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08th Mar2011

El Estudiante-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario ya)

No resulta muy habitual que un largometraje homenajee a la literatura hispánica, al Siglo de Oro español y, en especial, a la figura del Quijote. El eterno idealista que lucha contra molinos de viento que, en este caso, se enfrenta a la postmodernidad de la mano de su protagonista, interpretado por Jorge Lavat.

El largometraje narra las andanzas de un anciano, que se matricula en la universidad, transmitiendo su pasión por los grandes escritores españoles a sus jóvenes compañeros que, en un momento duro para el protagonista, le devolverán la ayuda recibida.

El estudiante (2009) ha sido un éxito en México, donde ha arrasado en taquilla. La ha dirigido Roberto Girault, triunfador de los Premios de la Diosa de la Plata. El cineasta ha hecho un guiño a su abuelo, que era un gran aficionado al texto cervantino por excelencia, al igual que le pasaba al abuelo paterno del que escribe este artículo. Girault debe ser un amante de la cultura como se percibe en cada diálogo y planteamiento de su guión, estando abierto a la vida y a la trascendencia. Este joven director es un católico convencido que realiza un cine clásico que verdaderamente transmite valores ciertamente interesantes como el valor del amor duradero que se deduce de las palabras con que obsequia a su mujer y es la siguiente:”Siempre mi consuelo, siempre mi columna, siempre mi amada”.

Por otro lado, la estrella indiscutible de la película saca lo mejor de sus ”discípulos”, buscando un encuentro entre generaciones y mostrando la importancia de la caballerosidad para la conquista de una dama. Así que nos quedamos con la escena de un mimo que expresa lo anteriormente comentado. También, nos habla de la amistad, entendida como el servicio a los demás de un hombre al que todos querríamos tener como amigo, que demuestra que sin esperar nada a cambio, es dando como se recibe.

Cambiando de tema, la cinta puede ser considerada un tanto ñoña o de otra época, pues recuerda al cine de Leo McCarey (El citado director americano tiene una buena media docena de películas como Las campanas de Santa María o Dejad paso al mañana, aunque es conocido por Tú y yo), pero les aconsejamos que no vayan con perjuicios porque no les va a decepcionar, ya que nos cuenta un historia emocionante, que enseña a enamorar, a respetar y amar a la persona con la que quieres compartir tu vida. Y a quien no se le escape una lágrima, será porque no le presta la atención debida a este trabajo cinematográfico, que es pura poesía. Sin embargo, la película, El estudiante (2009), no está alejada de la realidad a pesar de lo que pueda parecer, pues plantea problemas tan propios de la sociedad actual como el de los embarazos no deseados. Por otro lado, las transiciones entre escena y escena pueden resultar pesadas, pero parece que han sido realizadas con la intención de hacernos reflexionar.

Por ultimo, les doy el consejo de que no tarden en ir a verla. No vaya a ser que se queden con las ganas, puesto que han llegado pocas copias a España.

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08th Mar2011

Ispansi(Españoles)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario Ya)

¿Se imaginan ustedes una película española en la que se enamoren una falangista y un comunista?¿ Piensan qué es posible que, en un largometraje cien por cien nacional, se hable de que los españoles de la tendencia política opuesta fuesen salvados por la División Azul en Rusia?¿Conocen ustedes alguna producción en la que se critiquen las persecuciones religiosas durante la II república y la Guerra Civil (Si hay una La hora de los valientes de Antonio Mercero) o se refleje las colas de comunismo de la Unión Soviética? Pues, si se adentran en la bien documentada Ispansi (Españoles) (2011), se sorprenderán del cineasta Carlos Iglesias y su intento de cerrar las heridas de La Guerra Civil, centrándose en los aspectos que nos unen más que en los que nos separan en un film aceptablemente rodado, aunque su resultado final no sea redondo.

Y es que Carlos Iglesias, conocido por la serie Manos a la Obra, se caracteriza por el estilo ponderado de sus obras como es el caso de Un Franco, 14 pesetas (2006), donde contó objetivamente un hecho que, en principio, era subjetivo porque correspondía a una vivencia personal.

De todas formas, nos parece cuestionable el planteamiento del protagonista sobre los orígenes de La Guerra Civil, pues el historiador, Pío Moa, ha demostrado en sus estudios que el auténtico golpe de estado lo dio la izquierda en el año 1934. También, no resulta creíble que un sacerdote desvelase el secreto de confesión. Además, podríamos decir que la producción apuesta por la vida.

Por último, nos quitamos el sombrero ante la honestidad, en líneas generales, de este realizador aparentemente independiente, que cuenta la historia aproximándose a lo que realmente pasó

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28th Feb2011

Sígueme el rollo-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

Las películas del monologuista Adam Sandler se caracterizan por un humor rústico y gamberro, pero, en el fondo, esconden un mensaje positivo con una moraleja interesante. Un ejemplo de lo dicho en estas líneas lo encontramos en algunos de sus trabajos como Un papá genial (1999), Más allá de los sueños (2008) o 50 primeras citas (2004), donde se sacaba la conclusión de que el amor es una conquista diaria.

Sígueme el rollo (2010) combina el burdo estilo tan característico del citado humorista americano junto a Jennifer Aniston, que nos maravilló con la serie Friends, a la que se le considera una de las reinas de la comedia romántica, aunque hasta la película en cuestión, sus interpretaciones no había sido convincentes en ninguna de sus intervenciones en diversas producciones. Así que se puede decir que estamos ante una comedia ecléctica, que coge de un lado y de otro, para formar un cóctel muy divertido, funcionando muy bien, donde puedes encontrar momentos mágicos al estilo más clásico con otras situaciones tremendamente disparatadas o vulgares.

