un medio independiente que pretende informar, formar y entretener
27th Jul2014

Barbacoa de amigos

by Víctor Alvarado

barbacoa-de-amigos-fotosUn experto en hacernos reír como Eric Lavaine estrena en España su quinta producción  tras Incógnito, Proteger y servir, Bienvenido a bordo o, la parodia de Polstergeist, Poltergay que, por el título de la obra, habrán imaginado por dónde van los tiros. La película en cuestión, Barbacoa de amigos, es una comedia amable de sonrisas y carcajadas  que, sin ser nada del otro mundo, el resultado  es satisfactorio y el espectador no quiere que se termine por  la capacidad del cineasta para entretener. El libreto ha sido escrito a dos manos por el citado realizador junto al guionista Héctor Cabello, siendo esta su intención en declaraciones a Fotogramas:” Para inspirarnos nos bastó con observar a nuestro círculo de amistades y entorno familiar. Así que cogimos rasgos de conocidos y los mezclamos para que nadie pudiera identificarse con el personaje. ¡Menos mal si lo supieran dejarían de hablarnos!”

 

Antoine  sufre un infarto en el transcurso de una carrera, lo que de algún modo, le obligará a comportarse de distinto modo con su mujer y su grupo de amigos.

 

El reparto que compone esta película de toques optimistas lo forman Guillaume de Tonquedec, Franck Dubocks, Florence Foresti y Lambert Wilson, al que recordamos por una gran película de corte religioso,   De dioses y hombres. En esta cinta puede verse una escena en un monasterio que  parece un claro guiño por su participación en la mencionada película. Por cierto,  en ese mismo lugar y de modo simpático, vemos como los personajes encienden velas, se acuerdan de quien necesita la ayuda de Dios.

 

La comedia trata los temas de un modo aparentemente superficial. Sin embargo, de un modo más o menos implícito,  manifiesta valores  de gran importancia  como el de la familia porque todos los personajes desde los más conservadores a los más liberales coinciden en señalar la importancia de los lazos familiares. Por otra parte, la amistad parece el eje central por el cual gira toda la historia en el que el perdón parece la clave para que estas relaciones sociales tan especiales y necesarias vayan por el buen camino (publicado en Pantalla 90).

Off
20th Jul2014

Corazón de León

by Víctor Alvarado

corazon-de-leon-cartelEl titular de esta película podría ser el de cómo conquistar a una chica sabiendo que te faltan cuarenta centímetros. Para el enano de Juego de Tronos, magníficamente interpretado por Peter Dinklage, eso no es un problema, ya que se ha convertido en una especie de sex symbol. Pensamos que para la estrella de este film tampoco debe ser un problema o a lo mejor si.

Esta coproducción argentino-brasileña ha corrido a cargo de Marcos Carnavale, autor de Tocar el viento o la entrañable Elsa y Fred. La cinta en cuestión es de ese tipo de largometrajes que dignifican al hombre, al discapacitado, resaltando que el ser diferente no te puede impedir realizarte como persona. El cineasta explicó a Fotogramas lo que ha pretendido contar: “Tenía que presentar al enano como un George Clooney, un ganador inmediato que no dejara ni pensar, ni respirar, porque si ella piensa se va.”

Aunque todo el reparto está espléndido, sobresale por encima de todo el actorazo Guillermo Francella, al que todos recordarán por el papel de fiel escudero y amigo del alma de Ricardo Darín en la obra maestra de Campanella, El secreto de sus ojos. Como dato curioso, les podemos contar que el intérprete tenía que actuar de rodillas al lado de la actriz Julieta Díaz. Por lo visto utilizaba un doble de cuerpo en unas escenas, mientras que en otras aparecía el cuerpo de un niño al que se le implantaba la cabeza del actor.

Corazón de León funciona relativamente bien gracias a las grandes dotes interpretativas de todo el elenco. Sin embargo, le falta ritmo, alargándose innecesariamente. No es de esos largometrajes que brillen o enganchen demasiado. Tan sólo en su planteamiento puede sorprender a algún espectador despistado y salvo dos o tres situaciones cómicas que nos hacen sonreír. Por lo demás, no deja de ser una comedia romántica convencional, si exceptuamos que estamos ante otra historia más de segundas oportunidades y de una superación personal de un individuo que consciente de sus limitaciones y de no cumplir con los cánones de belleza establecidos por una sociedad hedonista, utiliza otros dones para conquistar a una chica, puesto que considera que cuando te gusta alguien de verdad se debe poner toda la carne en el asador. La metáfora de la escena del Cristo Redentor de Río de Janeiro (El Cristo del Corcovado) es muy significativo de lo que acabamos de comentar, pues se puede interpretar como una bendición de la relación que establecen ese hombre y esa mujer (Publicado en Diario Ya).

Off
13th Jul2014

Tucker y Dale contra el mal

by Víctor Alvarado

tuckerTanto el Festival de Sitges como el Festival de Cine Fantástico de Málaga o el de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián se caracterizan por el bajo nivel de las producciones que presentan, pero destacan por el creciente número de seguidores. Y es que el género de terror es de los más atractivos para jóvenes y adolescentes.

