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05th Abr2014

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!

by Víctor Alvarado

220px-Guillaume_Gallienne_2012El cine francés nos suele dar una de cal y otra de arena en lo que a sus películas se refiere porque, unas son superficiales y otras bastante profundas, aunque todas ellas muy trabajadas y de una notable calidad. Si François Ozon nos hablaba de lo peor de la condición humana en Joven y Bonita, El director novel, Guillaume Gallienne, nos obsequia con una divertida historia, titulada Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!

Guillaume es un chico amanerado al que su madre siempre le ha tratado como si fuera una niña. Éste nos contará los malentendidos y vivencias que le ayudaron a encontrarse a sí mismo.

Esta producción autobiográfica ha sido escrita, dirigida e interpretada por Guillaume Gallienne que lleva con tino su obra de teatro a la gran pantalla. Este genio mezcla situaciones más teatrales con otras más cinematográficas sin que resulte tedioso o artificial, provocando, en ocasiones, la carcajada. Su ingenio le permite contar una historia original sin prisa, pero sin pausa, con habilidad y sin importarle el qué dirán. Esa debe ser una de las claves de su éxito en Francia, donde se ha roto la taquilla, obteniendo la nada despreciable cifra de 3 millones de espectadores. La crítica ha valorado positivamente su atrevimiento y algunos expertos la sitúan en la órbita de Woody Allen y Billy Wilder. Ha recibido varios galardones como 5 premios César; el premio a la Mejor Película según la Asociación Internacional de Exhibidores o según la Asociación de Autores Franceses; así como dos premios en el Festival de Cannes, donde fue ovacionada durante nada más y nada menos que 15 minutos. Las interpretaciones de Galliene son maravillosas al igual que las intervenciones de los secundarios. Diane Kruger tiene una aparición memorable.

Este largometraje es una apuesta arriesgada e inteligente. Aborda el tema de la homosexualidad con profundo respeto y gran sentido del humor, pero de un modo políticamente incorrecto y sin caer en las garras de la ideología de género. Por otra parte, esta cinta es un sentido homenaje a todas esa madres que dan la vida por sus hijos y se preocupan por ellos (publicado en www.paginasdigital.es)

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30th Mar2014

Capitán América: El Soldado de Invierno

by Víctor Alvarado

capitan-america-validoJoe Simon y Jack Kirby fueron los creadores de un éxito de ventas en su país de origen. Y es que  en 1941 se publicó el número 1 de El Capitán América, convirtiéndose en uno de los estandartes de la lucha contra el nazismo. De todas formas, esta segunda adaptación de esta nueva saga, pues ya hubo un intento fallido cinematográfico en 1990 por su bajo presupuesto, provienen de un cómic de una época gloriosa de este militar, escrita por Ed Brubaker y dibujada por Steve  Epting en la que se resucita al mejor amigo de la estrella en cuestión, Bucky Burnes. Seguramente, nuestro “Capi” es uno de los superhéroes más queridos de la historia junto a Spiderman, Batman o Superman.

 

Detrás de la máscara de este abanderado de los Estados Unidos se esconde  un hombre de carne y hueso, llamado Steve Rogers, que se encuentra desorientado, por vivir en una época que no es la suya. Nick Furia, el jefe de la agencia SHIELDS, consciente de sus capacidades,  le encomienda a él y a Natasha Romaroff una peligrosa misión.


Si el encargado de dirigir Capitán América: El primer Vengador fue Joe Jonhston, los cineastas Anthony y Joe Russo, que provienen del mundo de la televisión, mueven los hilos del relato Capitán América: El Soldado de Invierno. Estamos ante una gran historia de superhéroes, donde destaca la gran trama de intriga con varios giros argumentales, que ha sido perfectamente dosificada para que nunca deje de interesar. El humor aparece de vez en cuando para desengrasar las secuencias de mayor tensión. Quizás el único punto negativo es que, aunque están muy bien filmadas algunas escenas de acción, se alargan innecesariamente, pudiendo llegar a agotar.

El sex symbol de las adolescentes Chris Evans sigue dando vida a este personaje, vinculado a la compañía Marvel, pues firmó un contrato para cinco entregas. El actor presume de tener una familia en la que todos se quieren y  en la que no se esconden secretos, mientras  que la protagonista femenina Scarlett Johansson interpreta a La viuda negra, una actriz que combina papeles más comerciales con otros  que le permiten su lucimiento profesional, un claro ejemplo de ello ha sido la recientemente estrenada Her. Los veteranos Samuel L Jackson y Robert Redford le ponen el toque más serio.

 

El visionado de esta cinta permite reflexionar sobre la necesidad de los países democráticos de defender las libertades ante la amenaza terrorista en la que no todo vale, puesto que algo nos tiene que distinguir de  los radicales. La moral y la ética de Capitán América se sustentan en su gran sentido del deber;  sus sólidos principios; su capacidad de sacrificio  y los altos ideales cercanos a los del New Deal que no tienen que dejar de estar vigentes, por mucho que se empeñe La viuda negra, que representa al modo de pensar y sentir de la sociedad posmoderna, donde el relativismo moral campa a sus anchas. El valor que tiene para el protagonista la amistad y la lealtad quedan patentes en varios momentos y con diferentes personajes (publicado en Pantalla 90).

