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04th Ene2015

Big Hero 6

by Víctor Alvarado

big-hero-6-imagen-5Se trata de una de la mejores producciones de las navidades del tándem Disney-Marvel (posible candidata a los Óscar), permitiendo reflexionar sobre el uso de la ciencia para buenos fines, donde la ética tiene la última palabra. Por otra parte, el valor del sacrificio por los demás es otro punto a tener en cuenta y surge la pregunta de si estaríamos dispuestos a dar la vida por nuestros amigos. En tercer lugar, sería importante considerar la idea del protagonista, instigado por su hermano mayor, en la que se propone mirar los problemas desde otro ángulo cuando no se le encuentra solución.

Por cierto, no debes perderte el final de los créditos, un tanto escatológico, pero memorable.

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21st Dic2014

El Hobbit: La batalla de los 5 ejércitos

by Víctor Alvarado

el-hobbit-la-batalla-de-los-cinco-ejercitos-imagen-3Peter Jackson siempre será recordado por las dos adaptaciones-trilogías que ha hecho de J R R Tolkien, la profunda mitología cristiana de El señor de los anillos y la entretenida aventura de El Hobbit, ambas rozando el sobresaliente. Con esta última ha estirado el chicle todo lo que ha podido (la economía es la que manda), un práctica muy habitual en los últimos años. El cineasta ha tenido que recurrir a apuntes y anexos del autor para completarla, pues la novela no supera las 300 páginas.

El realizador explicó a Fotogramas lo que nos íbamos a encontrar en esta tercera entrega: “Se trata de un thriller psicológico con escenas de acción espectaculares y una estructura narrativa ajustada al milímetro. Hay pocas películas de suspense que duren casi tres horas y de esta es la que estoy más orgulloso”. No obstante, aunque suene contradictorio, la mayor virtud y el mayor defecto, según se mire, se encuentra en que las escenas de una alta carga dramática se desarrollan con mucha parsimonia, mientras que las batallas gozan de demasiado dinamismo, alargándose en exceso con lo que se rompe el equilibrio.

El reparto lo forman Ian McKellen, Richard Armitage, Luke Evans que interpreta a un importante personaje como el bardo, ya que estamos ante uno de los principales héroes de esta tercera entrega junto con el indiscutible Martin Freeman.

Esta producción invita a pensar sobre la auténtica amistad, entendida no solo como un sentimiento sino como un sacrificio por el otro. El amor de pareja tiene mucho que decir, pues no banaliza el término, haciendo honor a la frase de un cantante que decía que el amor no es amor, sino causa dolor. Por otra parte, como resulta lógico en los textos del citado autor católico, se destaca la idea de que el poder corrompe y que las personas están por encima de cualquier riqueza material.

Finalmente, queremos destacar que estas películas están muy conseguidas, las dos primeras más que esta última. Sin embargo lo más importante es acercarse a las obras del escritor y a los analistas de este genio de la literatura anglosajona para comprender el mensaje tan positivo que esconde dentro (publicado en Páginas digital).

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14th Dic2014

Magia a la luz de la luna

by Víctor Alvarado

magic-in-the-moonlight-imagen-9Siguiendo la tónica habitual de Woody Allen de filmar una película por año, llegó a las pantallas españolas Magia a la luz de la luna. Se trata de la enésima producción que plantea las eternas cuestiones que  circulan por la mente de este cineasta desde una óptica existencialista como el de preguntarse por el sentido de la vida, la muerte y la religión, aunque con matices distintos a los habituales.

 

Stanley es un mago de vuelta de todo y ateo que intenta desenmascarar a una afamada vidente, a la que muchos culpan de haber hechizado a una familia de multimillonarios americanos, que tiene un romántico pretendiente que la persigue tocando el ukelele.

 

El citado realizador  nos ha obsequiado con obras muy valoradas por la crítica cinematográfica como Manhattan, Annie Hall, Match Point o Midnight in París. No obstante, Magia a la luz de la luna es una comedia de intriga en la línea de la entretenida Scoop. Probablemente, no será de las más redondas, pero a mí me ha parecido bastante más interesante que alguna de sus entregas más valoradas. Quizás se deba a que, en esta ocasión, no le ha dado por frivolizar con las relaciones de pareja o por burlarse de las creencias de la personas.

 

El reparto lo conforman secundarios como Eileen Atkins que te hacen creer que la cinta está ambientada en los locos años 20  tanto por sus buenas caracterizaciones como por sus interpretaciones. Estos actores nada tienen que envidiar, por ejemplo, a la histriónica actuación de  Emma Watson, pues  su personaje lo permite. Por otra parte, Collin Firth han conseguido ser el alter ego perfecto del realizador neoyorquino, mejorándolo incluso.

 

Coincidimos plenamente con Allen en su crítica al esoterismo  y en su interés por desmontar las triquiñuelas de los videntes. En lo que no estamos  tan de acuerdo  es en que se ponga al mismo nivel la práctica sencilla de la fe, apoyada en una religión que la superstición, aunque el tiro le ha salido por la culata, pues la sincera oración del protagonista sería de las más realistas de la historia del cine, sino fuera por la evidente ironía. Y en esta producción más bien optimista, la batalla de las ideas la ganan los creyentes,  siendo el amor el idioma universal que más se aproxima a la opinión que algunos tenemos de la relación del hombre con Dios.

