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12th Dic2011

Jane Eyre

by Víctor Alvarado


Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

En una semana repleta de estrenos de poca monta, hemos pensado que sería interesante rescatar una película como Jane Eyre, que ha sido llevada a la pequeña y a la gran pantalla en innumerables ocasiones. Quizá la más sonada fue la protagonizada por Orson Wells y Joan Fontaine, aunque esta producción de 2011 nada tiene que envidiar a otras versiones, pues “secuestra” al espectador por muy experimentado que sea de principio a fin.

Cuenta la vida de Jane Eyre, una niña huérfana, que vive con su tía que, por diversas circunstancias, le envía a un internado y tras su huida se acaba convirtiendo en institutriz con la ayuda de unos amigos. Será la encargada de educar a una niña en la mansión del Sr. Rochester. Entre Edward y Jane surgirá una relación de un amor imposible.

La película ha contado con un reparto muy especial en el que emerge la figura de Mia Wasikowska, que interpretó a Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton, que se muestra muy contenida a pesar de la cantidad de matices que expresa con su mirada, demostrando como se sentiría una mujer en una época distinta a la actual, donde la misma estaría relegada a un segundo plano. El actor Michael Fassbender es luce en la escena en la que se declara a la que considera la mujer de su vida, presentándose como un hombre de una posición envidiable, que muestra su fragilidad ante la indecisión de su amada. El resto lo completan dos actores secundarios de primera línea como Judy Dench y Jaime Bell, recordado por la célebre película de ballet Billy Elliot.

Jane Eyre (2011) ha sido dirigida por un americano de origen japonés como Cary Fukunaga, autor de una muy buena película sobre la inmigración llamada Sin nombre (2009), que demuestra una sensibilidad especial para hacer una adaptación de la célebre novela de Charlotte Brontë de homónimo título, que posee un estilo narrativo y temático similar a los textos de Jean Austen, que también ha recibido buenas adaptaciones como Orgullo y prejuicio de Joe Wright o Sentido y sensibilidad de Ang Lee. El cineasta ha captado a la perfección la esencia de la novela, pero guardando el equilibrio necesario, entre los diálogos y las imágenes, para que la película funcione cinematográficamente hablando, sin ser demasiado intelectual. Las escenas nos parecen de una belleza extraordinaria en un ambiente naturalista y el tratamiento fotográfico es impecable y original con unas tonalidades pastel.

El realizador narra una historia llena de romanticismo, que te mantiene en vilo hasta el último fotograma. El personaje de Jane Eyre esta impregnado de una bondad heroica, que afronta los inconvenientes de la vida, intentando hacer el menor daño posible aun cuando a ella se lo estén infringiendo. Ante las contrariedades responde con capacidad de perdón y comprensión. También un personaje secundario expresa el modo en que la voz de la conciencia actúa, que no se queda tranquila hasta que pide perdón por el dolor que haya podido provocar. La relación amorosa está tratada con elegancia, reflejando el pensamiento propio de la época (religiosidad incluida), aunque lo que más llama la atención es el modo en el que la protagonista se pone en su sitio a pesar de los prejuicios del siglo XIX, no perdiendo nunca su dignidad como mujer.

Finalmente, podemos concluir, animando al lector para que no se pierda una película, cuya temática principal es el amor como el valor que supera todas las barreras.

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04th Dic2011

La conspiración

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

El director Robert Redford no es muy prolífico, pero es justo reconocer que la mayoría de sus películas están razonablemente bien rodadas (Gente corriente, El río de la vida, El hombre que susurraba a los caballos…), mostrándose como un gran conocedor del séptimo arte. Desde nuestro punto de vista, La conspiración (2011) es su trabajo más redondo.

El largometraje en cuestión trata un conocido hecho histórico de la joven historia de los EE UU sobre el que giran diversas teorías con respecto a los participantes en la conspiración para asesinar al presidente Abraham Lincoln. El cineasta apuesta por la teoría que demostraría la inocencia de Mary Surratt, una de las condenadas a muerte por un tribunal militar, acusada de haber participado en el citado complot, aportando unos prismáticos y un rifle a los asesinos.

El realizador se ha rodeado de un elenco de lujo, encabezado por una convincente Robin Wright y un notable James McAvoy. Los secundarios, que aparecen, resultan irrepetibles como un irreconocible Kevin Kline, muy bien caracterizado, por cierto, y un siempre solvente Tom Wilkimson, que nos ha maravillado en innumerables ocasiones.

Por otra parte, Redford ha contado los hechos de una determinada manera con la intención de criticar la gestión del partido republicano tras la guerra de secesión, pero con la idea de que esas decisiones, que se tomaron en el pasado, puedan extrapolarse a la administración Bush tras los atentados del 11s. Por esa razón, tenemos la impresión de que el director toma partido claramente por el pensamiento del partido demócrata, aunque de manera bastante menos sectaria de lo que la harían algunos de nuestros directores españoles. Una vez dicho esto, la película es de un altísimo nivel, respaldada por una excelente banda sonora de Mark Isham y con una fotografía muy sugerente y cargada de significado. La cinta presenta un ritmo aparentemente pausado, pero en el que no paran de suceder situaciones, que despiertan el interés del espectador. El guión cuenta con un trabajo de documentación de 18 años por parte del escritor James Solomon, un libreto que tardó un tiempo considerable en encontrar financiación.

La conspiración permite reflexionar sobre la importancia del correcto funcionamiento del estado de derecho en un estado democrático, que considere a todos los ciudadanos iguales ante la ley, y en la que los poderes del estado (ejecutivo, legislativo y judicial) se encuentren claramente separados. El valor de la justicia queda reflejado en la integridad del personaje interpretado por James McAvoy que, a pesar de su animadversión a los confederados, no se puede quedar impasible, por lo que decide defender a una persona que considera inocente.

