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27th Abr2011

The company men-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

En estos tiempos de crisis económica, el problema del paro está tan extendido que incluso hasta la sociedad americana se preocupa seriamente porque las tasas de desempleo hayan subido tanto, aunque  si nosotros tuviésemos la cifra del 10 % , nos daríamos con un canto en los dientes, puesto que  nosotros doblamos la cifra. Y si ellos son pesimistas con respecto a ese tema, nuestra recuperación es francamente más difícil.
 
No obstante, el objetivo del guionista de la serie de El ala oeste de la Casa Blanca  y del director novel, John Wells, consiste en constatar esa realidad desde el punto de vista de los empresarios y desde la óptica de los trabajadores, centrando su análisis en las diferentes actitudes que pueden tener las personas frente a esa lacra que tanto afecta a la autoestima. El largometraje nos muestra un amplio abanico de modos de afrontar el problema, así que nos encontramos con distintos personajes que se hunden en el dolor y no son capaces de salir adelante, mientras que vemos como otros no se rinden, luchando por alcanzar sus sueños, una forma muy americana de superación. La familia  vuelve a mostrarse como último recurso al que agarrarse en un momento de necesidad.
 
De todas formas, esta producción  intenta ahondar en la problemática que afecta a los ejecutivos que conlleva que pierdan el alto nivel de vida; de lo que puede suponer perder ese status y de la lógica negación de la nueva situación.
 
Para describirnos y explicarnos todo lo comentado, el cineasta cuenta con un reparto de lujo que, en algún momento de su carrera y en diferentes categorías, ha obtenido el Óscar. En nuestra modesta opinión, todos los actores están bien, pero las interpretaciones de Tommy Lee Jones y Chris Cooper eclipsan a Kevin Costner y a Ben Affleck.
 
The company men (2010) nos parece razonablemente buena e interesante, tratando el paro de las altas esferas, aunque no lanzamos las campanas al vuelo, como lo ha hecho la crítica americana que se ha volcado por abordar un tema, para ellos, menos habitual, alabándola como si se fuera una obra maestra.
 
Por último, la película cuestiona el comportamiento de las grandes multinacionales que, aún obteniendo grandes beneficios, optan por eliminar el lastre humano, abaratando los costes, una forma de entender el mundo claramente injusta, puesto que sólo buscan el mero interés económico sin tener en cuenta las repercusiones de estas decisiones en las personas.

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17th Abr2011

Cartas a Dios-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario Ya)

No suele ser habitual que un escritor adapte su propia novela, transformándola en película. Éric Emmanuel Schmitt debe ser la excepción que confirma la regla, pues este autor traslada a la gran pantalla su texto, Óscar y Mamie Rose, porque no era gratificante para él que alguien pudiera tergiversar su mensaje, así que se puso a los mandos del proyecto.

Cartas a Dios (2009), coincidente en el planteamiento con Vivir para siempre (2010), nos cuenta los últimos días de un niño, llamado Óscar, que tropieza con una mujer malhumorada y de vuelta de todo, que se terminará convirtiendo en el pilar en el que ese pequeño se apoye para superar sus dificultades, ya que sus progenitores son incapaces de comunicar a su hijo la fatídica noticia.

En general, las obras de este novelista-cineasta han sido bien adaptadas al cine como es el caso de la interesante Ibrahim y las flores del Corán (2003), un relato que al igual que el de la película en cuestión, corresponde a una forma de entender el mundo que analiza lo invisible (corresponde a grupo de relatos que reciben el nombre de El ciclo de lo invisible) y recuerda por sus toque mágicos y por la esencia de su mensaje a Antoine de Saint-Exupéry en El principito. Y es que la clave para entender el porqué la película trata el tema de la muerte de esa manera y no de otra se encuentra en la cristiana conversión del realizador Éric Emmanuel Schmitt. Por tanto, el autor ha pretendido que reflexionemos sobre los diferentes modos que tiene el hombre de afrontar el dolor ante una grave enfermedad.

Por otro lado, es importante que el público sepa que la película es bastante divertida y la idea que nos quiere transmitir se encuentra repleta de esperanza, pues el personaje de Rose, excelentemente interpretado por Michèle Laroque, conocida por su trabajo en Mi vida en rosa, ayuda a su compañerito a descubrir la trascendencia, explicándoselo en una capilla frente a un crucificado, mientras el niño se pregunta cómo Dios permite el sufrimiento de las personas y ella le sugiere que el ser superior en el que ella cree sabe lo que significa sufrir por los sufren. Por otra parte, Rose asume el rol materno que recuerda y parece un guiño hacia la relación que establecen el anciano Carl y el pequeño Russell en la oscarizada cinta de animación, Up (2009), aunque este personaje (Rose) se ve obligado a mantener la distancia adecuada en el momento en el que los padres asuman sus obligaciones.

Cambiando de tema, algunos críticos tildan a la cinta de edulcorada y puede que tengan razón. Sin embargo, creemos que el director trata de introducirnos en la mirada y los pensamientos del niño a través de la sabia imaginación de la vendedora de pizzas y protagonista.

Además, este film hace un recorrido por las etapas por las que pasa un hombre desde su nacimiento hasta su fallecimiento, que está muy logrado y contado con gran sencillez y gran sentido del humor como por ejemplo la inocente historia de amor del protagonista.

