un medio independiente que pretende informar, formar y entretener
03rd May2015

Vengadores: La era de Ultrón

by Víctor Alvarado

los-vengadores-2-imagen-10Tras el éxito cosechado hace unos años, regresa con fuerza una saga de Marvel titulada Vengadores: La era de Ultrón. El encargado de llevar a buen puerto este proyecto ha sido Joss Whedon, que ya dirigió la irregular, pero “palomitera” primera parte. Esta producción mejora a la anterior tanto en el notable y simpático guión como en el sobresaliente manejo de los efectos especiales.

 
La película gira en torno al enfrentamiento entre Últrón y este equipo de superhombres con los pies de barro, que cuenta con el aliciente de dos nuevos personajes: Bruja Escarlata y Quicksilver.

 
Los Vengadores fueron creados por el guionista Stan Lee y por el dibujante Jack Kirby, aunque el supervillano de Ultrón surgió del talento de Roy Thomas y John Buscema que en 1968 presentaron al personaje (para prepararnos esta crítica nos hemos leído dos cómics que nos hablan de este personaje y agradecemos a Panini el nihilista, pero entretenido Los vengadores: La cólera de Ultrón, donde se cuentan detalles de esta primera historieta). Las diferencias fundamentales entre el cómic en el que se basa esta historia son: En primer lugar, la creación de Ultrón, pues si en los cómics era Hank Pink, un personaje importante en este equipo, que se enfunda el traje de Hombre Hormiga, en el largometraje podríamos decir que se trata de una travesura de Tony Stark. En segundo lugar, en los cómics Jarvis aparece como el mayordomo de los Vengadores. En este caso, Jarvis es un ente de inteligencia artificial que sufrirá una transformación en un ser que no vamos a desvelar, pero que presenta matices que difieren del original.

 

 

Los cómics de superhéroes y, en especial, los de Marvel transmiten valores ciertamente interesantes. Llama la atención que los protagonistas se reúnan en un iglesia con lo que ello significa para enfrentarse con su antagónico que destaca por su falta de sentimientos y por la ausencia de Dios en su generación, reflejado ampliamente en el mencionado cómic de 2015, La cólera de Últrón. El ideal de familia queda patente en la sólida relación entre Ojo de Halcón y su mujer. Sin embargo, la cosa no se queda ahí, ya que el romance Banner-Romanoff, que recuerda a la Bella y la Bestia o a la película de King Kong, busca no sólo quedarse en la superficie. Ellos son conscientes de que uno de los fines del matrimonio es el de tener hijos fruto del amor. Por otra parte, a lo mejor nuestros lectores no saben que, a lo largo de la historia han existido varias versiones mejoradas de Últrón, pues es una máquina que evoluciona para crear más problemas al mundo y resulta, por lo tanto, más difícil derrotarlo. Esta idea junto al origen del personaje de Visión abre el debate de si las máquinas algún día podrán pensar y sentir como los seres humanos (publicado en Pantalla90).

Off
26th Abr2015

Felices 140

by Víctor Alvarado

felices-140-imagenes1El cine español de mejor nivel y menos parcial lo forman un grupo de mujeres que nos tienen encantados. Recordamos algunas de ellas como Iciar Bollaín, María Ripoll, Belén Macías o Gracia Querejeta.

 
La cineasta, hija del gran productor Elías Querejeta, tiene varias películas de alto nivel como Héctor, 7 mesas de billar francés o 15 años y un día. Este año estrena Felices 140, que cuenta lo que pasa entre un grupo de personas cuando una de ellas cuenta que le ha tocado el premio del Euro-millón.

 

Aunque no toda la crítica apoya esta cinta que cree poco en el ser humano, rompemos una lanza a favor de la realizadora porque consigue atraparte con una historia que parece que no es nada del otro mundo, pero en el que vemos situaciones que siempre terminan por sorprender. Y es que pasa todo tan rápido que, cuando te quieres dar cuenta, todo ha terminado porque se pasa el tiempo volando. Llama la atención el sencillo, pero inquietante final que da más miedo que una película de terror.

 

La familia es un tema importante dentro de la filmografía de la directora madrileña que disecciona con acierto, ofreciendo una visión más o menos positiva, aunque no idílica de la institución. En esta ocasión, muestra el lado más oscuro de ella y del modo de entender la vida de la sociedad actual. Las declaraciones de esta realizadora a Fotogramas, si uno tiene principios, nos permiten reflexionar sobre cómo la ausencia o presencia de decisiones éticas puede influir en la educación de nuestros hijos:»En el caso del chaval de la película, me interesaba la idea de un padre que trataba de convencer a su hijo de que quiere hacer lo contrario, cuando todo el mundo sabe que no lo es”. La autora, apoyándose en el guión de Santos Mercero, quiere profundizar en la condición humana, en la forma en que la gente saca su peor cara cuando el dinero aparece en sus vidas. La codicia, que tan bien refleja Tolkien en su personaje de Gollum y su conocido tesoro, aparece como el peor de los defectos que destruye o pudre todo lo que hay alrededor.

