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04th Sep2011

Super 8

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Super 8(2011) es la película que hemos decidido rescatar de entre las que se han estrenado en estas vacaciones veraniegas. Sin duda, se trata de un homenaje al cine ochentero, que hizo las delicias de los jóvenes y adolescentes de la era del Spectrum. El citado largometraje bebe de las fuentes de ET, el extraterrestre, Los goonies y Cuenta conmigo.

La historia versa sobre las peripecias de un grupo de adolescentes, aficionados a realizar películas en formato Super 8, ya que, en los años setenta, estaba de moda que los adolescentes participasen rodando las conocidas como Backyard Monster Movies (películas caseras de terror), que fueron promovidas por la revista Famous Monster of Filmland que dedicaba varias de sus páginas a analizar este tipo de cortometrajes.

Algunos de esos directores aficionados se acabaron convirtiendo en auténticos profesionales. Seguro que les suenan Tim Burton, Christopher Nolan, Steven Spielberg o Santiago Segura.

Por otra parte, Super 8 (2011) está dirigida por JJ Abrams, conocido por películas taquilleras como Misión imposible III y Stark Trek, aunque sus mayores éxitos provienen del mundo de la televisión, puesto que es el creador de series como Felicity o Fringe. Se ha convertido en el protegido de Steven Spielberg que produce la cinta en cuestión y está claro que esa pareja funciona a la perfección porque ha conseguido contar una historia diferente a la que estamos acostumbrados. Sin embargo, nos traslada a otra época, donde había un tipo de cine diseñado para los más jóvenes en el que el valor de la amistad era ensalzado. Por esa razón, pensamos que JJ Abrams ha acertado al preparar un relato entendible para que niños, jóvenes y adultos puedan disfrutar de su visionado en familia en una entretenida y notable película de extraño final. La intriga se mantiene hasta los últimos minutos.

Cambiando de tema, tanto Abrams como Spielberg han contado con dos actores (Joel Courtney y Riley Griffiths) noveles que se desenvuelven bien ante las cámaras, llevando todo el peso de la producción.

Además, el gran acierto del director ha sido mostrar diferentes modelos familiares y las dificultades que presentan cada uno de ellos, así que nos encontramos con una familia numerosa que, a pesar de los inconvenientes que genera la convivencia de tantas personas, son felices y acogedoras. La siguiente familia la compone un hombre viudo que cuida de su hijo y que tienen dificultades para comunicarse como consecuencia de no haber superado la muerte de su esposa y madre respectivamente. La última de ellas, la compone un hombre alcohólico que hace sufrir a su hija, que encuentra en una pandilla un modo de evadirse de los problemas.

Desde un punto de vista económico, la película lleva recaudados 80 millones de euros en EEUU cuando “tan sólo” ha costado 35 millones de euros a pesar de no contar con ninguna superestrella de Hollywood, que siempre es un interesante reclamo y una apuesta segura.

Por último, como dato curioso, el primer contacto que tuvo JJ Abrams con Spielberg fue en el momento en el que tuvo la oportunidad de restaurar su cortometraje en el citado formato. El director americano destaca la sencillez con la que Spielberg sugería los cambios para alguna de las escenas, que siempre se mostró comprensivo y generoso.

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20th Jul2011

El hombre de al lado,la película más taquillera de los últimos años en Argentina

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicada en el Diario Ya)

El hombre de al lado (2010) se sirve de los conflictos vecinales para hacernos reír en una sofisticada y extraña comedia en la que las situaciones provocan la carcajada, aunque los cineastas, que la han creado, afirman que no han pretendido inventarse una serie de gags, sino que nos riamos porque todas esa vivencias y desencuentros nos resulten familiares.

El largometraje nos cuenta los avatares de un prestigioso y engreído diseñador, que se topa con un vecino, empeñado en poner una ventana en un lugar que altera la intimidad de la familia de Leonardo con la finalidad de “atrapar unos rayitos de sol”.

La dirección corresponde a Gastón Duprat y Mariano Cohn (conocidos por revolucionar la televisión argentina), que han conectado con el público en una película, cargada de humor inteligente. La cinta ha obtenido un premio en el Festival de Sundance y seis premios de la Academia Argentina por resaltar los más significativos. Ha sido una de las producciones más taquilleras de nuestro país hermano, sin contar con el apoyo de ninguna televisión y con intérpretes poco conocidos.

Se trata de unos actores que son muy buenos profesionales. En especial, nos ha encantado el personaje interpretado por Rafael Sprebelburd (un dramaturgo importante de teatro argentino independiente), pues ha sido capaz de conseguir que nos pongamos en el lugar de cualquier persona que haya sufrido los inconvenientes de un vecino “conflictivo”. De todas formas, Daniel Araoz tampoco lo hace nada mal y muestra un lado cómico realmente atractivo. Estos dos actores representan a personajes antagónicos provenientes de clases sociales completamente distintas que deben ponerse de acuerdo mediante el diálogo en ese desagradable conflicto y que puede servir para dar una cura de humildad a Leonardo. ¿Llegarán a algún acuerdo? ¿Se convertirán en amigos inseparables?