Finalmente, Redford pretende humanizar al personaje femenino, que es el referente familiar, y demuestra no tener prejuicios en mostrar la dimensión religiosa de la protagonista, interpretada por Robin Wright, no dejando de mostrar ningún detalle, como la serenidad de una católica que tiene la conciencia tranquila, confortada por el apoyo de un sacerdote, que actúa en consecuencia frente a los otros procesados que desconfían de la providencia.

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27th Nov2011

El gato con botas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diario Ya)

En los últimos tiempos, la ausencia de originalidad y talento en Hollywood, tal vez por éxodo al mundo de la televisión, está provocando que los productores apuesten por valores seguros. Este modo tan comercial de entender el cine se ha extendido al mundo de la animación. Por esa razón, Dreamworks se adentra en el mundo de las precuelas o del spin-off como ya otros hicieron con el origen del planeta de los simios. En este caso, a los guionistas se les ha ocurrido tirar de un secundario de la popular saga Shrek para explicarnos los comienzos del famoso Gato con botas mucho antes de la llegada del Ogro verde.

Por tanto, el argumento gira en torno al archiconocido Gato con botas de los cuentos clásicos, convertido en un forajido, perseguido por la ley, que intenta robar las habichuelas mágicas con la ayuda de un huevo muy enterado, llamado Humpty Dumpty y la gata, Kitty Zarpassuaves, para lo que tendrán que enfrentarse a los peligrosos Jack y Jill.

El apartado más destacable de este largometraje es el de la interpretación, no tanto por la intervención de Salma Hayek, que nos parece corriente, transmitiendo mucha frialdad para tratarse de un personaje latino, sino de Antonio Banderas que lo borda y está simpatiquísimo, convirtiendo este producto mediocre, mejorando a un largometraje que pretende entretener. Demuestra ser un excelente actor de doblaje y mantiene el listón de los mejores dobladores del mundo que son españoles.

Bajo mi punto de vista, los gags nos parecen irregulares y los que funcionan no nos parecen brillantes ni memorables, lo que si queda claro es que juegan al doble sentido,  con lo que tanto los adultos como los niños no se encontrarán incómodos durante su visionado.

El director Chris Miller, especialista en animación  y autor de Shrek Tercero (2007), apoyado por un guión coral, no se olvida de la carga dramática. Nos parece que ha acertado con las escenas que explican los inicios de la pareja formada por El gato con botas y El huevo, porque el resto y, sobre todo, la acción suenan a un refrito de otros largometrajes de aventuras y, en especial, a los spaghetti western.

En esas situaciones  dramáticas a las que hacemos referencia nos sirven para reflexionar tanto sobre los aspectos más positivos de la amistad y el bienestar, que genera una relación sincera como sobre los más negativos, como el de las consecuencias de la traición que sólo puede resolverse mediante el perdón. Por otro lado, se apunta el valor de las relaciones madre e hijo que, de haberse desarrollado, a lo mejor estábamos hablando de un proyecto de Pixar.

Finalmente, nos  ha gustado la ambientación, pues refleja con bastante tino los valores y tradiciones de la cultura hispanoamericana, basados en la interconexión de los indígenas con los principios del humanismo cristiano.

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20th Nov2011

Un dios salvaje

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (Publicado en el Diario Ya)

Como todos nuestros lectores saben, Roman Polansky estuvo bajo arresto domiciliario, puesto que hay países en los que afortunadamente cierto tipo de delitos no prescriben. A lo mejor por esa razón ha querido enclaustrar a los espectadores con un acido drama que, bajo mi juicio, y aunque le lleve la contraria a muchos críticos, no me acaba de convencer.

La historia se desarrolla en el piso de un matrimonio de clase media  que tiene que llegar a un acuerdo con otra pareja, pues el hijo de uno de ellos ha agredido violentamente al vástago de la otra familia.

El reparto es de auténtico lujo. Si kate Winslet estuvo muy bien en El lector (2008), aquí lo borda. Si Jodie Foster siempre interpreta fabulosamente, en esta ocasión se luce en todas las escenas. Si Christoph Waltz fue el mejor en Malditos bastardos (2009), ahora se consolida como una estrella que, con un gesto o una mirada, lo dice todo. Incluso el menos conocido, John C. Reilly, resulta el más convincente de todos.

La película reflexiona sobre las caretas con las que el ser humano se protege de su lado más oscuro, en definitiva, sobre la hipocresía. El ejemplo más esclarecedor queda patente, aunque roce lo anecdótico, en el momento en el que la madre que se preocupa más de lo que le pueda ocurrir a un hámster  que por el daño que su hijo haya podido hacer a su compañero. Además, del visionado de la película se deduce que los niños son más sencillos que los adultos a la hora de resolver un determinado problema. Por otra parte, El personaje de Christoph Waltz puede servir para saber lo que puede pasar cuando se prescinde de la ética profesional.

Roman Polansky (ha escrito el guión junto a la autora de la obra) viene respaldado por producciones como La semilla del diablo, Frenético ó El pianista, y dirige Un dios salvaje (2011). Éste se basa en una obra de teatro de Yasmina Reza y ha sido literalmente trasladada a la gran pantalla, estando montada en tiempo real, es decir; que lo que vemos se desarrollaría en la vida real en tan sólo 75 minutos y sin elipsis. Los diálogos son muy fluidos y ofrecen algunas dosis de humor inteligente con mucha mala uva, pero a mi parecer particularmente cargantes porque no te dejan respirar, pudiendo convertirse en monótonos para algunos espectadores y es el mayor lastre de la película. Pensamos que lo que puede funcionar en una representación teatral, como ha ocurrido con la versión española de la obra, puede resultar claustrofóbico y angustioso, llevado a la gran pantalla, ya que todo se desarrolla en una habitación. Si les soy sincero, yo tenía ganas de que el largometraje terminara cuanto antes.

