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31st Oct2011

Tímidos anónimos

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (Publicado en el Diario Ya)

El buen director de cine, Rafael Gordon, dijo en el I congreso de Cine y Educación que en las películas de antes la culminación de una relación amorosa era el final de la película y sólo se sugería. En los largometrajes actuales, la relación afectiva se desarrolla en los primeros diez minutos y a partir de ahí comienza una sucesión de conflictos. Se ha perdido la idea de conquista y la seducción. Estas declaraciones nos dan pie para compararla con Tímidos anónimos (2010), pues esta cinta se rige por los cánones del cine clásico, apostando por contar una historia de modo elegante y en el sentido tan positivo de volver a los inicios que propone el citado cineasta español. Además, aunque no es la excepción, llama la atención que un francés opte por la comedia clásica en vez de hacerlo por la clásica comedia actual.

El planteamiento de este relato puede sorprender al espectador, ya que el director, Jean Pierre Améris, juega con las palabras, cambiando el nombre de las extendidas terapias de grupo de los alcohólicos anónimos por el del título en cuestión. Y es que este largometraje cuenta la vida de un introvertido empresario chocolatero que tiene pánico a relacionarse con la gente, que se enamora de la acomplejada pastelera que empieza a trabajar en su obrador y que tiene miedo de lo que la gente pueda pensar de ella, por lo que esconde un don.

Jean.-Pierre Améris, cuya obra ha sido rodada en tonalidades verdes y rojas, es conocido en España por la película La vida (2001). Ha querido que sus personajes estuvieran muy cómicos, pero sin caer en el histrionismo, un dato que, de haberse producido, a nuestro juicio, le hubiese quitado la gracia que tiene el guión. Por lo que sabemos, el cineasta propuso a la actriz Isabelle Carré que tomara como fuente de inspiración a Ginger Rogers, la popular pareja cinematográfica de Fred Astaire, mientras que el personaje de Benoit Poelvoorde debía guardar cierto parecido con el James Stewart de El bazar de las sorpresas (1940) de Ernst Lubitsch.

Por otra parte, aunque el autor de Tímidos anónimos no haya querido dar un toque realista a su producción, la verdad es que ha acertado plenamente al inventar personajes que existen en la vida real, pues hay personas que tienen dificultades para comunicarse y, sobre todo, para expresar sentimientos, utilizando como medio el chocolate, que ha dado algunas tardes de gloria al mundo del séptimo arte. También, se plantea la dificultad del hombre actual para el compromiso una realidad que, junto a la incomunicación, es uno de los grandes retos a los que debe enfrentarse la sociedad del siglo XXI.

Finalmente, les recomendamos que no se la pierdan, pues nos parece muy dinámica y no decae en ningún momento. No la deben dejar pasar porque se perderían a unos personajes tiernos y entrañables que te tocan el corazón. La cinta tiene la virtud de cumplir con las expectativas que nos marcamos cuando nos acercamos a una sala de proyección; es decir, que independientemente de que te puede gustar más o menos, te atrape durante las dos horas siguientes.

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24th Oct2011

Nannerl, la hermana de Mozart-Cine de autor de calidad

by Víctor Alvarado


Víctor Alvarado (publicado en paginas digital)

Nannerl, la hermana de Mozart (2010) confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona, pues el director, René Féret, ha contado con varios miembros de su familia para rodar esta producción que, independientemente de lo anecdótico de la situación, lo hacen razonablemente bien.

Cuenta uno de los episodios de la vida de los Mozart en su gira musical por Europa, contados desde la óptica de Nannerl, la hermana del genio Wolfgang Amadeus Mozart.

Esta aproximación histórica ha sido realizada por el director novel René Féret que, con muy pocos medios, ha construido un digno relato cinematográfico de una mujer de gran talento musical, pues era cantante y clavecinista, ocultado por la alargada sombra de su hermano y por los perjuicios propios de la época que le tocó vivir. La película no pretende ser una reivindicación al estilo del feminismo radical, sino que intenta hacer justicia con un personaje limitado por un tipo de pensamiento que pretendía relegar a la mujer a un segundo plano.

El trabajo de los actores es excelente y las hermanas protagonistas obtuvieron el premio Lady Harimaguada de Plata y el premio a Mejor actriz, ex aequo para Marie y Lisa Féret (Festival de Las Palmas) que desarrollan sus habilidades con una aparente espontaneidad.

Otro de los puntos fuertes es el guión que siempre va sorprendiendo al espectador a pesar de que el ritmo de la película va en forma de sierra; es decir, hay algunas escenas que te atrapan totalmente frente a otros momentos valle en los que no ocurre nada. El aspecto más negativo es que presenta un formato con un toque ligeramente televisivo, abusando de primeros planos lo que puede resultar chocante, pues los ambientes naturalistas de alta calidad artística han sido desaprovechados por la falta probable de presupuesto.

El cineasta al haber contado con su propia familia ha potenciado el efecto de un trabajo cinematográfico, que refleja los valores de la familia junto a los sacrificios, que se pueden hacer para mantenerla unida. Por otra parte, el realizador francés no ha tenido pudor en mostrar el lado positivo de la religión católica, acercándose con acierto a la dimensión trascendente del ser humano. Además, nos ha parecido interesante el elogio de una amistad sustentada en altos ideales como el que establece la protagonista con la hija del rey.

