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29th Nov2010

Skyline,¿la peor película de este género?- sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

El cine de serie B, en una de las épocas más potentes de la meca de Hollywood, consiguió resultados muy positivos, contando historias originales con escasos medios, que te transmitían relativa credibilidad y te mantenían en tensión, aunque no te resultase muy atractivo el género ( si me resultaban interesantes en mi infancia).

Skyline (2010) podría haber recordado a ese género en cierta medida y encima con todos los medios tecnológicos a su alcance, si se hubiese trabajado mucho más el guión y, especialmente, los diálogos, pues el desarrollo de los personajes resulta esquemático y sus comentarios no transmiten absolutamente nada. Y es que, en muchas ocasiones, los guionistas cuando saben que la historia no posee la fuerza suficiente, el humor suele completar otro tipo de deficiencias. Sin embargo, la producción ni siquiera nos parece divertida o entretenida. Además, le falta buenas dosis de inteligencia. Sobre todo carece de ese hábil giro que la hubiese hecho diferente.

Por otro lado, tenemos la impresión de que los hermanos Strausse [Alien vs. Predator 2 (2007)] serán unos genios de los efectos especiales, pero todavía les falta un largo recorrido para alcanzar el nivel de las grandes estrellas del género. Estos directores son los dueños de Hidraulx Visual Effects. Su productora ha generado los efectos visuales de El día del mañana (2004), Terminador 3: La rebelión de las máquinas (2003) y Los cuatro fantásticos (2005).También han aportado su granito de arena a la superproducción de James Cameron Avatar (2009). De todas formas, la realización de segunda unidad no es suficiente material para ser un buen cineasta.

Después de lo comentado nos preguntamos: ¿Cómo será el nivel de la película en cuestión como para que consideremos a Independence Day (1996) una obra maestra (en realidad sólo nos parece entretenida)? A los Strausse les sobran las paranoias; les falta ingenio y les recomiendo que vean los trabajos de Jack Arnold o largometrajes de la calidad de La invasión de los ultracuerpos, que nos parecen claros ejemplos de como se hace una película de ciencia ficción o de alienígenas, si quieren prosperar.

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22nd Nov2010

The Way-sección críticas-(Camino de Santiago)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario YA)

A la película en cuestión la podríamos titular como “Trabajo en familia” porque Emilio Estévez dirige a su padre Martin Sheen en una cinta, que descubre la verdadera esencia de la ruta Xacobea, a diferencia de otras producciones, que no se lo han tomado en serio, a excepción de El pórtico de la gloria (1953).

El argumento gira entorno a un prestigioso oftalmólogo californiano que, al enterarse de la muerte de su hijo en los Pirineos mientras realizaba el Camino de Santiago, tratará de seguir los pasos de su vástago como la única forma de restablecer o purificar las desavenencias que pudiera tener con él.

En el apartado interpretativo merece la pena destacar el papel de Martin Sheen, un hombre convertido al catolicismo con todas sus consecuencias, que se siente identificado con el personaje principal y en declaraciones a Fotogramas explicó lo que para el supuso participar en The Way (2010): “No es sólo hacer verdaderamente el Camino, sino descubrir que en el fondo, es el viaje más espiritual, interior, que físico”. Por otro lado, histrionismos iniciales aparte, nos parece muy positiva la aparición de James Nesbit, un actor que suele estar muy acertado con las producciones que escoge como se demostró con Millones y con Cinco Minutos de Gloria, pues su participación le da consistencia y categoría a la historia.

Emilio Estévez ha sabido combinar a la perfección las situaciones de mayor intensidad dramática, desengrasándolas con sabias dosis de humor. No obstante, la virtud principal del cineasta es que ha captado las diferentes realidades por las que unos y otros se animan a participar, desde los que simplemente lo realizan por algún motivo más o menos superficial, a los que lo recorren por sus creencias religiosas como modo de redención. Un ejemplo de la citada redención puede ser el de la protagonista femenina (Deborah Kara) que tiene grabado en su conciencia el dolor por haber abortado y necesita liberarse. En relación con la mal llamada interrupción voluntaria del embarazo (la perversión del lenguaje y los dichosos eufemismos), el realizador apunta el tema de las terribles consecuencias del síndrome post-aborto, que quiere ser silenciado por parte de quien nos gobierna.

Por otra parte, tras unos titubeantes inicios que no auguraban demasiado éxito, la cinta fue ganando en interés y fuerza con el transcurrir de los minutos.

En contraposición con lo positivo, The Way (2010) corre el riesgo de convertirse en un publirreportaje sobre el norte de España, ya que el autor se recrea en la fotografía, pero la verdad es que el nivel paisajístico y monumental lo merece, puesto que sería un pecado capital pasar por Burgos y no fijarse en su catedral o no detenerse en uno de los edificios más elegantes de España como consideramos al Parador de San Marcos de León.

