos ha gustado el personaje del citado en último lugar, pues sirve para explicar el modo en que la conciencia de las personas influye en que tomemos la decisión adecuada o inadecuada para que nuestro ser se quede tranquilo o no (publicado en Páginas digital).

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18th Abr2015

Regreso a Ítaca

by Víctor Alvarado

regreso-a-itaca_97176Cuando sale el tema de Cuba, a uno le surge siempre la siguiente pregunta: ¿Cómo un país que era de los más ricos del mundo se encuentra en la absoluta ruina y la miseria como consecuencia de la revolución comunista orquestada por Fidel Castro? Regreso a Ítaca habla sobre ese periodo de la historia reciente de ese país caribeño en la que un exiliado cubano en España vuelve a su país para reencontrarse con sus amigos de la infancia.

 

 

La dirección ha corrido a cargo de Laurent Cantet, autor de la aclamada La clase o Foxfire: Confesiones de una banda de chicas, que adapta La novela de mi vida del escritor Leonardo Padura, al que conoció mientras se rodaban las siete historias de las que consta la cinta 7 días en La Habana que el citado escritor coordinaba. El mérito del realizador es que mantengamos el interés por una conversación de amigos, ya que todo se desarrolla en la terraza de un edificio de la Habana como si de una obra de teatro se tratara, donde el diálogo lo es todo. La película consta de tres partes bien diferenciadas. Una primera parte en la que ese grupo de personas se ríen cuando recuerdan momentos bonitos de la infancia y adolescencia; una segunda parte en la que se sacan los trapos sucios y una tercera en la que abren su corazón, captando toda la atención de espectador que ya no podrá separarse de la pantalla.

 

 

Las interpretaciones de los protagonistas son muy buenas y no sobresale ninguna sobre las otras. Sus nombres son los siguientes: Jorge Perugorría, Isabel Santos, Pedro Julio Díaz Ferrán, Fernando Hechevarría y Néstor Jiménez. Algunos personajes son quijotescos porque defienden sus ideales, equivocados o no, aunque la realidad demuestre lo contrario y en el fondo estén desencantados, ofreciendo una visión pesimista de la vida, un dato coincidente en toda la filmografía del realizador francés. Nos ha gustado un pequeño papel de una señora que podría ser la madre de cualquiera de ellos que hace hincapié en la idea de conservar la amistad a pesar de la tiranteces que existan entre ese grupo de personas. Otro tema fundamental en este entretenido e interesante relato es su reflexión sobre el poder del miedo extrapolable a otras dictaduras repartidas por el planeta. La crítica, que se hace del régimen castrista, nos ha parecido inteligente porque intenta explicar cómo sus sueños se rompen por culpa de ella, pero sin mostrar odio y sin ensañarse demasiado en apariencia (publicado en Pantalla 90).

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12th Abr2015

La dama de oro

by Víctor Alvarado

la-dama-de-oro-imagen-15La actriz Helen Mirren ha demostrado sus habilidades para el biopic como pudimos comprobar en The Queen (2006) y nos hizo creer a todos que se trataba de la auténtica Reina de Inglaterra. Estamos convencidos de que muchos no sabríamos distinguir entre la original y la copia. La Mirren, en la película en cuestión, nos ofrece un amplio abanico de miradas que con gran economía de gestos expresan gran variedad de matices que sin palabras nos desvelan muchos detalles del sentir de esta persona. La citada interprete explicó a Fotogramas lo siguiente: “Esta es la clásica historia de David venciendo a Goliat con la que todos nos identificamos fácilmente”.

 

 

La dirección ha correspondido a Simon Curtis, al que recordamos por una película con encanto como fue Mi semana con Marilyn, que decidió hacer esta película, utilizando como fuente un documental de la BBC, titulado: Buscando al pintor Klimt, para hablarnos de la vida de María Altman. Y es que en 1998, el gobierno austriaco aprobó una ley en la que el estado devolvería a sus propietarios todas las piezas u obras de arte requisadas a los judíos por los nazis durante la 2ª Guerras Mundial. Su realizador nos cuenta la lucha de esta mujer para recuperar su patrimonio. El referente más cercano es Monuments Men, dirigida por George Clooney. La cinta presenta un ritmo razonablemente dinámico, teniendo en cuenta que los diálogos priman sobre la acción que se reduce a una escena. Por otra parte, algunas veces somos críticos con el abuso de los Flashback en el cine actual. Sin embargo, en este caso, se usan en el momento adecuado y para explicar los sentimientos de la protagonista en unas situaciones concretas del pasado.