El argumento gira en torno a un par de granjeros de la América profunda que, por su pinta, son capaces de asustar a una pandilla de chicos, aunque, en realidad, se trata de dos pedazos de pan con cara de besugo. Sin embargo, por una serie de equívocos, los supuestos perseguidores se acabarán convirtiendo en víctimas.

La dirección ha corrido a cargo de Eli Craig, coautor del guión junto a Morgan Jurgens. El cineasta ha sacado el máximo producto a un largometraje del que no esperábamos nada. Por cierto, esta producción viene avalada por el premio a la Mejor Película en el Festival de Sitges 2010 de la sección panorama, con lo que hay que decir que se estrena con mucho retraso.

Tucker y Dale contra el mal recuerda al cine de serie B no es La matanza de Texas, ni Viernes 13, ni Sé lo que hicisteis el último verano, sino que ser ríe de todo ello con altas dosis de humor negro, ofreciendo grandes cantidades de casquería gratuita cada dos por tres con unas cuantas gotas de situaciones cómicas basadas en golpes y tortazos, sin caer en el patetismo de parodias de humor facilón tipo Scream, mejorando, dentro de sus carencias, a todo de lo que se mofa.

Los actores que interpretan a los hermanos Tucker (Tyler Labine y Alan Tudyk) son quizás los más conocidos del reparto y sus interpretaciones y caracterización nos parecen muy adecuadas. El reparto lo completan Katrina Bowden, Jesse Moss y Philip Granger (publicado en Pantalla 90).

Off
06th Jul2014

El extraordinario viaje de T S Spivet

by Víctor Alvarado

el-extraordinario-viaje-de-t-s-spivet-cartelEl cine de aventuras, como era de esperar, entra como un auténtico vendaval para hacerse con la taquilla infantil, juvenil y familiar de la temporada veraniega. Este largometraje, aunque cambiando algunos detalles, se basa en el libro Las obras escogidas de T S Spivet del escritor estadounidense Reif Larsen que, por su cantidad de detalles como mapas e ilustraciones, ha servido como fuente de inspiración al popular Jean-Pierre Jeunet.

T S es un niño superdotado y enamorado de la ciencia, que gana una beca por haber inventado un aparato de movimiento perfecto que, ante la incomprensión de su padre, un vaquero encantado con su rancho y la indiferencia de una madre científica por una desagracia familiar, decide iniciar un largo viaje para presentar su proyecto ante sus benefactores.

El cineasta francés es autor, entre otras, de Mic Macs o Largo domingo de noviazgo, que siempre demuestra su extraordinaria habilidad para captar la atención tanto de niños como de adultos. Este trabajo nos parece muy imaginativo alcanzando las altas cotas de Amelie y las puntuales carencias de ritmo se compensan con las llamativas puestas en escena que recuerdan de algún modo a Vivir para siempre del español Gustavo Ron. En contraposición con lo positivo, el largometraje transmite cierta frialdad y, tal vez, cierto abuso de la voz en off.

El reparto lo compone un entrañable como Kyle Catlett al que le acompaña un convincente Callum Keith Rennie como padre del chico y una Helena Bonham Carter que representa a una despistada madre, cuyo papel le viene como anillo al dedo por el particular estilo interpretando personajes estrambóticos.

La producción sirve para reflexionar sobre la importancia de la ciencia para el avance de la sociedad siempre que venga acompañada de una ética y, sobre todo, cargada de poesía; es decir, esos valores reales que, a veces permanecen invisibles, pues son intangibles, pero que resultan imprescindibles porque son los que pueden ayudarnos a alcanzar la felicidad. La película, sin excesos, habla de las consecuencias de las facilidades que existen en EEUU para la venta indiscriminada de armas de fuego.

Off
29th Jun2014

Mi otro yo

by Víctor Alvarado

mi-otro-yo-imagen-1Isabel Coixet es uno de esos valores seguros de nuestro cine. Ha dirigido una obra maestra como La vida secreta de las palabras; la notable Elegy; escribió el buen guión de Ayer no termina nunca que como película resulta insoportable, aunque como documentalista se encuentra altamente ideologizada, acuérdense de Hay motivos y Escuchando al juez Garzón. Sin embargo, en esta ocasión ha bajado el listón de modo considerable, probablemente por su excesiva carga de trabajo, puesto que tiene varios proyectos en mente y por tratarse de un trabajo de encargo. Si pensaba asustar a los espectadores, no lo ha conseguido. Si quería captar al espectador aficionado al suspense, no ha cumplido su objetivo. Si quería llamar la atención por su originalidad, se estrella casi estrepitosamente, ya que el final, sin ser nada de lo otro mundo, es de lo poco salvable del largometraje, que desde un punto de vista técnico resulta simplemente correcto. Se agradece la escasa duración de la misma porque a los pocos minutos conocemos demasiados detalles de la trama, no siendo necesario alargarla más.

 
Fay es una adolescente que participa en un casting para el teatro del colegio, donde es seleccionada para representar a la protagonista de una obra, lo que generará el recelo de alguna de sus compañeras, por lo que tendrá que descubrir a la persona que intenta suplantarla.