El guión es muy interesante y corresponde a Andrés Duprat, hermano del director, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona. Podríamos decir que este escritor fabrica el humor de lo cotidiano, sin caer en el mal gusto, por ejemplo: se burla del pijerío; de la chabacanería; del supuesto arte moderno; de los hijos que se aíslan con la música en su habitación sin motivo aparente o de los inconvenientes que generan las chapucillas caseras. Nos deja un final abierto que puede dejar un mal sabor de boca, aunque los títulos de crédito nos deparan una agradable sorpresa.

Como dato curioso, el edifico sobre el que gira toda esta historia se llama La casa Curutcha y fue la única construcción diseñada por Le Corbusier en toda Sudamérica.

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16th Jul2011

Betty Anne Waters, la cara y la cruz

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

El riesgo, que tiene contar una historia basada en hechos reales, es que se pueda acabar convirtiendo en un telefilme y, en parte, es lo que le ha pasado a Betty Anne Waters (2010), puesto que abusa de primeros planos. El ritmo es monocorde y sin ningún giro argumental que te pueda impactar.

La película en cuestión es una carrera de obstáculos por la que tuvieron que pasar los hermanos Waters, ya que Kenny fue acusado de un asesinato que no había cometido. Por esa razón, su hermana se armó de valor, estudiando la carrera de Derecho para poder demostrar la inocencia de su hermano.

El lado más positivo de la película lo ofrece el excelente reparto. Tanto los secundarios como Juliette Lewis o la ganadora de dos Óscar, Melissa Leo, como los principales interpretan fabulosamente. Sorprende la caracterización tan buena de Sam Rockwell, que borda el papel, transmitiendo la sensación de estar ante un auténtico delincuente de poca monta. Por otro lado, la ganadora del Oscar por Million dollar baby (2004) y protagonista Hilary Swak vuelve a demostrar su talento, llevando todo el peso del relato, y mejorando el producto.

De todas formas, a nosotros más que la película en sí, nos interesa el personaje de la actriz protagonista porque demuestra la actitud de una persona cercana al heroísmo que, en esta ocasión, ofrece grandes dosis de tenacidad para argumentar la inocencia de su hermano. Betty hizo grandes esfuerzos por superar las dificultades y pasó por el desagradable trago de una separación matrimonial. El tema principal de la película es, sin duda, el del sacrificio hacia el otro sin mirarse a sí mismo. El autor ha querido que nos fijemos en que lo más importante de este largometraje no es el proceso judicial, sino el triunfo del amor, en este caso, fraternal. También, llama la atención el cariño que el preso, Kenny, mostró siempre a su hija, ya que no dejó de escribirle nunca durante los dieciocho años que estuvo encarcelado. Además, la amistad queda reflejada en el personaje de Mimi Driver, que se encuentra con ella cada vez que la situación lo requiere.

Sin embargo, pensamos que el director, Tony Goldwyn, podía haber explotado muchísimo la relación de los hermanos, que tuvo que ser profunda e intensa para que Betty hubiera tenido la certeza de la inocencia de su hermano. Pensamos que de haberse tenido en cuenta este punto un poco más, la película hubiese ganado muchos enteros.

Por cierto, la idea para la realización surgió de un artículo del New York Times en el que se habló de este curioso caso.

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11th Jul2011

Cars 2,¿cuáles son los fallos de esta producción de Pixar?

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Para celebrar el 25 aniversario, Pixar ha estrenado la segunda parte de Cars, el largometraje más taquillero (462 millones de dólares) de la ya experimentada compañía de animación. Sin embargo, el resultado deja mucho que desear porque, aunque no está mal, no alcanza el nivelazo de las anteriores consideradas auténticas obras maestras tanto por la forma como por el fondo como Wall-e, Up y Toy story 3 y que siempre consiguen hacerte pensar, emocionar, soñar …

Cars 2 (2011) cuenta las andanzas del coche más rápido del mundo, Rayo McQueen y su amigo Mate, que se verá envuelto en una simpática y atractiva trama de espionaje.

John Lasseter, después de haber realizado la citada Cars, Toy story o Bichos y haber supervisado el resto de producciones, vuelve a la dirección con una película, cuyo guión flojea a pesar de que se trata de una empresa que tiene claro que sólo realiza una secuela, si se consigue crear una buena historia diferente a la original. Las escenas de acción están rodadas de modo impecable, pero las situaciones de mayor peso dramático carecen de la profundidad que el cineasta suele imprimir tanto en los trabajos que produce como en los que dirige. Una de las piezas clave, de mayor mérito, ha consistido en conseguir una iluminación realmente espectacular. La ambientación de los países, donde se han desarrollado las escenas, está muy lograda. Los gags funcionan a medias y se presentan como uno de los lastres de este film.

La caracterización de los personajes nos parece digna de admiración y cuida el detalle al máximo, siendo necesario un segundo visionado para apreciar el trabajo minucioso de los animadores. Todo ello puede deberse a que, en esta ocasión, se ha buscado a un público más infantil con el fin de potenciar el tan deseado merchandising. El pero que le ponemos a esta secuela es que se han olvidado de un público adulto que sigue al binomio Pixar-Disney con devoción por la calidad de las historias que cuenta.