El argumento gira entorno a un cardiólogo (Adam Sandler), que al enterarse de las infidelidades de su futura esposa, decide no enamorarse nunca más, por lo que se dedica a ir de flor en flor hasta que conoce a la mujer (Brooklyn Decker) de su vida. Sin embargo, esta chica descubre la alianza de la suerte en el bolsillo de éste y se enfada con él. Por esa razón, el doctor recurre a la ayuda de una compañera (Jennifer Aniston) de toda la vida para la reconquista de la atractiva muchacha.

La dirección corresponde a Dennis Dugan, conocido por la desternillante Un papá genial (1999) o por la insoportable Zohan. Licencia para peinar (2008), que rueda al servicio de Adam Sandler y que ha tenido la virtud de crear un ambiente adecuado para que la química entre la pareja protagonista funcione.

Como decíamos, nos parece la mejor interpretación de la Aniston en este género, teniendo en cuenta las limitaciones de esta cinta que abusa de chistes tremendistas, mientras que el actor Nick Swardson nos saca de quicio con su histriónica actuación.

Como dato curioso, podemos decirles que la bella actriz Brooklyn Decker proviene del mundo de la moda, habiendo sido la portada de la revista Sport Ilustrated. También ha posado para Cosmopolitan, siendo descubierto su talento por casualidad en un centro comercial.

Cambiando de tema, la cinta refleja el valor del compromiso y del matrimonio porque el protagonista debe discernir entre los puede suponer en su vida una elección hecha por impulsos y la que le puede proporcionar la felicidad duradera. Además, el director pretende explicar la diferencia entre amor y enamoramiento. Por otro lado, habla de la necesidad de ser sinceros con nosotros mismos en un desengaño amoroso para descubrir lo que nos pide el corazón.

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20th Feb2011

Sin retorno-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

En los últimos años, el cine argentino nos ha obsequiado con algún que otro thriller, que combina el drama muy logrado de los personajes con una trama de intriga. El largometraje en cuestión se llama Sin retorno (2010).

El inicio del mismo comienza con el atropello de un ciclista, una dato que recuerda a la célebre historia [Muerte de un ciclista (1955)] contada por Juan Antonio Bardem, que ganó un premio importante en el Festival de Cannes, realizada durante la dictadura franquista (por cierto, llama la atención que un antifranquista hiciese más películas en la época del caudillo que durante la democracia y con una amplia diferencia), aunque sólo se utiliza este elemento como punto de partida, no teniendo nada que ver con la película de la que hablamos. Sin retorno (2010), premiada con la Espiga de Oro en el Festival de Valladolid, se pregunta por lo siguiente: ¿Cómo se puede vivir sabiendo que eres culpable de un homicidio y que haya una persona inocente encarcelada por tu cobardía? o ¿Cómo puede rehacer su vida una persona condenada por un delito que no ha cometido?

Las interpretaciones resultan muy positivas. A nosotros, particularmente, nos ha gustado mucho la escena en la clínica odontológica por el juego de miradas entre Bárbara Goenaga y Leonardo Sbaraglia.

Miguel Cohan ha trabajado con el cineasta Marcelo Piñeyro y esta es su ópera prima. Muestra gran habilidad para constatar la grandeza o la miseria del hombre con un final abierto de gran brillantez, que permite reflexionar sobre como son las personas. El cineasta consigue que el espectador se quede atrapado por la historia que, como toda buena obra cinematográfica, no debe dejar a nadie indiferente.

Por otro lado, la cinta apunta multitud de temas interesantes como la capacidad de los medios de comunicación para hacer juicios previos, que pueden inclinar la balanza del lado equivocado. La película habla de la búsqueda de la verdad y de la lucha del ser humano para hacer lo que le interesa o actuar como dictamina su conciencia. También, se muestra el instinto natural de la familia a apoyar incondicionalmente a sus descendientes, así como el derecho del hombre a demostrar su inocencia cuando falla el sistema. Por último, sorprende el particular modo en el que el protagonista utiliza su inteligencia para hacer justicia.

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13th Feb2011

Valor de ley-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

Siempre que se estrena un western, surge el debate de si este género está acabado o si se ha contado todo sobre esa temática. Nuestra respuesta es que en el pasado se hicieron grandiosas películas del Oeste. Sin embargo, en el presente, el número ha sido escaso, pero su calidad no baja del notable como es el caso de Apaloosa (2008) y roza el sobresaliente en Sin perdón (1992), El tren de las 3:10 (2007) o la película en cuestión.

Los medios de comunicación han dicho que Valor de ley (2010) es un remake de la célebre historia de Henry Hathaway por la que John Wayne obtuvo el único Óscar de su carrera, que tuvo una secuela, llamada El rifle y la Biblia (1975) en la que compartían cartel tanto el citado icono del western como la superoscarizada Katherine Herpburn . No obstante, la fuente de inspiración para los hermanos Coen no ha sido esa obra de cine clásico, sino que se han basado en la novela de Michael Portis, aunque algunos diálogos han sido escritos por este dúo de cineastas.

El argumento gira entorno a una chica de 14 años, que tiene que hacerse cargo de su madre y de su hermano porque su padre ha sido asesinado por Tom Chaney y no se encuentran en condiciones de tomar las riendas de la familia. La chica tratará de poner orden en su vida y contratará los servicios de un pistolero valiente y borracho para capturar y vengarse del peligroso delincuente.