Por último, la película cuenta la historia de una vocación frustrada por diversas circunstancias, reflejadas en varias metáforas, entre las que destaca, la de las rocas que se mantienen firmes a pesar de que las olas les pasen por encima.

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18th Oct2011

Another Year, el Mike Leigh menos ideológico

by Víctor Alvarado


Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

El cine británico todos los años nos obsequia con un ramillete de películas más o menos interesantes, que esconden buenas historias y en las que se percibe el buen hacer de profesionales de la talla de Ken Loach, Michael Apted, Tom Hooper o de Mike Leigh, que escribe y dirige este producto cinematográfico, convirtiendo lo cotidiano casi en poesía. Another year (2010) es un melodrama, que recuerda a la comedia otoñal, Las cuatro estaciones (1981), del director-actor Alan Alda.

Cuenta la historia, dividida en cuatro capítulos coincidentes con las cuatro estaciones, de un matrimonio veterano y consolidado siempre dispuesto a ayudar a toda persona que se cruce en su camino.

Mike Leigh es el director de uno de los largometrajes más positivos de su carrera en la línea de Secretos y mentiras (1996), donde se narraba la vida de una persona que buscaba a su madre biológica y se preguntaba sobre el porqué de su situación, y de Happy: un cuento sobre la felicidad (2008), que afrontaba la vida con optimismo. Sin embargo, también ha realizado trabajos menos acertados cómo El secreto de Vera Drake (2004) en la que se presentaba a un personaje que ayudaba a abortar como especialmente bondadoso, cuando todos sabemos que esta práctica atenta contra la vida del ser más indefenso.

Por otra parte, el cineasta británico ha contado con algunos actores que han participado en otras de sus producciones, favoreciendo, especialmente, el lucimiento de Leslie Manville y Ruth Sheen, magnificas actrices por cierto. A nuestro juicio, el mérito de Leigh ha consistido en construir el relato en base a una pareja formada por Tom (Jim Broadbent y Gerri (Ruth Sheen), pues la química entre ellos funciona a la perfección y, sobre todo, parece verosímil que un matrimonio experimentado esté caracterizado de esa manera y no de otra. Actúan con la madurez que se le presupone a una pareja que lleva tantos años de relación.

En contraposición con lo positivo, esta cinta, nominada a los Óscar por su guión en 2011, presenta un ritmo lento y algunos diálogos se alargan de modo innecesario. En un par de ocasiones se escucha un par de exabruptos que pueden molestar a los creyentes porque acaba rompiendo el tono amable de la producción, unas expresiones acordes con el tono y poco interés con el que algunos personajes se comportan en el funeral de un ser querido.

En nuestra opinión, este matrimonio tan peculiar aplica de forma práctica su amor al prójimo, para lo que utiliza las herramientas que posee el sentido común y el buen corazón. Su actuación transmite serenidad y sensación de felicidad. La película es un canto a la familia tradicional que permanece unida tanto en los buenos como en los malos momentos. El largometraje sugiere con las imágenes que para que una pareja funcione es necesario que tengan gustos e intereses comunes.

El personaje, interpretado por Leslie Manville, sirve para demostrar las consecuencias de llevar una vida desordenada y sin ningún tipo de referente, que respira gracias a la profunda generosidad de su amiga.

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10th Oct2011

Son of Babylon-Historia de un genocidio

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginasdigital)

Para los que piensan que en El Oriente Medio no existen buenos realizadores, les recordamos algunos de ellos: Los iraníes Panahi, Kiarostami, Farhadi o el israelí Era Kolirin. Mohamed Al-Daradji (Irak), conocido por Ahlaam (2005), es un ejemplo de que se puede hacer cine de notable calidad con muy pocos medios.

El argumento gira en torno a un niño y su abuela que buscan desesperadamente al padre del chico, desaparecido durante los años de la dictadura de Saddam Hussein. Por ello, recorrerán todo el país con la esperanza de encontrarlo vivo.

El director, Mohamed Al Daradji, ha hecho un gran trabajo, tanto en la dirección de los actores como en la escritura de un guión, que ha sido elaborado después de un amplio trabajo de documentación, pues surgió cuando se descubrieron una serie de fosas comunes en Babilonia en las que se encontraron los cuerpos del genocidio cometido por las marionetas de Saddam Hussein sobre algunos árabes y la población kurda. Este dato tocó el corazón del director, que estuvo durante cuatro años preparando y escribiendo el texto después de haber llorado desconsoladamente al comprender la magnitud del suceso.

El objetivo principal era explicar el modo de pensar de dos generaciones. La de la abuela expresa el sufrimiento por la desgraciada situación, mientras que el niño representa a la esperanza y al futuro.

Por otro lado, Mohamed Al Daradji ejerce de embajador de la «Campaña por las Personas Desaparecidas en Irak» , por lo que toda su filmografía se centra en denunciar el genocidio cometido sobre sus compatriotas kurdos, que fue uno de los argumentos de peso, que se barajaron entre los partidarios de la segunda intervención militar por parte de las tropas aliadas.

Su película fue la candidata a la Mejor película de Habla no Inglesa por Irak a los Óscar 2011. En el Festival de Cine Europeo de Sevilla Obtuvo el Giraldillo de Oro a la Mejor película y del Premio del Jurado Campus. Sin embargo, nos ha sorprendido la intervención del actor protagonista que demuestra un talento natural, a pesar de su corta edad, siendo capaz de transmitir el sentimiento adecuado para cada escena, que camina entre la risa, el llanto y matices intermedios.