 

La cineasta ha contado con su actriz fetiche Maribel Verdú, una de mis actrices favoritas, que lo vuelve a bordar. El reparto es coral y destacan Marian Alvarez, Nora Navas y dos actores muy consolidados como Antonio de la Torre y el camaleónico Eduard Fernández. Nos ha gustado el personaje del citado en último lugar, pues sirve para explicar el modo en que la conciencia de las personas influye en que tomemos la decisión adecuada o inadecuada para que nuestro ser se quede tranquilo o no (publicado en Páginas digital).

Off
18th Abr2015

Regreso a Ítaca

by Víctor Alvarado

regreso-a-itaca_97176Cuando sale el tema de Cuba, a uno le surge siempre la siguiente pregunta: ¿Cómo un país que era de los más ricos del mundo se encuentra en la absoluta ruina y la miseria como consecuencia de la revolución comunista orquestada por Fidel Castro? Regreso a Ítaca habla sobre ese periodo de la historia reciente de ese país caribeño en la que un exiliado cubano en España vuelve a su país para reencontrarse con sus amigos de la infancia.

 

 

La dirección ha corrido a cargo de Laurent Cantet, autor de la aclamada La clase o Foxfire: Confesiones de una banda de chicas, que adapta La novela de mi vida del escritor Leonardo Padura, al que conoció mientras se rodaban las siete historias de las que consta la cinta 7 días en La Habana que el citado escritor coordinaba. El mérito del realizador es que mantengamos el interés por una conversación de amigos, ya que todo se desarrolla en la terraza de un edificio de la Habana como si de una obra de teatro se tratara, donde el diálogo lo es todo. La película consta de tres partes bien diferenciadas. Una primera parte en la que ese grupo de personas se ríen cuando recuerdan momentos bonitos de la infancia y adolescencia; una segunda parte en la que se sacan los trapos sucios y una tercera en la que abren su corazón, captando toda la atención de espectador que ya no podrá separarse de la pantalla.

 

 

Las interpretaciones de los protagonistas son muy buenas y no sobresale ninguna sobre las otras. Sus nombres son los siguientes: Jorge Perugorría, Isabel Santos, Pedro Julio Díaz Ferrán, Fernando Hechevarría y Néstor Jiménez. Algunos personajes son quijotescos porque defienden sus ideales, equivocados o no, aunque la realidad demuestre lo contrario y en el fondo estén desencantados, ofreciendo una visión pesimista de la vida, un dato coincidente en toda la filmografía del realizador francés. Nos ha gustado un pequeño papel de una señora que podría ser la madre de cualquiera de ellos que hace hincapié en la idea de conservar la amistad a pesar de la tiranteces que existan entre ese grupo de personas. Otro tema fundamental en este entretenido e interesante relato es su reflexión sobre el poder del miedo extrapolable a otras dictaduras repartidas por el planeta. La crítica, que se hace del régimen castrista, nos ha parecido inteligente porque intenta explicar cómo sus sueños se rompen por culpa de ella, pero sin mostrar odio y sin ensañarse demasiado en apariencia (publicado en Pantalla 90).

Off
12th Abr2015

La dama de oro

by Víctor Alvarado

la-dama-de-oro-imagen-15La actriz Helen Mirren ha demostrado sus habilidades para el biopic como pudimos comprobar en The Queen (2006) y nos hizo creer a todos que se trataba de la auténtica Reina de Inglaterra. Estamos convencidos de que muchos no sabríamos distinguir entre la original y la copia. La Mirren, en la película en cuestión, nos ofrece un amplio abanico de miradas que con gran economía de gestos expresan gran variedad de matices que sin palabras nos desvelan muchos detalles del sentir de esta persona. La citada interprete explicó a Fotogramas lo siguiente: “Esta es la clásica historia de David venciendo a Goliat con la que todos nos identificamos fácilmente”.

 

 

La dirección ha correspondido a Simon Curtis, al que recordamos por una película con encanto como fue Mi semana con Marilyn, que decidió hacer esta película, utilizando como fuente un documental de la BBC, titulado: Buscando al pintor Klimt, para hablarnos de la vida de María Altman. Y es que en 1998, el gobierno austriaco aprobó una ley en la que el estado devolvería a sus propietarios todas las piezas u obras de arte requisadas a los judíos por los nazis durante la 2ª Guerras Mundial. Su realizador nos cuenta la lucha de esta mujer para recuperar su patrimonio. El referente más cercano es Monuments Men, dirigida por George Clooney. La cinta presenta un ritmo razonablemente dinámico, teniendo en cuenta que los diálogos priman sobre la acción que se reduce a una escena. Por otra parte, algunas veces somos críticos con el abuso de los Flashback en el cine actual. Sin embargo, en este caso, se usan en el momento adecuado y para explicar los sentimientos de la protagonista en unas situaciones concretas del pasado.