Como dato curioso, nos parece llamativo que Max von Sydow que, con Ingmar Bergman, fue el representante de las dudas existenciales, en este caso, y al final de su carrera, participe en una producción que confía en la providencia.

Finalmente, resulta fatigoso la reiteración de algunas de las escenas que pueden cansar al espectador,

Por último, observamos que existen algunos críticos que ven como un defecto su optimismo o luminoso final

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10th Abr2011

Happythankyoumoreplease-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Todos los años, el cine Indie nos obsequia con alguna que otra película que merece la pena por su contenido. Y si, por poner un ejemplo, 500 días juntos (2010) nos contaba de manera magistral las fases por las que pasa una pareja o Pequeña Miss Sunshine (2006) apostaba por la familia, Happythanyoumoreplease (2010) nos habla de las relaciones sentimentales entre treintañeros.

La cinta gira entorno a las historias de tres parejas, que se entrelazan con sutileza, explicando como son las relaciones entre hombres y mujeres en la Nueva York actual. El análisis hecho por el realizador Josh Radnor pretende contarnos el modo de vivir de unos jóvenes que tienen ciertos valores, pero que viven desconcertados por el cambio acelerado al que asiste la sociedad postmoderna que navega sin un rumbo claramente definido y que se dejan influir por el poderoso atractivo del materialismo y el hechizo de la relaciones rápidas basadas en el hedonismo.

El largometraje está dirigido escrito y protagonizado por Josh Radnor, recordado por ser el personaje principal de la serie Cómo conocí a vuestra madre, que se muestra como conocedor del ser humano, pues te toca el alma con este trabajo ganador del premio del Público en el Festival de Sundance. De todas formas, la virtud fundamental la encontramos en el guión, ya que no se trata de conversaciones imposibles, sino de todo lo contrario, porque los diálogos, que siembran todo el film, son asequibles y su estilo comunicativo lo entiende todo tipo de público.

Happythankyoumoreplease (2010) es traducida en la versión en castellano como gracias más por favor (que conviene no confundir con la “célebre” un poquito de por favor). Una expresión muy particular que define lo que significa la felicidad para un personaje como el interpretado por la actriz Malin Akerman que nos muestra el lado más superficial y vacío de una relación del pasado frente a la del presente, que nos habla del amor verdadero, que viene respaldado por el compromiso serio y que ofrece cierta esperanza en el hombre de hoy. También, esta producción refleja la dificultad de la sociedad del siglo XXI ante el compromiso, uno sin motivo aparente como el de la escena anteriormente mencionada y el otro como consecuencia de los fracasos matrimoniales de sus progenitores.

Además, esta obra del celuloide nos habla de una amistad imposible entre el niño perdido y el protagonista que expresa que para ese noble e inocente valor no hay límite de edad y que cuando uno es adulto (la escena en que Malin Akerman íntima amiga de Josh Radnor le dice a su amigo que descubre que la belleza de su novio está en el interior) que se convierte en compresión.

Por otro lado, Kate Mara canta magníficamente una canción fundamental para entender la línea de pensamiento del cineasta que sirve como colofón a una excelente banda sonora que mezcla el pop y el country y que se encuentra entre las mejores de los últimos tiempos.

Por último, aunque no lo verbaliza, da la impresión de que se apuesta por la vida.

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29th Mar2011

En un mundo mejor-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

El cine nórdico se caracteriza por su frialdad y últimamente por el análisis de la violencia. Sin embargo, si la dirige la danesa Susanne Bier, la cosa cambia porque su estilo narrativo es de sangre caliente [acuérdense de la emocionante Después de la boda (2006)]. Y si para colmo viene respaldada por el Globo de Oro a la mejor película extranjera y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, las posibilidades de éxito de la perla europea del año están medianamente garantizadas.

En un mundo mejor (2010) cuenta la historia de dos niños que han sufrido experiencias traumáticas y que luchan por encontrar un hueco en su ambiente. Christian es un niño conflictivo que culpa a su padre de la muerte de su madre, mientras que Elías sufre por la separación de sus padres como consecuencia de una infidelidad, lo que, según parece, provoca que el padre de éste se entregue en cuerpo y alma a una misión humanitaria en África, una realidad, en pocas ocasiones, recogida por profesionales del cine.

Las interpretaciones, tanto de adultos como de niños, nos parecen espléndidas y repleta de matices, aunque destacamos la labor de Mikael Persbrandt, que interpreta al padre de Elías y que, sin tratarse de una cinta que explícitamente exprese el valor de la trascendencia, implícitamente sugiere la esencia del mensaje cristiano y el actor, no se´si con intención o sin intención por parte de los guionistas, parece un ángel venido del cielo.

La realizadora se muestra como una amplia conocedora del alma humana y su trabajo parece un estudio antropológico. La cinta utiliza una ambientación naturalista y el único problema se encuentra en la irritante filmación cámara al hombro propio del movimiento dogma del que proviene Susanne Bier y que puede resultar mareante, sobre todo, si te atreves visionarla subtitulada. La otra pega puede ser los excesos agresivos de uno de los personajes que pueden restarle credibilidad al relato.