Por último, esta producción intenta cerrar las heridas provocadas por el tremendo hecho, proponiendo la reconciliación como la mejor de las soluciones. El cineasta ha mostrado la cara más amable de la religión musulmana un tanto idealizada, aunque se olvida de hablar de sus puntos negros como el llamamiento a la Yihad o a la persecución de los cristianos. De todas formas, se demuestra que, mediante diálogos sencillos, se puede hablar de la fe sincera de los creyentes del pueblo llano. Además, Son of Babylon (2009) expresa los dos modos más clásicos de afrontar una situación traumática de ese calado, tal y como se observa en el diálogo que a continuación le ofrecemos:

-¿Tengo alguna otra opción? No tengo a nadie. Tiene que conocer a su padre.

-¿Cómo sabes que todavía está vivo?

-Yo soy su madre y creo en Dios.

-¿Cómo hablas de Dios?¿Para qué necesitas a tu hijo, si tienes a Dios?

-Dios no puede ser cuestionado. Esto es culpa de los seres humanos, no de Dios. No tenemos derecho a cuestionar a Dios.

-Hace dos años que no veo a mi hija. Se lo pedía a Dios sin cesar. ¿Por qué no puede hacer que vuelva?

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03rd Oct2011

Larry Crowne, nunca es tarde

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

En un periodo en el que parece que está de moda la comedia de humor burdo y chabacano, todavía se cuentan historias que, aunque carecen de originalidad, pueden verse en familia con relativa tranquilidad y ofreciendo un mensaje al menos optimista.

Larry Crowne, nunca es tarde (2011) cuenta la vida de un líder en ventas de su empresa, que es despedido a causa supuestamente de su baja cualificación, lo cual no le permite ascender. Así que Larry no se rinde ante la crisis económica que se apunta (sin embargo, si no les gusta el cine de denuncia social, no se asusten que este largometraje nada tiene que ver con ese tipo de cineastas) y su situación personal, por lo que opta por matricularse en una universidad estatal con el objetivo de obtener un título que le capacite.

La película está realizada por Tom Hanks que dirige su segunda obra, tras su ópera prima, The wonders (1996). Nosotros observamos que el actor-director nos se complica la vida, apostando por terreno trillado, pero seguro, con un guión escrito por él mismo y por la actriz, Nia Vardalos, conocida por la divertida Mi gran boda griega (2002). Esta producción es bastante entretenida y se apoya en la actriz Julia Roberts como reclamo, ya que tan sólo con su sonrisa y su mirada ilumina todas y cada una de las escenas en las que participa.

El problema, que la crítica ha encontrado y con la que coincidimos, es que quizá sea demasiada blanca, pero si les somos sinceros este trabajo supera los mínimos de calidad de la comedia actual de los últimos años, alejándose afortunadamente de las producciones, que se han puesto de moda y que seguro que les suenan algunas de ellas como Con derecho a roca, Resacón en las vegas o Cómo acaba con tu jefe…

El aspecto peor tratado de este producto americano es el de la relación que establecen la alcohólica interpretada por Julia Roberts y su marido adicto al sexo en una trama secundaria, explicada de modo esquemático, ya que no se entiende el porqué ella desestabiliza la relación, puesto que los diálogos son escasos y no profundiza sobre que ha podido fallar. Las situaciones están muy forzadas. El guión busca de manera descarada la ruptura lo que resulta artificial, así como todas las apariciones del resto del reparto en otras tramas, si exceptuamos la presencia de Larry.

Por otra parte, el guión desvela demasiada pronto la relación que establece la pareja protagonista con lo que pierde interés demasiado pronto

Finalmente, la película nos habla del optimismo de la sociedad americana para salir del pozo en el que le han metido los gobernantes con las hipotecas basura y sus malas decisiones junto a valores como la solidaridad, la amistad o el esfuerzo de formarse para encontrar un futuro mejor

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26th Sep2011

Los pasos dobles-¿Merece ser la ganadora de la Concha de Oro 2011?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.cope.es)

El director Agustí Villaronga afirmaba en Fotogramas de Los pasos dobles (2011) lo siguiente: “La película es hermosa, sugerente y sobre todo existe. Es fantástico haberla imaginado y casi milagroso haberla producido”. Y la verdad es que no sabemos que ha podido ver el citado cineasta en este largometraje que, contra pronóstico, ha recibido el premio gordo en el Festival de San Sebastián; es decir, La Concha de Oro. Tampoco entendemos como esta cinta de corte experimental ha podido obtener semejante galardón, puesto que no hay por donde cogerla porque los personajes carecen de profundidad y la historia, tal y como está narrada, no aporta nada nuevo al séptimo arte.

Por otra parte, cuesta trabajo entender como Isaki Lacuesta se ha metido en este berenjenal, puesto que se trata de un excelente documentalista, por cierto, como demostró con La leyenda del tiempo, que explicaba algunos de los momentos de la vida de Camarón de la isla o la magnífica producción La noche que no acaba en la que pudimos conocer algunos detalles desconocidos sobre la vida de Ava Gardner, el animal cinematográfico más bello del mundo en su paso por España. Sin embargo, pensamos que al cineasta se le ha ido de las manos a pesar de que la idea inicial parecía prometedora, ya que el argumento gira en torno al pintor François Aurgiéras, que pintó en un bunker militar en un desierto africano su obra cumbre y dejó que su trabajo fuera enterrado por el movimiento de las dunas para ser descubierto por una persona en el siglo XXI. La cinta especula sobre la posición de este tesoro artístico y sobre las distintas leyendas que se ha relatado de un artista que existió realmente.