 

 

La dama de oro es una película histórica con ciertos toques caprianos en la que se apoya al más indefenso, defendiendo una causa justa. No sólo nos entretendremos con su visionado, sino que nos invita a pensar que nunca hay que rendirse ante una injusticia y que, a veces, el esfuerzo tiene sus frutos. El valor de la familia se potencia y se explica el daño que causa una separación traumática en la que se explica el modo de afrontarla, destacando la necesidad de mantener el recuerdo vivo para no olvidar todo lo que te dieron sin esperar nada a cambio (publicado en Páginas digital).

Off
06th Abr2015

Cenicienta

by Víctor Alvarado

cenicienta-2015-imagen-2Kenneth Branagh, autor de la sobresaliente adaptación de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces, nos encandila a todos con Cenicienta, aunque no lo suficiente (le sobran 10 minutos). Este cineasta nos permite reflexionar sobre valores universales que  están presentes en toda la cultura occidental y parte de la oriental como el de la generosidad con los demás y la valentía para afrontar nuevos retos, potenciando la bondad y el perdón, infravalorados actualmente, pero necesarios para enfrentarse a la vida y para superar dificultades de convivencia. El realizador ha ofrecido una visión más actual que demuestra que la modernidad y la tradición pueden ir de la mano. Y es que las madres siguen siendo el motor de la felicidad por lo dones tan especiales de los que goza la mujer (publicado  en el Diario Ya).

Off
22nd Mar2015

El año más violento

by Víctor Alvarado

amvy_day12-461.CR2Desde American Gangster dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Rusell Crowe y Denzel Washington hace 8 años, no veía una gran película de este género. El año más violento, aunque no es el tipo de historia que más me guste, me ha sorprendido gratamente.

 

 

Está ambientada en el inicio de la década de los ochenta, concretamente, en 1981. En esas fechas, el índice de delincuencia de la ciudad de Nueva York batió su récord y el empresario, Abel Morales, deberá poner todos los medios de que dispone para campear el temporal, pues muchos de esos delitos afectan directamente a su empresa, ya que hay alguien que intenta echarle el negocio a pique.

 

 

La dirección ha corrido a cargo de J C Chandor, que debutó con la interesante Margin call en la que se intentaba demostrar cuál fue el origen de la última gran crisis, que afectó a la economía mundial. El año más violento tiene todos los ingredientes para que el engranaje de la misma funcione a la perfección. Entre otras cosas porque está escrita y filmada por Chandor que lo controla absolutamente todo. El libreto es muy sólido y no se le escapa ningún detalle. Como he leído en alguna crítica, los personajes, sin desvelar muchos pormenores, dejan entrever las luces y las sombras que acompañan a su personalidad. Los diálogos recuerdan a las grandes producciones clásicas de género, protagonizadas, entre otros, por James Cagney y Humphrey Bogart. El resto lo hacen actores de la talla de Óscar Isaac al que merece la pena que no le perdamos la pista. Jessica Chastain, sin excesos, ni histrionismos, consigue que no la distingamos de un papel a otro. En El árbol de la vida hizo de comprensiva madre católica, mientras que en La deuda nos hizo creer que era una eficaz agente secreta. En este caso, interpreta un papel ambiguo, intentando transmitir la idea de que detrás de un gran un hombre hay una gran mujer.

 

 

Esta cinta parece que quiere explicar que en el país de los “sueños” no todo es un camino de rosas. El personaje protagonista es una especie de Bruce Wayne; es decir, Batman, pero realista (como apunta un secundario) para el que no todo vale para conseguir un objetivo. La ética de Abel no le permite tomar atajos que le facilitarían los negocios porque busca el camino recto, sorteando obstáculos y actuando con astucia. No obstante, sus principios serán puestos a prueba en situaciones límite.

 

 

Finalmente, hay que decir que funciona bien hasta la única escena de persecuciones que, sin ser una fantasmada tipo Misión imposible, resulta más inquietante que cualquiera de las que hayamos visto en cine de acción (publicado en Páginas digital).

Off
15th Mar2015

Calvary

by Víctor Alvarado

calvary-imagen-1En una semana de estrenos intrascendentes aprovechamos la oportunidad para rescatar de semanas anteriores una pequeña gran joya como Calvary.

 

 

La historia comienza cuando el comprometido y honrado padre James confiesa a una persona, que afirma haber sufrido abusos sexuales por parte de otro presbítero, y amenaza con matarle. A partir de esa primera impactante escena comienza una curiosa y original trama de intriga.

 

 

Si hace un par de años vimos a Brendan Gleeson de tipo duro en El Irlandés, este año se ha reformado y se le ha ablandado el corazón porque interpreta a un cura en una cinta del cineasta John Michael McDonagh con el que repite. Este buen actor es el padre del simpático Domhnall Gleeson que triunfara en la magnífica comedia romántica: Una cuestión de tiempo. Este veterano actor declaró lo siguiente a Fotogramas: “He interpretado a muchos antihéroes algo fácil cuando vivimos en este estado de desilusión. Pero en esta película hemos nadado a contracorriente al presentar a un personaje, cuya máxima aspiración es la bondad.”