 

 

La dama de oro es una película histórica con ciertos toques caprianos en la que se apoya al más indefenso, defendiendo una causa justa. No sólo nos entretendremos con su visionado, sino que nos invita a pensar que nunca hay que rendirse ante una injusticia y que, a veces, el esfuerzo tiene sus frutos. El valor de la familia se potencia y se explica el daño que causa una separación traumática en la que se explica el modo de afrontarla, destacando la necesidad de mantener el recuerdo vivo para no olvidar todo lo que te dieron sin esperar nada a cambio (publicado en Páginas digital).

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06th Abr2015

Cenicienta

by Víctor Alvarado

cenicienta-2015-imagen-2Kenneth Branagh, autor de la sobresaliente adaptación de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces, nos encandila a todos con Cenicienta, aunque no lo suficiente (le sobran 10 minutos). Este cineasta nos permite reflexionar sobre valores universales que  están presentes en toda la cultura occidental y parte de la oriental como el de la generosidad con los demás y la valentía para afrontar nuevos retos, potenciando la bondad y el perdón, infravalorados actualmente, pero necesarios para enfrentarse a la vida y para superar dificultades de convivencia. El realizador ha ofrecido una visión más actual que demuestra que la modernidad y la tradición pueden ir de la mano. Y es que las madres siguen siendo el motor de la felicidad por lo dones tan especiales de los que goza la mujer (publicado  en el Diario Ya).

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22nd Mar2015

El año más violento

by Víctor Alvarado

amvy_day12-461.CR2Desde American Gangster dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Rusell Crowe y Denzel Washington hace 8 años, no veía una gran película de este género. El año más violento, aunque no es el tipo de historia que más me guste, me ha sorprendido gratamente.

 

 

Está ambientada en el inicio de la década de los ochenta, concretamente, en 1981. En esas fechas, el índice de delincuencia de la ciudad de Nueva York batió su récord y el empresario, Abel Morales, deberá poner todos los medios de que dispone para campear el temporal, pues muchos de esos delitos afectan directamente a su empresa, ya que hay alguien que intenta echarle el negocio a pique.

 

 

La dirección ha corrido a cargo de J C Chandor, que debutó con la interesante Margin call en la que se intentaba demostrar cuál fue el origen de la última gran crisis, que afectó a la economía mundial. El año más violento tiene todos los ingredientes para que el engranaje de la misma funcione a la perfección. Entre otras cosas porque está escrita y filmada por Chandor que lo controla absolutamente todo. El libreto es muy sólido y no se le escapa ningún detalle. Como he leído en alguna crítica, los personajes, sin desvelar muchos pormenores, dejan entrever las luces y las sombras que acompañan a su personalidad. Los diálogos recuerdan a las grandes producciones clásicas de género, protagonizadas, entre otros, por James Cagney y Humphrey Bogart. El resto lo hacen actores de la talla de Óscar Isaac al que merece la pena que no le perdamos la pista. Jessica Chastain, sin excesos, ni histrionismos, consigue que no la distingamos de un papel a otro. En El árbol de la vida hizo de comprensiva madre católica, mientras que en La deuda nos hizo creer que era una eficaz agente secreta. En este caso, interpreta un papel ambiguo, intentando transmitir la idea de que detrás de un gran un hombre hay una gran mujer.

 

 

Esta cinta parece que quiere explicar que en el país de los “sueños” no todo es un camino de rosas. El personaje protagonista es una especie de Bruce Wayne; es decir, Batman, pero realista (como apunta un secundario) para el que no todo vale para conseguir un objetivo. La ética de Abel no le permite tomar atajos que le facilitarían los negocios porque busca el camino recto, sorteando obstáculos y actuando con astucia. No obstante, sus principios serán puestos a prueba en situaciones límite.