Finalmente, coincido plenamente con el periodista Fernando de Haro en el que le haya salido un largometraje de corte religioso sin pretenderlo (publicado en el Diario Ya).

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07th Dic2014

Exodus: Dioses y reyes

by Víctor Alvarado

exodus-dioses-y-reyes-imagen-6Parece un atrevimiento que, después de que Cecil B DeMille con Los 10 mandamientos y Steven Spielberg con El príncipe de Egipto nos maravillaran, alguien nos pudiera sorprender contándonos una historia sobre un personaje histórico como Moisés.

El encargado de este arriesgado proyecto ha sido Ridley Scott, un maestro del entretenimiento que domina todos los géneros, acuérdense de historias tan dispares como Blade Runner, Alien. El octavo pasajero o American Gangster. Generalmente, la mayor virtud de este cineasta es lo bien que se documenta cuando filma una película histórica, aunque a veces patina con algunos detalles, al recurrir sólo a algunas fuentes como le pasó con El reino de los cielos y, especialmente, con 1492: La conquista del paraíso, donde se dejó guiar por la leyenda negra española, desmontada incluso por hispanistas anglosajones. No obstante, hay tres películas basadas en hechos reales que merecen la pena como Robin Hood, Gladiator o Black Hawk derribado.

El título de esta superproducción estadounidense y, en gran parte española, hace referencia a uno de los libros del Antiguo Testamento de la Biblia en el que se cuenta como Dios  ayudó a Moisés a liberar a su pueblo de la esclavitud mediante 7 plagas, demostradas a nivel histórico. La cinta está cargada de imágenes impactantes que contrastan con el enfrentamiento personal entre Ramsés y el líder judío de gran intensidad dramática. El cineasta, que dedica este trabajo a su hermano Tony, fallecido hace poco tiempo y al que todos recordarán por su magnífico trabajo como productor en la serie The good wife, adapta el citado texto de un modo libre, buscando más la épica que la visión religiosa de esta obra del Pentateuco.

El reparto es potentísimo y lo forman: María Valverde, Aaron Paul, Ben kingsley, Joel Edgerton, Sigourney Weaver y, unos de mis actores favoritos, Christian Bale, que le pareció una sorpresa que lo escogiesen para el papel protagonista, pero se quedó encantado al descubrir el lado humano del personaje.

 

La impresión que tiene uno cuando sale de la sala es que se quiere ofrecer una visión agnóstica de bella factura y se percibe que los diálogos han sido escritos por guionistas postmodernos que plantean los temas como si la creencia en un ser superior fuera extraño. De todas formas, no está del todo mal la idea porque la fe no cuestionada no es fe. Además, se dan explicaciones científicas a hechos ambientados hace unos 3000 años. No obstante, el creyente no quedará del todo defraudado y el ateo  tendrá la duda de si Dios intervino en este hecho o no. Como dato curioso, la manifestación de la trascendencia será a través de un niño. En definitiva, este largometraje no deja tan claro la presencia de Yaveh como lo hicieron los citados Cecil B DeMille y Steven Spielberg. Por otra parte, se plantea la necesidad de todo ser humano de conocer sus orígenes, sus raíces, y su cultura para poder situarse en el mundo (publicado en Diario Ya).

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30th Nov2014

Trash. Ladrones de esperanza

by Víctor Alvarado

trash-ladrones-de-esperanza-imagen-3Está dirigida por un valor seguro como Stephen Daldry, al que recordamos por excelentes películas como Billy Elliot y El lector. Varios de sus trabajos han sido nominados a los Óscar. Seguro que les suenan títulos como Las horas o Tan fuerte, tan cerca. Dos de las protagonistas de sus películas obtuvieron la ansiada estatuilla (Nicole kidman y Kate Winslet). El realizador adapta una novela de Andy Mulligan, llamada Los reyes de la basura. En su planteamiento recuerda a Slumdog millonaire. El cineasta imprime a la historia una velocidad endiablada, manteniendo la tensión de principio a fin. Dosifica la información inteligentemente y compagina la aventura, el drama y la intriga con maestría.

 
Cuenta la historia de tres chavales que se encuentran una cartera con información sensible que puede afectar a las altas esferas, lo que les coloca en una situación complicada.

En el reparto destacan la actriz Rooney Mara junto a todo un «veterano» de la Guerra del Vietnam, que participó en Apocalipsis Now. Su nombre es Martin y su apellido Sheen. Se trata de un actor que después de una vida desastrosa, se convirtió al catolicismo y, de vez en cuando, participa en largometrajes en los que la religión juega un importante papel. Si hace unos años fue la estrella de The Way que habla sobre la peregrinación a Santiago de Compostela, en Trash. Ladrones de esperanza da vida a un misionero de carne y hueso con fortalezas y debilidades. Como dato curioso, se contó con Fernando Meirelles, autor de Ciudad de Dios, ambientada en las favelas brasileñas, pues ya tenía experiencia con actores no profesionales como las auténticas estrellas de esta película: Rickson Tevez, Eduardo Luis y Gabriel Weinstein. Los tres están esplendidos.