 

 

El citado realizador ha sido capaz de demostrar que se puede construir un relato de suspense en un largometraje que explica con rigor y sin caricaturas, a diferencia de lo que ocurre en el cine español, el funcionamiento real de una parroquia en la que observamos a un sacerdote volcado con sus feligreses: celebrando la eucaristía; consolando a una persona que acaba de perder un ser querido; acompañando a un anciano o animando a pecadores que buscan una nueva oportunidad para pasar de hombre viejo a hombre nuevo como le ocurrió a San Pablo.

 

 

Deben prestar especial atención a los dilemas y reflexiones que giran en torno al tema del perdón muy presente en todo el largometraje, una de las piezas esenciales del cristianismo al igual que el calvario por el que pasa un servidor de Cristo (publicado en Páginas digital).

Off
08th Mar2015

Ida

by Víctor Alvarado

ida_92608Ida ha obtenido el Óscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa, con lo que algunas salas de cine la han vuelto a proyectar, lo que me da pie para rescatarla y analizarla con detenimiento.

 

Anna es una niña huérfana acogida en un convento, convertida en novicia de la congregación religiosa. La madre superiora le invita a buscar la tumba de sus padres que fueron asesinados por la persecución contra los judíos durante la Segunda Guerra Mundial.

 

La dirección ha correspondido al cineasta polaco Pawel Pawlikoswski, recordado por sus anteriores trabajos como La mujer del quinto. Este realizador ofrece un relato sobrio y profundo, construido mediante gestos y miradas más que de elocuentes diálogos. Este modo de narrar coincide o es una mezcla entre Bergman y Dreyer. La película presenta un ritmo pausado, que invita a reflexionar y que está tan logrado que consigue que el espectador no se separe de la butaca porque nunca pierde el interés. Por otra parte, podemos decir que, si en Historia de una monja de Fred Zinnemann, interpretada por Audrey Herpburn, ésta se plantea la salida del convento porque le atrae la vida de fuera; en este caso, la protagonista medita, escuchando lo que Dios quiere de ella, planteándose seriamente su vocación religiosa. No obstante, ofrece una visión demasiado inexpresiva y fría que recuerda más bien al modo de entender la vivencia cristiana de los protestantes, a pesar de tratarse de una comunidad católica, que se caracteriza especialmente por la alegría con la que vive su fe.

 

El duelo interpretativo entre dos piedras preciosas de la interpretación como Agata Trzebuchowska y Agata Kilesza es digno de las mejores actrices de Hollywood. El debate entre creyentes y agnósticos está garantizado. Lógicamente, Ida representa los valores religiosos y su antagónica es la funcionaria del partido comunista que coincide tan sólo con ella en el drama familiar. Ésta parece desencantada y sin agarraderas porque se encuentra influenciada por esa ideología que destruye al ser humano por dentro. Llama la atención que el modo de rebatir los contundentes y racionales argumentos existencialistas de la funcionaria sean los silencios, los gestos, las miradas y la oración de la religiosa que, si uno sabe interpretarlos, lo dicen todo. Nos ha sorprendido gratamente como Ida busca algo más en la vida que pasar por ella, ya que se deduce que necesita de una relación profunda con la trascendencia para ser feliz en la tierra, pero mirando hacia el cielo (publicado en el Diario Ya).

Off
28th Feb2015

Kingsman: Servicio secreto

by Víctor Alvarado

kingsman-servicio-secreto-imagen-2En otras ocasiones, hemos hablado de adaptaciones cinematográficas, basadas en cómics creados por genios de la viñeta como Stan Lee, Jack Kirby, Joe Simon, Bob Kane, Jerry Siegel, Frank Miller o Alan Moore. Hoy le toca el turno a dos estrellas como el dibujante Dave Gibbons (dibujante de Watchmen) y el guionista Mark Millar de cuya mente han salido novelas gráficas que han sido llevadas al cine, recordamos títulos como la flojita Wanted, la original y violenta Kick Ass o Kingsman: Servicio secreto. En palabras del autor, esta película es una mezcla entre James Bond y My fair lady.

 

La dirección ha corrido a cargo de Matthew Vaughn, que ha participado en producciones interesantes, entre las que destaca X-men: Primera generación, lo que le avala en este subgénero que será uno de los que caracterice al siglo XXI. Este largometraje es una vuelta de tuerca a las andanzas de espías, pues, de algún modo, nos explica como un hombre descubre su vocación, explicando en qué consiste o cómo preparan los servicios secretos a sus agentes. La película es entretenida y original, pero es menos realista y más incompleta que el cómic a la hora de explicar que la formación de espías tiene por objeto salir airoso de cualquier situación. En contraposición con lo positivo, no nos ha parecido demasiado acertada la secuencia dentro de una iglesia evangélica (que no aparece en el cómic), pues tilda a los cristianos de fanáticos, burlándose de sus principios como su defensa de la vida o la fidelidad matrimonial. No quiero pensar que hubiera ocurrido si esa situación se hubiese desarrollado en una mezquita o sinagoga.