La directora toca muchos temas y a todos se les da respuesta. Esta producción plantea el problema de la ausencia materna y de las dificultades de los padres a separados, pero ofreciendo soluciones como la necesidad se sincerarse junto a la importancia de crear momentos que inviten a la comunicación antes de que la situación se enquiste. Por otro lado, es interesante el modo en el que se produce una reconciliación o no, tras un periodo de sufrimiento y un profundo arrepentimiento

Este relato se hace la pregunta sobre cuál es la auténtica valentía y cuando ese valor tiene su sentido que sea utilizado. En las escenas relacionadas con esa cuestión da la impresión de que la realizadora pone toda la carne en el asador con la intención de interpelar al espectador.

Finalmente, esta obra del celuloide te atrapa de principio a fin, manteniéndote en tensión como si se tratase de una película de acción porque siempre sucede algo perfectamente dosificado para no desvelar la trama que te va sorprendiendo, que corresponde con la forma de narrar de una auténtica maestra.

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25th Mar2011

Sin compromiso-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

En los últimos años, los productores están apostando por un tipo de comedia que, a ratos, cae en la vulgaridad. Sin Compromiso (2011) va en esa línea; nos ofrece un trailer sin trampas (pues uno sabe donde se mete) y es el nuevo trabajo del director Ivan Reitman [es el padre del excelente director Jason Reitman, que nos encandiló con su propuesta políticamente incorrecta en defensa de la vida como Juno (2007)], conocido por historias como Mi super exnovia y por haber producido la nominada al Óscar por Up inthe air (2009).

El argumento, que nos ofrece el cineasta, se propone explicar la diferencia entre amor y sexo. Para ello nos cuenta la vida de un chico enamorado de la misma chica desde un campamento de la adolescencia a la que volverá a encontrarse casi por casualidad años más tarde. Éste intentará conquistarla. Sin embargo, ella le propondrá que tengan encuentros sexuales, pero sin que ello les lleve a compromiso alguno, para lo cual establecerán unas reglas para evitar crearse vínculos emocionales.

El largometraje refleja una realidad cada vez más extendida, por desgracia, en la sociedad occidental; es decir, buscar encuentros que no conlleven a compromisos posteriores, lo que nos podría llevar al deterioro progresivo de la civilización, aunque la conclusión a la que se llega es que, al menos, se cuestiona el problema de empezar la casa por el tejado y que las relaciones íntimas, para que tengan sentido, deben de ir unidas a una pareja estable.

De todas formas, hubiera sido interesante mostrar el vacío que provoca esta forma de ver la vida, sobre todo, en las chicas que no queda claro en la cinta o la confusión que produce alterar el orden lógico de la relaciones entre hombre y mujer.

Otro aspecto negativo es el guiño a la ideología de género de esta peĺícula simplemente entretenida. Además para tratarse de una comedia los chistes no abundan, resultando bastante facilones en la mayoría de los casos.

Finalmente, las interpretaciones no llaman la atención, salvo la de Natalie Portman que demuestra su talento en un papel un tanto peculiar que, bajo mi humilde opinión, poco tiene de romántico.

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20th Mar2011

Nunca me abandones-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en www.paginasdigital.es)

El cineasta Mark Romanev, conocido por Retrato de una obsesión (2002), adapta una novela homónima del japonés Kazuo Ishiguro, que recuerda, en algunos aspectos, al mítico texto de Aldous Huxley (Un mundo feliz). El largometraje plantea fundamentalmente el dilema moral de la clonación terapéutica, que se ha bautizado popularmente con el nombre de bebés medicamento.

El argumento gira entorno a un triángulo amistoso-amoroso de un chico y dos chicas que viven en un especie de orfanato de élite de niños clonados que, cuando crezcan, deberán donar sus órganos, que serán transplantados para curar a sus originales. Ellos vivirán felices hasta que conozcan lo que le deparará el futuro y descubran para que han sido creados.

Las interpretaciones nos parecen muy buenas, destacando la actuación de Carey Mulligan, que ya nos maravilló en An education (2009), en la que se hablaba del poderoso influjo del mundo adulto que no atiende a principios. Keira Knightley, que para lo que nos tiene acostumbrados, está muy bien y el personaje de Andrew Garfield (el nuevo Spiderman) está muy logrado.

El director ha apostado fuerte por el trabajo de actores. El tono trata de ser poético y romántico, pero no llega a emocionar. El espectador puede tener la sensación de estar viendo una película detrás de un cristal y si a lo dicho le añadimos un ritmo pausado, la película puede defraudar.

De todas formas, podemos decir que lo más interesante se encuentra en el contenido, pues el realizador dignifica el valor del ser humano como ser único e irrepetible a pesar de tratarse de un ser creado para otros fines. Su actitud es crítica frente al problema y lo expresa de modo elegante, aunque no busca soluciones factibles u otros métodos que no supongan un conflicto ético.

Por otra parte, podemos decir que el realizador al “vender” su película, se sirve de ella y la utiliza como declaración de principios. Dijo lo siguiente a fotogramas: “Vamos a vivir más de 85 años. La amistad, el amor, tratar bien a los demás y comportarse de forma ética pueden ser soluciones al problema. La gente que piensa que el dinero, el poder y la fama son lo que cuentan de verdad está equivocada.”