Por último, la cinta pretende que reflexionemos sobre el significado de la amistad. Para el autor, tener un amigo es tener un tesoro, pues es un valor que debe ser protegido, donde las diferencias personales deben limarse e incluso perdonando si las cosas se tuercen. Por otro lado destacamos la inocencia y autenticidad del personaje de Mate, que actúa con el corazón y se muestra como un personaje sin complejos, que acepta a su compañero de viaje con sus cualidades y sus defectos, siendo capaz de dar la vida por el otro.

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02nd Jul2011

win win, ganamos todos-La sorpresa del verano

by Víctor Alvarado

víctor Alvarado ( publicado en www.cope.es)

La sección de la Fox Search Light se caracteriza por intentar ofrecernos películas que capten todas las dimensiones del ser humano. La obra en cuestión aporta ese granito de arena que ayuda a cambiar el mundo, mostrando otros puntos de vista.

El argumento narra la vida de un abogado que pasa por un mal momento económico y que utiliza un truco supuestamente legal con el fin de hacerse cargo de un anciano para cobrar una ayuda económica, aunque la cosa se complicará cuando el nieto de éste se cruce en su vida, huyendo de su madre, y a través de la lucha libre establecerán una relación difícil de catalogar.

Hemos visto la película en versión original y la intervención de Paul Giamatti transmite credibilidad, al igual que la intervención del actor, Alex Shaffer, que fue encontrado en un casting realizado a alumnos de secundaria, que provenían de la lucha libre.

Thomas McArthy es el creador de Win win, ganamos todos (2011) y completa esta especie de trilogía que habla sobre la amistad en lugares extraños, tal y como declaró a Fotogramas el citado cineasta. Tras The Station Agent (2003), que fue su ópera prima y The visitor (2007), que reflexionaba sobre la dignidad de la persona y la inmigración; Win win, ganamos todos (2011) sirve para acabar con esta solapada trilogía de este buen director.

El realizador muestra una cualidad muy especial para transmitir o destacar las virtudes y los defectos del ser humano, construyendo personajes que parecen de carne y hueso en una cinta que guarda ciertos paralelismos con de The Blind side-Un sueño posible (2009), una película en la que participaba Sandra Bullock, aunque con notables diferencias, ya que, mientras en el largometraje del 2009 la protagonista acogía a una persona, movida por fuertes convicciones religiosas, en esta se hace lo mismo, pero buscando el mero interés económico. Sin embargo, en el fondo se perciben buenas intenciones y, en este aspecto, la esposa del protagonista intenta ofrecer un verdadero hogar a quien carece de él, transformando en cierto modo la debilidad de su desesperado marido.

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29th Jun2011

Un cuento chino,¿el mejor cine argentino?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

En el presente año, el cine hispanoamericano nos ha obsequiado con notables producciones como la argentina Sin retorno (2010) o la venezolana Hermano (2010). La terna la completa Un cuento chino (2011) de Sebastián Borensztein.

La historia gira en torno al cascarrabias dueño de una ferretería, al que se le va la fuerza por la boca, pero que en el fondo tiene buen corazón. Nuestro maniático protagonista se dedica a coleccionar noticias increíbles como la de una china que muere aplastada por una vaca el día en que va a comprometerse con su pareja. Su vida cambiará cuando conozca a ese desgraciado chino, víctima de esa noticia.

La interpretación de Ricardo Darín nos parece fabulosa y repleta de matices. Y es que el actor argentino no se repite nunca y modela sus personajes magníficamente, mostrándose como uno de los mejores profesionales del panorama internacional. La aparición de la actriz, Muriel Santa Ana, es escasa. Sin embargo, las escenas en las que participa nos parecen entrañables y deliciosas, por lo que nos preguntamos: ¿por qué Roberto se resiste a los encantos de Mari?

Como decíamos, Un cuento chino está dirigido por Sebastián Borensztein , conocido por La suerte está echada (2005), y que para ser un realizador con poca experiencia, demuestra un gran acierto en su modo de narrar, sabiendo conjugar el drama y la comedia en su justa medida. Por poner un ejemplo, dosifica perfectamente las situaciones que surgen de la mente del protagonista para que no resulten reiterativas. Tampoco nos podemos olvidar de su guiño cinematográfico a Atrapados en el tiempo (1993) de Harold Ramis.

Por otro lado, podemos decir que se trata de una comedia de valores cien por cien. El largometraje pretende reflexionar sobre la soledad y sobre la necesidad de relacionarnos para alcanzar una buena salud mental y, sobre todo, para conseguir un cierto grado de bienestar o felicidad.

La cinta demuestra que detrás de una persona huraña se puede encontrar un ser sensible que se siente insatisfecho cuando actúa de manera brusca. Por esa razón, destacamos la capacidad de Mari para ver más allá de lo evidente y descubrir lo positivo del interior del ser humano.