De todas formas, la pifia del largometraje se encuentra en que, aunque seguro que no ha habido mala intención, sino que más bien parece un fallo de documentación, se ha identificado a Navarra como una parte del País Vasco, con lo que sin querer se está haciendo una publicidad que beneficia a los nacionalistas y terroristas de las Vascongadas. Con respecto a este dato lo más sorprendente es que la actriz que hace el comentario haya sido Ángela Molina, que perfectamente podía haber subsanado el error. No sabemos si no habrá podido o no habrá querido decirlo, lo que ya sería más grave.

Por último, la producción nos habla del esfuerzo para conseguir los objetivos que nos propongamos en nuestra vida y del compañerismo. Además, nos ha gustado el guiño al idealista Don Quijote (Martin Sheen) y a su fiel y práctico escudero (Yorick van Wageningen).

15th Nov2010

Planes para mañana-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

Planes para mañana

Juana Macías, la ganadora del premio Goya al mejor cortometraje en el año 2000 por Siete cafés por semana, nos presenta su ópera prima Planes para mañana (2010).

La cineasta utiliza la técnica cinematográfica de relatos en los que las vidas de sus protagonistas se entrecruzan las unas con las otras, un tipo de narración que puso de moda en los últimos tiempos González de Iñarritu, aunque ya se había usado con anterioridad de la mano de Max Ophüls o de Robert Altman. Cuenta la historia de cuatro mujeres a las que les ocurren ciertas situaciones que les obligan a replantearse su existencia.

La directora recurre a multitud de temas interesantes relacionados con el ambiente que nos rodea, que bien podrían tratarse en un cine forum. Sin embargo, el modo de plantearlo no nos parece el más acertado porque imprime un ritmo demasiado pausado que puede resultar cansino, cargando, excesivamente, la mano en el aspecto más dramático, convirtiéndola en lo que denomino “la lagrima aburrida” que ocurre, bajo mi humilde punto de vista, cuando se abusa de escenas de alta tensión emocional para intentar conmover al espectador, que puede llegar a hartarse de ese tipo de situaciones que abundan en el largometraje.

De todas formas, de alguna manera, la película profundiza en las grandezas y en las miserias del hombre y tenemos la impresión de que su crítica refleja la realidad de la sociedad postmoderna. El guión de la cinta corre a cargo de Juana Macías, Juan Moreno y Alberto Bermejo. En él se da a entender que los valores se conservan en la familia. Y es que el film parece querer decirnos que la institución más antigua del mundo está en crisis y, en algunos casos desestructurada, donde los padres aparecen como más inmaduros que los hijos, que son los que toman las decisiones más importantes, una forma de hacernos reflexionar al estilo Shakesperiano, que pone en boca de los más inocentes los pensamientos más adecuados y profundos. Este dato contrasta con la realidad de las nuevas generaciones en la que la posterior es más infantil que la anterior. No obstante, esta mujer de cine parece que intenta demostrar que algunos jóvenes de esa cultura actual presentan una actitud crítica con lo que representa a unos padres de una moral deteriorada, que puede ser un modelo pernicioso, aunque la intención de la cinta es mostrar a las jóvenes parejas como el futuro esperanzador del clima enrarecido y falto de valores del siglo XXI, pero desde una óptica no trascendente.

Por otro lado, percibimos que se analizan los motivos de la soledad contemporánea en la que encontramos a una chica que sale con un hombre con miedo al compromiso, que es incapaz de asumir su responsabilidad, en este caso, presionando a su pareja para que ésta aborte. En relación con este tema tan de moda, la madre católica de esta muchacha, que se queda embarazada, es presentada como persona incoherente e hipócrita con la Doctrina Social de la Iglesia en la defensa de la vida como dando a entender que los católicos, provenientes del mal llamado nacional catolicismo, están en contra del valor de la vida, una idea que no coincide con gran parte de la verdad porque quién ha basado su formación fundamentada en los principios del humanismo cristiano difícilmente puede tener un pensamiento que niegue la vida del embrión o del feto. A pesar de todo lo analizado, entendemos que apuesta por la vida

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08th Nov2010

Caza a la espía (cine político)-sección criticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginas digital)

Doug Liman se está convirtiendo en un auténtico experto en los distintos géneros del espionaje, pues nos hizo disfrutar con el peculiar El caso Bourne y nos provocó la sonrisa en el lamentable matrimonio de agentes secretos, formado por Angelina Jolie y Brad Pitt en El Sr. y Sra. Smith. Ahora, podemos disfrutar de su cinta más política, Caza a la espía (2010).