El autor de largometraje ha conseguido hacer algo difícil, contar una historia comercial que no está reñida con la profundidad. Se deja meridianamente claro la abnegada labor de la Iglesia con los más desfavorecidos de la sociedad. La Biblia que aparece de modo continuado en la cinta siempre ofrece dobles lecturas, una mundana y otra más espiritual. La cinta muestra la importante huella de fe que un sacerdote y una voluntaria dejan en los chavales que no la pierden ante las dificultades, agradeciendo los favores que Dios les concede y confiando en la Providencia. La lista de valores de esta producción un tanto violenta (necesaria para mostrar cómo se las gastan en esos países) es interminable como por ejemplo: la generosidad, el perdón, la caridad, la amistad, la lealtad y la valentía.

Finalmente, la anécdota la encontramos en que se creó un vertedero artificial mediante cartones y envases de plástico para evitar la transmisión de enfermedades (publicado en Paginasdigital).

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23rd Nov2014

Jimmy´s hall

by Víctor Alvarado

jimmys-hall-cartelCuando uno piensa en el excelente cineasta Ken Loach le vienen a la mente dos imágenes completamente distintas de un hombre muy comprometido a nivel político. La primera tiene un carácter marcadamente social, siendo su mirada optimista. Transmite esperanza y recuerda por momentos a Frank Capra. Recordamos títulos imprescindibles como Buscando a Eric y La parte de los ángeles. La segunda forma de entender el cine es como aparato de propaganda de su ideología (anticlerical y sectaria). De ella han salido cintas muy conocidas. Todos nuestros lectores seguro que se acuerdan de Tierra y libertad, El viento que agita la cebada o Jimmy´s hall que se puede decir que es la continuación de la citada en último lugar.

 

El realizador nos cuenta la vida de James Gralton, un activista comunista irlandés que, por lo visto, fue expulsado de su país por sus supuestas ideas progresistas. Ha contado con su fiel escudero, Paul Laverty, uno de los mejores guionistas del panorama internacional. El título hace referencia a un local, donde en palabras de Loach en Fotogramas: “Se podía expresar y contrastar ideas. Un lugar en el que la poesía, la música y el deporte encontraban su lugar, donde la gente podía dar rienda suelta a su talento y, por supuesto, bailar. La música y el baile son una manifestación de libertad frente a los que quieren ejercer un control”. La verdad es que después de leer estas declaraciones, uno se queda extrañado, porque ese modo de plantear los temas choca con su odio a la Iglesia y a todo lo que no responda a lo que este director tenga en la cabeza. Jimmy´s hall no tiene el ritmo, ni el nivel que caracteriza al cine de este autor. Por otra parte, nos parece reiterativa, nada original y, sobre todo, muy previsible. De todas formas, el final es un canto a la amistad al igual que ocurría en Buscando a Eric.

 

La película es una reflexión sobre esos “quijotes” que luchan por sus ideales, aún a riesgo de perder calidad de vida. Lo que llama la atención es el modo en el que tergiversa la realidad que muchos hemos conocido, puesto que presenta a un sacerdote de comportamientos poco evangélicos y tremendamente radicales (si todos fuesen así, los templos estarían vacíos. No es el caso y menos en esa época), mientras que ofrece una visión demasiada edulcorada del comunismo, mostrando tan sólo sus virtudes y ocultando la gran cantidad de defectos que acompañan al marxismo. No obstante, merece la pena destacar que dos personajes antagónicos reconozcan en el otro a un digno rival, al no comportarse con tibieza (publicado en el Diario Ya).

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16th Nov2014

Matar al mensajero

by Víctor Alvarado

K72A7332.tifEl subgénero thriller-periodismo ha sido un importante filón para la industria de Hollywood de la que han salido obras maestras como Luna nueva de Howard Hawks y Creo en ti (Henry Hathaway), protagonizada por James Stewart en la que un periodista defiende la inocencia de un chico hasta el final con la ayuda de la luchadora madre de éste. Tampoco nos podemos olvidar de Todos los hombres del presidente o El desafío: Frost contra Nixon, donde se desvelaban detalles del Caso Watergate. Resulta imprescindible Los Gritos del silencio de Roland Joffé que sirvió para denunciar los desmanes del comunismo en Camboya, mientras que en los últimos años hemos podido disfrutar de la serie The newsroom y la película: Sombras del poder, interpretada por Russell Crowe.

Matar al mensajero cuenta las andanzas de un “buscador” de noticias que trabaja en el San José Mercury News y que no ha tenido demasiado éxito hasta que cae en sus manos una bomba informativa que le puede servir para ganar el Pulitzer, pero que tendrá que soportar muchas presiones para sacar sus artículos adelante, al salpicar a las altas esferas de los servicios secretos.

El cineasta Michael Cuesta, muy relacionado con el mundillo de la televisión, nos ofrece una historia, basada en hechos reales, para desvelarnos las luces y sombras del caso Gary Webb que, en la época del gobierno de Ronald Reagan, escribió unos explosivos artículos en los que demostraban las conexiones entre la CIA, Nicaragua y el narcotráfico. Salvo por unos 15 minutos, la película no pierde el interés en ningún momento y el director ha sido capaz de hacer asequible para el público una complicada trama a diferencia de lo que ocurre con las películas de espionaje con las que muchos nos perdemos y desconectamos.