 

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23rd Mar2014

El gran hotel Budapest

by Víctor Alvarado

el-gran-hotel-budapest-imagen-8El director de la película en cuestión es de esos que podíamos calificar como inclasificables, aunque las palabras ideales para definirlo serían surrealismo y personalidad. Su nombre es Wes y su apellido, Anderson.  Este hombre de cine homenajea a Ernst Lubitsch y su obra: El  gato montés.

 

La historia gira en torno a  un hotel, situado en un país ficticio centroeuropeo de pasado imperial, que la dirige el mujeriego M. Gustave, que contrata a un botones, Zero Moustafa, que se convierte en su fiel escudero y con el que vivirá una auténtica odisea.

 

El realizador estadounidense está muy valorado por la crítica. Sin embargo, a mi la única película que me ha interesado realmente, sin maravillarme, ha sido Moonrise Kingdom. El gran hotel Budapest, si se mira desde una óptica convencional se quedaría con un aprobado, pero si  se ve como una especie de cómic llevado a la gran pantalla se le podría subir un punto la nota, ya que visto de esa manera, tiene su gracia y la excelente banda sonora de Alexandre Desplat va en consonancia con el tipo de historia que se cuenta. El resultado  es bastante original, muy en su estilo tan particular. No obstante, su montaje  nos parece irregular porque brillantes escenas se combinan con otras de mal gusto;  muy negras;  simplonas y con fuertes dosis de humor fácil.

 

El mayor éxito de esta cinta es que ha contado con un reparto de campanillas con el que podíamos escribir un artículo de 500 palabras sin exagerarles. Se trata de cameos que lógicamente no habrán sido recompensados económicamente. Y es que actores como Harvey Keitel, Tilda Swinton, Bill Murray o Edward Norton se pirran por salir en las películas de este cineasta que debe tener un magnetismo que desconocemos.

 

Toni Revolori y Saoirse Ronan representan a unos adolescentes que viven  una bonita aventura amorosa. Ralph Fiennes es el actor en el que recae toda la carga de este cuento cinematográfico. La película permite reflexionar sobre el valor de la adopción, entendida como una paternidad postiza, pero sólida, de una persona sin descendencia, que acoge a un huérfano que necesita de su sabio consejo y que le acompaña en los momentos importantes de su vida. La relación que se establece es sincera y cargada de buenas intenciones (publicado en Páginasdigital).

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16th Mar2014

Dallas Buyers Club

by Víctor Alvarado

dallas-buyers-club-imagen-14El tema de la lucha de una persona frente a las poderosas empresas farmacéuticas al estilo Frank Capra, pero sin su elegancia, ha sido reflejado en varias producciones como Erin Brockovich, Michael Clayton o Dallas Buyers Club. Esta película era la última de las que estaba en la carrera por los Óscar, aunque no se ha podido estrenar en España  hasta ahora. No obstante, viene avalada por las estatuillas obtenidas por Jared Leto como mejor actor de reparto y Mathew McConaughey como actor principal.

Ron Woodroof es un vaquero homófobo y drogadicto que, en los años ochenta, pilla el SIDA en un encuentro con una chica. Éste intentará encontrar por todos los medios una medicina que frene su enfermedad, enfrentándose a todos los que se oponen a ciertos tratamientos. Para ello, contará con la ayuda de un travestí.

La cinta está dirigida por Jean-Marc Vallée, recordado por la estimable La reina Víctoria. Como dato curioso, el guión estuvo circulando por Hollywood durante 20 años y 86 estudios lo rechazaron. Por  lo visto, no se aseguró el proyecto  y los 25 días de rodaje hasta una semana antes de iniciarlo. Esta producción merece la pena, no pierde en ningún momento el interés y no dejan  de ocurrir cosas. De todas formas, si no hubiese  contado con conocidos actores, muchos la podrían considerar como un telefilme. Sin embargo, hay pequeños detalles  que le permiten llegar al notable a pesar de su falta de originalidad, pues el tema está trillado. Finalmente, la recomendamos, sin embargo, advertimos de la dureza de algunas escenas que pueden herir de algún modo algunas sensibilidades de una historia basada en hechos reales.

El principal protagonista es Mathew McConaughey, que nos tenía  acostumbrados a personajes en los que hacía de guaperas-chulillo, pero que, últimamente, está variando su registro, demostrando su talento tanto en este largometraje como en sus papeles en la serie True Detective o en  El lobo de Wall Street. Para preparar su personaje  perdió un montón de kilos hasta quedarse con 62 y se subía por las paredes por el hambre que pasó para conseguir ese físico. La verdad es que está extraordinario y nos ha gustado la evolución de un personaje que, en un principio, cae antipático, pasando de una persona intolerante con la comunidad gay a tener una actitud de respeto. Por otra parte, aunque sus métodos sean cuestionables, nos ha gustado la lucha por la vida de un individuo insignificante  que no se resigna y se enfrenta con pocos medios a un todopoderoso trasatlántico. Por último, esta persona se acerca a la trascendencia en lugar insospechado, lo que demuestra la necesidad de Dios en los momentos duros de la vida y la importancia de estar preparado para la muerte (publicado en Diario Ya).

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09th Mar2014

Emperador

by Víctor Alvarado

emperador-pelicula-imagen-1Ya habíamos visto películas donde se destacaban tanto la labor militar como política de militares estadounidenses como George Smith Patton o David Dwight Eisenhower. En este caso, le toca al turno del general Douglas McArthur, cuya misión en Japón queda relatada en el libro de Shiro Okamoto que se ha adaptado para el cine.