Finalmente, la banda sonora de Alexandre Desplat es una obra maestra  a pesar de contar con tan sólo dos momentos en el principio y en el fin de la cinta.

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13th Nov2011

La guerra de los botones

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diario Ya)

Cuando un cineasta triunfa en una ópera prima como, en este caso, con Los chicos del coro (2004), a lo mejor es una casualidad. Sin embargo, si en su tercera producción mantiene el listón de las dos primeras, quizá estamos ante un cineasta que merece la pena el seguimiento por parte de todo buen aficionado al séptimo arte.

Este relato cinematográfico está basado en un libro de Louis Pergaud, que ha hecho las delicias de varias generaciones de niños franceses y del mismísimo director, que lo leyó con diez años. Este texto ha sido llevado anteriormente a la gran pantalla en tres ocasiones, aunque la fuente de inspiración para Christophe Barratier fue la versión de Yves Robert, rodada en 1962.

La guerra de los botones (2011) cuenta las aventuras y desventuras de un grupo de chavales del pueblo de Longeverne, que se enfrentan en una batalla campal a los habitantes de la cercana población de Velrans. El botín de cada una de las escaramuzas consiste en quedarse con todos los botones de los perdedores.

La licencia que se ha tomado Christophe Barratier ha sido la de cambiar la época en la que se ambienta la novela, trasladándola a los últimos años de La Segunda Guerra Mundial para jugar con los problemas propios de la invasión nazi como los colaboracionistas, la persecución a los judíos o la resistencia, dándole un toque ligerísimamente izquierdista. La intención en palabras del director a la prensa sobre la película fueron las siguientes:”La cinta se ha realizado para recordar a los niños lo que fue el periodo de la Ocupación y el poderoso viento de esperanza que sopló sobre Francia en el momento de la Liberación.”

Para la selección de los niños se realizó un casting en una gran cantidad de colegios franceses, que fue visto como un auténtico evento. El resultado fue muy positivo porque parecen niños de otra época, puesto que están muy bien caracterizados y sus interpretaciones están llenas de frescura. La banda sonora, sin parecernos espectacular, enfatiza gran cantidad de escenas, imprimiéndole gran dinamismo a los combates cuerpo a cuerpo. Los diálogos provocan la sonrisa y captan la esencia de la inocencia y la nobleza de los niños. Algunos críticos la consideran blandita, pero nosotros pensamos que capta la esencia del modo de pensar de los niños de pueblo y no busca la lágrima fácil. La calidad de los paisajes hace el resto porque la fotografía aprovecha esa circunstancia.

La película es un canto a la amistad y la lealtad (reflejado, entre otros, en el guiño a Espartaco de Stanley Kubrick), donde la traición no tiene cabida y aparece como el peor de los defectos. También, el autor ha querido destacar el valor de la unidad y las renuncias de los unos y de los otros para conseguir un objetivo más importante que el que puedan suponer algunas discrepancias entre ellos. Por otro lado, el cineasta intenta dar al ser humano toda la dignidad que se merece en la que lo diferente es igual o más válido que lo supuestamente perfecto.

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10th Nov2011

London Boulevard-Desastrosa

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

Haber sido el guionista de una de la mejores cintas de acción de toda la historia, parece no ser suficiente argumento para poder desmostar su talento, porque el director novel William Monahan, autor del guión de Infiltrados, no ha sido capaz de sacar todo el jugo a actores de la talla de Colin Farrell (un actor que debutó en un anuncio de chocolate) o la siempre insípida Keira Knightley. La química entre chico y chica es inexistente. Y si eso no funciona, imagínense el resto. Sólo salva la producción la interpretación de David Thewlis, cuyo personaje está muy logrado, recordando en algunos momentos al célebre Donald Sutherland.

Por otra parte, aunque cambiando algunos detalles, este largometraje recuerda en su planteamiento a la aclamada por el público El guardaespaldas (1993), interpretada por Kevin Costner y Whitney Houston, con lo que la originalidad del texto brilla por su ausencia, contando la vida de un ex presidiario que intenta rehabilitarse. Por esa razón, intenta ganarse su sueldo, trabajando para una actriz famosa, perseguida por los paparazzis. Sin embargo, un grupo de mafiosos seguirá empeñado en llevar por el mal camino al protagonista.

La película es sobria y nihilista en su contenido. Expresa la violencia con realismo y con reminiscencias «scorsesianas», pero sin ser demasiado gráfica. El que vaya pensando en una cinta de acción, no debe adentrarse en una sala de proyección, ya que puede quedar decepcionado, ya que el trailer es bastante engañoso en ese sentido. Los personajes están desarrollados de manera esquemática a pesar de estar basada en la obra homónima de Ken Bruen, un dato que podía ser determinante, ya que se presupone que en una novela se puede encontrar material suficiente como para que supiéramos más detalles de los participantes en este thriller/noir. Los personajes están vacíos. Les falta alma a los mismos y los intentos de redención del protagonista se quedan en nada, pues se muestra el modo en el que las redes de delincuentes atrapan a todo el que trata de escaparse de ellas.

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05th Nov2011

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio-El taquillazo del año

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (Publicado en paginasdigital)

Hablar de Tintín es hablar de su creador Hergé sobre el que pesa una leyenda negra, que se aleja de la realidad de este dibujante al que han considerado, entre otras muchas cosas, racista, misógino…

Le acusaron de fascista cuando siempre se opuso en sus cómics, tanto a regímenes comunistas (Tintín en el país de los Soviets) como de corte fascista, como se pudo ver el álbum  El cetro de Ottokar, donde aparecía un tal Mussler (la composición de Hitler y Mussolini). Por otro lado, si es verdad que tenía una visión colonialista lógica del pensamiento que imperaba en la época. El tiempo le daría la razón con las matanzas posteriores a la obtención de la independencia por parte de los países africanos.