El largometraje está construido con actores aparentemente no profesionales que no pueden hacer prácticamente nada, pues el guión es muy flojo y los diálogos nos parecen insulsos, no aportando nada nuevo ni atractivo, aunque si sugerente.

Creemos que el material era bueno como para habernos obsequiado con una buena historia de aventuras original, pero el cine español ha desaprovechado una gran oportunidad para abrirse camino en género poco cultivado.

Hay dos escenas que nos parece interesante mencionar como la trama de los negros albinos que es para olvidar, aunque sirve para recordarnos las persecuciones que sufren por ser distintos junto a la escena inicial de los santones por su gran sentido del humor.

Finalmente y por destacar algo más positivo, el cineasta parece homenajear al continente olvidado (África), donde la fe auténtica se entremezcla con la superstición como bien ha reflejado Isaki Lacuesta, que ha implicado al actor Miquel Barceló en su proyecto. Un artista al que recordamos por haber decorado con acierto la catedral de La Seu en Palma de Mallorca y por haber diseñado y pintado la cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra, cargada de polémica tanto por la inestabilidad de su estructura como por pagarse mediante 500.000 euros de los Fondos de Ayuda al Desarrollo.

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19th Sep2011

El árbol de la vida

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

A lo mejor alguien se ha preguntado alguna vez, si es posible crear una poesía mediante la combinación de un texto con imágenes. La respuesta es afirmativa, si hablamos de Terrence Malick.

El citado cineasta escribe y dirige El árbol de la vida (ganadora de la Palma de Oro en Cannes y del premio de la crítica internacional en el Festival de San Sebastián), controlando, incluso, hasta el modo en el que debe ser proyectada en las salas comerciales. El largometraje tiene la virtud de preguntarse por el sentido de la vida con elegancia y trata de responder a las siguientes preguntas, que todos nos hemos hecho alguna vez: ¿De dónde venimos? ¿Adónde vamos? ¿Existe otra vida después de la muerte?¿Cómo puedo alcanzar la felicidad?

El autor,conocido por ser el autor de La delgada línea roja, explica su modo de entender el mundo, intentando aunar o casar las propuestas del darwinismo con las respuestas del humanismo cristiano. Para ello, introduce la película con un texto de Job con el objeto de hacernos reflexionar sobre la dimensión trascendente del ser humano (“¿Dónde estabas cuando echabas los cimientos a la tierra?…Mientras me alababan los nacientes astros y producían voces de júbilo todos los ángeles e hijos de Dios”). Por esa razón, la historia gira entorno a un matrimonio, que presenta diferentes modos de afrontar el dolor por la muerte de un hijo en la adolescencia, pues la mujer encara el problema desde la óptica de la fe, mientras que su marido hace frente a la desgracia desde una perspectiva más mundana. Por otra parte, el autor recurre al flashback para recordar los momentos que más han marcado la personalidad de personaje interpretado por Sean Penn, que representa al hermano del fallecido y que debe encontrar su camino a pesar de las discrepancias de sus progenitores.

Como decíamos, a nosotros nos ha parecido que la pareja protagonista da mucho juego, ya que Jessica Chastain interpreta a una mujer creyente que se apoya en su fe para sobrellevar de la mejor manera su vida, llegando a pensar que la Gracia es el camino para alcanzar la felicidad porque de ese modo se lo habían transmitido en un colegio religioso. La protagonista nos muestra un modo de vivir que se sugiere en el siguiente monólogo: “El único modo de ser feliz es amando. Si no sabes amar tu vida, pasará como un destello. Sé bueno con los demás. Asómbrate. Te esperanza.”

Por otro lado, llama la atención la participación de Brad Pitt en un relato tan profundo que nos propone Terrence Malick. El actor dijo lo siguiente a Fotogramas sobre el citado cineasta: “Terry es un hombre increíblemente humilde, no se sentiría cómodo con la etiqueta de maestro. Para mi estar con él es como ir a la iglesia. Algunos domingos la misa puede ser ligera, pero tarde o temprano todo desemboca en los grandes temas, las grandes preguntas y lo genial es que no te sientes sermoneado.”

En contraposición con lo positivo, habría que decir que la película no se rige por los cánones habituales o más clásicos porque utiliza un extraño modo de narración que irremediablemente nos fuerza a reflexionar sobre el mundo. Pensamos que carga la mano demasiado en la imagen sin palabras que lo convierte en un documental de la 2 más que en una película. El ritmo es intencionadamente lento. Se trata de una serie de datos que no podemos negar, puesto que el estilo narrativo no es complaciente, aunque ofrece momentos memorables de extraordinaria belleza.

Finalmente, El árbol de la vida (2011) intenta dar una respuesta sobre el modo en el que el ser humano creyente interpreta el dolor y el sufrimiento. También, el indudable valor axiológico de la película queda de manifiesto al mostrar el arrepentimiento y el perdón como elementos esenciales para que las personas encuentren la paz, un dato atribuible a la figura de Jesucristo como se refleja de modo permanente durante la proyección

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12th Sep2011

La deuda, el equilibrio entre drama e intriga

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

En los últimos meses, el género del espionaje se ha centrado en explicarnos el drama de los personajes, aunque La deuda (2011) consigue guardar el equilibrio entre la intriga y las historias personales de los protagonistas con lo que, tanto el público más joven como el adulto, se quedarán atrapados por la trama.