Cambiando de tema, las interpretaciones son muy positivas en términos generales, destacando fundamentalmente la de Jeff Bridges y la talentosa Hailee Stenfield, que nos muestra un personaje, estemos o no de acuerdo con sus planteamientos, muy maduro por las circunstancias. Así que nos preguntamos lo siguiente: ¿Es posible que una niña de esa época pudiera ser tan responsable? Por lo que cuentan nuestros padres y abuelos eso pudiera resultar creíble, lo que no parece aceptable es que los gobernantes actuales quieran que la juventud actual sea cada vez más inmadura. Tal vez para que sea más fácilmente manipulable

Entre los temas que más no han llamado la atención, sorprende que los Coen hayan resaltado en cierta medida el valor de la trascendencia, ya que sus obras están cargadas de nihilismo (No es un país para viejos puede ser un ejemplo). Da la impresión de que hayan querido apuntar o constatar que la masonería americana no era enemiga de la fe cristiana a diferencia de lo que ocurre con la francesa, española o la mexicana, donde se piensa que la religión es opuesta a los principios de la masonería.

Como decíamos, la dirección corresponde a los hermanos Coen, que nos ofrecen uno de sus mejores trabajos, obteniendo 10 nominaciones a los Óscar. El guión nos parece sólido por lo que han logrado engancharnos con una muy buena primera parte, mientras que la segunda parte decae por alguna escena carente de ritmo. El humor tan característico de estos realizadores queda patente en muchas situaciones y está perfectamente dosificado, aunque se le va la pinza en algunas escenas de acción, que son de una dureza extrema, recordándonos a una de sus primeras y exitosas producciones como fue Fargo (1996), cuya violencia histriónica provocaba rechazo. Un crítico de prestigio la ha considerado tarantiniana en ese aspecto y creo que tiene toda la razón.

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07th Feb2011

127 horas-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Cuando nos vamos haciendo mayores, nuestros padres nos van enseñando la importancia de dejar dicho el sitio al que nos vamos a desplazar, por si nos pasa algo que sepan el lugar en el que encontrarnos y nosotros no les solemos hacer caso, pero acaban teniendo la razón.

Este comentario sirve de moraleja para entender la historia basada en hechos reales que Danny Boyle nos ha querido contar y partiendo de ella, es capaz de hacer entretenida, aunque sólo a oleadas, una película, que hubiese sido insoportable, si hubiera caído en otras manos. Sin embargo, este cineasta saca petróleo de cualquier situación. Además, su estilo narrativo resulta muy original. Los argumentos de sus películas siempre son distintos, alcanzando, en esta ocasión, el notable. No obstante, no logra la excelencia de Millones (2004), ni el nivel de la oscarizada Slumdog millionaire (2008).

El argumento gira entorno a Aaron Ralston que, en unas de sus múltiples aventuras, sufrirá un accidente por el que su brazo quedará atrapado por una roca. Así que el citado cañonero tendrá 127 horas (2010) para solucionarlo o no.

James Franco, aunque ha sido criticado en algunos medios de comunicación, aguanta el tipo razonablemente bien, dada las dificultades de su personaje, que lleva todo el peso de la producción. Merece la pena destacar el esfuerzo del actor por hacer creíble su papel, pues el actor reconoce que nunca le interesó el montañismo, ni los deportes de riesgo

El cineasta ha sabido reflejar el calvario de su protagonista para salir adelante. Nos parece muy interesante el modo o el sistema para mantenerse vivo que fue, entre otras cosas, el uso de la imaginación del que se sirve el director para profundizar sobre su personaje.

Danny Boyle nos hace pensar sobre los anhelos del hombre en un momento de necesidad. Llama la atención el modo en el que nos agarramos a lo que sentimos por nuestros seres queridos en situaciones extremas, siendo esos momentos los que sirven para que caigamos en la cuenta de lo que han hecho por nosotros y lo mucho que los necesitamos. También sorprende la manera en el que el mundo de los sueños refleja los deseos del hombre, cuando se limita nuestra libertad. Por otro lado el humor tan característico del cineasta descarga el dramatismo de algunas de las escenas.

Por otra parte, 127 horas (2010), la nominada en seis ocasiones a los Óscar, nos habla de las ganas de vivir de una persona con escasa esperanza para la supervivencia frente a otros largometrajes que hacen campaña a favor de la muerte.

Por último, la situación más escabrosa de la película ha sido muy comentada en medios de comunicación, pero nos no debe escandalizar porque no es para tanto, si lo comparamos con otras películas o las noticias que aparecen cada día en los telediarios y las observamos con una naturalidad pasmosa, mientras nos comemos un filete con patatas.

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01st Feb2011

The fighter-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

El no muy acertado David O. Russell [Tres reyes (1999)] se adentra en el mundo del boxeo, sacando lo mejor de los actores que le acompañan, que muestran todo su talento, lo que les ha llevado a varios de ellos a estar nominados a los Óscar.

Cuenta la historia de un prometedor boxeador que debe cargar con su problemática familia. Todo cambiará cuando el deportista supere el dilema de escuchar los consejos pugilísticos de su manager y toxicómano hermano o marcharse con un entrenador que les ofrezca ciertas garantías.

Como viene siendo habitual en las nominaciones a los Óscar de los últimos años, estamos ante el clásico largometraje que es más valorado por las interpretaciones que por la historia que cuenta. Mark Wahlberg resulta muy convincente, mientras que el camaleónico Christian Bale [Batman begins (2005) o El truco final (2006)], que representa a su hermanastro drogadicto, ha ganado el globo de oro y tiene todas la papeletas para llevarse el Óscar a mejor actor secundario, dadas las posibilidades de su personaje. Por otro lado, Tanto Melissa Leo [ganadora del Óscar por la excelente Frozen River (2008)] como Amy Adams muestran sus valiosas dotes artísticas y su versatilidad porque sus anteriores trabajos no tenían nada que ver con la obra en cuestión. Como dato curioso, Christian Bale declaró a Fotogramas que para él lo más importante en su vida es su hija por encima de todo lo demás, pero se tomó tan en serio su papel que fue sorprendido por su mujer hablando sólo, como lo hacía su personaje.