 

Agradecemos a Panini por la gentileza de enviarnos un ejemplar con lo que hemos podido compararlo con el largometraje. La citada editorial advierte de que se trata de una obra para adultos con lo que se ha intentado suavizarla para acercarla a un público juvenil y adolescente, parodiando de un modo original al género y eliminando las escenas de cama, pero aumentando la violencia. Por otra parte, si la historieta alcanza el notable, la película se queda en un simple aprobado. En el cómic, los supervillanos sufren algunos cambios buscando lo políticamente correcto, ya que el guardaespaldas de la prótesis metálica es una mujer y el jefe blanco pasa a ser negro. También llama la atención que en la nóvela gráfica el protagonista y el agente que le enseña son sobrino y tío respectivamente, mientras que en la cinta no guardan ninguna relación de parentesco.

 

El cómic, aunque me parece más frívolo en algunos aspectos, profundiza bastante más en el valor de la familia y el tema del desarraigo, porque el veterano agente necesita de calor humano, pues ha llevado una vida alejada de la estabilidad familiar. En el tebeo, el tío del chico insiste en que la lectura es la pieza clave para promocionarse en la vida. Este hombre intenta redimirse proporcionando al chico una segunda oportunidad que les enfrentará a un multimillonario ecologista que intenta salvar al mundo, haciendo una criba de seres humanos.

 

Del elenco de actores que conforman este producto destacan por encima de todos la presencia del oscarizado por El discurso del rey, Collin Firth que será el “maestro” del actor Taron Egerton. Por cierto, Samuel L Jackson tiene mucha importancia en la historia, pero no da la talla que se le supone (publicado en Pantalla 90).

Off
22nd Feb2015

El francotirador

by Víctor Alvarado

elfranUno de los grandes temas de la filmografía tanto de actor como de director de Clint Eastwood ha sido el género bélico, aunque domina casi todos ellos como ha demostrado con películas 5 estrellas como Sin perdón, Fuera de la ley, El intercambio y Million dollar baby. Sin embargo, con Gran Torino, una de sus obras maestras, parecía que había enterrado el «hacha» de guerra que vuelve a resucitar con su nuevo trabajo: El francotirador.

 

 

Esta película se basa en las memorias de Chris Kyle, que cuenta su experiencia en la Guerra de Irak. Entre los cineastas que barajaron el proyecto estuvo Steven Spielberg. Como dato curioso, este militar antes de morir expresó que el citado Eastwood era el candidato idóneo. La película, de algún modo y salvando las distancias, guarda ciertos paralelismos con El sargento York de Howard Hawks en gran parte del planteamiento porque nos encontramos con que su protagonista protege a sus compañeros, aunque vaya en contra de su modo de pensar.

 

 

Estos son los nombres de los actores que participan en este relato cinematográfico: Sienna Miller, Lukes Grimes Kyle Gallner y la indiscutible estrella, Bradley Cooper, que ha recibido su tercera nominación consecutiva, hito conseguido por actores del talento de Gregory Peck, Jack Nicholson, Spencer Tracy o Russell Crowe. El mencionado intérprete muestra gran cantidad de registros, pues esta cinta tiene momentos tristes y alegres, acompañados de trepidantes escenas junto a varias situaciones que nos permitirán esbozar una sonrisa.

 

 

Este largometraje presentas distintos dilemas morales a los que se enfrenta un cristiano practicante como el de por ejemplo: ¿Cómo actuar cuando tus compañeros están en peligro y un niño se acerca con una granada en la maño para lanzarla contra ellos? La familia es otro tema de gran importancia porque podemos comprobar cómo la comunicación tanto en sentido positivo como negativo parece esencial para el buen funcionamiento o no de una relación de pareja. Finalmente, el realizador no elude la idea de las consecuencias que la guerra deja en sus participantes y la huella psicológica con la que marca hasta a la persona aparentemente segura.

 
La dirección de Eastwood vuelve a sorprendernos, ya que ha filmado las escenas de acción con maestría, no siendo una de las especialidades de este hombre, un detalle que no ha pasado desapercibido por parte de la Academia de Hollywood, pues la cinta no sólo ha recibido nominaciones a mejor película o actor, sino a los efectos de sonido. Tras La teoría del todo y Whiplash, ésta es la tercera de mis favoritas, aunque Boyhood y Birdman tienen todas las papeletas para hacerse con la ansiada estatuilla. El único pero que le podemos poner a la producción en cuestión es que puede resultar reiterativa.

 
La película ha arrasado en la taquilla estadounidense, aunque no está exenta de polémica. Algunos verán un exceso de patriotismo, pero en ese país conocen el modo con el que hay que tratar a sus héroes a diferencia de lo que lo ocurre a los españoles que ahora y muy lentamente están empezando a darse cuenta de la importancia de sus hazañas como es el caso de la Contra armada, Blas de Lezo y otros hechos silenciados. Y es que resulta emocionante el homenaje que muchos estadounidenses rindieron a este recordman de la élite de ejército americano. Por cierto, varias han sido las películas, videojuegos y cómics, donde se destaca la labor para bien o para mal de estos soldados especializados (publicado en Páginas digital).