 
La cineasta ha contado con un reparto potente en el que participa Sophie Turner, recordada por interpretar a Sansa Stark en la serie Juegos de tronos. El personaje masculino recae en Jonathan Rhys Meyer al que Woody Allen le dio la oportunidad en Match point y todo un clásico como Geraldine Chaplin, que no hay película española en la que no participe haciendo un papel secundario siempre interesante.

 
La cinta cae en todos los tópicos del género del suspense, sirviendo su visionado para que nos demos cuenta de la importancia que el cine suele dar a la familia a pesar de que no es lo más importante de la producción. Por otra parte, refleja el daño que puede hacer la envidia que una persona pueda despertar en alguien junto a las consecuencias personales que puede presentar este defecto en el envidioso.

Off
22nd Jun2014

El cielo es real

by Víctor Alvarado

el-cielo-es-real-imagen-8No estamos acostumbrados al estreno de películas de temática espiritual en la cartelera española, aunque sería justo reconocer que en los últimos años hay un repunte tanto a nivel nacional e internacional sobre este género tan necesario para transmitir esperanza y para frenar los aspectos más negativos de la postmodernidad, que también presenta, por supuesto, elementos positivos. Esta cinta se basa en un libro del pastor metodista Todd Burpo que ha vendido 6 millones de libros en todo el mundo, ocupando la adaptación cinematográfica el nº 2 en la taquilla estadounidense.

 
El cielo es real cuenta la experiencia cercana a la muerte de un niño de 4 años que afirma haber conocido el cielo, donde se encuentra a Jesús y a parientes fallecido varios años atrás. Este afortunado pequeñajo es hijo de un predicador protestante y su mujer, que ponen en duda que su hijo haya conocido el paraíso, teniendo problemas con la comunidad que dirigen.

 
La dirección ha corrido a cargo de Randall Wallace, recordado por películas de cierta entidad como Cuando éramos soldados o El hombre de la máscara de hierro, aunque ha demostrado grandes dotes como guionista en la sobresaliente producción de Braveheart o la entretenida Pearl Harbor. Mi consejo a la hora de acercarse a esta película es prescindir del trailer porque desvela datos que le pueden quitar la frescura y la capacidad para sorprender. Lo que queda claro es que el mensaje que transmite es más potente que el modo en el que se narra, pues tengo la sensación de que le falta algo para ser especial. El cineasta explicó a la prensa sus pretensiones: “La historia trata temas fascinantes. La pregunta qué ocurre cuando morimos es sin duda una cuestión que en el fondo todos en algún momento nos hemos hecho. Pero la historia de la familia Burpo también toca otras cuestiones de gran importancia: ¿Qué nos hace sentir vivo?¿Cuál es la fuente de la fe?¿Qué nos motiva?¿Cuál es la herramienta que cambia nuestra vida?¿Qué nos hace dejar de temer y empezar a avanzar en nuestra vida con confianza y seguridad?” Por otra parte, el mayor peso de la historia recae en el actor Greg Kinnear que nos interpreta a un personaje que nos hace reír, llorar, e incluso nos interpela sobre nuestra vidas

 

Este largometraje invita a reflexionar sobre el misterio de las experiencias cercanas a la muerte, muy estudiado entre otros por el psiquiatra José Miguel Gaona. Sin embargo, en esta se entremezcla no sólo ese tipo de experiencias, sino que se manifiestan inquietudes de fe. La mayor virtud se encuentra en su intento de captar la atención del agnóstico e ilusionar al creyente. En un país de tradición católica como el nuestro habrá algunas situaciones que nos resulten chocantes. No obstante, la esencia del mensaje puede extrapolarse a otras ramas del cristianismo y muchos pueden sentirse identificados con las situaciones que aparecen en el largometraje, pues su contenido es universal (publicado en Páginas digital).

Off
15th Jun2014

Not that funny

by Víctor Alvarado

not-that-funny-cartelEn raras ocasiones nos decantamos por el circuito de la versión original. Sin embargo, Not that funny (2012) merece nuestra atención, ya que viene avalada por multitud de premios en festivales de cine independiente estadounidenses y porque rompe con ciertos tópicos del género de la comedia romántica.

 
Stefan es un chico tímido que ha sufrido un desengaño amoroso, pero algo cambia cuando Hayley regresa a su pueblo acompañado de su estirado jefe-novio. Esta chica necesita meditar sobre su vida. ¿Será capaz este hombre de conquistarla mediante un curso acelerado con un humorista de prestigio?

 
El cine “indie” todos los años nos obsequia con alguna que otra perla interesante. Recuerden títulos como (500) días juntos, Juno, Pequeña Miss Sunshine o El camino de vuelta. La encargada de que disfrutemos de esta joya es la cineasta novel Lauralee Farrer, rompiendo con los convencionalismos de la comedia con toque romántico y transmitiendo credibilidad, pues muchas de ellas se sustentan tan sólo en el romanticismo puro y duro, sin profundizar. Sus guiones dan la sensación de mantenerse en pie con alfileres fácilmente olvidables. Centrándonos en esta producción que llega con retraso, habría que decir que no estamos ante una comedia de carcajadas, pero si de sonrisas. Y, aunque el ritmo puede parecer lento, no dejan de ocurrir cosas con las que captar la atención del espectador.