La historia se construye, basándose en el díptico formado  por El secreto del Unicornio y El Tersoro de Rackham el Rojo, editados respectivamente en 1942 y 1944. El director ha pretendido aprovechar la ocasión para presentarnos a los personajes, porque es previsible alguna que otra secuela, si funciona en taquilla.

 Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (2011)  merece la pena verla, ya que su ritmo es trepidante y no te deja ningún momento de respiro, un elemento que no se ajusta demasiado a las viñetas del intrépido y valiente periodista, puesto que eran más pausadas. Una vez comentado este pequeño detalle de apreciación, el largometraje está repleto de guiños a las historietas y los personajes como Haddock, Hernández, Fernández, Milú y el protagonista mantienen el sello inconfundible de su creador, conservando ese humor del cine clásico mudo y los juegos de palabras del capitán Haddock.

 La película abusa del slapstick  y el guión resulta un poco flojo, aunque como lo que se cuenta está muy bien hilvanado, puede pasar desapercibido. Fue escrito por Melissa Mathison, ex mujer de Harrison Ford en 1980. Pasaron 30 años en volver a ver la luz gracias a la insistencia de Peter Jackson, que finalmente convenció a Steven Spielberg para rodarla por ordenador, mediante la captura de movimiento. Los directores han cuidado el detalle al máximo y se darán cuenta, si son observadores. También, el largometraje despide un claro aroma a Indiana Jones con la que guarda ciertos paralelismos.

Cambiando de tema, el cineasta nos ha hecho disfrutar de la relación de amistad entre  Haddock y Tintín que está dispuesto a renunciar  a sus vicios en pos de ser fiel a su compañero, sacrificándose cuando la situación lo requiere. En definitiva, la cinta sugiere la importancia de la reciprocidad que nos encontramos, si somos leales

Finalmente, nos quedamos con el homenaje que hace a su amigo Hergé Steven Spielberg en los primeros fotogramas de la película, pues el creador de Tintín siempre pensó que Spielberg estaba destinado a dar vida a sus personajes en una película.

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31st Oct2011

Tímidos anónimos

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (Publicado en el Diario Ya)

El buen director de cine, Rafael Gordon, dijo en el I congreso de Cine y Educación que en las películas de antes la culminación de una relación amorosa era el final de la película y sólo se sugería. En los largometrajes actuales, la relación afectiva se desarrolla en los primeros diez minutos y a partir de ahí comienza una sucesión de conflictos. Se ha perdido la idea de conquista y la seducción. Estas declaraciones nos dan pie para compararla con Tímidos anónimos (2010), pues esta cinta se rige por los cánones del cine clásico, apostando por contar una historia de modo elegante y en el sentido tan positivo de volver a los inicios que propone el citado cineasta español. Además, aunque no es la excepción, llama la atención que un francés opte por la comedia clásica en vez de hacerlo por la clásica comedia actual.

El planteamiento de este relato puede sorprender al espectador, ya que el director, Jean Pierre Améris, juega con las palabras, cambiando el nombre de las extendidas terapias de grupo de los alcohólicos anónimos por el del título en cuestión. Y es que este largometraje cuenta la vida de un introvertido empresario chocolatero que tiene pánico a relacionarse con la gente, que se enamora de la acomplejada pastelera que empieza a trabajar en su obrador y que tiene miedo de lo que la gente pueda pensar de ella, por lo que esconde un don.

Jean.-Pierre Améris, cuya obra ha sido rodada en tonalidades verdes y rojas, es conocido en España por la película La vida (2001). Ha querido que sus personajes estuvieran muy cómicos, pero sin caer en el histrionismo, un dato que, de haberse producido, a nuestro juicio, le hubiese quitado la gracia que tiene el guión. Por lo que sabemos, el cineasta propuso a la actriz Isabelle Carré que tomara como fuente de inspiración a Ginger Rogers, la popular pareja cinematográfica de Fred Astaire, mientras que el personaje de Benoit Poelvoorde debía guardar cierto parecido con el James Stewart de El bazar de las sorpresas (1940) de Ernst Lubitsch.

Por otra parte, aunque el autor de Tímidos anónimos no haya querido dar un toque realista a su producción, la verdad es que ha acertado plenamente al inventar personajes que existen en la vida real, pues hay personas que tienen dificultades para comunicarse y, sobre todo, para expresar sentimientos, utilizando como medio el chocolate, que ha dado algunas tardes de gloria al mundo del séptimo arte. También, se plantea la dificultad del hombre actual para el compromiso una realidad que, junto a la incomunicación, es uno de los grandes retos a los que debe enfrentarse la sociedad del siglo XXI.

Finalmente, les recomendamos que no se la pierdan, pues nos parece muy dinámica y no decae en ningún momento. No la deben dejar pasar porque se perderían a unos personajes tiernos y entrañables que te tocan el corazón. La cinta tiene la virtud de cumplir con las expectativas que nos marcamos cuando nos acercamos a una sala de proyección; es decir, que independientemente de que te puede gustar más o menos, te atrape durante las dos horas siguientes.

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24th Oct2011

Nannerl, la hermana de Mozart-Cine de autor de calidad

by Víctor Alvarado


Víctor Alvarado (publicado en paginas digital)

Nannerl, la hermana de Mozart (2010) confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona, pues el director, René Féret, ha contado con varios miembros de su familia para rodar esta producción que, independientemente de lo anecdótico de la situación, lo hacen razonablemente bien.