 
El general McArthur se encuentra, de la noche a la mañana, con la misión de pacificar y mantener el orden en Japón tras la rendición del emperador Hirohito por un lado y, por el otro, el de capturar a los líderes intelectuales del bombardeo de la base militar de Pearl Harbor que dio pie al conflicto bélico en el pacífico. Para ello, encomendará a un experto en la cultura de ese país como el general Bonner Fellers para que dictamine si se debe condenar o perdonar al emperador por crímenes de guerra.

 
La mano que me mece la cuna en esta película es el cineasta Peter Webber, al que nuestros lectores recordarán por La joven de la perla, una película donde se contaban detalles de la vida del pintor Johannes Vermeer. Emperador es una pequeña gran película. El resultado es bastante satisfactorio, pero teniendo en cuenta los rivales de cartel de la semana pasada, va a pasar muy desapercibida y es una pena, puesto que tiene buenos mimbres. La película se acerca con rigor y verosimilitud a lo que allí ocurrió, mientras que la historia de amor de los personajes nos parece muy acertada, siendo de esas que no se olvidan porque está narrada con inteligencia y elegancia.

 
El reparto lo encabeza un peso pesado como Tommy Lee Jones que no tiene el protagonismo esperado, ya que todo el peso dramático recae en el actor Mathew Fox, no demasiado conocido, pero que me ha gustado sobre todo en los momentos en los que su personaje duda cuando se debate entre su deber y el amor de su vida, pues tuvo en su mano salvar a la mujer de la que estaba enamorado.

 
En el Emperador (2012) se tocan temas interesantes porque se plantea tanto la responsabilidad de unos y de otros en el inicio del conflicto o el lamentable uso de la bomba nuclear en Hiroshima y Nagasaki por parte de los americanos. Nos parece interesante como el militar va introduciéndose en la cultura nipona para comprender (General japonés:-Cuando mira a Japón, ve a la más moderna y occidentalizada de la naciones asiáticas, pero esa es la superficie porque el corazón de mi nación tienen dos mil años de existencia y nada tiene que ver con el occidente) cuál es la mejor forma de ayudar a salir adelante a un país sin humillarle, aunque ciertamente no se hizo justicia porque realmente se buscó el mal menor. Hay una escena importante en la que un nipón reconoce que el excesivo sentido del deber de sus habitantes, les había deshumanizado (publicado en Páginas digital).

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01st Mar2014

Philomena

by Víctor Alvarado

philomena-imagen-1El lamentable episodio de las Lavanderías de la Magdalena de Irlanda, ampliamente manipulado por el cineasta Peter Mullan en Las hermanas de la Magdalena. Vuelve a ser noticia gracias a Philomena, que ha recibido cuatro importantes nominaciones a los Óscar y ya puede presumir de haber ganado el Bafta al mejor guión.

 
Philomena es una enfermera de setenta años que intenta descubrir que fue del hijo que le arrebataron (en teoría con su consentimiento) las monjas de un convento para darlo en adopción. El famoso periodista, Martin Sixsmith, implicado en un escándalo político, intentará ayudar a esta señora a desentrañar lo que pudo haber ocurrido.

 
La dirección ha corrido a cargo de Stephen Frears, autor de entretenidas cintas como The Queen, Alta fidelidad o Las amistades peligrosas, que adapta el libro de El hijo perdido de Philomena Lee del escritor Martin Sixsmith. La verdad es que el resultado es bastante satisfactorio. El montaje nos parece muy acertado porque consigue que no se pierda el interés en ningún momento. El realizador británico consigue dosificar la trama escrita por los guionistas Steve Cogan y Jeff Pope con la intención de sorprender cada cierto tiempo.

 
La labor interpretativa del humorista Steve Cogan (escritor del libreto y productor de la película) no llama demasiado la atención, si la comparamos con la fabulosa y sobria interpretación de Judie Dench, aunque tiene difícil llevarse la estatuilla por el nivelazo de este año.

 
La película es una crítica ante un hecho que deja en mal lugar a la Iglesia Católica, puesto que lo que se cuenta va en contra de los valores del Evangelio. No obstante, si bien este convento no estuvo a la altura que debía, se omite un dato importante que debe ser tenido en cuenta porque otra institución de la Iglesia en Liverpool se portó muy bien cuando su padre no quiso saber nada de ella, dándole la oportunidad de estudiar enfermería, tal y como desvela el crítico de cine Jerónimo José Martin en Cope. Por otra parte, el pasado viernes el periódico Público le recomendaba al Papa Francisco el visionado de la cinta en cuestión. Curiosamente, el Santo Padre saludó a la protagonista real de esta historia unas semanas antes de que el citado medio de comunicación diera ese titular, mientras que el jurado católico de la asociación SIGNIS premió este largometraje en el Festival de Venecia 2013.

 

Frente a la actitud inflexible y extremista de algunos miembros de esa comunidad religiosa a la que se hace referencia, aparecen dos personajes luminosos. El primero de ellos, el de la novicia que le ayuda en un par de ocasiones. El segundo el de una mujer, cargada de inocencia y sentido del humor [al estilo de Cándida (2006)], como Philomena (personaje que también recuerda a la abuelilla de La noche del cazador de Charles Laughton) con una fe sencilla de gran fidelidad a la Iglesia que, a pesar de que es consciente de que no actuaron bien con ella, perdona sin guardar rencor. No obstante, se intenta dar una imagen negativa generalizada de que los cristianos tenemos unas creencias irracionales y estamos obsesionados con el pecado, un detalle que no se corresponde o se ajusta a lo que muchos hemos vivido (publicado en Pantalla 90).