Por último, la película habla del problema de la incomunicación y del modo de eliminar barreras para lograr el encuentro entre personas.

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23rd Jun2011

Hermano,¿los valores del deporte?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario Ya)

El venezolano, Marcel Rasquin, nos ofrece en su ópera prima una obra imprescindible. Se trata de una interesante entrega de cine de denuncia social de claro aroma futbolero.

La cinta explica la violencia de las favelas y sus pistoleros de gatillo fácil, un dato que contrasta con la lealtad y la solidaridad de dos jóvenes deportistas, cuyo sueño es jugar profesionalmente en su país, dadas las cualidades balompédicas de estos muchachos.

La tradición cristiana queda reflejada en esta largometraje, apoyado por asociaciones provida, en el que se realza la posibilidad de la adopción, que proporciona oportunidades a los seres más indefensos ( los no nacidos y los bebés).Daniel, el protagonista, apuesta fuertemente por la vida y se opone con rotundidad a que su amiga especial aborte a pesar de que el hijo no es suyo, aunque resulta extraño que en la clínica abortista que aparece haya un crucifijo cuando la Iglesia precisamente siempre se ha postulado como favorable a la vida y a la familia.

La gratuidad queda expresada cuando Julio, el hermano mayor, le agradezca a Dios por la fuerte apuesta que su otro hermano, Daniel, la gran estrella, hizo por él, en un momento esencial, para el futuro profesional y personal de Daniel, «El pequeño Messi».

Por último, las escenas deportivas están rodadas con gran dinamismo, recordando a los grandes videojuegos que ocupan el ranking de este tipo de divertimento como el Pro Evolution Soccer.

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20th Jun2011

Micmacs,¿es Dany Boon el actor ideal para este cuento cinematográfico?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.cope.es)

El director Jean-Pierre Jeunet se desenvuelve extraordinariamente bien en el mundo de lo fantástico como ya demostró en su mejor título, Amelie (2001). Sin embargo, este trabajo parece diseñado para un público adulto por culpa de un par de escenas de un elevado tono erótico-festivo. Y la verdad es que el argumento, en líneas generales, resulta perfectamente asumible por un público adolescente e, incluso, infantil. Por esa razón, tenemos la impresión de que el realizador se contradice al no definirse claramente.

La película narra el modo en el que Bazil prepara su venganza contra dos magnates de la industria armamentística, ya que su padre falleció por culpa de una mina antipersona, mientras que el protagonista sufrirá los efectos de llevar una bala permanentemente en su cerebro como consecuencia de un tiroteo cercano al videoclub en el que trabajaba. Así que Bazil tratará de hacer justicia con la ayuda de un peculiar equipo, que le ayudará en una aparente misión imposible.

Micsmacs (2011) presenta la particularidad de que iba a rodarse unos meses más tarde del estreno de Amelie, pero, por una serie de circunstancias que no vamos a explicar, no ha podido llevarse a cabo hasta el momento actual, lo que podría haber sido la continuidad de su mejor obra y hubiese funcionado mejor, dada la gran cantidad de obras de este género que se han realizado posteriormente. Un claro ejemplo lo encontramos en la española Crebisnky (2011).

El director acierta de pleno en que el personaje principal sea Dany Boon, puesto que reúne todas las cualidades gestuales y verbales necesarias para participar en este surrealista y optimista cuento repleto de guiños al cine mudo. Por otra parte, la actriz, Julie Ferrier, con su actuación, recuerda a Giulietta Masina en La strada de Fellini y donde Yolanda Moreau, conocida por una buena película como Sèraphine (2008), muestra su versatilidad. Se trata de tres papeles, que resultan entrañables por la sinceridad y la inocencia que transmiten. Para finalizar, nos quedamos con un humor que, de vez en cuando, provoca la sonrisa y con los simpáticos autómatas creados por El artista.

En contraposición con lo positivo, a la cinta le falta un poco de ritmo, sobrándole un cuarto de hora y, en algunos momentos, es reiterativa, mientras que en otros puede adormecer ligeramente. Además, cae en el tópico de criticar a la jerarquía eclesiástica frente al caritativo cristiano del pueblo llano.

Finalmente, la cinta es una crítica ponderada a la industria armamentística, que se pone al servicio de los dictadores africanos de turno y a los grandes grupos terroristas como el IRA o la ETA.

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12th Jun2011

Insidious,¿mejor que El sexto sentido?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Sin ser el género de terror santo de nuestra devoción, reconocemos que este largometraje supera la media habitual, ya que cuenta con una primera parte muy inquietante, aunque pierda el interés a medida que van pasando los minutos de la segunda parte, que parece más convencional.

Insidious (2011) trata sobre una familia feliz que por una serie de circunstancias que desconocemos se mudan a una casa en la que ocurren ciertos sucesos extraños. Sin embargo, los citados fenómenos paranormales aumentarán cuando uno de sus tres hijos se caiga de una escalera y quede en coma. Por esa razón, recurrirán a la ayuda de varias personas expertas en el tema.