La caracterización de Jeremy Renner está muy conseguida, ya que guarda gran parecido con el auténtico Webb, aunque el reparto es bastante bueno y lo completan: Rosemarie DeWitt, Mary Elisabeth Winstead, Ray Liotta, Andy García o la española Paz Vega.

El largometraje es un homenaje a todos esos investigadores de los medios de comunicación que se juegan la vida en su afán por descubrir la verdad porque a nadie le gusta que le quiten la careta. Esta cinta deja en mal lugar a la política estadounidense de la década de los ochenta por muchos aciertos que tuviera. Por otra parte, podemos reflexionar sobre la ética enfrentada a la guerra sucia en esta profesión considerada como el cuarto poder. Además, como hemos visto en innumerables ocasiones, la familia tiene gran peso en este thriller, donde la reconciliación puede ser o no el modo de limar las diferencias existentes porque las malas acciones tienen sus consecuencias (publicado en Pantalla 90).

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09th Nov2014

Interstellar

by Víctor Alvarado

interstellar-imagen-8Bajo mi humilde punto de vista, el cineasta más indicado para tratar temas relacionados con la ciencia ficción es, sin duda, Christopher Nolan. Este británico saltó a la fama gracias al prodigioso montaje de Memento. Ha sido capaz de convertir la trilogía de El caballero oscuro en una obra maestra a pesar de tratarse de una historia de superhéroes, siendo a la vez una de las más taquilleras de la historia del séptimo arte. No obstante, El truco final y Origen son las muestras más indicadas porque sirven para constatar la extraordinaria habilidad de este realizador para hacer creíble la ciencia que plantea en sus producciones.

 
Sin embargo, no sólo se queda ahí y en los efectos especiales, sino que dota a sus personajes de cierta capacidad dramática que lo diferencia de otros especialistas en este género. El claro referente de esta producción es 2001: Una odisea del espacio, aunque ni una, ni otra me parecen obras maestras. Como dato curioso, Nolan se ha apoyado en las teorías científicas de los grandes teóricos de la física que no necesitan carta de presentación. La película presenta un ritmo lento que no se hace pesado si a uno le interesan los temas relacionados con el universo. Si esto no te llama la atención, quizás te puedes perder en los razonamientos. Por otra parte, conviene recordar que la duración es de 168 minutos. Lo advertimos para que no se lleven sorpresas.

 

El planeta se está deteriorando a pasos agigantados. Cooper es el hombre indicado para una importante misión espacial, pero se encuentra con un dilema moral porque tendrá que optar entre su familia o salvar a los habitantes de la Tierra.

 

Los intérpretes están magníficos. El reparto lo conforman 4 actores de mucho peso como el impresionante Michael Caine, la impecable Jessica Chastain y la polifacética Anne Hathaway, que nos maravilló a todos en la divertida El diablo se viste de Prada .y nos conmovió en el musical de Los miserables. De todas formas, el indiscutible protagonista es Mathew McConaughey, triunfador con la oscura serie, True detective, aunque hay un actor que no les vamos desvelar el nombre para que la historia no pierda el interés y, de este modo, nos hacemos cómplices del hermetismo, tal y como ha sugerido su director para que no se desvelen demasiados detalles de la trama.

 

 
Interstellar defiende el valor de la familia por encima de todo como algo esencial en la antropología del ser humano. El proyecto científico Lázaro, que aparece en esta cinta, hace referencia al amigo de Jesús, resucitado por éste, que aparece en el Nuevo Testamento de la Biblia, transmitiendo esperanza y mostrando las raíces cristianas de occidente. Sin embargo, en los últimos minutos de metraje, le queda a uno la sensación de que a la humanidad no le hace falta recurrir a la trascendencia para sobrevivir (publicado en Páginas digital).

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26th Oct2014

Alguien a quien amar

by Víctor Alvarado

alguien-a-quien-amar-cartelEl titular con el que podríamos empezar esta crítica podría ser el de esto me suena, puesto que muchas han sido las producciones que han tratado el tema de la familia, mediante una especie de redención factible de un “abuelete” con la ayuda de un familiar al que no conocía. No obstante, esta merece la pena. El referente más cercano de su mismo nivel podría ser Kolya del checo Jan Sverák.

 

Thomas Jacob es un hombre que ha triunfado como músico por todo el mundo. Sin embargo, su vida cambiará de un modo radical cuando tenga que hacerse cargo de un nieto del que desconocía su existencia, mientras su hija asiste a un centro de desintoxicación.

 

La dirección ha correspondido a Pernille Fischer Christensen, siendo éste su cuarto largometraje. Se trata de una cineasta muy considerada por la crítica festivalera. Ganó el Gran Premio del Jurado y el León de Plata al Mejor Debut por Soup. También obtuvo el premio FIPRESCI por su producción Familie.