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22nd Feb2014

Her

by Víctor Alvarado

her-2013-imagen-12Varios cineastas han intentado reflexionar sobre la posibilidad de crear una máquina que piense y sienta como el ser humano. Recordamos algunos títulos como DARYL, Inteligencia artificial, Blade Runner o la archiconocida 2001: Una odisea del espacio por poner algunos ejemplos. Her, aunque difícil de ver, es de lo mejor que se ha hecho en relación al citado tema.

Theodore es un excelente escritor de cartas de amor para personas que tienen problemas. Sin embargo, este tipo de ayuda, que proporciona a los demás, no le sirve a él, pues se trata de un hombre solitario, cuya esposa le ha dejado, motivo por el cual decide iniciar una relación con Catherine, un programa de ordenador que actúa como si fuera la pareja virtual del que lo compra

La dirección ha corrido cargo de Spike Jonze, autor de Cómo ser John Malkovich o Donde viven los monstruos, que llevaba algunos años queriendo contar una historia de amor diferente y la verdad es que ha acertado de pleno porque Her es muy original en su planteamiento.

Esta producción, nominada a los Óscar, ha contado con Joaquin Phoenix  que, aunque por momentos roza el ridículo por lo peculiar del personaje y la historia, está muy bien. Por otra parte, también participa Amy Adams, que ofrece el toque más humano, mientras que Scartlett Johansson es  la voz del programa de ordenador.  Si le prestas atención casi te enamora porque su interpretación está llena de matices. En Hollywood se ha luchado por su candidatura para los Óscar. Sin embargo, se ha quedado en nada, ya que no aparece en persona.

El visionado del largometraje ofrece una serie de lecturas. La primera es que refleja, con bastante acierto, las distintas etapas por las que pasa una relación de pareja, aunque se queda en el lado más superficial sin profundizar en la idea de compromiso y familia. La segunda lectura muestra la dependencia cada vez más marcadas de las computadoras y el absurdo de las relaciones virtuales, lo que nos convierte en seres insociables cuando abusamos de ella. Y es que esta obra no sólo entretiene, sino que  sirve para constatar cómo se establecen las relaciones sociales en el mundo contemporáneo, que a pesar de que tenemos en nuestras manos muchos medios de comunicación, de  algún modo se está deteriorando. Después de haber visto la película sales agradeciéndole a Dios que todavía  no exista ningún programa de ordenador capaz suplantar al ser humano, que por muchas virtudes que posea, nunca podrá sustituir a un abrazo o a la empatía de una persona (publicado en Paginasdigital).

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15th Feb2014

El lobo de Wall Street

by Víctor Alvarado

el-lobo-de-wall-street-imagen-12Los números de El lobo de Wall Street  (2013) están siendo estratosféricos y más de un millón de personas se han acercado a las salas para su visionado. Además, todavía sigue ocupando los primeros puestos de la taquilla a pesar de  las semanas que lleva en cartel. Es una de las favoritas para obtener la estatuilla  al mejor actor. Por esa razón, aunque sea tarde, nos disponemos a analizar dicha producción.

Jordan Belfort es un bróker con una labia prodigiosa que, tras un pequeño fracaso, se convierte en un vendedor de humo, que se hace rico timando tanto a grandes como a pequeños inversores, llevando una vida de lujo y desenfreno, marcada por los excesos con las drogas y sus constantes locuras erótico-festivas.

La dirección ha corrido a cargo de Martin Scorsese que, después de la deliciosa La invención de Hugo, vuelve a narrar las bajezas del ser humano. La película es tremendamente larga más de 3 horas, reiterativa y demasiado gráfica. De todas formas, en ningún momento se hace pesada. Por otra parte, si lo que se narra en esta historia  ocurrió tal y como se cuenta, es digno de ser relatado porque serviría para constatar que la realidad supera a la ficción.

El gran acierto de esta cinta es su reparto masculino, pues los personajes femeninos carecen de importancia en este relato. Nos encontramos con tres extraordinarios actores. Leonardo DiCaprio es un actor que recuerda a los más grandes de la época dorada de Hollywood y el sólo podría o sería capaz de atrapar al espectador por sus grandes dotes artísticas y todas sus interpretaciones deberían haber desembocado en Óscar. La actuación de Jonah Hill se encuentra a la misma altura. Por otro lado, la escena de la película es, sin duda, aquella en la que Mathew McConaughey le enseña el oficio al protagonista, puesto que nos parece delirante e inolvidable.

Esta producción refleja el lado más oscuro de las finanzas y como la ambición desmedida y sin escrúpulos  puede llevar a la absoluta ruina personal. La ausencia de principios morales puede provocar que los individuos se pasen de la raya al no tener límites que frenen el instinto. La cinta, aunque  no presenta sus contenidos de modo elegante, tenemos la impresión de que es crítica con el modo de vivir de estos delincuentes de  guante blanco (Publicado en Diario Ya).

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09th Feb2014

Nebraska

by Víctor Alvarado

nebraska-imagen-1Entre las pequeñas perlas de este año se encuentra Nebraska (2013), que viene avalada por el guionista Alexander Payne, autor de dos libretos magníficos que ganaron la ansiada estatuilla por las inolvidables Entre copas y Los descendientes. Se trata de un hombre de cine polifacético que domina tanto la escritura como la dirección de actores. Esta película ha recibido 6 nominaciones a los Óscar, siendo ésta y Al encuentro de Mr Banks dos producciones que superan con holgura en calidad a La gran estafa americana que parece que se ha valorado más en la academia de Hollywood. No obstante, Gravity es mi favorita y Nebraska mi segunda opción para los mejores y más famosos premios del mundo.