 

 

Finalmente, hay que decir que funciona bien hasta la única escena de persecuciones que, sin ser una fantasmada tipo Misión imposible, resulta más inquietante que cualquiera de las que hayamos visto en cine de acción (publicado en Páginas digital).

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15th Mar2015

Calvary

by Víctor Alvarado

calvary-imagen-1En una semana de estrenos intrascendentes aprovechamos la oportunidad para rescatar de semanas anteriores una pequeña gran joya como Calvary.

 

 

La historia comienza cuando el comprometido y honrado padre James confiesa a una persona, que afirma haber sufrido abusos sexuales por parte de otro presbítero, y amenaza con matarle. A partir de esa primera impactante escena comienza una curiosa y original trama de intriga.

 

 

Si hace un par de años vimos a Brendan Gleeson de tipo duro en El Irlandés, este año se ha reformado y se le ha ablandado el corazón porque interpreta a un cura en una cinta del cineasta John Michael McDonagh con el que repite. Este buen actor es el padre del simpático Domhnall Gleeson que triunfara en la magnífica comedia romántica: Una cuestión de tiempo. Este veterano actor declaró lo siguiente a Fotogramas: “He interpretado a muchos antihéroes algo fácil cuando vivimos en este estado de desilusión. Pero en esta película hemos nadado a contracorriente al presentar a un personaje, cuya máxima aspiración es la bondad.”

 

 

El citado realizador ha sido capaz de demostrar que se puede construir un relato de suspense en un largometraje que explica con rigor y sin caricaturas, a diferencia de lo que ocurre en el cine español, el funcionamiento real de una parroquia en la que observamos a un sacerdote volcado con sus feligreses: celebrando la eucaristía; consolando a una persona que acaba de perder un ser querido; acompañando a un anciano o animando a pecadores que buscan una nueva oportunidad para pasar de hombre viejo a hombre nuevo como le ocurrió a San Pablo.

 

 

Deben prestar especial atención a los dilemas y reflexiones que giran en torno al tema del perdón muy presente en todo el largometraje, una de las piezas esenciales del cristianismo al igual que el calvario por el que pasa un servidor de Cristo (publicado en Páginas digital).

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08th Mar2015

Ida

by Víctor Alvarado

ida_92608Ida ha obtenido el Óscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa, con lo que algunas salas de cine la han vuelto a proyectar, lo que me da pie para rescatarla y analizarla con detenimiento.

 

Anna es una niña huérfana acogida en un convento, convertida en novicia de la congregación religiosa. La madre superiora le invita a buscar la tumba de sus padres que fueron asesinados por la persecución contra los judíos durante la Segunda Guerra Mundial.

 

La dirección ha correspondido al cineasta polaco Pawel Pawlikoswski, recordado por sus anteriores trabajos como La mujer del quinto. Este realizador ofrece un relato sobrio y profundo, construido mediante gestos y miradas más que de elocuentes diálogos. Este modo de narrar coincide o es una mezcla entre Bergman y Dreyer. La película presenta un ritmo pausado, que invita a reflexionar y que está tan logrado que consigue que el espectador no se separe de la butaca porque nunca pierde el interés. Por otra parte, podemos decir que, si en Historia de una monja de Fred Zinnemann, interpretada por Audrey Herpburn, ésta se plantea la salida del convento porque le atrae la vida de fuera; en este caso, la protagonista medita, escuchando lo que Dios quiere de ella, planteándose seriamente su vocación religiosa. No obstante, ofrece una visión demasiado inexpresiva y fría que recuerda más bien al modo de entender la vivencia cristiana de los protestantes, a pesar de tratarse de una comunidad católica, que se caracteriza especialmente por la alegría con la que vive su fe.