 
Básicamente, cuatro son los actores sobre los que recae el peso del relato. Destaca sobre los demás el actor Tony Hale, asociado a las series de televisión y la actriz Brigid Brannagh junto a dos secundarios con más importancia de la que pueda parecer como K. Callen que hace de una entrañable anciana y John Kapelos como fiel consejero del protagonista.

 
La cinta toca temas ciertamente importantes para el ser humano como el de la necesidad de pararnos a pensar cuando nuestra vida ha perdido el rumbo o las circunstancias cambian. Otro punto es que la historia de amor se construye en pilares sólidos del día a día, donde no se dan pasos sin haberse creado unas bases para que pueda saltar la chispa. Por último, el amor desinteresado y con mayúsculas tiene una importancia trascendental para el desenlace. La elegante metáfora final de la película nos parece inteligentísima, pues ilumina nunca mejor dicho, todo lo ocurrido en el largometraje, siendo de esas que nunca se olvidan (publicado en Diario Ya).

Off
08th Jun2014

X-men: Días del futuro pasado

by Víctor Alvarado

x-men-dias-del-futuro-pasado-imagen-3Los aficionados al mundo del cómic vuelven a estar de enhorabuena porque se estrena X-men: Días del futuro pasado, la segunda parte del segundo lanzamiento que se realiza de La Patrulla X, una de las mejores sagas surgidas de la mente de Stan Lee.

Se acerca el fin de los mutantes y los hombres que les ayudaron. En un mundo deshumanizado, la única posibilidad de salvarlo será mediante un viaje al pasado del más valiente y fuerte de los mutantes, Lobezno, que tendrá que evitar un crimen para salvar a la humanidad de una hecatombe.

La dirección corresponde a Bryan Singer, autor de la muy valorada Sospechosos habituales o Valkiria. Sin embargo, está centradísimo en los últimos tiempos en el universo de la historieta, pues filmó Superman Returns en 2006, siendo esta su enésima entrega de los mutantes. X-men: Días del futuro pasado hace referencia a la novela gráfica de dos grandes de la viñeta como Chris Claremont y John Byrne que fueron los que popularizaron las aventuras de este equipo de superhéroes. De sus lápices y guiones salieron inolvidables historias. Este cineasta, que no era lector de cómics en su infancia, ha tenido buen olfato o se ha dejado aconsejar muy bien porque ha escogido entre lo mejor. El largometraje guarda cierto equilibrio entre la acción y las tramas de los personajes. A mi particularmente me ha atrapado de principio a fin. Y los 131 minutos de metraje se pasan como si se tratase de uno de 90. Los efectos especiales resultan impecables como era de esperar y la banda sonora nos parece dinámica y pegadiza.

El reparto prácticamente sigue siendo el mismo que en el episodio anterior James McAvoy como profesor X y Michael Fassbender como Magneto, que representan respectivamente a Martin Luther King y Macolm X (dos formas distintas de luchar por los derechos civiles de los negros o, en este caso, de los mutantes). Como dato curioso, el enanito de Juego de Tronos, Peter Diklage, interpreta tan magníficamente como siempre al trascendental personaje de Bolivar Trask, mientras que Jennifer Lawrence se luce en el papel de Mística. Por otra parte, la visión que se da de Richard Nixon roza el ridículo.

Esta producción permite reflexionar sobre varios temas. Casi todos parten de la iniciativa del profesor Charles Xavier que es el referente moral de La Patrulla X, que se muestra crítico con la idea de que estemos predestinados, proponiendo que somos dueños de nuestro destino. Otro valor que posee es el de creer en la persona, tener fe en el ser humano y transmitir esperanza porque, más o menos, transcribiendo sus palabras: el que tropieza y pierde el rumbo de su vida, no es un caso perdido y merece una oportunidad (publicado en Páginas Digital).

Off
01st Jun2014

Amor sin control

by Víctor Alvarado

amor-sin-control-imagen-8El tema de las adicciones ha sido ampliamente reflejado en multitud de películas. Recordamos títulos El hombre del brazo de oro (1955), protagonizada por Frank Sinatra o Trainspotting (1996) del cineasta Danny Boyle. Sin embargo, no tengo en la mente ninguna que tratase el problema de la adicción al sexo, excepto Shame (2011), de un modo tan en serio y con tanta profundidad como Amor sin control (2012) a pesar de tratarse de una comedia con tintes dramáticos.

Mike es un psicólogo que orienta y ayuda a personas adictas al sexo, marcando una serie de pautas para que lo vayan superando. En esta asociación de adictos anónimos nos encontramos con un hombre de negocios que no sabe como decir a una chica de la que se acaba de enamorar en qué consiste su enfermedad, mientras que Neil es un médico que se descontrola cuando ve a una mujer atractiva. Por otra parte, Dede es una ninfómana, que es manipulada por su novio, que se aprovecha de su debilidad.

La dirección ha corrido a cargo del guionista Stuart Blumberg (el libreto lo ha escrito junto a Matt Winston), que debuta como cineasta con bastante desenvoltura, tratando un tema que, en general el público, se toma a risa, pero que es realmente serio y afecta a la relación de muchas parejas. Lógicamente, la temática no es apta para todos los públicos y aparecen unas cuantas escenas no apropiadas para niños y adolescentes. No obstante, casi en ningún momento se frivoliza. Por otro lado, la película presenta un ritmo adecuado, ni lento, ni rápido, para que vayamos reflexionando sobre el sentir de los personajes, pero sin aburrirnos en ningún momento, porque el actor Josh Gad salpica la historia con unas cuantas situaciones cómicas simpáticas, pero que le hacen perder enteros a la cinta por su tosquedad.