 
Woody Grant es un anciano alcohólico y con demencia senil que emprende un largo viaje para cobrar un premio de un millón de dólares. David es su hijo que ha roto con su novia y como no tiene nada mejor que hacer, decide acompañar a su padre.

 
Este largometraje, filmado en blanco y negro, lo que no debe ser un impedimento, ya que es un homenaje al cine clásico, plantea el tema de las enfermedades propias de la vejez que es una realidad que afecta de manera más o menos cercana a la envejecida sociedad occidental. Y es que la familia del cineasta no es ajena a esta problemática porque lo ha sufrido en sus propias carnes, por lo que como dice Payne, esta simpática y modesta historia sobre un viejo y su hijo ha tocado directamente su corazón y el nuestro, añadimos nosotros. Este largometraje es un drama en toda regla, el humor hace un acertado acto de presencia. Algunos personajes no resultan demasiado agradables, pero nos permiten esbozar una sonrisa por las situaciones surrealistas en las que se ven envueltos.

 
El reparto lo componen el humorista Will Forte del Saturday Night Live y el veterano actor Bruce Dern, que tiene todas las papeletas para ganar algún que otro premio porque su interpretación es de quitarse el sombrero y la caracterización es muy buena sin recurrir a postizos tipo Salma Hayek en Frida o Nicole Kidman por Las horas. La naturalidad sería la palabra más adecuada para definir su interpretación. Por otra parte, June Squibb está sensacional, representando a un tipo de persona propia de la América profunda a la que la meca del cine tiene presente de vez en cuando.

 
La cinta es un canto a la familia imperfecta, ya que la relación entre ellos no nos parece idílica, pero encontramos pequeños detalles en ella que la convierten en entrañable, puesto que habla de la necesidad de sentirse comprendidos y queridos, donde se plantea de manera sutil la idea de reconciliación. La escena final dignifica al hombre ante la enfermedad (Publicado en Diario Ya).

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02nd Feb2014

La gran estafa americana

by Víctor Alvarado

lagranestafaLa popular comedia de situación, Aquellos maravillosos años 70, nos ha ofrecido la cara más positiva de esa década. Sin embargo, el cine se ha encargado de ofrecer en innumerables ocasiones su lado más amargo en cintas como Sérpico de Sidney Lumet, Taxi driver de Martin Scorsese, Zodiac de David Fincher o Los tres días del cóndor de Sidney Pollack, que apuntaba más alto en lo que al cine de policías y criminales se refiere. Por otra parte, el subgénero de las estafas ha proporcionado buenas tardes de cine con películas como El Golpe, El destino también juega o la reciente El lobo de Walt street. Tampoco el cine español se ha quedado atrás, acuérdense de películas como 25 kilates de Patxi Amezcua o de la célebre escena del timo de la estampita protagonizada por Tony Leblanc en Los tramposos. Pues bien, La gran estafa americana es una mezcla de todo lo anterior.

Irving y su amante, Sidney, van aumentando su patrimonio gracias a su habilidad para engañar a personas. El agente del FBI, Richie DiMaso, los pilla con las manos en la masa y le propone un trato para que le ayuden con la captura del corrupto alcalde de Nueva Jersey.

David O Russell, varias veces nominado a los Óscar (The fighter y El lado bueno de las cosas), vuelve a tener posibilidades de hacerse con alguna de las 10 estatuillas a las que opta, aunque tendrá que enfrentarse a una obra maestra como Gravity de Alfonso Cuarón. La trama parece disparatada, pero por lo visto es bastante cercana a la realidad. De todas formas, a la academia de Hollywood le ha dado por arropar los últimos trabajos de este cineasta. Sin embargo, nos parece excesivo el apoyo que se le está proporcionando porque si bien The fighter estaba muy bien, las dos posteriores no nos parecen tan buenas como para tanta candidatura.

El argumento, aunque original, no nos resulta demasiado atractivo y el ritmo resulta cansino. No obstante, la ambientación es magnífica porque durante el visionado, uno tiene la impresión de encontrarse en ese lugar y ese tiempo. La caracterización de los actores llama la atención tanto por la capacidad camaleónica de Christian Bale como por el cambio de imagen de Bradley Cooper; la sensualidad de Amy Adams o la imagen de nueva rica de Jennifer Lawrence. Ambas actrices han tratado de reflejar la ideología predominante de esos años, donde los temas del feminismo radical y la liberación de la mujer estaban en pleno auge, lo que no quiere decir que todo fuese positivo porque también muestra su parte negativa.

 
La película reflexiona acerca de la condición humana, una realidad que se encuentra en todas las sociedades y cómo, si no se actúa con celeridad y decisión, la manzana podrida corrompe al resto. Por otra parte, tampoco hay que despreciar el ingenio de estos delincuentes que, aunque sea para hacer el mal porque engañaron hasta el que se creía más listo, demostraron su talento e inteligencia.También se explica como la ambición puede hacerte perder el norte y puede ser tu tumba, cuando no tiene medida (publicado en Paginas Digital)

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26th Ene2014

Oldboy

by Víctor Alvarado

oldboy-2013-imagen-1En los últimos años se están poniendo de moda las adaptaciones de novelas gráficas con mejor (300 de Frank Miller) o peor (Watchmen de Alan Moore) resultado que atraen a gran cantidad de público. Las películas de superhéroes de DC y Marvel han obtenido unos taquillazos espectaculares al menos en los Estados Unidos. Y es que esta semana se ha estrenado Oldboy (2013), que se basa en el manga de homónimo título del guionista Garon Tsushiya y del dibujante Nobuaki Minegishi, muy valorado por el aficionado, pues mantiene el suspense hasta el final. Se trata de un remake, ya que tuvo una adaptación cinematográfica del coreano Park Chan-Wook en 2003.