El cineasta cuenta sin demasiada brillantez las dificultades de un noble púgil por salir adelante y en la que la parásita familia aparece como un freno para sus aspiraciones. De todas formas, el autor ha pretendido que reflexionemos sobre el perdón dentro de la familia y el esfuerzo de una madre por sacar a su prole adelante a toda costa.

Finalmente, el estilo de narración recuerda a Ken Loach. La ambientación es sórdida en algunos momentos. Sin embargo, tiene sentido porque refleja la realidad de ese mundo que no es precisamente maravilloso con claros guiños a Rocky [John G. Avildsen (1976)] y no estando, desde luego, tan edulcorada como Marcado por el odio [Robert Wise (1956)].

También, nos ofrece un pequeño apartado que podríamos ubicar en denuncia social, donde se critica los estragos que pueden provocar las adicciones en el entorno familiar, explicando lo que puede llegar a pasar cuando no se sabe asumir el peso de la fama, aunque ofrece la esperanza en la rehabilitación

Cambiando de tema, para terminar, la cinta podrá gustar más o menos, pero hay que reconocer que ha arrasado en la taquilla estadounidense.

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31st Ene2011

Red- sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en pantalla 90)

En los últimos tiempos se ha puesto de moda que el guión cinematográfico se nutra de la novela gráfica para contar historias con resultados muy dispares como la magnífica 300 (2007) o la desacertada Wanted. Se busca (2008). Red (2010) está basada en este género literario, cuyos autores son Cully Hamner y Warren Ellis. Por cierto, podemos decir que este cómic largo es considerado como una obra menor del citado en segundo lugar, según comentan los expertos en el tema.

El reparto, capitaneado por Bruce Willis, lo componen un grupo de excelentes actores, que se lucen en muchas de las secuencias, provocándonos, incluso, la carcajada.

El argumento gira entorno a un equipo de agentes de la CIA retirados (Morgan Freeman, Helen Mirren, John Malkovic y Bruce Willis), que se ven obligados a estar en activo nuevamente.

Por otra parte, nos parece muy positiva y adecuada la decisión de incluir a actores veteranos en una época en la que sólo se valora la juventud y la belleza. Por lo visto, Robert Schwentke [Plan de vuelo: desaparecida (2005) y Más allá del tiempo (2008)] ha valorado a la veteranía como un grado y el resultado es que ha sido premiada con la nominación a los Globos de Oro a la mejor comedia. De todas formas, ¿Tan mal está el nivel de este género como para que esta película haya sido nominada? o ¿es qué la mayoría de la prensa alemana que vota estos premios ha querido incluir a un compatriota? Esta pregunta nos la hacemos porque, normalmente, los corresponsales de la prensa alemana suelen ser los que eligen estos premios.

El guión está muy conseguido y al estar narrado como una especie de parodia encubierta con personajes aparentemente inteligentes, los chistes funcionan bastante bien. Si tuviéramos que resaltar alguna de las situaciones cómicas, nos parece muy divertida la escena en la que el malo, malísimo intenta localizar la llamada del bueno, buenísimo y resulta que éste se encuentra en la mismísima casa del villano y nosotros nos preguntamos: ¿Era tan difícil darse cuenta de donde procedía la llamada? Pues, ahí está la gracia.

En conclusión, nos encontramos con una comedia de acción por encima de la media habitual que corresponde a este género, que tan poco ha aportado a la construcción del séptimo arte y que, como siempre, abusa de la violencia, aunque se burla de ella, provocando, como todas, la misma sensación de vacío a las que nos tienen acostumbrados, pero, al menos, en este caso, sales de la sala de proyección con una sonrisa.

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24th Ene2011

Más allá de la vida

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

En esta ocasión, Clint Eastwood se atreve con un tema distinto al que nos tiene acostumbrados. Sin embargo, su largometraje se queda en un simple aprobado, resultando muy inferior, sobre todo, si lo comparamos con sus tres anteriores trabajos: No nos olvidamos de la agridulce, pero esperanzadora, El intercambio (2008). No se nos borra de la mente la conversión católica de su personaje en Gran Torino (2009), ni tampoco del intento de cerrar las heridas de la Sudáfrica del Apartheid por parte de Nelson Mandela en Invictus (2010).

El argumento de historias cruzadas gira entorno a tres personajes. Matt Damon interpreta a un experto en parapsicología que posee el verdadero don, que le permite hablar con los muertos, para ayudar a sus parientes vivos. La actriz Cécile De France representa el papel de una periodista que, tras un tsunami, sufre una experiencia cercana a la muerte, mientras que un niño trata de buscar una respuesta positiva que responda a la muerte de un familiar cercano.

La cinta en cuestión poseía todos los ingredientes para ser un éxito, pues la producen dos de los mejores cineastas de los últimos años como Steven Spielberg y el propio director de Más allá de la vida (2010) junto al guionista Peter Morgan [The Queen (2006) y El desafío-Frost contra Nixon (2008)], que también es el libretista de dicha obra cinematográfica.