El argumento se desarrolla a través de dos líneas temporales (1966 y 1997) de los mismos personajes. Versa sobre tres agentes del Mossad Israelí, que preparaban una misión para capturar a un criminal de guerra nazi, Dieter Vogel, el terrible «cirujano de Birkenau». Treinta años más tarde, tendrán que remover su pasado para explicar a la sociedad israelí que pasó realmente, pues son considerados auténticos héroes en su país, pero hay algo que no cuadra.

El buen director, John Madden, que nos hizo disfrutar con la oscarizada Shakespeare in love (1998), maneja a los actores a la perfección, consiguiendo exprimirlos al máximo para que expresen una amplia gama de registros que la película requiere. De todas formas, nos gustaría destacar la intervención de Jessica Chastain y Helen Mirren. Como dato curioso, ambas actrices tuvieron que aprender el Krav maga, que es un arte marcial del servicio secreto israelí.

La cinta goza de gran dinamismo. Las transiciones entre escena y escena rozan la genialidad con lo que nunca pierdes el hilo. A pesar de la complejidad de la trama diseñada en dos épocas distintas, se sigue sin dificultad, consiguiendo que te introduzcas en la mente de los personajes para entender su modus operandi o conocer las bases de su pensamiento. Además, la ambientación da mucha credibilidad a la historia, pues se apoya en escenarios naturales, localizados en Tel Aviv, Reino Unido y Budapest.

Por otra parte, La deuda (2011) es un remake israelí, Ha Hov (2007). Sin embargo, los guionistas como Mathew Vaugh, que ya ha trabajado como director (X men: Primera generación) y, por cierto, muy bien o Peter Straughan (Los hombres que miraban fijamente a las cabras) han cambiado algunos diálogos con el objetivo de distanciarse de la original.

Cambiando de tema, el inquietante personaje de Jesper Christensen sirve para hacernos reflexionar sobre los límites de la ciencia, puesto que muestra lo que ocurre cuando la ciencia renuncia a la ética o la moral para conseguir sus propósitos. Por otro lado, el cineasta ha pretendido que nos hagamos las siguientes preguntas: ¿Qué puede ocurrir cuando construimos nuestra vida sobre una mentira? y ¿Qué repercusiones puede presentar el actuar de esta manera y no de otra en la familia?

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05th Sep2011

Cowboys and Aliens

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

El cine de serie b ha dado algunos buenos títulos al género de la ciencia ficción. La película que hoy analizamos recuerda a ese tipo de cine, aunque con muchos más medios. Seguro que ustedes coinciden conmigo al pensar que deben de estar locos en Hollywood, si piensan que este relato cinematográfico con ese título pueda funcionar o pueda ofrecer unos mínimos de calidad. Salvo que estemos pensando en el mundo friki (término coloquial con el que se denomina a los “raritos” de toda la vida) que cada día va en aumento.

Nosotros pensamos que la primera parte de la película ha sido muy bien llevada por parte del cineasta, John Fravreau, conocido por ser el autor de Iron Man (2008). Ese inicio del que hablamos recuerda en muchos aspectos al western clásico con unas cuantas pinceladas fordianas. El tema de la trascendencia de matiz cristiano queda patente en varias ocasiones en un género como el de los extraterrestres, donde esta idea se suele ignorar o se muestra en forma de panteísmo científico. La segunda parte se transforma, quedándose en el típica batalla entre buenos y malos en la que todos los seres humanos liman sus diferencias para eliminar a un enemigo común, donde prima la acción por encima de todo, lo que la convierte en un cinta convencional.

La película comienza con un duro pistolero, que se encuentra con un misterioso brazalete en un estado grave de confusión y sin recordar absolutamente nada, que se acerca a un poblado y al que todos los vecinos miran con recelo.

Cowboys and Aliens (2011) es, en cierta medida, una adaptación de una novela gráfica de Fred Van Lente y Andrew Foley, aunque fueron ncesarios 14 años y 12 guionistas para que esta producción de Steven Spielberg pudiera llevarse a cabo.

El director ha contado con dos superestrellas como Daniel Craig [el actor que ha participado en la mejor película que se ha rodado sobre James Bond (Casino Royal)] y un Harrison Ford que se enfrenta a alguna que otra escena interesante con su rastreador indio que sirve para reflexionar sobre la paternidad y la adopción, que culmina, después de unos encuentros y desencuentros, con este diálogo:

-Siempre soñe con esta batalla a tu lado.
-Siempre soñé con un hijo como tú.

Finalmente, se apunta el valor del sacrificio por los demás que queda meridianamente claro en la entrega desinteresada de uno de los personajes interpretado por Olivia Wilde.

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04th Sep2011

Super 8

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Super 8(2011) es la película que hemos decidido rescatar de entre las que se han estrenado en estas vacaciones veraniegas. Sin duda, se trata de un homenaje al cine ochentero, que hizo las delicias de los jóvenes y adolescentes de la era del Spectrum. El citado largometraje bebe de las fuentes de ET, el extraterrestre, Los goonies y Cuenta conmigo.