 
La mayor virtud de la realizadora es que cuenta una historia que todos sabemos de memoria, pero que al estar contada con tanta inteligencia, transmite verosimilitud, distanciándose de otras por el modo tan rudo en el que el protagonista se enfrenta a la situación. Es necesario advertir que no es una cinta muy movida y está muy centrada en los actores y, a pesar de que los personajes no verbalizan lo que sienten en algunas escenas, tal vez por la frialdad característica de Dinamarca, nos sentimos identificados con ellos, aunque el problema te pille de lejos. Por otra parte, esta cinta ha querido dejar claro los estragos que la droga ha hecho en la sociedad.Como dato curioso, se intentó buscar a grandes talentos escandinavos para la excelente banda sonora con la intención de conseguir un sonido autóctono.

 

La interpretación de Mikael Persbrandt, recordado por su personaje en el Hobbit, es muy buena. En el físico se asemeja a Kenenth Branagh y en el modo de cantar estamos ante una mezcla entre Leonard Coen y Joe Cocker.

 

La película permite reflexionar sobre el poder del amor, sin ñoñerías de ningún tipo, y los hijos no deseados. Invita a pensar sobre si merece la pena sacrificarlo todo por una vida de éxito, cocaína y esposas desatendidas.

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19th Oct2014

The equalizer

by Víctor Alvarado

el-protector-the-equalizer-imagen-4¿Cuántas veces hemos visto en el cine a un personaje que quiere tomarse la justicia por su mano? ¿Y cuántas de esas veces la mafia es aplastada por el héroe de turno? Pues bien, esta semana llega a la cartelera española la enésima producción que responde a esas dos preguntas.

 

McCall es una persona con un trastorno obsesivo compulsivo que, al ver el modo en el que un delincuente se comporta con una prostituta, se dedica a proteger y ayudar a toda persona que le necesita.

 

El encargado de que este proyecto haya podido llevarse a cabo ha sido Antoine Fuqua. Se trata de un cineasta que, sin ser maravilloso, nunca defrauda y todas sus películas puntúan entre el seis y el siete. Este realizador es el autor de Shooter, el tirador, Objetivo: La Casa Blanca, Los amos de Brooklyn o Lágrimas del sol, una intrigante cinta bélica, donde se resalta la labor de los misioneros en África de un modo especial.

 
The equalizer es un homenaje, con aroma de los setenta, a la serie de televisión de los ochenta de la CBS, llamada El justiciero. El cineasta estaba contento con el argumento porque considera que estamos ante una historia que profundiza, de algún modo, en la realidad de los personajes. No obstante, esta película es de las más flojitas de este director, aunque, por lo menos, como afirma el director, se ha hecho el esfuerzo de humanizar al personaje, dotándolo de una sensibilidad especial para el que considera más indefenso tanto en la vida cotidiana como la de la importante misión que el destino le depara. Es una extraña especie de hombre poderoso con pies de barro. Digo rara porque presenta un trastorno obsesivo compulsivo que condiciona su existencia. Sin embargo, le permite convertirse en un ser demasiado invencible que puede desagradar a muchos espectadores, ya que hasta Tom Cruise se despeina más que este individuo.

 

El aliciente más importante se encuentra en la presencia de Denzel Washington (su mejor trabajo Huracán Carter), que mantiene el tipo a pesar de que las características de su personaje no le permiten demasiadas florituras. Por otra parte, Cloë Grace Moretz y un Marton Csokas, cuyo físico habla por sí sólo, completan el reparto.

 

Las escenas de acción están filmadas con solvencia. La cinta es bastante violenta y cruda en algunos diálogos. De todas formas, al humanizar al personaje, se intenta mostrar sus luces y sus sombras. En un par de escenas vemos como se convierte en el «padre» de un muchacho que no presenta las herramientas sociales y la voluntad suficiente para realizarse tanto a nivel personal como profesional. El realizador ha optado por el maniqueísmo. No deja lugar a la duda de quién pertenece al imperio del mal o a las fuerzas del bien, sin ambigüedades. La enfermedad del protagonista lo justifica plenamente (publicado en Pantalla90).

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14th Oct2014

Perdida

by Víctor Alvarado

perdida-gone-girl-imagen-1La semana pasada se estrenaba La desaparición de Eleonor Rigby con bastante carga dramática y desde dos puntos de vista de dos padres que pierden a su hija. Esta semana se puede ver en la cartelera otra historia de desapariciones de doble óptica de temática distinta, ya que se trata de un thriller en toda regla como Perdida en el que se analiza como la frialdad de una persona hacia la desaparición de su esposa, le convierte en el principal sospechoso de haber cometido un delito.

 

Cuando Nick Dunne llega a su casa después de haber estado con su hermana, descubre que su mujer ha desaparecido sin dejar rastro. Los medios de comunicación se extrañan que un marido se muestre tan frío ante el hecho en la rueda de prensa, con lo que todas las sospechas recaen sobre él.

 

La dirección ha correspondido a David Fincher, un maestro del thriller de las últimas décadas como demostró con la sorprendente Seven, protagonizada por Brad Pitt y la no demasiado recordada, pero inquietante Zodiac. Este realizador adapta el bestseller de Gillyan Flynn, que es, a su vez, la guionista que expresó su temor al trabajar con un director al que admira.