El reparto lo componen actores de bastante peso como la siempre encantadora Gwyneth Paltrow junto a dos actores con muchas tablas como Tim Robbins, que está mejor que en otros ocasiones y Mark Rufallo (es el doble de Agustín Bravo) que se ha encontrado con uno de los mejores papeles de su carrera, teniendo en cuenta que su trayectoria profesional nunca ha sido para echar cohetes. Como dato curioso, la nota exótica la pone la cantante Pink.

Este largometraje sirve para que pensemos sobre las dificultades para superar este tipo de enfermedades cuando la sociedad y los medios de comunicación utilizan como reclamo el erotismo para vender sus productos por poner un ejemplo. Lejos de lo que hayan podido imaginarse, las tramas argumentales no resultan superficiales, dejando claro que se trata de enfermedades que te esclavizan, pues, de algún modo, se intenta transmitir mensajes positivos como la necesidad de querernos y que nos quieran o el de no dejarse llevar por la pasión si no estamos seguros o no nos sentimos preparados. Además, aporta una serie de estrategias, ya que todas parecen necesarias para luchar contra las adicciones como la posibilidad de recurrir a una persona de mucha confianza en un momento crítico; mantener una relación sólida y estable; hacer deporte; rezar confiando en un ser superior o meditar (publicado en Diario Ya).

Off
25th May2014

Grace de Mónaco

by Víctor Alvarado

grace-de-monaco-imagen-2Llama la atención que en los últimos años se hayan filmado biopics de personajes internacionalmente conocidos. La mayoría de ellos se centran en episodios muy concretos de su trayectoria. Recordamos títulos como El desafío: Frost contra Nixon, Mi semana con Marilyn, Hitchcock o, en este caso, Grace de Mónaco.

La dirección ha correspondido a Oliver Dahan, autor de La vida en rosa, Erase una vez o Un gran equipo. La cinta viene cargada de polémica porque a la Casa Real de Mónaco no le ha sentado bien la imagen que se da de esa institución. Por otra parte, el productor Harvey Weinstein ha hecho una versión muy comercial para proyectarse en los EEUU que nada tiene que ver con la que el cineasta ha montado para el resto del mundo. La película te puede hacer pasar un rato entretenido, pero alguna que otra escena se alarga innecesariamente. La cámara se detiene demasiado en varios momentos, lo que lastra la historia. La crítica ha sido dura con ella. Sin embargo, en mi modesta opinión, merece el aprobado. Como dato curioso, la película se presentó en el Festival de Cannes que fue el lugar donde Rainiero III y Grace se conocieron, gracias a la cita concertada por la archiconocida revista Match Point en la que dibuja el gran artista Sempé. Finalmente, los amantes de la moda disfrutarán con el amplio repertorio de esa glamurosa actriz de los años 50.

Esta producción explica el episodio de la vida de Grace Kelly en la que una vez convertida en princesa y retirada de la profesión de actriz por voluntad propia es tentada por el maestro del suspense para ser la protagonista de Marnie, la ladrona. Por otra parte, se produce un desencuentro diplomático entre Francia y el Principado de Mónaco que generará más de un conflicto en la feliz pareja.

El triángulo protagonista lo forman Tim Roth, Nicole Kidman, que se acerca bastante a la idea que tenemos de Grace Kelly, y Frank Langella que interpreta a un sacerdote con la cabeza muy bien puesta que nada tiene que ver con la caricatura que el cine español hace de esta profesión. La actriz Paz Vega representa a la célebre soprano María Callas.

La trama política no está mal, sobre todo, teniendo en cuenta que se basa en hechos reales, demostrando lo peor de la condición humana reflejada en un par de personajes cuyos nombres, por supuesto, no vamos a desvelar para que no pierda el interés. Si tuviésemos que destacar algún capítulo de este largometraje, nos quedaríamos con las profundas conversaciones de la princesa con su director espiritual, un sacerdote católico, que le levanta moral a esta mujer que lo dejó todo por amor y que se encontraba desconcertada. Le ayuda a reconducir su vida y sacar lo mejor de sí misma con el apoyo de Dios, reforzando los valores de la familia cristiana (publicado en Páginas digital).

Off
17th May2014

Mi último día sin ti

by Víctor Alvarado

mi ultimodia validoHemos rescatado de la cartelera una cinta de esas que no son muy publicitadas por parte de los grandes medios, pero que te tocan la fibra sensible porque, en este caso, dignifican las relaciones de pareja. Mi último día sin ti, sin grandes alardes, ni fuegos de artificio, es de esas producciones que dejan huella.

Niklas es un ejecutivo alemán de una multinacional encargado del despido de una gran masa de trabajadores de una filial en Nueva York. Después de cumplir con su trabajo, conoce a una cantante afroamericana, Leticia, hija de un pastor evangélico, que había perdido su trabajo en la susodicha empresa. Entre ellos surgirá algo especial, pero existirán diferencias entre ellos que parecen insuperables y tendrán un día para aclarar sus mentes.