La historia versa sobre las peripecias de un grupo de adolescentes, aficionados a realizar películas en formato Super 8, ya que, en los años setenta, estaba de moda que los adolescentes participasen rodando las conocidas como Backyard Monster Movies (películas caseras de terror), que fueron promovidas por la revista Famous Monster of Filmland que dedicaba varias de sus páginas a analizar este tipo de cortometrajes.

Algunos de esos directores aficionados se acabaron convirtiendo en auténticos profesionales. Seguro que les suenan Tim Burton, Christopher Nolan, Steven Spielberg o Santiago Segura.

Por otra parte, Super 8 (2011) está dirigida por JJ Abrams, conocido por películas taquilleras como Misión imposible III y Stark Trek, aunque sus mayores éxitos provienen del mundo de la televisión, puesto que es el creador de series como Felicity o Fringe. Se ha convertido en el protegido de Steven Spielberg que produce la cinta en cuestión y está claro que esa pareja funciona a la perfección porque ha conseguido contar una historia diferente a la que estamos acostumbrados. Sin embargo, nos traslada a otra época, donde había un tipo de cine diseñado para los más jóvenes en el que el valor de la amistad era ensalzado. Por esa razón, pensamos que JJ Abrams ha acertado al preparar un relato entendible para que niños, jóvenes y adultos puedan disfrutar de su visionado en familia en una entretenida y notable película de extraño final. La intriga se mantiene hasta los últimos minutos.

Cambiando de tema, tanto Abrams como Spielberg han contado con dos actores (Joel Courtney y Riley Griffiths) noveles que se desenvuelven bien ante las cámaras, llevando todo el peso de la producción.

Además, el gran acierto del director ha sido mostrar diferentes modelos familiares y las dificultades que presentan cada uno de ellos, así que nos encontramos con una familia numerosa que, a pesar de los inconvenientes que genera la convivencia de tantas personas, son felices y acogedoras. La siguiente familia la compone un hombre viudo que cuida de su hijo y que tienen dificultades para comunicarse como consecuencia de no haber superado la muerte de su esposa y madre respectivamente. La última de ellas, la compone un hombre alcohólico que hace sufrir a su hija, que encuentra en una pandilla un modo de evadirse de los problemas.

Desde un punto de vista económico, la película lleva recaudados 80 millones de euros en EEUU cuando “tan sólo” ha costado 35 millones de euros a pesar de no contar con ninguna superestrella de Hollywood, que siempre es un interesante reclamo y una apuesta segura.

Por último, como dato curioso, el primer contacto que tuvo JJ Abrams con Spielberg fue en el momento en el que tuvo la oportunidad de restaurar su cortometraje en el citado formato. El director americano destaca la sencillez con la que Spielberg sugería los cambios para alguna de las escenas, que siempre se mostró comprensivo y generoso.

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20th Jul2011

El hombre de al lado,la película más taquillera de los últimos años en Argentina

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicada en el Diario Ya)

El hombre de al lado (2010) se sirve de los conflictos vecinales para hacernos reír en una sofisticada y extraña comedia en la que las situaciones provocan la carcajada, aunque los cineastas, que la han creado, afirman que no han pretendido inventarse una serie de gags, sino que nos riamos porque todas esa vivencias y desencuentros nos resulten familiares.

El largometraje nos cuenta los avatares de un prestigioso y engreído diseñador, que se topa con un vecino, empeñado en poner una ventana en un lugar que altera la intimidad de la familia de Leonardo con la finalidad de “atrapar unos rayitos de sol”.

La dirección corresponde a Gastón Duprat y Mariano Cohn (conocidos por revolucionar la televisión argentina), que han conectado con el público en una película, cargada de humor inteligente. La cinta ha obtenido un premio en el Festival de Sundance y seis premios de la Academia Argentina por resaltar los más significativos. Ha sido una de las producciones más taquilleras de nuestro país hermano, sin contar con el apoyo de ninguna televisión y con intérpretes poco conocidos.

Se trata de unos actores que son muy buenos profesionales. En especial, nos ha encantado el personaje interpretado por Rafael Sprebelburd (un dramaturgo importante de teatro argentino independiente), pues ha sido capaz de conseguir que nos pongamos en el lugar de cualquier persona que haya sufrido los inconvenientes de un vecino “conflictivo”. De todas formas, Daniel Araoz tampoco lo hace nada mal y muestra un lado cómico realmente atractivo. Estos dos actores representan a personajes antagónicos provenientes de clases sociales completamente distintas que deben ponerse de acuerdo mediante el diálogo en ese desagradable conflicto y que puede servir para dar una cura de humildad a Leonardo. ¿Llegarán a algún acuerdo? ¿Se convertirán en amigos inseparables?

El guión es muy interesante y corresponde a Andrés Duprat, hermano del director, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona. Podríamos decir que este escritor fabrica el humor de lo cotidiano, sin caer en el mal gusto, por ejemplo: se burla del pijerío; de la chabacanería; del supuesto arte moderno; de los hijos que se aíslan con la música en su habitación sin motivo aparente o de los inconvenientes que generan las chapucillas caseras. Nos deja un final abierto que puede dejar un mal sabor de boca, aunque los títulos de crédito nos deparan una agradable sorpresa.

Como dato curioso, el edifico sobre el que gira toda esta historia se llama La casa Curutcha y fue la única construcción diseñada por Le Corbusier en toda Sudamérica.