No obstante, pensamos que le sobran algunos minutos y carece del ritmo adecuado para enganchar al espectados, centrándose en exceso en las experiencia cercanas a la muerte, sin profundizar en los sentimientos de los protagonistas, tratándolo de rodear de teorías científicas en las que apoyarse, aunque se apunta muy levemente el tema de la trascendencia, pero, desde la óptica de un Dios impersonal y en un concepto universal muy general. Por esa razón, este relato nos transmite una gran sensación de frialdad, algo impropio del cine de este realizador.

El final, bajo mi humilde punto de vista y que, por supuesto no les vamos a desvelar, resulta muy acertado y nos regala un toque mágico muy especial, estando rodado con sencillez, así como el diálogo en una escena desarrollada en una escuela de cocina, mientras se escucha de fondo una de las piezas más intensas y conocidas de la historia de la música, que explica la fase inicial del enamoramiento

Por último, no se pierdan la interpretación de Matt Damon, la mirada de Cécile De France y el espectacular arranque del largometraje, que el fondo trata de transmitir cierta esperanza en otra vida.

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17th Ene2011

De dioses y hombres (www.diarioya.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

“No tengo miedo a la muerte. Soy un hombre libre.”

Esta es la frase clave para entender a los protagonistas de este largometraje, dirigido por Xavier Beavois [conocido por Según Matthieu (2000) y por ser el actor protagonista de una película que hablaba sobre la fe , que se llamaba Ponette (1996)], que fue la ganadora del Premio Signis de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación y del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes por raro que pueda parecer porque no es habitual que una obra de contenido religioso se le otorgue ese galardón. Además, es la candidata francesa para optar al Óscar. Y es que los milagros existen.

De dioses y hombres (2010) trata de la vida de 8 monjes cistercienses, que viven en un monasterio, situado en las montañas, conviviendo de manera pacífica con los musulmanes de la zona. Sin embargo, todo cambiará con la llegada de un grupo fundamentalista. Ese grave inconveniente les planteará el dilema de continuar en el lugar con el riesgo que conlleva o irse de allí para siempre.

En palabras del director, la película habla de la tolerancia y el diálogo, no tanto sobre la fe. No obstante, habría que decir que, aunque no haya sido intención del autor, el resultado es que se ha reflejado claramente el modo tan positivo con el que una comunidad de cistercienses vive su religiosidad, destacando la alegría con la que realizan su labor tanto a nivel interno como su entrega desinteresada a los más necesitados que los ven como la rama en la que ellos se sustentan.

El guión corresponde a Xavier Beauvois y Etienne Comar y denota un esmerado trabajo de documentación o conocimiento profundo del funcionamiento de una comunidad cristiana, que recuerda, en algunos aspectos, a otra película de la misma nacionalidad sobre la revolución francesa, llamada Dialogo de carmelitas (1960), una producción de la que tuve conocimiento a través del excelente programa de radio Noche de cometas. Ese diálogo al que se hace mención es de indudable belleza, puesto que, en ambas producciones, se muestra la necesidad de la democracia para la marcha interna de muchas congregaciones religiosas. Las decisiones, que se van tomando, se producen después de haberlas meditado seriamente y el voto del superior vale exactamente lo mismo que el de cualquiera de sus hermanos

Por otra parte, esta obra maestra reflexiona en una de las escenas sobre el tema de la vocación que siente uno de los monjes, que conversa, con palabras sencillas, con una chica bereber que le cuenta los problemas de su relación de pareja y sobre el significado del enamoramiento, que nos parece verdaderamente entrañable.

Por último, nos hace pensar sobre la importancia de la unidad en momentos críticos y la comprensión, que aparecen como valores destacables. También, se puede decir que es una de las películas que mejor ha reflejado el tema de la oración a lo largo de la historia del séptimo arte.

Finalmente, De dioses y hombres (2010) tiene un ritmo lento, pero adecuado para facilitar su comprensión, que el público adulto no debe tener dificultad en seguir. La supuesta lentitud no puede ser un inconveniente ni una excusa para no disfrutar de este fresco que les garantizo que no les defraudará y que podría entrar en el top ten del cine religioso.

La caracterización de los personajes está muy conseguida y para algunos miembros del equipo haber colaborado en esta espiritual producción ha supuesto un cambio en su vida

Cambiando de tema, aunque el cineasta no ha pretendido centrar su atención en escenas explícitas sobre el crimen cometido, este film demuestra la radical actitud de algunas facciones islámicas y sus persecuciones contra el cristianismo, extrapolables a las realidades de otros lugares del planeta.

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11th Ene2011

Camino a la libertad(www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Todos los aficionados al cine clásico conocen la habilidad de John Ford para desarrollar la psicología de sus personajes de un plumazo. Peter Weir, el director de tres peliculones como El Club de los poetas muertos (1989), El show de Truman (1998) y Master and Commander: Al otro lado del mundo(2003), logra un efecto similar con su nuevo trabajo Camino a la libertad.

En esta ocasión se atreve con un tema, silenciado por algunos medios de comunicación, como fue el del Gulag siberiano, donde el régimen comunista ruso recluía, metiendo en el mismo saco a todo lo que pudiera suponer una amenaza para la revolución. En estas durísimas cárceles se podían encontrar disidentes políticos, espías, sacerdotes, aristócratas, e incluso, actores que habían representado a personajes pertenecientes a la nobleza (entre los miles de condenados a estos campos de concentración se encontraba el célebre autor de Archipiélago Gulag Alexander Solzhenitsyn que, imagínense el porqué, dijo lo siguiente:”Al llegar a pensar todos iguales, una ventisca no sirve a nadie.”)

La historia gira en torno a Janusz, que es condenado a prisión por culpa del testimonio de su mujer que, en contra de su voluntad, lo delata. Este espía polaco liderará a un grupo de hombres que sienten la necesidad de escapar de ese inhóspito lugar porque prefieren morir libres antes que continuar allí un minuto más.