La dirección y parte del guión corresponden a Stephan C. Shaeffer (Confess) que nos ofrece una pequeña perla como muchas otras del cine alemán al contarnos una sencilla historia, que no provoca la lágrima fácil, pero toca temas que nos conciernen a todos. El cineasta con la finalidad de que asumamos el drama de los personajes, entre col y col, salpica la película con simpáticos Gags. La distribuidora European Dreams Factory (proporcionan películas que ofrezcan mensajes enriquecedores, películas familiares que transmitan valores) está utilizando una estrategia similar a la usada por la productora Infinito más uno de la que han salido exitosos documentales como Mary’s Land o La última cima en la que se propone a todo el que esté interesado en su visionado pueda solicitar el estreno en su localidad.

El reparto lo encabeza el actor Ken Dunken recordado por su personaje en Malditos bastardos y Nicole Beharie participante en Shame, que no sólo ilumina la pantalla, sino que interpreta unas cuantas canciones con soltura, transmitiendo ideas, sentimientos y emociones que resultan claves para comprender las inquietudes de la protagonista.

Este largometraje es de bajo presupuesto, lo que no implica que estemos ante una mala producción, sino todo lo contrario. La fe que tiene la protagonista se manifiesta en todas las decisiones que toma a lo largo del metraje y con sus aciertos y errores intenta ser coherente con sus creencias. El realizador nos propone una historia no sólo de amor romántico porque hay un amor más grande que todo lo puede. El perdón es otro valor importante y decisivo en algunas secuencias. Todo ello merece la pena. Sin embargo, la propuesta más llamativa es atreverse y arriesgarse a formar una pareja que se sustente en unos fuertes mimbres y comprometiéndose con ciertos niveles de seriedad (publicado en el Diario Ya).

Off
11th May2014

Una noche en el viejo México

by Víctor Alvarado

una-noche-en-el-viejo-mexico-imagen-otraCuando uno piensa en Emilio Aragón, le vienen a la mente varios flashback de su trayectoria televisiva. Recordamos su personaje mudito de Milikito en Los payasos de la tele. Esbozamos una sonrisa cuando pensamos en sus programas de humor como Vip noche o Ni en vivo, ni en directo. Tampoco nos podemos olvidar de series como Javier no vive sólo o la inolvidable Médico de familia. En definitiva, estamos ante un hombre polifacético que domina muchos palos y se mete en muchos charcos, siendo esta su segunda incursión como cineasta, tras su ópera prima Pájaros de papel.

Red Bovie es un vaquero estadounidense desesperado por una mala racha, que es visitado por un nieto, Gally, del que no tenía constancia que ha dejado momentáneamente la universidad. Ambos realizarán un alocado viaje a México y en el camino se encontrarán con una stripper, Patty, que no se siente feliz con su trabajo.

La dirección de esta película es un encargo con lo que la intervención de Aragón presenta ciertas limitaciones en el guión. La verdad es que es de esas películas de las que no esperas nada y te acaban sorprendiendo. Les confieso que el argumento de la cinta no es nada del otro mundo, pero se deja ver. Además, destacamos la elegancia del realizador en las escenas más comprometidas, ya que se podía haber caído en el morbo. La razón fundamental por la que he dudado en darle el notable es porque la trama de intriga es poco consistente y porque abusa de primeros planos y algunos movimientos de cámara extraños. Finalmente, la banda sonora corresponde a Emilio Aragón, que fue nominado a los Goya 2013 junto a la esperanzadora canción (Aquí sigo) compuesta por él e interpretada por la cantante Julieta Venegas.

El reparto lo conforman fundamentalmente intérpretes americanos como Jeremy Irvine (War Horse) y Robert Duvall, que lo borda. La colombiana Angie Cepeda está espléndida, transmitiendo mucha frescura. El actor Luis Tosar hace de mafioso, algo muy habitual en actores españoles cuando trabajan en EEUU. Llama la atención que el cineasta haya podido contar con tanta estrella, lo que tiene su mérito. En declaraciones a Fotogramas el realizador quedó muy contento con la citada estrella (Robert Duvall): «Me impresionó su manera de preparar el papel a nivel psicológico. Conectamos muy bien, porque necesito estar en un ambiente tranquilo cuando ruedo y así fue. Sólo me pidió un par de secuencias para el final”.

Si uno se queda en la superficie de la historia, puede que no saque demasiadas conclusiones positivas. Sin embargo, si prestamos atención a los gestos y miradas de los excelentes intérpretes, la cosa cambia, pues transmiten más de lo que parece. Y es que la trama sentimental, ese reencuentro abuelo-nieto, sirve para que caigamos en la cuenta de que necesitamos conocer nuestras raíces para situarnos en la vida. Llama la atención ese modo tan particular del protagonista de relacionarse con Dios y hacer oración, culpándole de su mala suerte, pero, de algún modo, aceptando su voluntad. Por otra parte, es una historia de segundas oportunidades de dos personas a las que la vida no ha tratado bien, que transmite esperanza en el ser humano (publicado en Pantalla 90).