Las interpretaciones no son nada del otro mundo. Algunas nos parecen artificiales en lo que a gestos se refiere. La producción hubiese sido más atractiva, si se hubiera rodeado de actores de mayor entidad dentro del panorama norteamericano. Como dato curioso, el guionista, Leigh Whannell, ofrece un divertido cameo sobre unos cazafantasmas que entran en la supuesta casa encantada, que sirven para proporcionar un respiro al espectador para que coja aire después de una serie de inquietantes situaciones. De todas formas, rompen demasiado el ritmo y puede que estas escenas sean la pieza clave para la decadencia de la última media hora.

Los creadores de la desagradable y sangrienta saga de Saw, que ha entrado en el libro de los récord Guinness por el gran éxito en taquilla, se transforman para contar una historia de terror con mayor elegancia y mostrando todo su talento, sin derramamiento de sangre, que mantiene la intriga hasta el último fotograma.

Por cierto, tanto el director, James Wan, como el libretista, Leigh Whannell, han conseguido arrasar en la taquilla estadounidense con un presupuesto pírrico, que demuestra que el ingenio puede ser un sustituto de la pasta.

Por otro lado, resultan evidentes las influencias del realizador, pues Insidious es una mezcla de Posltergeist y Los otros de Alejandro Amenábar.

Por ultimo, recomendamos este largometraje puesto que nos ha gustado, aproximándose levemente al nivel de la insuperable El sexto sentido y porque ha conseguido anular al vacuna “antisustos” del que firma esta crítica cinematográfica.

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07th Jun2011

La prima cosa bella,¿se trata de un homenaje de la comedia a la italiana?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

La prima cosa bella (2010) es un homenaje de commedia all’italiana, que tradicionalmente ha sido representada por Marcelo Mastroinni y Sofía Loren. La citada película fue seleccionada para representar a Italia en la última edición de los Óscar, ganando tres David di Donatelo en la gala de nuestro país hermano.

La historia comienza en el momento en que Anna Niglioti es elegida en el año 1971 como la madre más guapa del balneario de Livorno. Un hecho que avergonzará a toda la familia, provocando, incluso, la ruptura del matrimonio. Cuarenta años más tarde, su hijo recordará su infancia y la desastrosa vida sentimental de su madre, mientras cuida a su progenitora enferma terminal de cáncer.

La dirección corre a cargo de Paolo Virzi, que saltó a la fama por La bella vita (1994), aunque nuestros lectores le recordarán por su trabajo en Napoleón y yo (2006), una cinta que se servía de la figura de un personaje histórico para plantearnos un dilema moral en una entretenida comedia.

El cineasta se nutre de las fuentes del melodrama que puso de moda Pietro Germi con Divorcio a la italiana (1964), cuya característica principal es que recoge las costumbres tan arraigadas de la cultura mediterránea, donde se pasa de la risa al llanto sin solución de continuidad. Por cierto, Stephanía Sandrelli aparece tanto en la primera producción de ese particular estilo cinematográfico como el de la cinta en cuestión.

Por otra parte, aunque se sobreentiende la época en la que está ambientada, el autor le ha dado un toque atemporal y universal para que la película no envejezca y su mensaje perdure con el paso del tiempo. Por otro lado, se recurre al flashback para que conozcamos los momentos importantes de su infancia, que fueron los que conformaron la personalidad del protagonista masculino.

El realizador ha pretendido que reflexionemos sobre las repercusiones que tiene en los hijos los comportamientos inadecuados por parte de sus ascendentes, porque el protagonista se distancia de los ligeros comportamientos de su madre, pero reconoce que es la única persona que le ha comprendido realmente. Se puede decir que el personaje interpretado por Valerio Mastandrea va evolucionando hasta comprender que ha supuesto su madre en su vida, haciendo balance entre los aspectos más positivos y los más negativos. Y es que podemos decir que madre no hay más que una.

Finalmente, el guión deja claro las raíces cristianas, que impregnan a todos los habitantes de la ciudad en la que se rodó La prima cosa bella (2010), que recurren a la providencia en varios momentos de su vida. El largometraje apuesta por la vida y de manera más o menos implícita explica la función de los cuidados paliativos que impiden el sufrimiento, sin que sea necesario recurrir a la eutanasia. La protagonista en torno a la que gira la historia transmite una vitalidad extraordinaria y, en ese aspecto, se muestra como un modelo a seguir por la entereza con la que sobrelleva la enfermedad.

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05th Jun2011

X-men: Primera generación,¿puede ser una cuarta parte de una saga mejor que las anteriores?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en páginasdigital.es)

Todos los aficionados al género de superhéroes están de enhorabuena porque nos encontramos ante una saga interminable, que nos ofrece una precuela, que supera a las precedentes, alcanzando el nivel de las dos primeras partes de Spiderman y el Batman de Christopher Nolan.