 
Una persona alcohólica es secuestrada durante 20 años en la habitación de un hotel. Cuando lo sacan de ese lugar, intentará descubrir cuál fue la causa de su encierro y quién mató a su mujer.

 

El cineasta, Spike Lee (recordado por Malcolm X o Plan Oculto) se ha embarcado en un proyecto, que no ha producido el efecto deseado, pues en el estreno en su país de origen se ha «pegado» una torta monumental, siendo una de las producciones menos taquilleras del año. La cinta es realmente violenta. Las escenas de acción son bastante desagradables y algunas no están demasiado bien filmadas y nos parecen cutres, recordando a las películas de Bud Spencer y Terence Hill, pero en versión gore. El realizador parece que se regodea en el sufrimiento de los personajes y muchas secuencias si no son sádicas, se aproximan. La intriga no está mal del todo y mantiene el misterio hasta el final. Por otra parte, las sorpresas con las que se va encontrando el protagonista son de carácter morboso, lo que puede incomodar a muchos espectadores.

 

La crítica ha sido bastante dura con ella, aunque tenía todo a su favor, ya que ha contado con un buen reparto encabezado por Josh Broslin, Samuel L Jackson o Elisabeth Olsen, cuyas hermanas encarnaban a un personaje infantil en la serie Padres forzosos. La citada actriz es lo mejor de la película, una chica que, en otro tipo de producciones, dará mucho juego en el futuro. Otro punto positivo es el protagonista por su capacidad de reconocer que no ha sido un buen padre y que busca la felicidad de su hija, mediante una serie de cartas escritas de su puño y letra en la que reconoce sus errores.

 

Como dato curioso, el director ha sido duramente criticado por el artista, Juan Luis García, autor del cartel del largometraje que afirma que Spike Lee ha firmado como si él lo hubiera diseñado en lugar del mencionado profesional.

 

Conclusión, nunca ha estado este realizador entre mis favoritos, ni esta película ha conseguido que cambie de opinión porque, incluso, carece del sentido del humor de otros trabajos.

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19th Ene2014

La ladrona de libros

by Víctor Alvarado

la-ladrona-de-libros-iValidaNo sé si estoy en lo cierto o no, pero tengo la impresión de que casi todos los años por estas fechas se suele estrenar alguna que otra película relacionada con la Segunda Guerra Mundial o con la persecución judía por parte de los nazis. Por esa razón, como no podía ser de otra manera, este mes de enero ha llegado a la cartelera La ladrona de libros (2013).

 
Liesel es una niña huérfana, que es adoptada por un peculiar matrimonio, formado por su gruñona esposa y por un amable campesino, que le enseñará a leer, transmitiéndole el amor por los libros y las palabras, lo que despertará en ella el interés por la cultura y se convertirá en una experta en adueñarse de libros que no le pertenecen para disfrutar de su lectura.

 
La dirección ha corrido a cargo de Brian Percival, recordado por su gran trabajo en la serie Downton Abbey, que adapta la novela de homónimo título, escrita por Markus Zusak, que es un bestseller en todo el mundo. El cineasta le imprime un ritmo lento, pero dotándolo de algunas situaciones cómicas que la hacen más llevadera. La referencias cinematográficas de esta cinta son, sin duda, La vida es bella, El niño del pijama de rayas y Fahrenheit 451, aunque por motivos diferentes.

 
La historia gira en torno a la actriz, Sophie Nelise, que debutó en una pequeña perla como El profesor Lazhar que aguanta el tipo. Sin embargo, me transmite cierta frialdad como le ocurre al relato que necesitaría haber aprovechado el juego que daba el nombre de la película para que viésemos más travesuras de la dulce niña. No obstante, el actor Geoffrey Rush, ganador de un Óscar por la obra maestra del siglo XXI, El discurso del rey, eleva el nivel de la cinta con su presencia y grandes dotes interpretativas.

 
Este largometraje hace una encendida defensa de los libros, donde se hace una crítica al nazismo por el sinsentido del racismo, que atenta a la dignidad del ser humano, pero sin caer en el maniqueísmo, tratando de mostrar como la bondad puede estar presente en todos sitios. Por otra parte, destacamos la valentía de los protagonistas que actúan según le dictamina su conciencia en señal de agradecimiento de un favor anterior. La relación de amor inocente y leal de los niños protagonistas debe mencionarse porque es bastante convincente (publicado en Paginasdigital).

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12th Ene2014

Agosto

by Víctor Alvarado

agosto-2013-imagen-1Las adaptaciones cinematográficas que provienen de obras de teatro pueden ser un arma de doble filo, pues suelen tener buenos mimbres, pero pueden resultar claustrofóbicas. Eso es exactamente lo que ocurrió con La Gata sobre el tejado de zinc (Richard Brooks) adaptación de la obra de Tennessee Williams; la más reciente Un dios salvaje (Roman Polanski) de la conocida escritora Yasmina Reza y, en menor medida, le pasa a Agosto porque han tenido la habilidad de enriquecerla con una serie de escenas de transición, filmadas en exteriores con unas canciones de gran calidad.