Cuenta uno de los episodios de la vida de los Mozart en su gira musical por Europa, contados desde la óptica de Nannerl, la hermana del genio Wolfgang Amadeus Mozart.

Esta aproximación histórica ha sido realizada por el director novel René Féret que, con muy pocos medios, ha construido un digno relato cinematográfico de una mujer de gran talento musical, pues era cantante y clavecinista, ocultado por la alargada sombra de su hermano y por los perjuicios propios de la época que le tocó vivir. La película no pretende ser una reivindicación al estilo del feminismo radical, sino que intenta hacer justicia con un personaje limitado por un tipo de pensamiento que pretendía relegar a la mujer a un segundo plano.

El trabajo de los actores es excelente y las hermanas protagonistas obtuvieron el premio Lady Harimaguada de Plata y el premio a Mejor actriz, ex aequo para Marie y Lisa Féret (Festival de Las Palmas) que desarrollan sus habilidades con una aparente espontaneidad.

Otro de los puntos fuertes es el guión que siempre va sorprendiendo al espectador a pesar de que el ritmo de la película va en forma de sierra; es decir, hay algunas escenas que te atrapan totalmente frente a otros momentos valle en los que no ocurre nada. El aspecto más negativo es que presenta un formato con un toque ligeramente televisivo, abusando de primeros planos lo que puede resultar chocante, pues los ambientes naturalistas de alta calidad artística han sido desaprovechados por la falta probable de presupuesto.

El cineasta al haber contado con su propia familia ha potenciado el efecto de un trabajo cinematográfico, que refleja los valores de la familia junto a los sacrificios, que se pueden hacer para mantenerla unida. Por otra parte, el realizador francés no ha tenido pudor en mostrar el lado positivo de la religión católica, acercándose con acierto a la dimensión trascendente del ser humano. Además, nos ha parecido interesante el elogio de una amistad sustentada en altos ideales como el que establece la protagonista con la hija del rey.

Por último, la película cuenta la historia de una vocación frustrada por diversas circunstancias, reflejadas en varias metáforas, entre las que destaca, la de las rocas que se mantienen firmes a pesar de que las olas les pasen por encima.

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18th Oct2011

Another Year, el Mike Leigh menos ideológico

by Víctor Alvarado


Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

El cine británico todos los años nos obsequia con un ramillete de películas más o menos interesantes, que esconden buenas historias y en las que se percibe el buen hacer de profesionales de la talla de Ken Loach, Michael Apted, Tom Hooper o de Mike Leigh, que escribe y dirige este producto cinematográfico, convirtiendo lo cotidiano casi en poesía. Another year (2010) es un melodrama, que recuerda a la comedia otoñal, Las cuatro estaciones (1981), del director-actor Alan Alda.

Cuenta la historia, dividida en cuatro capítulos coincidentes con las cuatro estaciones, de un matrimonio veterano y consolidado siempre dispuesto a ayudar a toda persona que se cruce en su camino.

Mike Leigh es el director de uno de los largometrajes más positivos de su carrera en la línea de Secretos y mentiras (1996), donde se narraba la vida de una persona que buscaba a su madre biológica y se preguntaba sobre el porqué de su situación, y de Happy: un cuento sobre la felicidad (2008), que afrontaba la vida con optimismo. Sin embargo, también ha realizado trabajos menos acertados cómo El secreto de Vera Drake (2004) en la que se presentaba a un personaje que ayudaba a abortar como especialmente bondadoso, cuando todos sabemos que esta práctica atenta contra la vida del ser más indefenso.

Por otra parte, el cineasta británico ha contado con algunos actores que han participado en otras de sus producciones, favoreciendo, especialmente, el lucimiento de Leslie Manville y Ruth Sheen, magnificas actrices por cierto. A nuestro juicio, el mérito de Leigh ha consistido en construir el relato en base a una pareja formada por Tom (Jim Broadbent y Gerri (Ruth Sheen), pues la química entre ellos funciona a la perfección y, sobre todo, parece verosímil que un matrimonio experimentado esté caracterizado de esa manera y no de otra. Actúan con la madurez que se le presupone a una pareja que lleva tantos años de relación.

En contraposición con lo positivo, esta cinta, nominada a los Óscar por su guión en 2011, presenta un ritmo lento y algunos diálogos se alargan de modo innecesario. En un par de ocasiones se escucha un par de exabruptos que pueden molestar a los creyentes porque acaba rompiendo el tono amable de la producción, unas expresiones acordes con el tono y poco interés con el que algunos personajes se comportan en el funeral de un ser querido.

En nuestra opinión, este matrimonio tan peculiar aplica de forma práctica su amor al prójimo, para lo que utiliza las herramientas que posee el sentido común y el buen corazón. Su actuación transmite serenidad y sensación de felicidad. La película es un canto a la familia tradicional que permanece unida tanto en los buenos como en los malos momentos. El largometraje sugiere con las imágenes que para que una pareja funcione es necesario que tengan gustos e intereses comunes.

El personaje, interpretado por Leslie Manville, sirve para demostrar las consecuencias de llevar una vida desordenada y sin ningún tipo de referente, que respira gracias a la profunda generosidad de su amiga.

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10th Oct2011

Son of Babylon-Historia de un genocidio

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginasdigital)

Para los que piensan que en El Oriente Medio no existen buenos realizadores, les recordamos algunos de ellos: Los iraníes Panahi, Kiarostami, Farhadi o el israelí Era Kolirin. Mohamed Al-Daradji (Irak), conocido por Ahlaam (2005), es un ejemplo de que se puede hacer cine de notable calidad con muy pocos medios.

El argumento gira en torno a un niño y su abuela que buscan desesperadamente al padre del chico, desaparecido durante los años de la dictadura de Saddam Hussein. Por ello, recorrerán todo el país con la esperanza de encontrarlo vivo.