 

 

Este largometraje es realmente bueno y la mejor recomendación es no desvelarles nada de la trama policial porque está repleta de giros argumentales que, continuamente, te mantienen en vilo. Uno se queda impactado durante las dos horas posteriores a su visionado, pues estamos ante uno de los genios del suspense que ha revolucionado el género como lo hizo en su momento Alfred Hitchcock.

 

El reparto lo encabeza Ben Affleck, que ha conseguido que mejore mi percepción de este hombre como actor (declaraciones de la autora del libreto sobre la citada estrella: “Ben puede resultar agresivo y misterioso, pero tiene un magnetismo inexplicable que le convierte en el centro de las miradas. Aunque las mujeres sospechen de sus intenciones, saldrían a tomarse una cerveza con él sin pensarlo”). Esta estrella viene respaldada por la actriz Rosamund Pike, cuya interpretación nos parece excesiva, pudiendo achacárselo a las instrucciones del cineasta que da la impresión de que quería intensidad. Y es que, para los no que conozcan a este hombre de cine, deben saber que se caracteriza por añadir algunas escenas de gran dureza no apta para todos los estómagos.

 

Este largometraje es una crítica a los matrimonios que sólo intentan guardar las apariencias, sustentándose en superficiales mimbres, lo que les lleva a caer en la hipocresía, el cinismo y el egoísmo, donde el amor se deja a un lado para manipular y ser infiel a la pareja.

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05th Oct2014

La buena mentira

by Víctor Alvarado

la-buena-mentira-imagen-6“Si quieres ir rápido, camina sólo; pero si quieres llegar lejos, camina acompañado”.

 

El talento del canadiense Philippe Falardeau, para tratar el tema de la inmigración con una gran película como Profesor Lazhar, le ha servido para dar el salto a Hollywood, lo que conlleva mayor presupuesto y menor control por parte del cineasta. Éste ha tenido que tragar con el cartel que los productores han impuesto, dejando a un lado a los verdaderos protagonistas. En él se puede ver a una buena actriz como Resse Witherspoon, recordada por la comedia Una rubia muy legal, que tiene un papel secundario, sin embargo, por el cartel, cualquiera podría pensar que se trata de la estrella de la misma.

 

Un grupo de huérfanos víctimas de la Guerra Civil del Sudán pasarán por todo tipo de penurias hasta alcanzar un campo de refugiados. Al poco tiempo de llegar a ese lugar, tienen la suerte de que los Estados Unidos los acojan como refugiados. Allí se le abrirá un amplio abanico de posibilidades para prosperar en la vida, no obstante, el camino no será fácil por el fuerte choque cultural.

 
El director conoce a la perfección el conflicto de la Segunda Guerra Civil sudanesa, pues quedó atrapado por el fuego cruzado de ambos bandos y tuvo que ser rescatado por los cascos azules. Según comentó a Fotogramas se quedó con un fuerte dolor en su corazón de lo que se deduce de sus declaraciones: “Sabía que me iba del país, dejando atrás mucha gente condenada a morir. No era culpa mía, pero no pude evitar la sensación de que estaba abandonando a esa gente”. Y es que en este país, como pasa con muchos otros, se quiere imponer el islam a toda costa y los cristianos sufren persecuciones y todo tipo de humillaciones en un conflicto que dura décadas. Por cierto, esta realidad muchos medios de comunicación occidentales la silencian.

 

La película refleja elementos positivos y negativos del encuentro entre la cultura sudanesa y la estadounidense. La historia, que se cuenta, es de gran riqueza antropológica, ya que explica el perfecto maridaje de las tribus subsaharianas con el mensaje evangélico, donde la fe en Dios, el amor y la familia resultan bastante significativos. Nos ha encantado la escena en la que dos personajes pintan un cuadrado en la arena, repitiendo los nombres de sus abuelos para reafirmar sus orígenes que es algo muy propio de esas culturas. Por otro lado, si hay algo por lo que destacan sus protagonistas, es por su coherencia con respecto a sus creencias, puesto que toman decisiones escuchando la voz de su conciencia conforme a la educación recibida, aunque puedan tener consecuencias negativas para ellos mismos.

 

Finalmente, el visionado de este largometraje invita a plantearse la siguiente pregunta: ¿Hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para dar mejor vida a un ser querido (publicado en Páginas digital)?

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28th Sep2014

Un viaje de 10 metros

by Víctor Alvarado

un-viaje-de-diez-metros-imagen-15Gracias a Master chef, Canal Cocina, Jamie Oliver y su cocina fácil o Arguiñano y su toque de perejil, muchas personas comienzan a tener interés por ese arte tan apreciado que despierta sensaciones en el paladar. Varias son las producciones que han tratado el tema con acierto como Ratatuille, Deliciosa Marta, las recientes de Lunchbox y Chef. Además, incluso, alguna de ellas es una obra maestra como El Festín de Babette de Gabriel Axel.

Una familia de la india, dotada de gran talento para la cocina, sufre un accidente en un elegante y coqueto pueblo francés. En este lugar se encuentra un fabuloso restaurante ,ganador de una estrella Michelín, regentado por la estirada Madame Mallory, que declarará la guerra a estos inmigrantes, pues éstos montan un ruidoso comedor justo en frente de su selecto negocio.