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16th Jul2011

Betty Anne Waters, la cara y la cruz

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

El riesgo, que tiene contar una historia basada en hechos reales, es que se pueda acabar convirtiendo en un telefilme y, en parte, es lo que le ha pasado a Betty Anne Waters (2010), puesto que abusa de primeros planos. El ritmo es monocorde y sin ningún giro argumental que te pueda impactar.

La película en cuestión es una carrera de obstáculos por la que tuvieron que pasar los hermanos Waters, ya que Kenny fue acusado de un asesinato que no había cometido. Por esa razón, su hermana se armó de valor, estudiando la carrera de Derecho para poder demostrar la inocencia de su hermano.

El lado más positivo de la película lo ofrece el excelente reparto. Tanto los secundarios como Juliette Lewis o la ganadora de dos Óscar, Melissa Leo, como los principales interpretan fabulosamente. Sorprende la caracterización tan buena de Sam Rockwell, que borda el papel, transmitiendo la sensación de estar ante un auténtico delincuente de poca monta. Por otro lado, la ganadora del Oscar por Million dollar baby (2004) y protagonista Hilary Swak vuelve a demostrar su talento, llevando todo el peso del relato, y mejorando el producto.

De todas formas, a nosotros más que la película en sí, nos interesa el personaje de la actriz protagonista porque demuestra la actitud de una persona cercana al heroísmo que, en esta ocasión, ofrece grandes dosis de tenacidad para argumentar la inocencia de su hermano. Betty hizo grandes esfuerzos por superar las dificultades y pasó por el desagradable trago de una separación matrimonial. El tema principal de la película es, sin duda, el del sacrificio hacia el otro sin mirarse a sí mismo. El autor ha querido que nos fijemos en que lo más importante de este largometraje no es el proceso judicial, sino el triunfo del amor, en este caso, fraternal. También, llama la atención el cariño que el preso, Kenny, mostró siempre a su hija, ya que no dejó de escribirle nunca durante los dieciocho años que estuvo encarcelado. Además, la amistad queda reflejada en el personaje de Mimi Driver, que se encuentra con ella cada vez que la situación lo requiere.

Sin embargo, pensamos que el director, Tony Goldwyn, podía haber explotado muchísimo la relación de los hermanos, que tuvo que ser profunda e intensa para que Betty hubiera tenido la certeza de la inocencia de su hermano. Pensamos que de haberse tenido en cuenta este punto un poco más, la película hubiese ganado muchos enteros.

Por cierto, la idea para la realización surgió de un artículo del New York Times en el que se habló de este curioso caso.

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11th Jul2011

Cars 2,¿cuáles son los fallos de esta producción de Pixar?

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Para celebrar el 25 aniversario, Pixar ha estrenado la segunda parte de Cars, el largometraje más taquillero (462 millones de dólares) de la ya experimentada compañía de animación. Sin embargo, el resultado deja mucho que desear porque, aunque no está mal, no alcanza el nivelazo de las anteriores consideradas auténticas obras maestras tanto por la forma como por el fondo como Wall-e, Up y Toy story 3 y que siempre consiguen hacerte pensar, emocionar, soñar …

Cars 2 (2011) cuenta las andanzas del coche más rápido del mundo, Rayo McQueen y su amigo Mate, que se verá envuelto en una simpática y atractiva trama de espionaje.

John Lasseter, después de haber realizado la citada Cars, Toy story o Bichos y haber supervisado el resto de producciones, vuelve a la dirección con una película, cuyo guión flojea a pesar de que se trata de una empresa que tiene claro que sólo realiza una secuela, si se consigue crear una buena historia diferente a la original. Las escenas de acción están rodadas de modo impecable, pero las situaciones de mayor peso dramático carecen de la profundidad que el cineasta suele imprimir tanto en los trabajos que produce como en los que dirige. Una de las piezas clave, de mayor mérito, ha consistido en conseguir una iluminación realmente espectacular. La ambientación de los países, donde se han desarrollado las escenas, está muy lograda. Los gags funcionan a medias y se presentan como uno de los lastres de este film.

La caracterización de los personajes nos parece digna de admiración y cuida el detalle al máximo, siendo necesario un segundo visionado para apreciar el trabajo minucioso de los animadores. Todo ello puede deberse a que, en esta ocasión, se ha buscado a un público más infantil con el fin de potenciar el tan deseado merchandising. El pero que le ponemos a esta secuela es que se han olvidado de un público adulto que sigue al binomio Pixar-Disney con devoción por la calidad de las historias que cuenta.

Por último, la cinta pretende que reflexionemos sobre el significado de la amistad. Para el autor, tener un amigo es tener un tesoro, pues es un valor que debe ser protegido, donde las diferencias personales deben limarse e incluso perdonando si las cosas se tuercen. Por otro lado destacamos la inocencia y autenticidad del personaje de Mate, que actúa con el corazón y se muestra como un personaje sin complejos, que acepta a su compañero de viaje con sus cualidades y sus defectos, siendo capaz de dar la vida por el otro.

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02nd Jul2011

win win, ganamos todos-La sorpresa del verano

by Víctor Alvarado

víctor Alvarado ( publicado en www.cope.es)

La sección de la Fox Search Light se caracteriza por intentar ofrecernos películas que capten todas las dimensiones del ser humano. La obra en cuestión aporta ese granito de arena que ayuda a cambiar el mundo, mostrando otros puntos de vista.

El argumento narra la vida de un abogado que pasa por un mal momento económico y que utiliza un truco supuestamente legal con el fin de hacerse cargo de un anciano para cobrar una ayuda económica, aunque la cosa se complicará cuando el nieto de éste se cruce en su vida, huyendo de su madre, y a través de la lucha libre establecerán una relación difícil de catalogar.