El director, Mohamed Al Daradji, ha hecho un gran trabajo, tanto en la dirección de los actores como en la escritura de un guión, que ha sido elaborado después de un amplio trabajo de documentación, pues surgió cuando se descubrieron una serie de fosas comunes en Babilonia en las que se encontraron los cuerpos del genocidio cometido por las marionetas de Saddam Hussein sobre algunos árabes y la población kurda. Este dato tocó el corazón del director, que estuvo durante cuatro años preparando y escribiendo el texto después de haber llorado desconsoladamente al comprender la magnitud del suceso.

El objetivo principal era explicar el modo de pensar de dos generaciones. La de la abuela expresa el sufrimiento por la desgraciada situación, mientras que el niño representa a la esperanza y al futuro.

Por otro lado, Mohamed Al Daradji ejerce de embajador de la «Campaña por las Personas Desaparecidas en Irak» , por lo que toda su filmografía se centra en denunciar el genocidio cometido sobre sus compatriotas kurdos, que fue uno de los argumentos de peso, que se barajaron entre los partidarios de la segunda intervención militar por parte de las tropas aliadas.

Su película fue la candidata a la Mejor película de Habla no Inglesa por Irak a los Óscar 2011. En el Festival de Cine Europeo de Sevilla Obtuvo el Giraldillo de Oro a la Mejor película y del Premio del Jurado Campus. Sin embargo, nos ha sorprendido la intervención del actor protagonista que demuestra un talento natural, a pesar de su corta edad, siendo capaz de transmitir el sentimiento adecuado para cada escena, que camina entre la risa, el llanto y matices intermedios.

Por último, esta producción intenta cerrar las heridas provocadas por el tremendo hecho, proponiendo la reconciliación como la mejor de las soluciones. El cineasta ha mostrado la cara más amable de la religión musulmana un tanto idealizada, aunque se olvida de hablar de sus puntos negros como el llamamiento a la Yihad o a la persecución de los cristianos. De todas formas, se demuestra que, mediante diálogos sencillos, se puede hablar de la fe sincera de los creyentes del pueblo llano. Además, Son of Babylon (2009) expresa los dos modos más clásicos de afrontar una situación traumática de ese calado, tal y como se observa en el diálogo que a continuación le ofrecemos:

-¿Tengo alguna otra opción? No tengo a nadie. Tiene que conocer a su padre.

-¿Cómo sabes que todavía está vivo?

-Yo soy su madre y creo en Dios.

-¿Cómo hablas de Dios?¿Para qué necesitas a tu hijo, si tienes a Dios?

-Dios no puede ser cuestionado. Esto es culpa de los seres humanos, no de Dios. No tenemos derecho a cuestionar a Dios.

-Hace dos años que no veo a mi hija. Se lo pedía a Dios sin cesar. ¿Por qué no puede hacer que vuelva?

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03rd Oct2011

Larry Crowne, nunca es tarde

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

En un periodo en el que parece que está de moda la comedia de humor burdo y chabacano, todavía se cuentan historias que, aunque carecen de originalidad, pueden verse en familia con relativa tranquilidad y ofreciendo un mensaje al menos optimista.

Larry Crowne, nunca es tarde (2011) cuenta la vida de un líder en ventas de su empresa, que es despedido a causa supuestamente de su baja cualificación, lo cual no le permite ascender. Así que Larry no se rinde ante la crisis económica que se apunta (sin embargo, si no les gusta el cine de denuncia social, no se asusten que este largometraje nada tiene que ver con ese tipo de cineastas) y su situación personal, por lo que opta por matricularse en una universidad estatal con el objetivo de obtener un título que le capacite.

La película está realizada por Tom Hanks que dirige su segunda obra, tras su ópera prima, The wonders (1996). Nosotros observamos que el actor-director nos se complica la vida, apostando por terreno trillado, pero seguro, con un guión escrito por él mismo y por la actriz, Nia Vardalos, conocida por la divertida Mi gran boda griega (2002). Esta producción es bastante entretenida y se apoya en la actriz Julia Roberts como reclamo, ya que tan sólo con su sonrisa y su mirada ilumina todas y cada una de las escenas en las que participa.

El problema, que la crítica ha encontrado y con la que coincidimos, es que quizá sea demasiada blanca, pero si les somos sinceros este trabajo supera los mínimos de calidad de la comedia actual de los últimos años, alejándose afortunadamente de las producciones, que se han puesto de moda y que seguro que les suenan algunas de ellas como Con derecho a roca, Resacón en las vegas o Cómo acaba con tu jefe…

El aspecto peor tratado de este producto americano es el de la relación que establecen la alcohólica interpretada por Julia Roberts y su marido adicto al sexo en una trama secundaria, explicada de modo esquemático, ya que no se entiende el porqué ella desestabiliza la relación, puesto que los diálogos son escasos y no profundiza sobre que ha podido fallar. Las situaciones están muy forzadas. El guión busca de manera descarada la ruptura lo que resulta artificial, así como todas las apariciones del resto del reparto en otras tramas, si exceptuamos la presencia de Larry.

Por otra parte, el guión desvela demasiada pronto la relación que establece la pareja protagonista con lo que pierde interés demasiado pronto

Finalmente, la película nos habla del optimismo de la sociedad americana para salir del pozo en el que le han metido los gobernantes con las hipotecas basura y sus malas decisiones junto a valores como la solidaridad, la amistad o el esfuerzo de formarse para encontrar un futuro mejor

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26th Sep2011

Los pasos dobles-¿Merece ser la ganadora de la Concha de Oro 2011?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.cope.es)

El director Agustí Villaronga afirmaba en Fotogramas de Los pasos dobles (2011) lo siguiente: “La película es hermosa, sugerente y sobre todo existe. Es fantástico haberla imaginado y casi milagroso haberla producido”. Y la verdad es que no sabemos que ha podido ver el citado cineasta en este largometraje que, contra pronóstico, ha recibido el premio gordo en el Festival de San Sebastián; es decir, La Concha de Oro. Tampoco entendemos como esta cinta de corte experimental ha podido obtener semejante galardón, puesto que no hay por donde cogerla porque los personajes carecen de profundidad y la historia, tal y como está narrada, no aporta nada nuevo al séptimo arte.