 

Violet es una mujer madura de Oklahoma destrozada psicológicamente no sólo por un cáncer de boca, sino por el suicidio de su marido. Todas sus hijas volverán a la casa familiar y la convivencia junto a secretos y rencores provocarán una auténtica odisea.
La dirección corre a cargo de John Wells, un experto en la producción en la pequeña pantalla como demostró con dos exitosas series como Urgencias y El ala Oeste de la Casa Blanca. Gracias a lo cual debutó como cineasta con una notable película como The company men, que explicaba cómo afrontar la vida en tiempos de crisis. Esta película es una adaptación de la obra de Tracy Letts, ganador de un premio Pulitzer en 2008. Estamos ante un drama en toda regla, salpicado de varias secuencias cargadas de dosis de humor cáustico que proporcionan algo de oxígeno. El mérito del Wells es haber resumido una obra de teatro de tres horas y media de duración en dos horas sin que pierda sentido la historia y sin que resulte pesado a pesar de una escena, la del almuerzo, que dura la nada despreciable cifra de 25 minutos. Como dato curioso, tanto Tracy Letts, el autor de la obra, como el director no están contentos con el final.

 

 

El realizador estadounidense ha contado con dos estrellas con grandes posibilidades de Óscar como Meryl Streep y Julia Roberts, donde la primera se merienda a la segunda, que mantiene el tipo con dignidad. Por otra parte, ha sabido rodearse de la flor y nata de Hollywood con magníficos actores secundarios como Chris Cooper, Benedict Cumberbatch o Ewan McGregor.

 

 

Agosto deja en muy mal lugar el valor de la familia, porque no salva nadie de la quema. Da la impresión de que, de algún modo, se explica o se denuncia el deterioro moral de la sociedad. Y no es que nos fascinen las películas de familias idílicas, pero ésta vemos que refleja lo peor de la condición humana. Tan sólo destacamos el personaje de Chris Cooper que intenta buscar la unidad de la familia, siendo el único que empatiza y se pone en el lugar de demás, comprendiendo sus dificultades. Éste ofrece algo de luz entre tanta oscuridad (publicado en Diario Ya).

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29th Dic2013

Ismael

by Víctor Alvarado

ismael_82245La productora española, Zeta Cinema, apuesta por un tipo de cine comercial (Tengo ganas de ti, Lo contrario al amor, Combustión, 3 metros sobre el cielo), que está obteniendo buenos resultados en taquilla, dirigiéndose a un público adolescente y juvenil. En esta ocasión, ha abierto un poco más su espectro y ha optado por un argumento que, en principio, parece más interesante, atractivo y menos superficial, que anteriores propuestas.

 
Ismael es un niño, que se escapa de casa en busca de su padre biológico, al que no ha visto nunca. Como desconoce su paradero, se dirige a la casa de la madre de éste, que sorprendida y sabiendo que es abuela, toma la decisión de acompañarle a pesar de que ella también tiene perdido el contacto con el padre de la criatura.

 

El argentino, Marcelo Piñeyro, ha sido el encargado de que todo funcione, una persona que ha intentado contar una historia positiva, pues sus anteriores trabajos habían sido más oscuros. A este cineasta lo recordamos por Plata quemada, Kamchatka o La viuda de los jueves, participando como productor en la oscarizada La historia oficial. La primera parte nos ha parecido más dinámica y entretenida que la segunda que parece que pierde un poco el rumbo. Da la impresión de que el cineasta no sabe como terminarla. Su punto más negativo es que se trata de un producto de marketing más que una obra cinematográfica porque a los personajes y los diálogos le falta autenticidad. Algunas secuencias resultan un tanto empalagosas. Como dato curioso, llama la atención que la cinta, con no demasiada sutileza, deja su mensaje independentista en un segundo plano.

 

La interpretación de Belén Rueda es sobresaliente y la de Sergi López sin ser de las mejores no está mal, pero Mario Casas (espero que me perdonen sus seguidoras) me parece muy artificial y no sé si era el intérprete más indicado para el personaje. Sin embargo, es el responsable de que muchas chavalitas se acerquen a las salas y ese mérito hay que reconocérselo. Los que disfruten de las películas con niño, no pueden perderse el repertorio de expresiones de Larsson do Amaral.

 
Ismael (2013) reflexiona sobre la incomunicación, puesto que se trata de personas que viven aisladas, estando necesitadas de ese calor humano. Por otra parte, se plantea la necesidad de conocer a nuestros progenitores; de buscar nuestros orígenes y sobre ese posible encuentro. La película está muy de actualidad, ya que se apunta, aunque no se desarrolla demasiado, la problemática del aborto. Destacamos la valentía de la chica inmigrante en seguir adelante con el embarazo a pesar de las presiones. Llama la atención la posibilidad del arrepentimiento de un personaje que reconoce su responsabilidad, pudiendo aprovechar o no una segunda oportunidad (Publicado en Pantalla 90).