El cineasta nos habla de la lucha de unos hombres contra los elementos y a la vez aprovecha para denunciar las tropelías de los regímenes totalitarios, centrando su crítica, en la Rusia Comunista. Se trata de un realizador no muy prolífico (selecciona cuidadosamente sus proyectos y sólo escoge los que verdaderamente pueda interesarle), que desarrolla muy bien las pequeñas historias de cada personaje, con lo que consigue atrapar al espectador. Esta obra del celuloide está sacada de la novela La increíble caminata de Slavomir Rawicz, basada en hechos reales, aunque con ciertas licencias cinematográficas, en la que se narra la huída del prisionero polaco Witold Glinski.

En el apartado interpretativo habría que destacar las actuaciones del incombustible Ed Harris (Mr Smith) y la actriz Saoirse Ronan (Irena), conocida por su trabajo en Expiación, más allá de la pasión (2008). La relación que establecen ambos personajes es digna de ser tenida en cuenta, ya que Mr Smith ha perdido a su hijo, mientras que los padres de Irena fueron asesinados. Por esa razón, de alguna manera, Mr Smith se acabará convirtiendo en el padre adoptivo de la indefensa niña.

El autor ha querido expresar que el compañerismo y el todos para uno y el uno para todos era el único modo de sobrevivir. Por tanto, la solidaridad aparece como el medio para estrechar lazos entre personas de diferentes orígenes y culturas.

Por otro lado, la cinta deja un hueco a la trascendencia. Sin embargo, el perdón parece ser lo más importante para el protagonista que, por encima de la esperanza de alcanzar la libertad, le mantiene vivo, transformándolo para resistir todas las adversidades.

Por último de la impresión de que Peter Weir cuestiona la bondad como un inconveniente para la supervivencia. No obstante, los hechos van demostrando que ese espíritu de servicio a los demás y conmoverse por el más débil se convierte en el arma más poderosa para alcanzar su objetivo en este largometraje de superación personal.

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03rd Ene2011

Los próximos tres días-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Ser el guionista de Million dollar baby (2004) y Casino Royal (2006) y haber dirigido la reflexiva En el valle de Elah (2007) sobre la Guerra de Irak, interesante porque lo que en ella se proponía era extrapolable a la realidad de la sociedad actual y al resto de conflictos a nivel mundial, no es suficiente argumento como para considerarla una película redonda, basada en Cruzando al limite (2008) del francés Fred Cavayé, a pesar de que Paul Haggis dice haberse inspirado en Lumet, Pollack o Alfred Hitchcock.

De todas formas, sería injusto no reconocer que la cinta te mantiene en tensión en gran parte del metraje, aunque una larga persecución resta credibilidad a la historia. Sin embargo, el nivel general resulta más que aceptable y se puede pasar una buena tarde en una sala de cine.

Los próximos tres días (2010) suena al típico relato de falso culpable, que el maestro del suspense hubiese bordado desde el primer minuto. En esta ocasión, un profesor universitario luchará para demostrar la inocencia de su mujer, acusada de asesinato. Lo curioso es que este hombre intentará ayudarle, aún sabiendo o intuyendo que su mujer pueda no aceptarlo

Este tema de una persona enamorada recuerda, en muchas secuencias, a las inolvidables obras de Hitchcock, que siempre ofrecían una segunda lectura porque en este thriller, la parte del suspense nos parece tan importante como la historia de amor que se presenta. Por esa razón, hemos observado ciertos toques al estilo de Vértigo, donde da la impresión de que el protagonista (Russell Crowe) vive en una realidad creada por el mismo.

Por otra parte, este largometraje sirve para explicar lo que puede llegar a hacer un hombre para mantener unida a su familia (el tiene la certeza de que su mujer es inocente), rozando el heroísmo, aunque sea tomándose la justicia por su mano. Y es que para este cineasta la temática familiar ha sido reflejada en muchos de sus trabajos. Por cierto, Russell Crowe, que ya había participado con el realizador en la serie El justiciero, afirmó en la revista Fotogramas que para él había sido muy fácil representar a su personaje porque se había servido del ejemplo de sus padres, puesto que llevan 49 años casados, demostrando la importancia que tiene para ellos el compromiso matrimonial.

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27th Dic2010

El discurso del rey (una peli oscarizable)-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

El discurso del rey (2010) posee todos los ingredientes para triunfar en la carrera por los Óscar, ya que, tanto en su forma como en su contenido, destaca por su solidez, apoyado en un guión al que no le falta ningún detalle.

El argumento gira entorno a la figura de Jorge VI, que es presentado como la pieza esencial para elevar el ánimo de la tropa y de la población civil en la entrada de Inglaterra en la Segunda Guerra Mundial. El problema es que este hombre necesita superar una tartamudez que le impide sacar el líder que lleva dentro. Para ello, recurrirá a los servicios de un logopeda, que utiliza métodos poco ortodoxos para solucionar ese trastorno del habla.

El mérito del citado largometraje se encuentra en el director Tom Hooper (a pesar de la poca documentación existente), que nos maravilló con Damned United (2009) y al que le auguramos un magnífico futuro. Dicho cineasta alcanza el sobresaliente, extrayendo los mejor de los actores y con una puesta en escena impecable. Narra con habilidad las escenas más peliagudas, humanizando a un hombre de las más altas esferas y acercando a un miembro de la sangre azul al pueblo llano. El realizador alaba la capacidad de lucha del protagonista consigo mismo en la que saca fuerzas de flaqueza para apoyar a su nación. No obstante, es bastante crítico con los líos de faldas de los miembros de la Casa Real Británica.