Off
15th Feb2015

El cuento de la princesa Kaguya

by Víctor Alvarado

cuento-de-la-princesa-kaguya-el_96641Una de los pocas producciones, que puede hacer sombra a la gran y positiva cinta de Disney de este año, Big Hero 6, en la lucha por el Óscar a la Mejor Película de Animación, es El cuento de la princesa Kaguya, que todavía no se ha estrenado en España.

 
Una pareja de entrañables ancianos se encuentran a una niña diminuta y la cuidan con mimo hasta que se acaba convirtiendo en una guapa mujer, pretendida por todos, que esconde un secreto.

 
El encargado de llevar a cabo este proyecto ha sido Isao Takahata, uno de los estandartes de los estudios Ghibli junto al inolvidable Hayao Miyazaki. A este cineasta lo recordamos por un dramón de dibujos animados, llamado La tumba de las luciérnagas, así como obras maestras de la televisión como Heidi o Ana de las tejas verdes. Y si el año pasado se despidió Miyazaki con El viento se levanta, éste ha sido el turno de la otra estrella del anime japonés que, en teoría, se despide con El cuento de la princesa Kaguya, basada en el cuento popular del siglo IX: El cortador de bambú.

 
Sin embargo, no se engañen, el realizador de este largometraje hace un tipo de animación más apropiada para el público adulto que para el infantil. Las situaciones vividas te acaban dejando tocado, acuérdense de la serie Marco. Podemos decir que el punto luminoso de los estudios Ghibli lo pone Miyazaki, mientras que Takahata presenta un toque más pesimista. Algunos pueden pensar que la cinta se alarga innecesariamente y no les quitamos la razón porque 137 minutos nos parecen excesivos, teniendo en cuenta la parsimonia nipona. Lo que pasa es que se recrea en los paisajes, a cada cual más bonito, ya que cada plano es un cuadro que merecería una exposición.

 

Esta producción intenta concienciarnos de que la ambición del ser humano puede ser un obstáculo para disfrutar con las personas a las que queremos. Por otra parte, su visionado nos sugiere que la felicidad no la da la posición social, sino el saber mirar al corazón de los demás. Por último, el valor de la acogida tiene gran importancia en este relato y la escena de bella factura, donde la princesita gatea y da los primeros pasos, expresa esa idea (publicado en Diario Ya).

Off
08th Feb2015

Foxcatcher

by Víctor Alvarado

foxcatcher-imagen-14Reconozco que me suelen gustar las películas estadounidenses de deportes, aunque en España este tipo de producciones no llegan a funcionar del todo bien en la taquilla. La semana pasada se estrenó una cinta sobre lucha, titulada Foxcatcher y que ha entrado en la lista de candidatas al Óscar. Concretamente ha recibido 5 nominaciones. Estamos ante una historia, basada en hechos reales y cargada de tintes dramáticos.

 
Está dirigida por el director Bennett Miller que nos permitió conocer los entresijos de los fichajes de deportistas de beisbol en la inteligente y entretenida, Moneyball, protagonizada por Brad Pitt.

 
Su realizador ha contado con tres actores de primera línea como Steve Carell, irreconocible y muy bien caracterizado, junto a Channing Tatum y a un Mark Ruffallo, que parece que ha cogido carrerilla, ya que ha participado en tres películas de interés en un corto espacio de tiempo como Amor sin control, Begin again o Foxcather. El ritmo de la misma es intencionadamente pausado, como queriendo que nos introduzcamos en la mente de los personajes y buscando momentos de silencio, haciendo el honor a la expresión: una imagen vale más que mil palabras. La cinta cuenta con varios hándicaps: el ya citado ritmo que puede llegar a ser insoportable; el tema de la lucha que es un deporte muy minoritario y que no entendemos qué tiene esta historia de especial como para querer contarla. Por otra parte, de todas las nominadas, esta es la que presenta menos posibilidades y pensamos que otras de mayor nivel se han quedado injustamente fuera como Trash, ladrones de esperanza o Perdida.

 

 

La cinta reflexiona sobre el concepto de patriotismo cuando roza el fanatismo porque entendemos que ese valor utilizado en su justa medida es positivo para construir una nación, pero el personaje de Steve Carell lo transforma. Por otra parte, la actitud de ese personaje sirve para preguntarse hasta dónde alguien está dispuesto a llegar para conseguir un objetivo.

 
Entre tanto drama, el elemento que arroja más luz es el de la relación que mantiene David, uno de los campeones olímpicos con su hermano Mark, pues a pesar de estar muy comprometido en el cuidado de su familia e hijos, está pendiente de su pariente. Intenta levantarle la moral y actuar como los padres que nunca tuvieron porque eran huérfanos, siendo consciente del malestar que genera el desarraigo. Y es que otro de los grandes temas del largometraje es el de la fragilidad del ser humano que, aunque se encuentre en el mejor momento de su vida, un hecho concreto puede afectarle psicológicamente más de lo debido (publicado en Páginas digital).