En esta ocasión, los productores han querido introducirnos en los orígenes de dos mutantes con ideales antagónicos que en un principio eran amigos y luchaban junto a las fuerzas del bien por lo que las personas que no hayan visto anteriores ediciones, pueden seguirla sin problemas. Los personajes a los que nos referimos son el profesor X y Magneto. Por tanto, en su visionado, podremos conocer qué le llevo a Magneto a convertirse en un ser despreciable, puesto que su familia sufrió las vejaciones del régimen Nazi por su condición de judía y su madre fue asesinada a manos de un ambicioso oficial alemán que escondía un poderoso secreto. Por otro lado, el profesor Xavier descubrirá un don, que le permitirá ponerse al servicio de su país para enfrentarse a las fuerzas del mal.

La dirección corresponde a Mathew Vaughn, conocido por Stardust (2007) y por Kick- Ass (2010), que saca el máximo producto comercial con un presupuesto inferior a anteriores entregas. Nos ofrece un cóctel, que combina una trama de espionaje al más puro estilo James Bond o Jason Bourne con una historia de superhéroes, dos elementos, que casan muy bien, elevando la categoría media de este género cinematográfico porque nos proporcionan unas cuantas escenas de cierta hondura dramática, una faceta poco resaltada en las películas de acción.

El metraje de X- Men: Primera generación (2011) es relativamente largo (132 minutos), pero hay que decir en su defensa que nunca pierde el interés y consigue el equilibrio adecuado entre las escenas más violentas y las dialogadas. Los chistes funcionan y se percibe que están muy estudiados.

La película permite el lucimiento de James McAvoy y Michael Fassbender. Ambos actores llevan la mayor parte del peso dramático de este “cómic” cinematográfico, basado en las viñetas de Stan Lee y Jack Kirby. Como dato curioso, el español, Alex González, interpreta a un villano capaz de generar tornados.

El punto más controvertido del largometraje es que si se trata de una película apta para todos los públicos, ¿qué sentido tiene la aparición de un par de situaciones, ambientadas en un club nocturno con todo lo que conlleva?

Por último, tanto el director como el guionista nos transmiten la admirable ética que rige al protagonista. Xavier es el maestro que modela las excepcionales cualidades de sus compañeros de viaje. Nos parece bastante sugerente el modo en el que intenta controlar el lado más oscuro de uno de sus pupilos con el fin de encauzar ese superpoder de la forma más positiva.

La cinta enseña que, aunque se sea diferente, se puede ser perfectamente válido para vivir en esta sociedad. El autor destaca la importancia de la autoestima y el aprender a aceptarse a sí mismo.

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30th May2011

El castor,¿estamos ante una de la mejores intrepretaciones de Mel Gibson?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

El castor (2011) guarda ciertos paralelismos con la trayectoria del actor que lo interpreta. Sin embargo, no se trata de la típica interpretación de uno mismo como ocurría en el Luchador (2008), donde aparecía Mickey Rourke, puesto que la actuación de Mel Gibson está repleta de matices, reflejando dos personalidades distintas con una naturalidad pasmosa.

La película versa sobre la vida de un empresario de éxito, que se encuentra sumido en una depresión, que afecta seriamente a la convivencia familiar y, más concretamente, a la relación con su esposa. Esta mujer tomará la drástica decisión de separarse de su marido porque se encuentra desbordada por la situación, pero todo cambiará cuando Walter utilice una marioneta de peluche como terapia, que le ayudará a superar su bache personal

La dirección corresponde a Jodie Foster, una actriz convertida en cineasta, al igual que su compañero de reparto, que nos sorprendió tanto en su labor como actor en Conspiración, por poner un ejemplo, como realizador [ Apocalypto (2006), Braveheart (1995) o La pasión de Cristo (2004)], aunque la Foster no se queda corta, pues ha conseguido dos estatuillas en dos soberbias interpretaciones, una de ellas con tan sólo 14 años por Acusados (1988), siendo El castor (2011) su tercera cinta a los mandos del timón.

Esta mujer de cine logra sacar el máximo producto de su buen amigo Mel Gibson del que declaró a Hollywood Reporter lo siguiente: “Es un hombre increíblemente sensible y cariñoso. Desde luego no es un santo, pero desde el día que lo conocí supe que le amaría durante el resto de mi vida. Cuando quieres a alguien no te alejas de esa persona si tiene problemas”. Se trata de dos personas de creencias e ideologías diferentes que intentan fijarse más en lo que nos une que en lo que nos separa.

Por otro lado, Jodie Foster se implica muchísimo en su trabajo y nos ha contado con solvencia, apoyándose en un guión de Kyle Killen, una historia, que no es totalmente original, pues recuerda, en su planeamiento, a una popular comedia de situación americana, con peluche en categoría de estrella, que fue emitida en la segunda cadena española, pero llevada, en este caso, al terreno de la depresión.

La cinta narra las distintas etapas por las que puede pasar una persona con dicha enfermedad. La mascota que le acompaña representa algo a lo que nos agarramos en una situación de desesperación y que se puede acabar convirtiendo en un arma de doble filo. Esta producción nos parece un canto a la familia, pero sin caer en falsos idealismos. Por esa razón, vemos que el hijo mayor no quiere parecerse a su padre, no haciéndole aprecio hasta que se pone en el lugar de lo que le sucede a su padre, con lo que nos parece que la realizadora ha querido expresar el distanciamiento de los hijos en la adolescencia, que tardan en comprender la importancia y la entrega de los padres en el desarrollo de sus vidas y en lo que han hecho por ellos. Por otra parte, el niño pequeño nos explica el estado de confusión que se genera en los hijos cuando surgen conflictos familiares.