Sorprende que a los personajes les preocupe su situación y se agarren a una serie de rumores para mantener la esperanza. Sin embargo, extraña que no traten de huir o luchar, resignándose a su triste destino.

Finalmente, resaltamos el interés del director por cuidar el detalle, regalándonos una excelente fotografía, que es uno de los puntos  fuertes de esta producción británica.

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13th Mar2011

En el centro de la tormenta-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( Publicado en Pantalla 90)

Bertrand Tavernier es una de las leyendas vivas del cine francés. Entre sus trabajos más destacables recordamos a El Capitán Conan (1996), que nos hizo reflexionar sobre la crueldad de la guerra, mientras que, en la memorable Hoy Empieza todo (1999), nos invitó a pensar sobre el valor de la vocación, en este caso, de un maestro.

El cineasta ha rodado en Estados Unidos En el centro de la tormenta (2009) un thriller, basado en las novelas de James Lee Burke, que cuenta las peripecias de Dave Robicheaux, un detective alcohólico, que investiga los crímenes de un asesino en serie. Esta saga de novela negra no es la primera vez que se lleva a la gran pantalla, pues ya se realizó otro relato, llamado Prisioneros del cielo (1995) e interpretado por Alec Baldwin .

Este investigador resuelve, en esta ocasión, los casos al estilo de los personajes de John Ford, que miraban al pasado y al presente para descubrir los crímenes del momento, aunque salvando los estilos y las considerables diferencias, ya que el protagonista asocia el asesinato post-Katrina con uno sucedido 40 años atrás.

La prensa comentaba la afición del director a la literatura del citado Lee Burke y la franquicia de Dave Robicheaux, pero tomándose alguna licencia temporal y ambientándola, al igual que el escritor, en Lousiana (territorio sureño) en el que el problema racial está garantizado.

Sin embargo, el largometraje nos produce una doble sensación porque, por un lado, la puesta en escena nos parece muy sobria (la sobriedad puede entenderse como una virtud o como un defecto, pero lo que queda claro es que resulta más realista que la mayoría de largometrajes que centran todo su poderío en la acción) y los personajes nos parecen pocos desarrollados y las secuencias explican algo más de su tipo de vida para tratarse de una historia que se apoya en un libro. La presentación del personaje es muy abrupta, así que se podría decir que se centra demasiado en la trama. Por otro lado, pensamos que el guión flojea; no transmite buenas sensaciones y el libreto no va en consonancia con el nivel del director.

La interpretación de Tommy Lee Jones no deja lugar a dudas de su calidad. El actor no necesitó la asistencia del director para realizar su trabajo, pues el cineasta lo consideraba tan preparado que no fue necesario que recibiera instrucciones.

Finalmente, tenemos la impresión de que la cinta apunta el valor de la familia tradicional y de la religiosidad del astuto protagonista.

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08th Mar2011

El Estudiante-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario ya)

No resulta muy habitual que un largometraje homenajee a la literatura hispánica, al Siglo de Oro español y, en especial, a la figura del Quijote. El eterno idealista que lucha contra molinos de viento que, en este caso, se enfrenta a la postmodernidad de la mano de su protagonista, interpretado por Jorge Lavat.

El largometraje narra las andanzas de un anciano, que se matricula en la universidad, transmitiendo su pasión por los grandes escritores españoles a sus jóvenes compañeros que, en un momento duro para el protagonista, le devolverán la ayuda recibida.

El estudiante (2009) ha sido un éxito en México, donde ha arrasado en taquilla. La ha dirigido Roberto Girault, triunfador de los Premios de la Diosa de la Plata. El cineasta ha hecho un guiño a su abuelo, que era un gran aficionado al texto cervantino por excelencia, al igual que le pasaba al abuelo paterno del que escribe este artículo. Girault debe ser un amante de la cultura como se percibe en cada diálogo y planteamiento de su guión, estando abierto a la vida y a la trascendencia. Este joven director es un católico convencido que realiza un cine clásico que verdaderamente transmite valores ciertamente interesantes como el valor del amor duradero que se deduce de las palabras con que obsequia a su mujer y es la siguiente:”Siempre mi consuelo, siempre mi columna, siempre mi amada”.

Por otro lado, la estrella indiscutible de la película saca lo mejor de sus ”discípulos”, buscando un encuentro entre generaciones y mostrando la importancia de la caballerosidad para la conquista de una dama. Así que nos quedamos con la escena de un mimo que expresa lo anteriormente comentado. También, nos habla de la amistad, entendida como el servicio a los demás de un hombre al que todos querríamos tener como amigo, que demuestra que sin esperar nada a cambio, es dando como se recibe.

Cambiando de tema, la cinta puede ser considerada un tanto ñoña o de otra época, pues recuerda al cine de Leo McCarey (El citado director americano tiene una buena media docena de películas como Las campanas de Santa María o Dejad paso al mañana, aunque es conocido por Tú y yo), pero les aconsejamos que no vayan con perjuicios porque no les va a decepcionar, ya que nos cuenta un historia emocionante, que enseña a enamorar, a respetar y amar a la persona con la que quieres compartir tu vida. Y a quien no se le escape una lágrima, será porque no le presta la atención debida a este trabajo cinematográfico, que es pura poesía. Sin embargo, la película, El estudiante (2009), no está alejada de la realidad a pesar de lo que pueda parecer, pues plantea problemas tan propios de la sociedad actual como el de los embarazos no deseados. Por otro lado, las transiciones entre escena y escena pueden resultar pesadas, pero parece que han sido realizadas con la intención de hacernos reflexionar.