Off
01st Feb2015

The Imitation Game (Descifrando Enigma)

by Víctor Alvarado

the-imitation-game-imagen-1“La persona a la que nadie imagina capaz de nada es la que hace cosas que nadie imagina”.

 
Todavía se puede encontrar en las salas de proyección de varias ciudades españolas la película: The Imitation Game (Descifrando Enigma), que vuelve a ser noticia, a pesar de haberse estrenado en navidades, al haber recibido varias nominaciones a los Óscar, entre ellas a mejor película. Para mi gusto ésta y La teoría del todo son mis preferidas de momento de entre las estrenadas en España para la esperada gala.

 
Todos los años por estas fechas se estrena alguna que otra cinta relacionada con la Segunda Guerra Mundial. En este mes de enero han aparecido en cartelera: Corazones de acero, La conspiración del silencio y la película en cuestión.

 
The Imitation Game (Descifrando Enigma) es una producción británica de Morten Tyldum (Headhunters), recibiendo el premio del público en el Festival de Toronto. No es la primera vez que se habla en el cine de la importancia de las comunicaciones en periodos bélicos, pues ya lo pudimos comprobar en largometrajes como Enigma y Windtalkers.

 

Su director ha contado la historia de unos hombres que fueron capaces de descifrar el código secreto con el que se comunicaban los alemanes, que fue determinante para que Hitler no obtuviera la ansiada victoria. Muchas veces hemos criticado el indiscriminado uso del flashback por parte de algunos cineastas. En este caso pensamos que son necesarios para conocer el porqué el protagonista actúa de modo determinado y han sido utilizados en el momento oportuno.

 

 
El actor Benedict Cumberbatch, al que todos recordarán por su papel de Sherlock Holmes, representa a un héroe marginado por su orientación sexual, que explicó a Fotogramas las características de su personaje: “Su rostro debería aparecer en los billetes o en las postales de los libros de texto, ya que su trabajo secreto evitó la muerte de 14 millones de personas. Este científico Alan Turing era un hombre gay, un atleta, un ser humano sensible, inteligente, que fue destruido por la sociedad que él contribuyó a salvar”.

 

 
Tras el visionado de la película, uno puede reflexionar sobre el horror de la guerra y el valor incalculable de la vida, invitando a pensar en la dignidad de la persona sea cual sea su condición. No obstante, los líderes de la ideología de género utilizarán esta cinta como propaganda. Por último, no podemos olvidar resaltar que todos recibimos dones que debemos de poner al servicio de los demás (publicado en Páginas digital).

Off
25th Ene2015

Whiplash

by Víctor Alvarado

whiplash-imagen-5El subgénero cinematográfico sobre músicos de conservatorio ha dado lugar a buenas producciones como El cuarteto o El profesor Holland. La película en cuestión cumple esa condición y por sus características tiene muchas posibilidades de hacerse con algún que otro Óscar, aunque lo tiene difícil por mi favorita, La teoría del todo, las excesivamente valoradas Boyhood y Birdman o la esperada, todavía no estrenada, El francotirador de Clint Eastwood.

 
Un jovencito de 19 años entra en una de las escuelas más prestigiosas de los Estados Unidos, donde se encuentra con un hueso duro de roer como el profesor, Terence Fletcher, cuyos métodos rozan o sobrepasan los límites.

 
La dirección ha corrido a cargo del desconocido en España Damien Chazelle, autor del guión de Grand piano, que se inspiró en un profesor que tuvo para contar esta historia. Se percibe que es un gran director de actores, sacando el máximo producto y el duelo interpretativo está garantizado. El final es maravilloso. En contraposición con lo positivo, quizás carga la mano en la cantidad de tiempo que dedica a los temas musicales, ya que para quien no le guste el Jazz puede resultar excesivo. Sin embargo, no me considero un amante del género y las composiciones musicales me han encantado.

 
El reparto lo componen Milles Teller, Melissa Benoist y un veterano como JK Simmons al que recordarán por ser el padre de Juno o el Jonah Jameson del Daily Bugle en la saga de Spiderman. La verdad es que Simmons está muy bien, estando nominado a la estatuilla como mejor actor de reparto. Según el realizador era el actor indicado porque necesitaba una persona que pudiera ser al mismo tiempo cautivador y exigente.

 
Este ambiguo largometraje da lugar a la siguiente interpretación, pues la labor del profesor puede entenderse como la de no solo enseñar, sino de preparar para la vida, aunque nos hacemos la pregunta de si el fin justifica los medios. Por otra parte, esta producción hace honor al refrán: la letra con sangre entra, porque para ser el mejor se supone que hay que hacer grandes sacrificios (publicado en el Diario Ya).

Off
18th Ene2015

La teoría del todo

by Víctor Alvarado

la-teoria-del-todo-imagen-6El biopic es un género que, por sus características, facilita el lucimiento de los actores que se introducen en el pellejo de los famosos a los que dan vida.