Entre los defectos de este largometraje creemos que la historia de amor adolescente está metida con calzador, aunque se ha querido introducir un ápice de esperanza. Para ello, se ha recurrido a una magnifica actriz como Jennifer Lawrence, que fue nominada a los Óscar por Winters Bone. De todas formas, la cinta no es complaciente con respecto a la enfermedad, pero se sobreentiende que existen soluciones y que es posible el resurgir de las cenizas.

Por último, nos quedamos con una cita de la cineasta que define parte de su personalidad:”Tom Cruise aspiraba a tener su propio avión y 1.000 millones para pensar formas de gastárselos. Yo solo me planteo cómo tener 100 millones para no gastármelos”.

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27th May2011

Sin identidad-sección críticas-¿Guarda paralelismos con el maestro del suspense?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en www.diarioya.es)

Generalmente, cuando vamos a ver una película española (aunque, en realidad, todos los años se producen unas cuantas que merecen la pena), nos preguntamos: ¿existen directores de nuestro país que conecten con un amplio espectro de público? La respuesta es afirmativa porque Jaume Collet-Serra nos entretiene con un largometraje de intriga como Sin identidad (2011), que ha sido número uno en la taquilla estadounidense y número dos en la española, a pesar de no contar una historia original, que bebe de las fuentes del maestro del suspense, Alfred Hitchcok, y del polémico Roman Polanski y su Frenético (1988).

Cuenta la historia de un conferenciante que, en su visita a Berlín, sufrirá un accidente, mientras intenta recuperar un misterioso maletín, olvidado en el aeropuerto. Tras el desgraciado suceso, este hombre no sabrá, si ha perdido la memoria porque se encuentra confuso y la que parecía su esposa no le reconoce. Por tanto, deberá investigar qué es lo que le ocurre realmente.

El reparto lo protagoniza, un Liam Neeson, que como casi siempre, interpreta muy bien su papel. Además, el elenco de secundario nos parece interesante y destacan tanto Diane Kruger como Bruno Ganz.

Cambiando de tema, el cineasta catalán, apoyándose en un guión sin fisuras, consigue contar de modo convincente una relativamente sencilla trama con las finalidad no volver loco al espectador, pero enmascarándola con una halo de misterio para que tengas la sensación de estar viendo algo grande. No obstante, se agradece que no esté demasiado enmarañado para que no pase lo que les pasó a los espectadores de Syriana(2005), protagonizada por George Clooney, donde no se entendía nada.

Sin identidad (2011), sin riesgo a equivocarnos, utiliza como baza principal el suspense que se mantiene hasta el final, puesto que si se desvelase a las primeras de cambio, perdería todo el interés

Por último, sería conveniente recordar que la cinta, sin estar ambientada en esa época, despide un aroma característico de las películas de espionaje, que trataban sobre La Guerra Fría.

Como dato curioso, el director reconoce el sacrificio que le ha supuesto alcanzar su sueño, una declaración que puede servir de ejemplo a los políticos que piensan que los sistemas educativos no deben fomentar valores como el esfuerzo, la disciplina o la excelencia.

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17th May2011

Midnight in París-El mejor o el peor Woody Allen, esa es la cuestión.

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

La inmensa mayoría de la crítica, como casi siempre, ha considerado a esta nueva entrega de Woody Allen como una grandísima cinta. Sin embargo, en mi modesta opinión, aunque se agradece el tono amable y blanco, que no abusa de los grandes temas del director americano, Midnight in París (2011), sinceramente, y como diría Carlos Pumares, aburre soberanamente o por lo menos en unas cuantas escenas muy reiterativas.

El cineasta nos cuenta las peripecias de una pareja americana, que visita con ilusión la ciudad del amor, pero algo empieza a fallar en la relación, lo que provoca que el protagonista, Gil, interpretado por Owen Wilson, se traslade con la imaginación a los locos años 20, donde se encontrará con grandes escritores y artistas de la época, que le permitirán reflexionar sobre su situación en la vida real.

Por otra parte, este hombre de cine vuelve a recurrir al toque mágico para captar la atención del público que, en otras ocasiones, le ha funcionado muy bien como en Todos dicen I love you (1996) en la que participaban Alan Alda y Julia Roberts, con lo que el efecto sorpresa pierde su fuerza.

También percibimos la falta de chispa de las situaciones cómicas, que no brillan tanto como en otras cintas de su amplia filmografía a pesar de que la producción nos parece interesante por su “inocencia”, puesto que no se ensaña con los característicos comentarios ácidos y malintencionados, tratando de demostrar la incoherencia de las personas creyentes en Si la cosa funciona (2009) por poner un ejemplo.

Finalmente, este realizador nos obsequia con un publirreportaje sobre París, que parece lo más importante, con una banda sonora muy pegadiza.