Los diálogos están muy logrados y despachan divertidas dosis de humor inglés (por ejemplo: las secuencias relacionadas con el penique), que siempre caracterizó a los hijos de la Gran Bretaña y que, por cierto, no todo el mundo lo capta, pero que, en esta cinta, aparecen como esenciales para comprender al personaje inteligentemente interpretado por un Geoffrey Rush.

Por otra parte, creemos interesante destacar la actuación de Colin Firth, aunque puede verse enmascarada por el espléndido y milimétrico actor de doblaje. El actor describe acertadamente para Fotogramas lo que se quiere transmitir al contar esta historia: “Es la historia de un hombre, tratando de conectar por encima de sus limitaciones, superando sus barreras. Todos tenemos barreras de uno u otro tipo y la película explora esas limitaciones.”

En definitiva, El discurso del rey (2010) nos regala un relato de amistad en el que cada uno debe de limar sus diferencias para conseguir entender lo que el otro quiere proponerle. Ambos deben “rebajarse”, aunque de manera distinta (nos ha gustado la secuencia en la que el logopeda demuestra su talento con la finalidad de detectar el origen del trastorno del lenguaje de su paciente). También, esta obra del celuloide refleja la importancia de las personas en la sombra de la mano de la que se terminará convirtiendo en la reina madre (Helena Boham Carter) e, indudablemente, del logopeda. Además, sorprende ver como el carismático heredero abdica, mientras que el supuestamente más débil muestra su capacidad para tirar del carro de su país.

En contraposición con lo positivo, detectamos que, con tal de resaltar la labor de apoyo moral realizada por el monarca, se menoscaba el trabajo de uno de los políticos más relevantes del panorama internacional de esa época como fue Winston Churchill que supo estar a la altura de las circunstancia en la guerra, donde quedó para la posteridad la célebre y necesaria expresión: “Sangre, sudor y lágrimas”.

Como dato curioso, se da la paradoja de que Colin Firth siempre representa al típico inglés como es el caso y, sin embargo, ha pasado toda su vida fuera de su lugar de origen por motivos de la profesión de su padre.(publicado en pantalla 90 y diario ya)

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21st Dic2010

El último bailarín de Mao -comunismo y superacion-seccion criticas

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Desde un punto de vista político, El último bailarín de Mao (2010) es una crítica al régimen comunista del dictador chino, que persiguió a cristianos y liquidó a un millón de tibetanos para implantar un totalitarismo de carácter marxista en lo que hoy conocemos como la República Popular China. Aunque centrándonos, Bruce Beresford, autor de Paseando a Miss Daisy, intenta explicarnos el modo en que las autoridades chinas explotan a sus compatriotas, exprimiéndoles al máximo para utilizarlos como propaganda (por poner un ejemplo, en este biopic se cuenta la vida de un bailarín al que le hacían entrenar en su país 16 horas diarias, lo que supuso que este hombre perdiese su infancia. Este es un dato que confirma que las dictaduras extremistas utilizan a los niños prodigio, sin tener en cuenta su dignidad, porque para ellos el fin justifica los medios).

En este caso, la película gira entorno al intercambio de estudiantes de la Academia de Danza de Pekín con La Escuela de Ballet de Houston, que sirvió para que Lu Cuxin escapase de ese sistema de gobierno opresor, lo que le da a la historia un valor añadido, que la convierte en una cinta muy valiosa porque nos ayuda a conocer aspectos del maoísmo que todavía algunos se empeñan en negar, elementos como la capacidad de manipulación de sus dirigentes que castigan al que no sigue la marca pautada. No obstante, pensamos que en este punto se debería haber dado más caña. De todas formas, se apuntan los crímenes del comunismo chino en el momento de la muerte del dictador y la hipocresía de los gobernantes que le sucedieron con respecto a ese tema.

Por otro lado, fue necesario realizar un casting por triplicado muy complicado, puesto que el protagonista pasa por tres etapas (niño, adolescente y adulto) y era necesario que supieran tanto bailar muy bien como dominar el inglés y el mandarín. Como dato curioso, Li Cuxin significa: guarda tu corazón inocente, un valor a tener en cuenta en una sociedad muy resabiada como la actual.

Cambiando de tema, el cineasta ha sido capaz de contar una historia notable, cuya estética, que el ballet potencia, resulta espectacular. El ritmo es el adecuado, sin prisa, pero sin pausa. Además, el director ha sabido crear una buena atmósfera general, aderezándola con pequeñas dosis de humor.

Por último, el largometraje nos hace reflexionar sobre la necesidad de la libertad, sobre la importancia del esfuerzo para superarse y conseguir sus propósitos junto a las tremendas renuncias que ello puede suponer. Nos parece muy interesante el guiño a la familia, demostrando su universalidad. Por otra parte, destacamos el agradecimiento y el respeto del pupilo hacia su mentor, al que considera la pieza esencial de su éxito.

También, este personaje (el maestro aparece como una persona apolítica), que consideraba que el arte debía ir desligado de la política, es usado por el realizador para cuestionar la autoridad de los funcionarios de Pekín. La citada discrepancia le costó el destierro.

Finalmente, la cinta refleja la necesidad de diálogo en una pareja, ya que no sólo el amor resulta imprescindible para que la relación funcione, sino que nos parece muy importante tener un proyecto común de vida, sin el que un matrimonio puede tambalearse con facilidad.