Por ultimo, les doy el consejo de que no tarden en ir a verla. No vaya a ser que se queden con las ganas, puesto que han llegado pocas copias a España.

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08th Mar2011

Ispansi(Españoles)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en Diario Ya)

¿Se imaginan ustedes una película española en la que se enamoren una falangista y un comunista?¿ Piensan qué es posible que, en un largometraje cien por cien nacional, se hable de que los españoles de la tendencia política opuesta fuesen salvados por la División Azul en Rusia?¿Conocen ustedes alguna producción en la que se critiquen las persecuciones religiosas durante la II república y la Guerra Civil (Si hay una La hora de los valientes de Antonio Mercero) o se refleje las colas de comunismo de la Unión Soviética? Pues, si se adentran en la bien documentada Ispansi (Españoles) (2011), se sorprenderán del cineasta Carlos Iglesias y su intento de cerrar las heridas de La Guerra Civil, centrándose en los aspectos que nos unen más que en los que nos separan en un film aceptablemente rodado, aunque su resultado final no sea redondo.

Y es que Carlos Iglesias, conocido por la serie Manos a la Obra, se caracteriza por el estilo ponderado de sus obras como es el caso de Un Franco, 14 pesetas (2006), donde contó objetivamente un hecho que, en principio, era subjetivo porque correspondía a una vivencia personal.

De todas formas, nos parece cuestionable el planteamiento del protagonista sobre los orígenes de La Guerra Civil, pues el historiador, Pío Moa, ha demostrado en sus estudios que el auténtico golpe de estado lo dio la izquierda en el año 1934. También, no resulta creíble que un sacerdote desvelase el secreto de confesión. Además, podríamos decir que la producción apuesta por la vida.

Por último, nos quitamos el sombrero ante la honestidad, en líneas generales, de este realizador aparentemente independiente, que cuenta la historia aproximándose a lo que realmente pasó

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28th Feb2011

Sígueme el rollo-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

Las películas del monologuista Adam Sandler se caracterizan por un humor rústico y gamberro, pero, en el fondo, esconden un mensaje positivo con una moraleja interesante. Un ejemplo de lo dicho en estas líneas lo encontramos en algunos de sus trabajos como Un papá genial (1999), Más allá de los sueños (2008) o 50 primeras citas (2004), donde se sacaba la conclusión de que el amor es una conquista diaria.

Sígueme el rollo (2010) combina el burdo estilo tan característico del citado humorista americano junto a Jennifer Aniston, que nos maravilló con la serie Friends, a la que se le considera una de las reinas de la comedia romántica, aunque hasta la película en cuestión, sus interpretaciones no había sido convincentes en ninguna de sus intervenciones en diversas producciones. Así que se puede decir que estamos ante una comedia ecléctica, que coge de un lado y de otro, para formar un cóctel muy divertido, funcionando muy bien, donde puedes encontrar momentos mágicos al estilo más clásico con otras situaciones tremendamente disparatadas o vulgares.

El argumento gira entorno a un cardiólogo (Adam Sandler), que al enterarse de las infidelidades de su futura esposa, decide no enamorarse nunca más, por lo que se dedica a ir de flor en flor hasta que conoce a la mujer (Brooklyn Decker) de su vida. Sin embargo, esta chica descubre la alianza de la suerte en el bolsillo de éste y se enfada con él. Por esa razón, el doctor recurre a la ayuda de una compañera (Jennifer Aniston) de toda la vida para la reconquista de la atractiva muchacha.

La dirección corresponde a Dennis Dugan, conocido por la desternillante Un papá genial (1999) o por la insoportable Zohan. Licencia para peinar (2008), que rueda al servicio de Adam Sandler y que ha tenido la virtud de crear un ambiente adecuado para que la química entre la pareja protagonista funcione.

Como decíamos, nos parece la mejor interpretación de la Aniston en este género, teniendo en cuenta las limitaciones de esta cinta que abusa de chistes tremendistas, mientras que el actor Nick Swardson nos saca de quicio con su histriónica actuación.

Como dato curioso, podemos decirles que la bella actriz Brooklyn Decker proviene del mundo de la moda, habiendo sido la portada de la revista Sport Ilustrated. También ha posado para Cosmopolitan, siendo descubierto su talento por casualidad en un centro comercial.

Cambiando de tema, la cinta refleja el valor del compromiso y del matrimonio porque el protagonista debe discernir entre los puede suponer en su vida una elección hecha por impulsos y la que le puede proporcionar la felicidad duradera. Además, el director pretende explicar la diferencia entre amor y enamoramiento. Por otro lado, habla de la necesidad de ser sinceros con nosotros mismos en un desengaño amoroso para descubrir lo que nos pide el corazón.

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20th Feb2011

Sin retorno-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

En los últimos años, el cine argentino nos ha obsequiado con algún que otro thriller, que combina el drama muy logrado de los personajes con una trama de intriga. El largometraje en cuestión se llama Sin retorno (2010).