Off
04th May2014

El viento se levanta

by Víctor Alvarado

se-levanta-el-viento-imagen-16El avance en las técnicas de animación de las últimas décadas ha permitido la creación de muchas productoras que están haciendo auténticas maravillas en lo que a dibujos animados se refiere, aunque destacan de un modo especial un par de compañías que no sólo derrochan gran calidad artística, sino que destacan por la gran riqueza antropológica de sus argumentos. Una de ellas no necesita carta de presentación y se llama Pixar. La otra sale de los Estudios Ghibli, cuyo máximo exponente es Hayao Miyazaki.

El citado cineasta tiene auténticas obras maestras como Porco Rosso, La princesa Mononoke o Mi vecino Totoro (mi favorita). Este trabajo parece ser una carta de despedida y está basado en la novela de Tatsuo Hori. Nos ha dejado un legado maravilloso fundamentado, sin enrollarnos demasiado, en resaltar las tradiciones de su país, Japón, pero, a la vez, se percibe su intento de formar a futuras generaciones con una serie de valores universales. El viento se levanta (2013) presenta unos dibujos impecables, utilizando la lógica técnica del anime nipón, cuidando hasta el más mínimo detalle. Esta vez no recurre a sus toques mágicos, no obtante ese elemento fantástico tan característico queda de manifiesto a través de los sueños del protagonista. Sin embargo, nos vuelve a mostrar una de sus pasiones, la aviación.

La película gira en torno a un personaje como Jiro Horikoshi (1903-1982), que existió en la realidad en la que veremos cómo éste irá progresando hasta convertirse en el creador de los célebres cazas, Mitsubishi A6M Zero Figther, que tanta importancia tuvieron en varios episodios durante la Segunda Guerra Mundial. El citado ingeniero aeronáutico se inspirará en el pionero de la aviación italiano Giovanni Battista Caproni. En paralelo a esta exitosa trayectoria conoceremos uno de los mejores relatos de amor heroico con mayúsculas de la historia del séptimo arte.

El realizador ha huido de la ideología de la que podía haberse impregnado por la época en la que se desarrolla. Además, la cinta se encuentra cargada de momentos que destacan por su belleza y por su humanidad en el sentido positivo del término. Por un lado, en ella se cuenta una superación personal por hacer realidad un sueño, ya que su miopía le impidió convertirse en piloto que era su gran aspiración. Por otra parte, la relación que se establece entre Jiro y Naoko Satomi te toca el corazón por los sacrificios realizados el uno por el otro y viceversa, donde el realizador trata de resaltar el valor del matrimonio en boca de un personaje secundario. Por cierto, no deben perderse la preciosa canción con la que termina el largometraje (publicado en Páginas digital).

Off
28th Abr2014

Pompeya

by Víctor Alvarado

pompeya-2014-imagen-35El péplum ha dejado un ramillete de obras maestras para la historia del séptimo arte como Espartaco, Ben Hur, Quo Vadis, La túnica sagrada o Jasón y los argonautas, aunque a diferencia del western, la llama ha seguido viva en los últimos gracias a películas, que mezclan episodios históricos con leyendas y mitología, como 300, Gladiator, La legión perdida, o Percy Jackson y secuela.

Por cierto, no es la primera vez que el desastre de Pompeya se ha llevado a la gran pantalla, Paul W S Anderson ha sido el encargado de rememorar ese episodio de la historia. Se trata de un cineasta especializado en el cine de acción como demostró con Mortal kombat, aunque se ha especializado en la saga cinematográfica Resident Evil, basada en un videojuego. La idea del cineasta fue construir una ciudad para los planos cortos, utilizando tecnología digital para las panorámicas después de haber filmado todos los restos arqueológicos, que fueron posteriormente utilizados. Como dato curioso, el cineasta estuvo acompañado de su perro (Cromwell).La cinta en cuestión presenta un enfoque clásico, acompañado de una banda sonora moderna y pegadiza. El largometraje es correcto. No es nada del otro mundo y bebe de las fuentes de cintas muy conocidas como Gladiator, Espartaco y Robín de los bosques, donde se percibe que captan ideas de un lado y de otro. La historia es muy visual, mientras que los diálogos son escasos. Más que un guión parece un esbozo del mismo, puesto que la trama es demasiado esquemática. Por otra parte, las escenas de acción transmiten realismo, todo perfectamente coreografiado. El final es lo mejor de la película.

El reparto lo encabezan Kit Harrington, recordado por interpretar a Jon Nieve en la serie Juego de Tronos y un Kiefer Sutherland, hijo del mítico Donald Sutherland, conocido por interpretar al agente Jack Bauer en la serie 24 muy valorada por público y crítica.

La producción nos parece superficial, pues tan sólo busca el mero entretenimiento. Sin embargo, la amistad sincera, al modo de los personajes al estilo de las cintas de Peter Weir, nos da la impresión de que, a lo mejor sin pretenderlo, se ha logrado con un notable acierto. Se observan grandes detalles de lealtad entre ellos. Y es que ambos conectan rápidamente al haber vivido experiencias traumáticas similares (publicado en Pantalla 90).