Por otra parte, cuesta trabajo entender como Isaki Lacuesta se ha metido en este berenjenal, puesto que se trata de un excelente documentalista, por cierto, como demostró con La leyenda del tiempo, que explicaba algunos de los momentos de la vida de Camarón de la isla o la magnífica producción La noche que no acaba en la que pudimos conocer algunos detalles desconocidos sobre la vida de Ava Gardner, el animal cinematográfico más bello del mundo en su paso por España. Sin embargo, pensamos que al cineasta se le ha ido de las manos a pesar de que la idea inicial parecía prometedora, ya que el argumento gira en torno al pintor François Aurgiéras, que pintó en un bunker militar en un desierto africano su obra cumbre y dejó que su trabajo fuera enterrado por el movimiento de las dunas para ser descubierto por una persona en el siglo XXI. La cinta especula sobre la posición de este tesoro artístico y sobre las distintas leyendas que se ha relatado de un artista que existió realmente.

El largometraje está construido con actores aparentemente no profesionales que no pueden hacer prácticamente nada, pues el guión es muy flojo y los diálogos nos parecen insulsos, no aportando nada nuevo ni atractivo, aunque si sugerente.

Creemos que el material era bueno como para habernos obsequiado con una buena historia de aventuras original, pero el cine español ha desaprovechado una gran oportunidad para abrirse camino en género poco cultivado.

Hay dos escenas que nos parece interesante mencionar como la trama de los negros albinos que es para olvidar, aunque sirve para recordarnos las persecuciones que sufren por ser distintos junto a la escena inicial de los santones por su gran sentido del humor.

Finalmente y por destacar algo más positivo, el cineasta parece homenajear al continente olvidado (África), donde la fe auténtica se entremezcla con la superstición como bien ha reflejado Isaki Lacuesta, que ha implicado al actor Miquel Barceló en su proyecto. Un artista al que recordamos por haber decorado con acierto la catedral de La Seu en Palma de Mallorca y por haber diseñado y pintado la cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra, cargada de polémica tanto por la inestabilidad de su estructura como por pagarse mediante 500.000 euros de los Fondos de Ayuda al Desarrollo.

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19th Sep2011

El árbol de la vida

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

A lo mejor alguien se ha preguntado alguna vez, si es posible crear una poesía mediante la combinación de un texto con imágenes. La respuesta es afirmativa, si hablamos de Terrence Malick.

El citado cineasta escribe y dirige El árbol de la vida (ganadora de la Palma de Oro en Cannes y del premio de la crítica internacional en el Festival de San Sebastián), controlando, incluso, hasta el modo en el que debe ser proyectada en las salas comerciales. El largometraje tiene la virtud de preguntarse por el sentido de la vida con elegancia y trata de responder a las siguientes preguntas, que todos nos hemos hecho alguna vez: ¿De dónde venimos? ¿Adónde vamos? ¿Existe otra vida después de la muerte?¿Cómo puedo alcanzar la felicidad?

El autor,conocido por ser el autor de La delgada línea roja, explica su modo de entender el mundo, intentando aunar o casar las propuestas del darwinismo con las respuestas del humanismo cristiano. Para ello, introduce la película con un texto de Job con el objeto de hacernos reflexionar sobre la dimensión trascendente del ser humano (“¿Dónde estabas cuando echabas los cimientos a la tierra?…Mientras me alababan los nacientes astros y producían voces de júbilo todos los ángeles e hijos de Dios”). Por esa razón, la historia gira entorno a un matrimonio, que presenta diferentes modos de afrontar el dolor por la muerte de un hijo en la adolescencia, pues la mujer encara el problema desde la óptica de la fe, mientras que su marido hace frente a la desgracia desde una perspectiva más mundana. Por otra parte, el autor recurre al flashback para recordar los momentos que más han marcado la personalidad de personaje interpretado por Sean Penn, que representa al hermano del fallecido y que debe encontrar su camino a pesar de las discrepancias de sus progenitores.

Como decíamos, a nosotros nos ha parecido que la pareja protagonista da mucho juego, ya que Jessica Chastain interpreta a una mujer creyente que se apoya en su fe para sobrellevar de la mejor manera su vida, llegando a pensar que la Gracia es el camino para alcanzar la felicidad porque de ese modo se lo habían transmitido en un colegio religioso. La protagonista nos muestra un modo de vivir que se sugiere en el siguiente monólogo: “El único modo de ser feliz es amando. Si no sabes amar tu vida, pasará como un destello. Sé bueno con los demás. Asómbrate. Te esperanza.”

Por otro lado, llama la atención la participación de Brad Pitt en un relato tan profundo que nos propone Terrence Malick. El actor dijo lo siguiente a Fotogramas sobre el citado cineasta: “Terry es un hombre increíblemente humilde, no se sentiría cómodo con la etiqueta de maestro. Para mi estar con él es como ir a la iglesia. Algunos domingos la misa puede ser ligera, pero tarde o temprano todo desemboca en los grandes temas, las grandes preguntas y lo genial es que no te sientes sermoneado.”