El reparto coral de esta producción está formado por estrellas de la categoría de Adrien Brody, Kathy Bates, Rachel McAdams o una Marion Cotillard, que tiene una belleza de otra época y cuyo físico resulta muy acorde con el personaje que representa.

Como dato curioso, Carla Bruni tiene un pequeño papel en la película y Woody Allen hizo una defensa a ultranza de la actuación de la cantante y esposa de Sarkozy. Por cierto, le aconsejamos al político francés que tenga cuidado con el neoyorquino, ya que de todos es conocido el éxito de éste con las mujeres.

Por último, la película nos hace reflexionar sobre la necesidad, a la hora de encontrar medias naranjas, de buscar personas con ciertas afinidades al menos, a falta de un proyecto personal, y sobre los problemas que puede llevar el no ver la evidencia de una relación en estado terminal.

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13th May2011

El inocente-sección críticas-¿Es una buena interpretación de Matthew McConahuey?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

El género judicial ha dado buenos títulos al mundo del cine. Me vienen a la mente varias películas como Testigo de cargo (Wilder, 1957) con Charles Laughton , Anatomía de un asesinato (Preminger, 1959) con James Stewart o cintas más modernas como El Jurado (2003) o El cliente (1994), basadas en las novelas de John Grisham. Sin embargo, La película en cuestión se queda en puro entretenimiento de factura correcta, protagonizada por un Matthew McConaughey muy contenido, que sorprende bastante, ya que nos tiene acostumbrado a personajes con comportamientos histriónicos y alocados muy propios de las comedias en las que ha participado como Ed tv o Como locos a por el oro.

El actor representa a un abogado que utiliza todos los trucos legales e ilegales para ganar, a toda costa, todos los juicios en los que participa con lo que logra sacar de la cárcel a delincuentes de poca monta, pero pronto las cosas cambiarán cuando tenga que defender a un chico de clase alta acusado de matar a una prostituta y se vea envuelto en una oscura trama.

El inocente (2011) está dirigida por Brad Furman, conocido por The take (2007). El citado cineasta adapta una novela de Michael Conelly. Por otra parte, consigue captar la atención del espectador porque dosifica perfectamente los datos para que la intriga se mantenga hasta el final, aunque, en algún momento, parece que intenta sembrar la duda en todo el que se adentre en ella.

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08th May2011

El sicario de Dios-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

Los primeros años del siglo XXI serán identificados como el de las grandes adaptaciones del cómic, aunque con resultados dispares. Nuestra teoría es que, cuando se lleva a la gran pantalla a los superhéroes más clásicos suelen convertirse en muy buen cine de palomitas. Sin embargo, la mayoría de las novelas gráficas desconocidas para el gran público, si exceptuamos a la notable 300 (2007), se quedan en historias de acción que superan levemente el nivel de este género.

El sicario de Dios (2011) gira en torno a un sacerdote guerrero que al mostrar su intención de rescatar a una muchacha y su familia que han sufrido el ataque de los vampiros es traicionado por la jerarquía eclesiástica a la que debe obediencia. En definitiva, la cinta nos ofrece un relato en el que las fuerzas del bien se enfrentan al imperio del mal. De todas formas, conviene aclarar que la estética de estos chupasangres, nada tiene que ver con la elegancia de los clásicos Bela Lugosi y Christopher Lee

Este western apocalíptico se basa en la novela gráfica de Min-Woo Hyung. El guión ha sido escrito por Cory Goodman. El cineasta, Scott Stewart, nos ofrece su segundo trabajo tras Legión (2010), presentándonos a una Iglesia futurista, pero cuyo comportamiento recuerda a su peor etapa de la Edad Media, acrecentando su oscuridad y pretendiendo demostrar que está formada por integristas. Además, como en la mayoría de las producciones nacionales e internacionales, se intenta inculcar la idea de que el comportamiento de la jerarquía de esa especie de orden religiosa siempre será peor que la de los “peones” de Dios.

Dicho esto, la película se deja ver y resulta entretenida. El metraje es más bien corto con lo que las batallas no se hacen interminables, puesto que se apuesta por cierto equilibrio entre las escenas más violentas y los diálogos. La acción está muy bien rodada, siendo esta uno de los puntos más atractivos del film.

Como dato curioso, el director declaró a Fotogramas, y nosotros lo constatamos, que su película quería homenajear a Centauros del desierto (1956) de John Ford, pero la diferencia de calidad es abismal, si la comparamos con esa obra maestra.

El reparto de este paranoico relato lo encabeza Paul Bettany (Master and Commander), que últimamente está encasillado en papeles de corte religioso y que ha jurado que no aceptará ningún papel más relacionado con esta temática. El citado actor representa a un personaje de fe sincera que lucha por lo que considera una causa justa y de modo muy esquemático habla del la importancia de sacrificarse para conseguir lo que uno se proponga en la vida, aunque nos podamos cuestionar si se realiza de manera lícita. El villano ha sido interpretado por Kart Urban, cuya caracterización recuerda a Clint Eastwood en El bueno, el feo y el malo (1966) de Sergio Leone.

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