Hemos visto la película en versión original y la intervención de Paul Giamatti transmite credibilidad, al igual que la intervención del actor, Alex Shaffer, que fue encontrado en un casting realizado a alumnos de secundaria, que provenían de la lucha libre.

Thomas McArthy es el creador de Win win, ganamos todos (2011) y completa esta especie de trilogía que habla sobre la amistad en lugares extraños, tal y como declaró a Fotogramas el citado cineasta. Tras The Station Agent (2003), que fue su ópera prima y The visitor (2007), que reflexionaba sobre la dignidad de la persona y la inmigración; Win win, ganamos todos (2011) sirve para acabar con esta solapada trilogía de este buen director.

El realizador muestra una cualidad muy especial para transmitir o destacar las virtudes y los defectos del ser humano, construyendo personajes que parecen de carne y hueso en una cinta que guarda ciertos paralelismos con de The Blind side-Un sueño posible (2009), una película en la que participaba Sandra Bullock, aunque con notables diferencias, ya que, mientras en el largometraje del 2009 la protagonista acogía a una persona, movida por fuertes convicciones religiosas, en esta se hace lo mismo, pero buscando el mero interés económico. Sin embargo, en el fondo se perciben buenas intenciones y, en este aspecto, la esposa del protagonista intenta ofrecer un verdadero hogar a quien carece de él, transformando en cierto modo la debilidad de su desesperado marido.

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29th Jun2011

Un cuento chino,¿el mejor cine argentino?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

En el presente año, el cine hispanoamericano nos ha obsequiado con notables producciones como la argentina Sin retorno (2010) o la venezolana Hermano (2010). La terna la completa Un cuento chino (2011) de Sebastián Borensztein.

La historia gira en torno al cascarrabias dueño de una ferretería, al que se le va la fuerza por la boca, pero que en el fondo tiene buen corazón. Nuestro maniático protagonista se dedica a coleccionar noticias increíbles como la de una china que muere aplastada por una vaca el día en que va a comprometerse con su pareja. Su vida cambiará cuando conozca a ese desgraciado chino, víctima de esa noticia.

La interpretación de Ricardo Darín nos parece fabulosa y repleta de matices. Y es que el actor argentino no se repite nunca y modela sus personajes magníficamente, mostrándose como uno de los mejores profesionales del panorama internacional. La aparición de la actriz, Muriel Santa Ana, es escasa. Sin embargo, las escenas en las que participa nos parecen entrañables y deliciosas, por lo que nos preguntamos: ¿por qué Roberto se resiste a los encantos de Mari?

Como decíamos, Un cuento chino está dirigido por Sebastián Borensztein , conocido por La suerte está echada (2005), y que para ser un realizador con poca experiencia, demuestra un gran acierto en su modo de narrar, sabiendo conjugar el drama y la comedia en su justa medida. Por poner un ejemplo, dosifica perfectamente las situaciones que surgen de la mente del protagonista para que no resulten reiterativas. Tampoco nos podemos olvidar de su guiño cinematográfico a Atrapados en el tiempo (1993) de Harold Ramis.

Por otro lado, podemos decir que se trata de una comedia de valores cien por cien. El largometraje pretende reflexionar sobre la soledad y sobre la necesidad de relacionarnos para alcanzar una buena salud mental y, sobre todo, para conseguir un cierto grado de bienestar o felicidad.

La cinta demuestra que detrás de una persona huraña se puede encontrar un ser sensible que se siente insatisfecho cuando actúa de manera brusca. Por esa razón, destacamos la capacidad de Mari para ver más allá de lo evidente y descubrir lo positivo del interior del ser humano.

Por último, la película habla del problema de la incomunicación y del modo de eliminar barreras para lograr el encuentro entre personas.

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23rd Jun2011

Hermano,¿los valores del deporte?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario Ya)

El venezolano, Marcel Rasquin, nos ofrece en su ópera prima una obra imprescindible. Se trata de una interesante entrega de cine de denuncia social de claro aroma futbolero.

La cinta explica la violencia de las favelas y sus pistoleros de gatillo fácil, un dato que contrasta con la lealtad y la solidaridad de dos jóvenes deportistas, cuyo sueño es jugar profesionalmente en su país, dadas las cualidades balompédicas de estos muchachos.

La tradición cristiana queda reflejada en esta largometraje, apoyado por asociaciones provida, en el que se realza la posibilidad de la adopción, que proporciona oportunidades a los seres más indefensos ( los no nacidos y los bebés).Daniel, el protagonista, apuesta fuertemente por la vida y se opone con rotundidad a que su amiga especial aborte a pesar de que el hijo no es suyo, aunque resulta extraño que en la clínica abortista que aparece haya un crucifijo cuando la Iglesia precisamente siempre se ha postulado como favorable a la vida y a la familia.

La gratuidad queda expresada cuando Julio, el hermano mayor, le agradezca a Dios por la fuerte apuesta que su otro hermano, Daniel, la gran estrella, hizo por él, en un momento esencial, para el futuro profesional y personal de Daniel, «El pequeño Messi».

Por último, las escenas deportivas están rodadas con gran dinamismo, recordando a los grandes videojuegos que ocupan el ranking de este tipo de divertimento como el Pro Evolution Soccer.

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