El inicio del mismo comienza con el atropello de un ciclista, una dato que recuerda a la célebre historia [Muerte de un ciclista (1955)] contada por Juan Antonio Bardem, que ganó un premio importante en el Festival de Cannes, realizada durante la dictadura franquista (por cierto, llama la atención que un antifranquista hiciese más películas en la época del caudillo que durante la democracia y con una amplia diferencia), aunque sólo se utiliza este elemento como punto de partida, no teniendo nada que ver con la película de la que hablamos. Sin retorno (2010), premiada con la Espiga de Oro en el Festival de Valladolid, se pregunta por lo siguiente: ¿Cómo se puede vivir sabiendo que eres culpable de un homicidio y que haya una persona inocente encarcelada por tu cobardía? o ¿Cómo puede rehacer su vida una persona condenada por un delito que no ha cometido?

Las interpretaciones resultan muy positivas. A nosotros, particularmente, nos ha gustado mucho la escena en la clínica odontológica por el juego de miradas entre Bárbara Goenaga y Leonardo Sbaraglia.

Miguel Cohan ha trabajado con el cineasta Marcelo Piñeyro y esta es su ópera prima. Muestra gran habilidad para constatar la grandeza o la miseria del hombre con un final abierto de gran brillantez, que permite reflexionar sobre como son las personas. El cineasta consigue que el espectador se quede atrapado por la historia que, como toda buena obra cinematográfica, no debe dejar a nadie indiferente.

Por otro lado, la cinta apunta multitud de temas interesantes como la capacidad de los medios de comunicación para hacer juicios previos, que pueden inclinar la balanza del lado equivocado. La película habla de la búsqueda de la verdad y de la lucha del ser humano para hacer lo que le interesa o actuar como dictamina su conciencia. También, se muestra el instinto natural de la familia a apoyar incondicionalmente a sus descendientes, así como el derecho del hombre a demostrar su inocencia cuando falla el sistema. Por último, sorprende el particular modo en el que el protagonista utiliza su inteligencia para hacer justicia.

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13th Feb2011

Valor de ley-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

Siempre que se estrena un western, surge el debate de si este género está acabado o si se ha contado todo sobre esa temática. Nuestra respuesta es que en el pasado se hicieron grandiosas películas del Oeste. Sin embargo, en el presente, el número ha sido escaso, pero su calidad no baja del notable como es el caso de Apaloosa (2008) y roza el sobresaliente en Sin perdón (1992), El tren de las 3:10 (2007) o la película en cuestión.

Los medios de comunicación han dicho que Valor de ley (2010) es un remake de la célebre historia de Henry Hathaway por la que John Wayne obtuvo el único Óscar de su carrera, que tuvo una secuela, llamada El rifle y la Biblia (1975) en la que compartían cartel tanto el citado icono del western como la superoscarizada Katherine Herpburn . No obstante, la fuente de inspiración para los hermanos Coen no ha sido esa obra de cine clásico, sino que se han basado en la novela de Michael Portis, aunque algunos diálogos han sido escritos por este dúo de cineastas.

El argumento gira entorno a una chica de 14 años, que tiene que hacerse cargo de su madre y de su hermano porque su padre ha sido asesinado por Tom Chaney y no se encuentran en condiciones de tomar las riendas de la familia. La chica tratará de poner orden en su vida y contratará los servicios de un pistolero valiente y borracho para capturar y vengarse del peligroso delincuente.

Cambiando de tema, las interpretaciones son muy positivas en términos generales, destacando fundamentalmente la de Jeff Bridges y la talentosa Hailee Stenfield, que nos muestra un personaje, estemos o no de acuerdo con sus planteamientos, muy maduro por las circunstancias. Así que nos preguntamos lo siguiente: ¿Es posible que una niña de esa época pudiera ser tan responsable? Por lo que cuentan nuestros padres y abuelos eso pudiera resultar creíble, lo que no parece aceptable es que los gobernantes actuales quieran que la juventud actual sea cada vez más inmadura. Tal vez para que sea más fácilmente manipulable

Entre los temas que más no han llamado la atención, sorprende que los Coen hayan resaltado en cierta medida el valor de la trascendencia, ya que sus obras están cargadas de nihilismo (No es un país para viejos puede ser un ejemplo). Da la impresión de que hayan querido apuntar o constatar que la masonería americana no era enemiga de la fe cristiana a diferencia de lo que ocurre con la francesa, española o la mexicana, donde se piensa que la religión es opuesta a los principios de la masonería.

Como decíamos, la dirección corresponde a los hermanos Coen, que nos ofrecen uno de sus mejores trabajos, obteniendo 10 nominaciones a los Óscar. El guión nos parece sólido por lo que han logrado engancharnos con una muy buena primera parte, mientras que la segunda parte decae por alguna escena carente de ritmo. El humor tan característico de estos realizadores queda patente en muchas situaciones y está perfectamente dosificado, aunque se le va la pinza en algunas escenas de acción, que son de una dureza extrema, recordándonos a una de sus primeras y exitosas producciones como fue Fargo (1996), cuya violencia histriónica provocaba rechazo. Un crítico de prestigio la ha considerado tarantiniana en ese aspecto y creo que tiene toda la razón.