En contraposición con lo positivo, habría que decir que la película no se rige por los cánones habituales o más clásicos porque utiliza un extraño modo de narración que irremediablemente nos fuerza a reflexionar sobre el mundo. Pensamos que carga la mano demasiado en la imagen sin palabras que lo convierte en un documental de la 2 más que en una película. El ritmo es intencionadamente lento. Se trata de una serie de datos que no podemos negar, puesto que el estilo narrativo no es complaciente, aunque ofrece momentos memorables de extraordinaria belleza.

Finalmente, El árbol de la vida (2011) intenta dar una respuesta sobre el modo en el que el ser humano creyente interpreta el dolor y el sufrimiento. También, el indudable valor axiológico de la película queda de manifiesto al mostrar el arrepentimiento y el perdón como elementos esenciales para que las personas encuentren la paz, un dato atribuible a la figura de Jesucristo como se refleja de modo permanente durante la proyección

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12th Sep2011

La deuda, el equilibrio entre drama e intriga

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

En los últimos meses, el género del espionaje se ha centrado en explicarnos el drama de los personajes, aunque La deuda (2011) consigue guardar el equilibrio entre la intriga y las historias personales de los protagonistas con lo que, tanto el público más joven como el adulto, se quedarán atrapados por la trama.

El argumento se desarrolla a través de dos líneas temporales (1966 y 1997) de los mismos personajes. Versa sobre tres agentes del Mossad Israelí, que preparaban una misión para capturar a un criminal de guerra nazi, Dieter Vogel, el terrible «cirujano de Birkenau». Treinta años más tarde, tendrán que remover su pasado para explicar a la sociedad israelí que pasó realmente, pues son considerados auténticos héroes en su país, pero hay algo que no cuadra.

El buen director, John Madden, que nos hizo disfrutar con la oscarizada Shakespeare in love (1998), maneja a los actores a la perfección, consiguiendo exprimirlos al máximo para que expresen una amplia gama de registros que la película requiere. De todas formas, nos gustaría destacar la intervención de Jessica Chastain y Helen Mirren. Como dato curioso, ambas actrices tuvieron que aprender el Krav maga, que es un arte marcial del servicio secreto israelí.

La cinta goza de gran dinamismo. Las transiciones entre escena y escena rozan la genialidad con lo que nunca pierdes el hilo. A pesar de la complejidad de la trama diseñada en dos épocas distintas, se sigue sin dificultad, consiguiendo que te introduzcas en la mente de los personajes para entender su modus operandi o conocer las bases de su pensamiento. Además, la ambientación da mucha credibilidad a la historia, pues se apoya en escenarios naturales, localizados en Tel Aviv, Reino Unido y Budapest.

Por otra parte, La deuda (2011) es un remake israelí, Ha Hov (2007). Sin embargo, los guionistas como Mathew Vaugh, que ya ha trabajado como director (X men: Primera generación) y, por cierto, muy bien o Peter Straughan (Los hombres que miraban fijamente a las cabras) han cambiado algunos diálogos con el objetivo de distanciarse de la original.

Cambiando de tema, el inquietante personaje de Jesper Christensen sirve para hacernos reflexionar sobre los límites de la ciencia, puesto que muestra lo que ocurre cuando la ciencia renuncia a la ética o la moral para conseguir sus propósitos. Por otro lado, el cineasta ha pretendido que nos hagamos las siguientes preguntas: ¿Qué puede ocurrir cuando construimos nuestra vida sobre una mentira? y ¿Qué repercusiones puede presentar el actuar de esta manera y no de otra en la familia?

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05th Sep2011

Cowboys and Aliens

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

El cine de serie b ha dado algunos buenos títulos al género de la ciencia ficción. La película que hoy analizamos recuerda a ese tipo de cine, aunque con muchos más medios. Seguro que ustedes coinciden conmigo al pensar que deben de estar locos en Hollywood, si piensan que este relato cinematográfico con ese título pueda funcionar o pueda ofrecer unos mínimos de calidad. Salvo que estemos pensando en el mundo friki (término coloquial con el que se denomina a los “raritos” de toda la vida) que cada día va en aumento.

Nosotros pensamos que la primera parte de la película ha sido muy bien llevada por parte del cineasta, John Fravreau, conocido por ser el autor de Iron Man (2008). Ese inicio del que hablamos recuerda en muchos aspectos al western clásico con unas cuantas pinceladas fordianas. El tema de la trascendencia de matiz cristiano queda patente en varias ocasiones en un género como el de los extraterrestres, donde esta idea se suele ignorar o se muestra en forma de panteísmo científico. La segunda parte se transforma, quedándose en el típica batalla entre buenos y malos en la que todos los seres humanos liman sus diferencias para eliminar a un enemigo común, donde prima la acción por encima de todo, lo que la convierte en un cinta convencional.

La película comienza con un duro pistolero, que se encuentra con un misterioso brazalete en un estado grave de confusión y sin recordar absolutamente nada, que se acerca a un poblado y al que todos los vecinos miran con recelo.

Cowboys and Aliens (2011) es, en cierta medida, una adaptación de una novela gráfica de Fred Van Lente y Andrew Foley, aunque fueron ncesarios 14 años y 12 guionistas para que esta producción de Steven Spielberg pudiera llevarse a cabo.

El director ha contado con dos superestrellas como Daniel Craig [el actor que ha participado en la mejor película que se ha rodado sobre James Bond (Casino Royal)] y un Harrison Ford que se enfrenta a alguna que otra escena interesante con su rastreador indio que sirve para reflexionar sobre la paternidad y la adopción, que culmina, después de unos encuentros y desencuentros, con este diálogo:

-Siempre soñe con esta batalla a tu lado.
-Siempre soñé con un hijo como tú.

Finalmente, se apunta el valor del sacrificio por los demás que queda meridianamente claro en la entrega desinteresada de uno de los personajes interpretado por Olivia Wilde.

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