El aspecto más poderoso de este trabajo, que no llega al nivel de Todos los hombres del presidente (1975), Los tres días del Cóndor (1976) o la reciente Sombras de poder (2009), es, sin duda, el guión de Jez y John Henry Butterworth sobre los libros de Joseph Wilson y Valerie Plame al que no le falta ningún detalle para engancharte de principio a fin. Por esta razón, el director tan sólo ha tenido que convertir el texto en fotogramas y lo hace fabulosamente. Sin embargo, nos parece mejor realizada y más interesante la segunda parte que la primera parte de la misma. De todas formas, el cineasta hace creíbles muchos de los hechos ocurridos, ya que está basada en hechos reales por lo que se apoya en imágenes de archivo, no obstante, nos da la impresión de que con el uso del material televisivo quiere teledigirnos porque pretende mostrar como si el único argumento para la intervención militar fuese el tema de las armas de destrucción masiva, sin contemplar otros razonamientos a favor de la intervención como terminar con una dictadura genocida de kurdos como la de Sadam Hussein; el intento de concentrar al terrorismo fundamentalista internacional para evitar que atenten en otros lugares de la tierra o la creación de gobiernos democráticos, aunque pueda parecer una utopía, o argumentos en contra como que haya podido tratarse de una guerra por el control del petróleo por poner algunos ejemplos. En nuestra opinión, si se hubiesen tratado todos esos temas, sin moverse por motivos de carácter partidista, se podía haber convertido en una historia muy completa y objetiva. Por tanto, se queda como otro film sobre la guerra de Irak al igual que le ocurre a la mayoría de los largometrajes españoles sobre la guerra civil.

Otro fallo que percibimos es el abuso de las escenas rodadas cámara al hombro para crear escenas con apariencia realista para introducir al espectador en el relato, que pueden marear y provocar el rechazo.

Por otra parte, las breves pinceladas sobre la familia son suficientes para demostrar que esta institución resulta clave en nuestra sociedad, sigue siendo el medio, donde se lavan los trapos sucios y se solucionan las dificultades. También puede servir para reafirmarnos sobre la importancia de que las parejas, que se sustentan en sólidos principios, son las que resisten los vaivenes de la convivencia y superan los problemas, que puedan surgir a lo largo de un vida, mostrándonos al amor y al diálogo como piezas esenciales para lograr el entendimiento.

Por último y sin pretenderlo, la película nos permite hacernos la siguiente pregunta: ¿Es posible conciliar la vida familiar con la vida laboral? La respuesta es afirmativa, puesto que la actriz Naomi Watts, la protagonista de la obra en cuestión, suele primar en sus decisiones la posibilidad de poder atender a sus hijos por encima de las de elegir un papel, que le permita evolucionar como artista.

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03rd Nov2010

Vivir para siempre-sección críticas (El sentido de la vida)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario Ya)

“Hay cosas perfectas de principio a fin “. Esta es una de las frases, utilizadas también en Vivir para siempre, que definen el nivelazo de esta excelencia, dirigida por Gustavo Ron, autor de Mia Sarah(2006), que capta a la perfección todas las dimensiones del ser humano.

Cuenta las andanzas de un chaval de 11 años enfermo de leucemia, que expresa su vitalidad, intentado cumplir una lista de deseos, mientras que reflexiona sobre el sentido de la vida, haciéndose preguntas de hondo calado.

En el apartado interpretativo destacan las intervenciones de Ben Chaplin, como padre de la criatura, cuya evolución como personaje nos parece interesantísima, pues, poco a poco, y gracias a la enfermedad de su hijo va estableciendo una relación paterno-filial entrañable, creando unos vínculos que se quedarán grabados en la retina de cualquier espectador sensible. Por otra parte, el actor Alex Etel (Félix), que hace las veces de colega de Sam, le da la salsa a la cinta, demostrando sus buenas intenciones cuando la ocasión los requiere.

Después del visionado de Vivir para siempre (2010) nos preguntamos lo siguiente; ¿Es posible realizar una película que se plantee por el sentido de la vida y que contenga los valores del humanismo cristiano? La respuesta es afirmativa. El realizador español Gustavo Ron, en una coproducción británico-española, basada en una novela de Sally Nichols, demuestra que es posible crear un cine dramático capaz de llegar al gran público y narrar una terrible historia, contada con grandes dosis de humor, de ritmo y ternura. También, nos enseña como se puede contar algo realmente triste, pero que, en cambio, transmita esperanza y optimismo y, sobre todo, ganas de vivir. Y es que, de algún modo, estamos ante un relato iniciático sobre un niño que comienza a ser adolescente. Sin embargo, el modo de ejercer ese paso de la edad infantil a la edad adulta nos parece el adecuado y propio de una inmensa mayoría de la sociedad que ha vivido de forma sana y con comportamientos inocentes esa etapa de la vida y muestran la lógica curiosidad del adolescente, pero sin llegar a tener experiencias más relacionadas con el mundo adulto como otras cinta de descubrimiento como por ejemplo Ibrahim y las flores del Corán o cualquier otra del cine actual español. Creo que ustedes me han entendido perfectamente, ¿No es verdad?