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07th Feb2011

127 horas-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Cuando nos vamos haciendo mayores, nuestros padres nos van enseñando la importancia de dejar dicho el sitio al que nos vamos a desplazar, por si nos pasa algo que sepan el lugar en el que encontrarnos y nosotros no les solemos hacer caso, pero acaban teniendo la razón.

Este comentario sirve de moraleja para entender la historia basada en hechos reales que Danny Boyle nos ha querido contar y partiendo de ella, es capaz de hacer entretenida, aunque sólo a oleadas, una película, que hubiese sido insoportable, si hubiera caído en otras manos. Sin embargo, este cineasta saca petróleo de cualquier situación. Además, su estilo narrativo resulta muy original. Los argumentos de sus películas siempre son distintos, alcanzando, en esta ocasión, el notable. No obstante, no logra la excelencia de Millones (2004), ni el nivel de la oscarizada Slumdog millionaire (2008).

El argumento gira entorno a Aaron Ralston que, en unas de sus múltiples aventuras, sufrirá un accidente por el que su brazo quedará atrapado por una roca. Así que el citado cañonero tendrá 127 horas (2010) para solucionarlo o no.

James Franco, aunque ha sido criticado en algunos medios de comunicación, aguanta el tipo razonablemente bien, dada las dificultades de su personaje, que lleva todo el peso de la producción. Merece la pena destacar el esfuerzo del actor por hacer creíble su papel, pues el actor reconoce que nunca le interesó el montañismo, ni los deportes de riesgo

El cineasta ha sabido reflejar el calvario de su protagonista para salir adelante. Nos parece muy interesante el modo o el sistema para mantenerse vivo que fue, entre otras cosas, el uso de la imaginación del que se sirve el director para profundizar sobre su personaje.

Danny Boyle nos hace pensar sobre los anhelos del hombre en un momento de necesidad. Llama la atención el modo en el que nos agarramos a lo que sentimos por nuestros seres queridos en situaciones extremas, siendo esos momentos los que sirven para que caigamos en la cuenta de lo que han hecho por nosotros y lo mucho que los necesitamos. También sorprende la manera en el que el mundo de los sueños refleja los deseos del hombre, cuando se limita nuestra libertad. Por otro lado el humor tan característico del cineasta descarga el dramatismo de algunas de las escenas.

Por otra parte, 127 horas (2010), la nominada en seis ocasiones a los Óscar, nos habla de las ganas de vivir de una persona con escasa esperanza para la supervivencia frente a otros largometrajes que hacen campaña a favor de la muerte.

Por último, la situación más escabrosa de la película ha sido muy comentada en medios de comunicación, pero nos no debe escandalizar porque no es para tanto, si lo comparamos con otras películas o las noticias que aparecen cada día en los telediarios y las observamos con una naturalidad pasmosa, mientras nos comemos un filete con patatas.

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01st Feb2011

The fighter-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

El no muy acertado David O. Russell [Tres reyes (1999)] se adentra en el mundo del boxeo, sacando lo mejor de los actores que le acompañan, que muestran todo su talento, lo que les ha llevado a varios de ellos a estar nominados a los Óscar.

Cuenta la historia de un prometedor boxeador que debe cargar con su problemática familia. Todo cambiará cuando el deportista supere el dilema de escuchar los consejos pugilísticos de su manager y toxicómano hermano o marcharse con un entrenador que les ofrezca ciertas garantías.

Como viene siendo habitual en las nominaciones a los Óscar de los últimos años, estamos ante el clásico largometraje que es más valorado por las interpretaciones que por la historia que cuenta. Mark Wahlberg resulta muy convincente, mientras que el camaleónico Christian Bale [Batman begins (2005) o El truco final (2006)], que representa a su hermanastro drogadicto, ha ganado el globo de oro y tiene todas la papeletas para llevarse el Óscar a mejor actor secundario, dadas las posibilidades de su personaje. Por otro lado, Tanto Melissa Leo [ganadora del Óscar por la excelente Frozen River (2008)] como Amy Adams muestran sus valiosas dotes artísticas y su versatilidad porque sus anteriores trabajos no tenían nada que ver con la obra en cuestión. Como dato curioso, Christian Bale declaró a Fotogramas que para él lo más importante en su vida es su hija por encima de todo lo demás, pero se tomó tan en serio su papel que fue sorprendido por su mujer hablando sólo, como lo hacía su personaje.

El cineasta cuenta sin demasiada brillantez las dificultades de un noble púgil por salir adelante y en la que la parásita familia aparece como un freno para sus aspiraciones. De todas formas, el autor ha pretendido que reflexionemos sobre el perdón dentro de la familia y el esfuerzo de una madre por sacar a su prole adelante a toda costa.

Finalmente, el estilo de narración recuerda a Ken Loach. La ambientación es sórdida en algunos momentos. Sin embargo, tiene sentido porque refleja la realidad de ese mundo que no es precisamente maravilloso con claros guiños a Rocky [John G. Avildsen (1976)] y no estando, desde luego, tan edulcorada como Marcado por el odio [Robert Wise (1956)].