 
Este largometraje cuenta la historia de amor entre el astrofísico, Stephen Hawking y Jane. Este conmovedor relato comienza antes de que la enfermedad se desarrollase con toda su crudeza en el momento en el que este hombre de ciencias se encontraba en plenitud de facultades, practicando incluso deporte.

 
La dirección ha corrido a cargo de James Marsh, autor de producciones desconocidas en España. Este realizador ha demostrado gran talento para narrar la vida de un científico que nos resulta familiar sin que esté edulcorada, puesto que ha sabido compensar las escenas lacrimógenas con otras bastante simpáticas, consiguiendo que nunca perdamos el interés. La banda sonora de Jóhann Jóhannsson nos parece de una calidad insuperable.

 
Cambiando de tema, cuando el personaje interpretado por un actor supera a la persona que representa, podemos decir que el éxito está garantizado. Por poner un ejemplo, eso es lo que le pasaba al humorista Fernando Echeverría cuando reproducía la voz del periodista José María García. Precisamente, es exactamente lo que le ha ocurrido al actor, Eddy Redmayne, ganador del globo de oro al mejor actor dramático por esta cinta y aspirante al Óscar. El intérprete ha logrado que no consigamos distinguirlo del original. Sin embargo, este excepcional trabajo no debe eclipsar a su compañera de reparto, Felicity Jones, ya que su actuación está al mismo nivel y cada gesto es respondido con una brillante réplica.

 

Muchos pensarán que se trata de otro relato más de una superación personal y puede que tengan razón. No obstante, la relación sentimental de esta pareja rompe fronteras porque supuso un gran sacrificio generoso que no todo el mundo es capaz de afrontar. Por otra parte, de todos es conocido el ateísmo militante de Hawking. De hecho, el titulo de la película (La teoría del todo) hace referencia a la idea de que la explicación del origen del universo se puede reducir a una ecuación, aunque este hombre deja una puerta abierta a la esperanza en relación a la posibilidad de trascendencia. El visionado de la cinta garantiza el debate entre agnósticos y creyentes donde, tanto unos como otros, exponen sus argumentos sin que salten chispas. En cambio, la fe de ella era a prueba de bombas, estando vinculada al anglicanismo. Pensamos que el director ha pretendido mostrar como razonable ambas posturas. Y es que no parece descabellado que la fe y la razón puedan contribuir a demostrar la existencia de un ser superior(publicado en Páginasdigital).

Off
10th Ene2015

Quédate conmigo

by Víctor Alvarado

quedate-conmigo_96555De vez en cuando, en nuestra labor de crítica cinematográfica, nos gusta destacar pequeñas producciones que ofrezcan algo diferente. Quédate conmigo nos presenta una manera distinta de afrontar la enfermedad del Alzheimer y enfermedades similares.

Craig lleva casado 61 años con la mujer de su vida, Irene. Ésta se encuentra enferma. Por esa razón, Craig construye una casa con sus propias manos para facilitar la autonomía de su mujer. Al no cumplir con los requisitos legales, las autoridades locales le amenazan con la cárcel, si no abandona su propósito.

Varias han sido las producciones que han tratado el tema con la seriedad y la profundidad adecuada como Antonio Mercero en ¿Y tu quién eres?, Alexander Payne en Nebraska o Freddy Mas Franqueza con Amanecer de un sueño. Sin embargo, la principal baza de esta producción es que está basada en hechos reales, lo que le da más fuerza y credibilidad a la historia. Este largometraje se podría decir que es la versión realista y esperanzadora frente a la negativa visión de la cinta Amor de Michael Haneke. Michael McGowan ha sido el encargado de llevar a cabo este proyecto. Este realizador ha dirigido la serie infantil: Las aventuras de Henry y tres películas: En busca del milagro, One week y A hockey musical.

El mayor peso dramático recae en dos veteranos de segunda línea, pero no por eso de inferior profesionalidad. Los encargados de dar vida a esa pareja, que se ama con todas las consecuencias, han sido James Cromwell, que fue nominado al Óscar al mejor actor de reparto por Babe, el cerdito valiente y Genieve Bujold, cuya magnífica interpretación en Ana de los mil días, le permitió ganar un Globo de Oro como mejor actriz, siendo nominada ese mismo año al Óscar.

Hay que prestarle atención a la escena en la que una vecina se compromete a traer el almuerzo una vez a la semana en señal de agradecimiento por la ayuda recibida en situaciones peliagudas, ya que viene a decir que quien se preocupa desinteresadamente por los demás se encuentra recompensado con creces. Tampoco podemos ignorar, la oración condicionada del protagonista que recurre a la trascendencia a pesar de sus dudas junto a la evolución de su personaje.

La construcción de la casa es una metáfora o una representación de las personas que realizan su trabajo a conciencia y sustentan los pilares de su vida en sólidos principios, valores y virtudes. La mejor definición sobre este largometraje la encontramos en el titular del New York Times que dice lo siguiente: “El matrimonio es el corazón y el alma de esta pequeña, pero robusta película.”(publicado en Páginas digital)

Off
Páginas:«1...10111213141516...30»