 

El duelo interpretativo entre dos piedras preciosas de la interpretación como Agata Trzebuchowska y Agata Kilesza es digno de las mejores actrices de Hollywood. El debate entre creyentes y agnósticos está garantizado. Lógicamente, Ida representa los valores religiosos y su antagónica es la funcionaria del partido comunista que coincide tan sólo con ella en el drama familiar. Ésta parece desencantada y sin agarraderas porque se encuentra influenciada por esa ideología que destruye al ser humano por dentro. Llama la atención que el modo de rebatir los contundentes y racionales argumentos existencialistas de la funcionaria sean los silencios, los gestos, las miradas y la oración de la religiosa que, si uno sabe interpretarlos, lo dicen todo. Nos ha sorprendido gratamente como Ida busca algo más en la vida que pasar por ella, ya que se deduce que necesita de una relación profunda con la trascendencia para ser feliz en la tierra, pero mirando hacia el cielo (publicado en el Diario Ya).

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28th Feb2015

Kingsman: Servicio secreto

by Víctor Alvarado

kingsman-servicio-secreto-imagen-2En otras ocasiones, hemos hablado de adaptaciones cinematográficas, basadas en cómics creados por genios de la viñeta como Stan Lee, Jack Kirby, Joe Simon, Bob Kane, Jerry Siegel, Frank Miller o Alan Moore. Hoy le toca el turno a dos estrellas como el dibujante Dave Gibbons (dibujante de Watchmen) y el guionista Mark Millar de cuya mente han salido novelas gráficas que han sido llevadas al cine, recordamos títulos como la flojita Wanted, la original y violenta Kick Ass o Kingsman: Servicio secreto. En palabras del autor, esta película es una mezcla entre James Bond y My fair lady.

 

La dirección ha corrido a cargo de Matthew Vaughn, que ha participado en producciones interesantes, entre las que destaca X-men: Primera generación, lo que le avala en este subgénero que será uno de los que caracterice al siglo XXI. Este largometraje es una vuelta de tuerca a las andanzas de espías, pues, de algún modo, nos explica como un hombre descubre su vocación, explicando en qué consiste o cómo preparan los servicios secretos a sus agentes. La película es entretenida y original, pero es menos realista y más incompleta que el cómic a la hora de explicar que la formación de espías tiene por objeto salir airoso de cualquier situación. En contraposición con lo positivo, no nos ha parecido demasiado acertada la secuencia dentro de una iglesia evangélica (que no aparece en el cómic), pues tilda a los cristianos de fanáticos, burlándose de sus principios como su defensa de la vida o la fidelidad matrimonial. No quiero pensar que hubiera ocurrido si esa situación se hubiese desarrollado en una mezquita o sinagoga.

 

Agradecemos a Panini por la gentileza de enviarnos un ejemplar con lo que hemos podido compararlo con el largometraje. La citada editorial advierte de que se trata de una obra para adultos con lo que se ha intentado suavizarla para acercarla a un público juvenil y adolescente, parodiando de un modo original al género y eliminando las escenas de cama, pero aumentando la violencia. Por otra parte, si la historieta alcanza el notable, la película se queda en un simple aprobado. En el cómic, los supervillanos sufren algunos cambios buscando lo políticamente correcto, ya que el guardaespaldas de la prótesis metálica es una mujer y el jefe blanco pasa a ser negro. También llama la atención que en la nóvela gráfica el protagonista y el agente que le enseña son sobrino y tío respectivamente, mientras que en la cinta no guardan ninguna relación de parentesco.

 

El cómic, aunque me parece más frívolo en algunos aspectos, profundiza bastante más en el valor de la familia y el tema del desarraigo, porque el veterano agente necesita de calor humano, pues ha llevado una vida alejada de la estabilidad familiar. En el tebeo, el tío del chico insiste en que la lectura es la pieza clave para promocionarse en la vida. Este hombre intenta redimirse proporcionando al chico una segunda oportunidad que les enfrentará a un multimillonario ecologista que intenta salvar al mundo, haciendo una criba de seres humanos.

 

Del elenco de actores que conforman este producto destacan por encima de todos la presencia del oscarizado por El discurso del rey, Collin Firth que será el “maestro” del actor Taron Egerton. Por cierto, Samuel L Jackson tiene mucha importancia en la historia, pero no da la talla que se le supone (publicado en Pantalla 90).

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