También, nos ofrece un pequeño apartado que podríamos ubicar en denuncia social, donde se critica los estragos que pueden provocar las adicciones en el entorno familiar, explicando lo que puede llegar a pasar cuando no se sabe asumir el peso de la fama, aunque ofrece la esperanza en la rehabilitación

Cambiando de tema, para terminar, la cinta podrá gustar más o menos, pero hay que reconocer que ha arrasado en la taquilla estadounidense.

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31st Ene2011

Red- sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en pantalla 90)

En los últimos tiempos se ha puesto de moda que el guión cinematográfico se nutra de la novela gráfica para contar historias con resultados muy dispares como la magnífica 300 (2007) o la desacertada Wanted. Se busca (2008). Red (2010) está basada en este género literario, cuyos autores son Cully Hamner y Warren Ellis. Por cierto, podemos decir que este cómic largo es considerado como una obra menor del citado en segundo lugar, según comentan los expertos en el tema.

El reparto, capitaneado por Bruce Willis, lo componen un grupo de excelentes actores, que se lucen en muchas de las secuencias, provocándonos, incluso, la carcajada.

El argumento gira entorno a un equipo de agentes de la CIA retirados (Morgan Freeman, Helen Mirren, John Malkovic y Bruce Willis), que se ven obligados a estar en activo nuevamente.

Por otra parte, nos parece muy positiva y adecuada la decisión de incluir a actores veteranos en una época en la que sólo se valora la juventud y la belleza. Por lo visto, Robert Schwentke [Plan de vuelo: desaparecida (2005) y Más allá del tiempo (2008)] ha valorado a la veteranía como un grado y el resultado es que ha sido premiada con la nominación a los Globos de Oro a la mejor comedia. De todas formas, ¿Tan mal está el nivel de este género como para que esta película haya sido nominada? o ¿es qué la mayoría de la prensa alemana que vota estos premios ha querido incluir a un compatriota? Esta pregunta nos la hacemos porque, normalmente, los corresponsales de la prensa alemana suelen ser los que eligen estos premios.

El guión está muy conseguido y al estar narrado como una especie de parodia encubierta con personajes aparentemente inteligentes, los chistes funcionan bastante bien. Si tuviéramos que resaltar alguna de las situaciones cómicas, nos parece muy divertida la escena en la que el malo, malísimo intenta localizar la llamada del bueno, buenísimo y resulta que éste se encuentra en la mismísima casa del villano y nosotros nos preguntamos: ¿Era tan difícil darse cuenta de donde procedía la llamada? Pues, ahí está la gracia.

En conclusión, nos encontramos con una comedia de acción por encima de la media habitual que corresponde a este género, que tan poco ha aportado a la construcción del séptimo arte y que, como siempre, abusa de la violencia, aunque se burla de ella, provocando, como todas, la misma sensación de vacío a las que nos tienen acostumbrados, pero, al menos, en este caso, sales de la sala de proyección con una sonrisa.

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24th Ene2011

Más allá de la vida

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.diarioya.es)

En esta ocasión, Clint Eastwood se atreve con un tema distinto al que nos tiene acostumbrados. Sin embargo, su largometraje se queda en un simple aprobado, resultando muy inferior, sobre todo, si lo comparamos con sus tres anteriores trabajos: No nos olvidamos de la agridulce, pero esperanzadora, El intercambio (2008). No se nos borra de la mente la conversión católica de su personaje en Gran Torino (2009), ni tampoco del intento de cerrar las heridas de la Sudáfrica del Apartheid por parte de Nelson Mandela en Invictus (2010).

El argumento de historias cruzadas gira entorno a tres personajes. Matt Damon interpreta a un experto en parapsicología que posee el verdadero don, que le permite hablar con los muertos, para ayudar a sus parientes vivos. La actriz Cécile De France representa el papel de una periodista que, tras un tsunami, sufre una experiencia cercana a la muerte, mientras que un niño trata de buscar una respuesta positiva que responda a la muerte de un familiar cercano.

La cinta en cuestión poseía todos los ingredientes para ser un éxito, pues la producen dos de los mejores cineastas de los últimos años como Steven Spielberg y el propio director de Más allá de la vida (2010) junto al guionista Peter Morgan [The Queen (2006) y El desafío-Frost contra Nixon (2008)], que también es el libretista de dicha obra cinematográfica.

No obstante, pensamos que le sobran algunos minutos y carece del ritmo adecuado para enganchar al espectados, centrándose en exceso en las experiencia cercanas a la muerte, sin profundizar en los sentimientos de los protagonistas, tratándolo de rodear de teorías científicas en las que apoyarse, aunque se apunta muy levemente el tema de la trascendencia, pero, desde la óptica de un Dios impersonal y en un concepto universal muy general. Por esa razón, este relato nos transmite una gran sensación de frialdad, algo impropio del cine de este realizador.

El final, bajo mi humilde punto de vista y que, por supuesto no les vamos a desvelar, resulta muy acertado y nos regala un toque mágico muy especial, estando rodado con sencillez, así como el diálogo en una escena desarrollada en una escuela de cocina, mientras se escucha de fondo una de las piezas más intensas y conocidas de la historia de la música, que explica la fase inicial del enamoramiento

Por último, no se pierdan la interpretación de Matt Damon, la mirada de Cécile De France y el espectacular arranque del largometraje, que el fondo trata de transmitir cierta esperanza en otra vida.

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