Off
20th Abr2014

The amazing Spider-Man: El poder de Electro

by Víctor Alvarado

the-amazing-spider-man-2-foto-21Gracias al talento de dos genios como Steve Ditko y Stan Lee que en 1962 crearon las aventuras del sorprendente arácnido, podemos disfrutar de la segunda parte del tercer lanzamiento, llamado The amazing Spider-Man: El poder de Electro. Éste se basa a su vez en varios cómics míticos de los guionistas Stan Lee y Gerry Conway, así como los dibujantes Lee Weeks y Gil Kane en el que se narran episodios trágicos de la familia de los Stacy especialmente vinculados a Peter Parker.

La dirección ha corrido a cargo de Marc Webb, un hombre que domina tanto el drama como la comedia como demostró con la excelente película Indie: (500) días juntos, donde se narraban las distintas etapas por las que pasa una relación de pareja y que, de algún modo, se aprovecha en esta entrega. Este cineasta repite, tras el éxito de la primera, en la que nos desvelaban los orígenes del “trepamuros” en los que se demostraba la importancia de escuchar a la voz de la conciencia (un gran poder requiere una gran responsabilidad) para descubrir la vocación. El resultado en su conjunto resulta irregular, no por una mala combinación de la acción y el romance, que se reparte a partes iguales, sino porque parece que se atranca de vez en cuando y la duración excesiva hace el resto. Lo que queda claro es que no es de las mejores, si la valoramos en su conjunto, aunque presenta unas cuantas escenas por separado que nos parecen muy acertadas. En esta ocasión, las secuelas de Thor y El Capitán América le han ganado la partida al “lanzarredes” (y lo dice todo un admirador del mítico Hombre Araña). El humor hace acto de presencia en innumerables ocasiones, un detalle siempre presente en toda la obra de Spiderman.

El reparto lo encabeza el peculiar actor Andrew Gardfield, que no me parece el actor más indicado para el personaje y Emma Stone en el papel de Gwen, que nos enamora a todos con sus gestos y miradas, mientras que los supervillanos son Jaimie Foxx (Electro), que se presenta como un ser ignorado por el mundo que busca venganza y Paul Giamatti interpreta a Rino, un personaje que nos hará pasar un rato memorablemente divertido. No deben perderse el cameo de la cabeza pensante de Marvel, ya citada con anterioridad.

La película apunta un ramillete de ideas interesantes. Aparecen, como suele ser habitual, los clásicos dilemas morales que van salpicando la vida del protagonista. Y si en la primera entrega se nos hablaba, como decíamos, de la vocación profesional, en esta segunda se plantea el sentido de formar una pareja y lo que ello supone. Por otra parte, les aconsejamos que no se pierdan un par de escenas memorables. La primera es aquella en la que un chaval se enfunda su disfraz de Spidey para enfrentarse a un delincuente, que, en realidad, nos sirve para que reflexionemos sobre la importancia de ser modelo para la juventud. La segunda escena es la del excelente discurso de graduación de Gwen Stacy que versa sobre el valor de la esperanza para el mundo, un tema que va en consonancia con las fechas Pascuales en la que nos encontramos (publicado en Paginasdigital).

Off
05th Abr2014

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!

by Víctor Alvarado

220px-Guillaume_Gallienne_2012El cine francés nos suele dar una de cal y otra de arena en lo que a sus películas se refiere porque, unas son superficiales y otras bastante profundas, aunque todas ellas muy trabajadas y de una notable calidad. Si François Ozon nos hablaba de lo peor de la condición humana en Joven y Bonita, El director novel, Guillaume Gallienne, nos obsequia con una divertida historia, titulada Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!

Guillaume es un chico amanerado al que su madre siempre le ha tratado como si fuera una niña. Éste nos contará los malentendidos y vivencias que le ayudaron a encontrarse a sí mismo.

Esta producción autobiográfica ha sido escrita, dirigida e interpretada por Guillaume Gallienne que lleva con tino su obra de teatro a la gran pantalla. Este genio mezcla situaciones más teatrales con otras más cinematográficas sin que resulte tedioso o artificial, provocando, en ocasiones, la carcajada. Su ingenio le permite contar una historia original sin prisa, pero sin pausa, con habilidad y sin importarle el qué dirán. Esa debe ser una de las claves de su éxito en Francia, donde se ha roto la taquilla, obteniendo la nada despreciable cifra de 3 millones de espectadores. La crítica ha valorado positivamente su atrevimiento y algunos expertos la sitúan en la órbita de Woody Allen y Billy Wilder. Ha recibido varios galardones como 5 premios César; el premio a la Mejor Película según la Asociación Internacional de Exhibidores o según la Asociación de Autores Franceses; así como dos premios en el Festival de Cannes, donde fue ovacionada durante nada más y nada menos que 15 minutos. Las interpretaciones de Galliene son maravillosas al igual que las intervenciones de los secundarios. Diane Kruger tiene una aparición memorable.

Este largometraje es una apuesta arriesgada e inteligente. Aborda el tema de la homosexualidad con profundo respeto y gran sentido del humor, pero de un modo políticamente incorrecto y sin caer en las garras de la ideología de género. Por otra parte, esta cinta es un sentido homenaje a todas esa madres que dan la vida por sus hijos y se preocupan por ellos (publicado en www.paginasdigital.es)

Off
Páginas:«1...12131415161718...30»