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15th Dic2013

El Hobbit: la desolación de Smaug

by Víctor Alvarado

el-hobbit-la-desolacion-de-smaug-imagen-9J.R.R. Tolkien fue capaz de crear un universo, que ha atraído a millones de lectores en todo el mundo y de la que ha salido el gran libro: El señor de los anillos, que es una alegoría al cristianismo a la que sólo se le acerca Las crónicas de Narnia de C.S. Lewis, aunque la de Tolkien se dirige a un público más adulto por su cantidad de matices. Peter Jackson filmó la trilogía de El señor de los anillos, por la que ganó varios óscar, lo que le ha servido para sacarse de la manga otra saga de tres episodios, que tal vez sea excesiva por la brevedad de un libro como El Hobbit (anterior a la publicación de su exitosa obra, que fue rescatado gracias al interés suscitado). Este año se estrena la segunda parte. Tanto la primera parte El Hobbit: un giro inesperado como la cinta en cuestión me han parecido mejor como historia de aventuras que su predecesora, a pesar de que no posea ni la profundidad, ni el mensaje tan positivo de su hermana “mayor”.

 
La historia empieza justo en el momento en el que terminó la anterior. Y es que Bilbo y sus amigos liderados por Thorin continúan su viaje para enfrentarse a Smaug, el dragón, para poder conseguir el ansiado tesoro, contando con la ayuda de dos valientes elfos Tauriel y Legolas, interpretado por un insípido como siempre Orlando Bloom.

 
Su director también es recordado por Lovely bones o King Kong. En esta ocasión sigue sacando tajada de la genialidad, no obstante, a juzgar por los comentarios de las personas que salían de la sala, daba la impresión de que muchos de ellos estaban molestos con un final al que se le notaba demasiado que buscaba dejar con la miel en los labios a todos los que se acercaron a verla. Cambiando de tema, estamos ante una gran cinta de aventuras que no pierde el interés ni el ritmo en ningún momento. La trama principal está enriquecida con una serie de sub-tramas que le dan consistencia, lo que la acabará convirtiendo en uno de esos largometrajes imprescindibles en el género de aventuras sólo comparables a las más grandes como por ejemplo: Scaramouche, El temible burlón, el Halcón y la flecha, Robin de los bosques o Indiana Jones. La ambientación, la fotografía y el montaje siguen siendo su mejor carta de presentación.

 
Nos parece interesante la evolución de los personajes, ya que vemos como Escudo de Roble por su avaricia y Bilbo (Martin Freeman) por la influencia del anillo ya no son los mismos frente a Gandalf, que es consciente de lo que hay en juego y se esfuerza por no dejarse vencer ante el rival al que se enfrenta.

 
Finalmente, la película sigue hablando sobre la lucha de las fuerzas del bien frente a las del mal. Se destaca el valor de la unidad para hacer frente a las dificultades. La amistad y la lealtad siguen presentes en varias situaciones. Otra lectura interesante es el de la idea de que cada vez que ocurre un hecho extraordinario, aparece la luz a la que se puede dar un sentido espiritual porque hasta en situaciones desesperadas siempre hay motivo para la esperanza en un relato, que está cargado de situaciones oscuras (publicado en paginas digital).

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30th Nov2013

Mary´s Land

by Víctor Alvarado

Mary-s-Land-Tierra-de-Maria_cartel_peliNo suele ser habitual que analicemos documentales en esta sección de cine, pero Juan Manuel Cotelo ostenta una interesante marca, pues su anterior trabajo de este género, La última cima, se estrenó en cuatro salas españolas y, en un año, saltó hasta 15 países. Como dato curioso, estuvo varios meses en la cartelera, obteniendo una media por copia muy alta y, en España, la vieron 150.000 personas. Además, su última producción, Mary´s Land, nos ha sorprendido gratamente.

 
Juan, el abogado del diablo, investiga una serie de experiencias de religiosas, que han transformado la realidad de varias personas. Este hombre, entre agnóstico y cristiano tibio, deberá descubrir la verdad, cueste lo que le cueste, para desmontar o aceptar como válidos los testimonios de estas personas creyentes.

 
Juan Manuel Cotelo es un director de documentales religiosos o que se preguntan por el sentido de la vida, recordado por La útima cima y por otras cintas menos conocidas como Te puede pasar a ti y A ti, niño. Su presentación inicial puede parecer desconcertante e intenta captar toda la atención del espectador. Su estilo es provocador, pero en el buen sentido, para lograr sacar lo mejor de los entrevistados con la intención de que transmitan todo lo que llevan dentro. Muchas de las conversiones al catolicismo, que aparecen, van a sorprender al espectador, tanto a los cristianos practicantes como a los más alejados de la Iglesia. El montaje es bastante dinámico. La inteligencia con las que están planteadas las preguntas del cineasta-protagonista consigue que te quedes con ganas de saber más de la vida de la persona en cuestión. Se agradece que todas esas declaraciones estén salpicadas con pequeñas píldoras de humor, que la hacen más llevaderas.

 
Hay un reciente interés en películas de corte religioso y los que se acerquen no van a quedar defraudados porque las historias de fe que en ella aparecen no son cursis, ni sosas, ni aburridas, sino más bien todo lo contrario, ya que antes de profesar la fe católica, los conversos llevaban una vida desordenada y cargada de contradicciones.

 
Nos ha llamado la atención el testimonio de una modelo que gracias al rezo del Rosario superó los graves problemas psicológicos como consecuencia de un aborto, mientras que destacamos el poder milagroso de Medjugorje, uno de los últimos lugares donde muchos afirman que se apareció, la Virgen María, aunque el Vaticano todavía no lo reconoce (publicado en el Diario Ya).

Víctor Alvarado

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