La dirección ha corrido a cargo de Lasse Hallström, autor de entretenidas cintas como Chocolat, ¿Quién ama a Gilbert Grape?, Siempre a tu lado: Hachiko o La pesca del salmón en Yemen junto a la polémica Las normas de la casa de la sidra, que adapta un best-seller Richard C. Morais que habla del siguiente modo sobre la cinta en cuestión, “Un viaje de 10 metros empieza en ese momento cuando, con valentía, dejas lo que te resulta familiar y te lanzas a un terreno nuevo que está muy lejos de la vida que te resulta cómoda. Es un viaje profundo, por muy corta que sea la distancia física, que cambia literalmente la trayectoria de tu vida para mejor”.

El cineasta consigue contar una historia con valores que pueden formar a la persona sin que se note demasiado. Sin embargo, no consigue imprimirle el ritmo adecuado porque buenas escenas se intercalan con otras que transmiten frialdad y terminan agotando al espectador. Es una pena porque por pequeños detalles no se saca una nota excelente y, aunque las comparaciones son odiosas, La gran seducción, estrenada la semana pasada, sin mostrar un mensaje tan positivo, por decirlo de una manera, conecta con el espectador con mayor facilidad.

El reparto lo encabeza la actriz Helen Mirren, recordada siempre por su papel en The Queen de Stephen Frears, que interpreta a un personaje en torno al cual gira toda la trama y cuya evolución nos ha parecido digna de ser tenido en cuenta. Om Puri, sin estridencias, tiene una intervención bastante acertada como padre cascarrabias, pero mostrándose como un pilar para sus allegados y levantando a la película en varios momentos en los que se viene abajo. No obstante, otros actores como, Manish Dayal y Charlotte Le Bon aportan su granito de arena.

La cinta permite reflexionar sobre la posibilidad de potenciar las virtudes o dones que se nos dan. La familia aparece como el lugar donde se establecen las bases para afrontar los problemas, dando a entender que con esfuerzo se consiguen superar las dificultades y que la felicidad no se logra con la fama o el éxito profesional, sino al lado de las personas que te quieren (publicado en Pantalla90).

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21st Sep2014

La gran seducción

by Víctor Alvarado

la-gran-seduccion-cartel1Les reconozco que, por el título, nunca me hubiese acercado a la película en cuestión. Sin embargo, al enterarme que su guionista y director Don McKellar, autor de Last night y Childstar, es admirador de las comedias de la Ealing y de Preston Sturges, decidí que La gran seducción, producción canadiense, iba a ser la película de la semana.

Tickle Head es un pueblo costero, venido a menos, donde sus habitantes sobreviven gracias a los subsidios estatales. No obstante, una empresa petrolífera piensa que ese lugar es el idóneo para llevar a cabo un proyecto. La única condición que ponen es que un médico resida de modo permanente en la zona. Estos pueblerinos idearán un plan para que un profesional de la salud, “que pasaba por allí”, se sienta atraído por esa población marítima.

Para ello, ha contado con un buen actor como Brendan Gleeson, recordado por la comedia negra El irlandés, que tuvo que aprender a pescar Bacalao con las manos para preparar su papel. La química de los secundarios resulta impecable a pesar de que se trata de actores amateur en alguno de los casos, aunque, por otro lado, también nos encontramos con cómicos canadienses de cierta valía como Mark Critch, Gordon Pinsent y Mary Walsj.

El cineasta ha filmado un remake de 2003 de Jean-François Pouliot y ha querido dar un toque clásico a la historia, consiguiendo un producto imperecedero en una comedia de 115 minutos, que se pasa en un suspiro y que no quieres que termine nunca. Y es que este largometraje no sólo divierte, sino que resulta entrañable. Como dato curioso, la cinta ha contado con tres compositores, aunque se pensó que la música de la banda sonora fuese interpretada por los propios habitantes de Terranova. En definitiva, las melodías son maravillosas.

La película sirve para que nos preguntemos o reflexionemos sobre la dignidad del trabajador, puesto que una persona que se gana el pan con su esfuerzo se puede sentir más realizado que el que, resignado, firma un papel porque es la única forma de sacar adelante a una familia. En esta producción, se habla de esa lucha para no depender de esas limosnas que es como lo entienden los habitantes de ese lugar(publicado en el Diario Ya).

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14th Sep2014

Boyhood (Momentos de una vida)

by Víctor Alvarado

boyhood-imagen-1Lo que llama más la atención de esta película es que destaca por su originalidad, ya que ha seguido y ha filmado la vida de un chaval desde su más tierna infancia (6 años) hasta el día de su graduación; es decir durante la nada despreciable cifra de 12 años. Esta idea recuerda a François Truffaut que inició con Los 400 golpes y su álter ego, Antoine Doinel, una saga cinematográfica de similares características. El encargado de dar vida a este personaje ha sido Ellar Coltrane, mientras que todo esto no hubiera sido posible sin el talento del cineasta Richard Linklater, al que todos recordarán por la excelente trilogía: Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes del Anochecer, que cuenta la historia de amor de Julie delpy y Ethan Hawke en el trascurso de 20 años y dejando envejecer a los citados actores al igual que ocurre con esta historia.