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13th Dic2010

Megamind-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Dado el escaso número de estrenos de este fin de semana tanto por su cantidad como por su calidad, hemos decidido rescatar a Megamind (2010), la apuesta de Dream Works para estas fiestas.

La cinta en cuestión gira entorno a dos extraterrestres con vidas paralelas, pero antagónicas. Metro Man es el engreído superhéroe, mientras que Megamind es el supervillano, que planea y consigue eliminar de la faz de la tierra a su bueno y presuntuoso contrincante, con lo que su vida deja de tener sentido por lo que se aburre soberanamente.

La dirección corre a cargo de Tom McGrath, autor de las sobrevaloradas Madagascar (2005) y Madagascar 2 (2008) junto a su compañero Eric Darnell, aunque se puede decir que Megamind (2010) es su ópera prima y, en principio, iba a rodarse con actores de carne y hueso. La historia pretende ser una parodia sobre la figura de Superman y lo que podía haber sido una genialidad se queda en un entretenimiento para niños, que consta de dos partes bien diferenciadas. La primera parte nos parece muy flojita. En cambio, la segunda parte se puede decir que merece más la pena pudiendo hacer las delicias de toda la familia.

De todas formas, el argumento de la misma es poco original. El realizador no ha sabido imprimirle el brillo necesario, al igual que le ocurren a sus anteriores trabajos de animación. Por otro lado, los gags que se presentan no resultan demasiado acertados.

Dicho esto, el largometraje es un prodigio de la tecnología de animación, ofreciéndonos destellos técnicos realmente espectaculares en muchas de las escenas. Finalmente, nos ha gustado el homenaje a Michael Jackson.

Cambiando de tema, esta producción puede servir para reflexionar sobre lo determinante que puede llegar a ser el ambiente, donde seamos educados para tener una idea clara que nos proporcione elementos de juicio para distinguir entre el bien y el mal (un dato que viene a demostrar la importancia de recibir una buena educación y del interés que muchas personas tenemos de que no adoctrinen a nuestros hijos a través de la asignatura Educación para la ciudadanía). No obstante, la cinta deja claro que no estamos predestinados, sino que nosotros debemos forjarnos nuestro futuro y somos dueños de nuestro destino. Además, El amor aparece como la herramienta para cambiar a las personas y que éstas puedan superarse, corrigiendo sus defectos.

Como dato curioso, Will Ferrer, el actor americano que le pone voz al protagonista, llegó disfrazado mediante una vestimenta casera: con la cara pintada de azul, con unas mallas ajustadas y contando chistes para promocionar la película, tal y como nos explica la revista Fotogramas.

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06th Dic2010

Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del Alba-seccion críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

En estas navidades, el duelo taquillero sobre el cine fantástico de aventuras está garantizado gracias a la rivalidad que se va a generar entre Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 1 (2010) y Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba (2010). Se trata de dos franquicias, cuyos argumentos han recibido diversas interpretaciones sobre su significado y que hacen las delicias de los más pequeños y de cualquiera que se adentre en esos mágicos mundos sin importar la edad.

La clave de esta excelente tercera parte de esta saga, que ha sido traspasada de la Disney a la Fox, la encontramos en el gran director con el que se ha contado porque Michael Apted es el autor de una ninguneada perla británica, llamada Amazing Grace, que versa sobre los esfuerzos de un político por abolir la esclavitud en Gran Bretaña. Un dato que debe ser tenido en cuenta, ya que el cineasta en su citado anterior trabajo supo captar la profundidad de su protagonista. Al igual que ocurre con el largometraje en cuestión pues, aunque pueda parecer un inocente película para niños, Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba esconde en su interior la esencia del humanismo cristiano, puesto que estos relatos están basados en un escritor creyente como fue C S Lewis, que quiso hacer una alegoría sobre el mensaje del Evangelio, cuyo máximo representante queda expresado en la figura del león(En referencia a este tema, el león dice lo siguiente: «Allí tengo otro nombre. tenéis que aprender a conocerme por ese nombre. Éste fue el motivo por el que se os trajo a Narnia, para que al conocerme aquí durante un tiempo, me pudierais reconocer mejor allí»). En el primer relato cinematográfico de la saga, el citado personaje se sacrificaba por su pueblo para luego transmitir esperanza con su resurrección.

En esta ocasión, el león, Aslan, nos hablará del más allá en el sentido más positivo del término y el realizador, siguiendo la trama de C S Lewis, hace referencia más o menos clara a la cena pascual y a las tentaciones de Jesucristo en algunas de las escenas más importantes de la película.

Por otro lado, Michael Apted ha demostrado que se puede contar un buena historia( con efectos especiales y fantasía) que tenga como virtud entretener y divertir, sin olvidar que pueda hacer reflexionar tanto adultos como a los chavales bien dirigidos.

Entre los valores, que esta cinta nos ofrece, destacamos el de la fe y en luchar por lo que uno cree; el valor de la amistad entendida como la entrega por el compañero necesitado; el saber aceptarse a si mismo y de aceptar los designios divinos porque Dios nos regala dones que deben ser puestos al servicio de los demás.

En el apartado interpretativo habría que decir que ningún actor sobresale por encima de los demás, pero el conjunto de actuaciones resulta armonioso. Eso si, la figura del león, que fue creada por ordenador, sigue sorprendiendo tanto por su realismo como por la ternura que transmite.

En contraposición con lo positivo, observamos ciertos cortes muy bruscos entre escenas que nos da la impresión de estar demasiado forzados.

Por último, nos quedamos con unas frases que sugieren que primero hay que superar nuestros aspectos más oscuros de nuestra alma para poder eliminar la oscuridad de la sociedad que nos rodea. (publicado en paginas digital y Diario Ya)

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