Mason es un niño de corta edad al que veremos crecer hasta convertirse en un hombre de 18 años en una producción de treinta y nueve días de rodaje, pero filmado, como decíamos en el transcurso de 12 años.

El reparto lo conforman un grupo de intérpretes que transmiten autenticidad, donde destacan por sus apariciones, el protagonista, Ellar Coltrane, y la actriz, Patricia Arquette, en el papel de una madre que no tiene suerte en sus matrimonios, lo que genera no poca dificultades en la educación y en la estabilidad emocional de sus hijos. De todas formas, la historia es irregular porque las apariciones de Ethan Hawke, recordado por El club de los poetas muertos, levantan el largometraje a lo más alto, aunque cada vez que éste desaparece, la cinta cae en picado. Como dato curioso, la hija del director, lo que confirma nuestra teoría del enchufismo en el cine funciona, estuvo a punto de bajarse del proyecto a mitad de camino, pero su padre hizo todo lo posible para motivarla y la producción pudo sacarse adelante.

El largometraje presenta una virtud que se puede acabar convirtiendo en una carga porque refleja la vida misma con sus momentos de máxima felicidad y con los problemas que van surgiendo junto a la monotonía del día a día que el realizador deja patente, un detalle, que coincidirán conmigo, en que puede convertirse en una tarea difícil de sobrellevar, si no se guarda cierto equilibrio entre conseguir ese efecto y que el espectador no pierda el interés.

Por otra parte, Boyhood es un ejercicio de análisis del modo de vivir de la sociedad estadounidense, donde se entremezclan diferentes modos de pensar en política y religión, pero en la que siempre la señal de distinción parece ser el respeto. En esta cinta, observamos la evolución de una persona que, al principio, no es muy consciente de lo que le ocurre. Sin embargo, poco a poco, va madurando hasta ser partícipe de sus propias decisiones, haciéndose consciente de su individualidad. Finalmente, nos ha encantado la relación tan especial que se establece entre padre e hijo porque, a pesar de sus dificultades y sus incoherencias, los consejos no quedan en saco roto e intentan, al menos, formar a la persona y expresar el amor que sienten el uno por el otro, que no es poco. La ausencia de perjuicios de los americanos es otro punto a destacar, pues la Biblia parece un elemento importante en un episodio de la vida del protagonista (publicado en Páginas digital).

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07th Sep2014

Jersey Boys

by Víctor Alvarado

jersey-boysVALIda-2014-imagen-17Parece ser que este año hay un repunte del género del musical. Prueba de ello ha sido el estreno de una obra maestra como Amanece en Edimburgo de Dexter Fletcher, basada en las canciones del grupo escocés The Proclaimers, o la entretenida Begin again de John Carney que ya nos hizo disfrutar con la inolvidable y tierna, Once.

La sensibilidad musical del polifacético Clint Eastwood queda patente con Jersey Boys, que se inspira claramente en el exitoso musical de Broadway estrenado en 2005 y que nos traslada a los años 50 y 60 con bastante tino. Habría que decir que no es la primera vez que este realizador se adentra en el terreno de la música, pues ya lo hizo al contarnos la desastrosa vida del conocido saxofonista de jazz Charlie Parker en un mediocre film como fue Bird. De todas formas, el tono tan de musical digamos que resulta llamativo para un tipo “duro” que cumple su promesa de no aparecer en sus películas, si exceptuamos un simpático y original cameo.

Centrándonos en el largometraje, las cuatro quintas partes de Jersey Boys se pasan volando. Sin embargo, para explicar lo que pasa en la última quinta parte, se puede recurrir al símil de un ciclista que hace una gran etapa de montaña, pero pierde la fuerza en el último kilómetro y le birlan la etapa en el sprint final.

Para el reparto no se ha complicado la vida, pues ha contado con el ganador del Tony y protagonista de la obra de teatro original, John Lloyd Young junto al novel Michael Lomenda y dos actores como Erich Bergen y Vincent Piazza que han participado en series como Gosip girl o Boardwalk empire respectivamente.

Como dato curioso, los intérpretes tenían que estar atentos porque el cineasta, nacido en San Francisco, casi los filma por sorpresa y muchos ensayos eran aprovechados como toma válida para el montaje final. Y es que este realizador, a veces, es considerado como poco perfeccionista, sin embargo, seguramente de este modo, gana en frescura.

Desde un punto de vista antropológico, la producción nos parece interesante porque se plantea, si es posible que puedan conectar un grupo de individuos con estilos muy diferentes de vida, aunque tengan un objetivo común. Así que vemos como un personaje se deja llevar por la cultura hedonista sin ninguna ética, mientras que de otro personaje, con sus defectos, se percibe la educación católica recibida de sus padres que se muestran fieles a la Iglesia, destacando por la lealtad hacia sus compañeros y por el intento de mantener a la familia unida. Como detalle importante en relación a lo que estamos comentando, la gamberrada de forzar la puerta de una iglesia para cantar en ella, queriendo decir que en ese lugar sólo pueden cantar los ángeles, y el momento en el que un personaje importante de la ciudad en que reconoce el don del barbero como un regalo de Dios resultan bastante significativos (publicado en el Diario Ya).

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