Cambiando de tema, habría que decir que el largometraje es un canto a la familia, donde se llega al fondo de la cuestión, explicando lo que significa llegar a querer a alguien, siendo el hogar, el lugar que nos da la fuerza para vivir (como decía el otro) y la fuente de satisfacción y felicidad en un alto porcentaje, tal y como diría el “científico” protagonista de la obra del celuloide en cuestión.

Finalmente, la película nos parece bastante original en muchos aspectos, aunque nos recuerda a producciones de cine independiente como Juno (2007), así como nos congratula sus claros guiños a Frank Capra y a la célebre ¡Qué bello es vivir! (1946) o a Sueños de juventud (2008) con respecto a la escena del globo. Además, el cineasta expresa su maestría, sabiendo adornar la cinta con una fotografía y unos paisajes de calidad; con el uso de unas marionetas que nos hacen reír o pensar ; y con una banda sonora de calidad tanto en la composición sinfónica de César Benito como en la selección musical al estilo americano entre los que nos ha llamado la atención positivamente la canción de Juan Luis Guerra en una de las escenas más bonitas, aunque existen muchas, que nos hace pensar sobre quién se acordará de nosotros cuando hayamos muerto.

23rd Oct2010

Héroes, una historia entrañable-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

La clave para que una película funcione suele ser que se encuentre fundamentada en un buen guión. Este es el caso, pues el guionista Albert Espinosa, conocido por su excelente trabajo en la película de Antonio Mercero Cuarta planta, nos regala un texto, que toca el corazón.

El largometraje se empeña en contarnos la vida de un publicista de éxito que, en un viaje de negocios, se cruzará con una mochilera, que le permitirá recordar los entrañables momentos vividos en la preadolescencia.

Los personajes adultos, Alex Brendemühl y la simpática Eva Santaolaria, parecen la excusa perfecta para relatarnos las aventuras y desventuras de una pandilla en los años ochenta.

Por otro lado, la dirección corresponde a Pau Freixas, que se luce en todas y cada una de las escenas relacionadas con el mundo infantil porque consigue despertar sentimientos, que permanecen ocultos en el subconsciente mediante una obra con tintes autobiográficos. De todas formas y por ponerle algún pero, la paralela historia adulta no está demasiado lograda. El autor pretende mostrarnos su sufrimiento, puesto que fue uno de los primeros niños españoles en pasar por la dolorosa situación de la separación de sus padres .Y es que era una época en la que el divorcio era la excepción, un dato que contrasta con el modelo familiar actual tan heterogéneo propio de la sociedad postmoderna.

Como decíamos, el excelente guión en el que se sustenta encuentra su fuerza en los valores que ofrece como la ternura, la inocencia, la lealtad y, sobre todo, el de la amistad. Todo ello, sin olvidar la reivindicación de los más débiles, con la introducción de un personaje con síndrome de Down, cuya validez se cuestiona constantemente. En relación con este tema, ¿a qué no se han preguntado el porqué ya no nacen niños con la citada problemática? Pues porque no les dejan nacer.

Cambiando de tema, el cineasta catalán, independientemente, de querer hablarnos de su experiencia, consideraba necesario revindicar la infancia española, ya que el cine francés los hizo con Los chicos del coro y el norteamericano lo ha hecho fabulosamente en innumerables ocasiones. Por esa razón, Pau Freixas ha querido homenajear a esas producciones, que hacían las delicias de los jóvenes y adultos como Los Goonies, Cuenta conmigo o El vuelo del navegante, resultando sus guiños, incluso, explícitos.

Como dato curioso, los actores infantiles convivieron en colonias veraniegas durante tres semanas para conseguir la química adecuada.

Finalmente, hay quien considera a la ganadora del Premio del Público en el Festival de Cine Español de Málaga como lacrimógena. Sin embargo, pensamos que, aunque no se trata de un historia original, sale de la sordidez y el sectarismo habitual en nuestro cine, para mostrarnos con sinceridad y transparencia un mundo más acorde con la realidad de ese momento que constata, ofreciendo un retrato más adecuado con la inmensa mayoría de los españoles de la transición e inicio de la democracia. ( publicado en pantalla 90 y un resumen en el diario Ya)

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19th Oct2010

La red social-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

La red social (2010) contaba con todos los ingredientes para garantizar su éxito, pues relata una realidad extendida por todo el mundo; está basada en el libro de Ben Mezrich Multimillonario por accidente (Ed. Alienta) y se encuentra respaldada por Aaron Sorkin, conocido por ser el guionista de la serie El ala oeste de la casa blanca. Sin embargo, el director David Fincher, que nos ha maravillado con dos películas sobresalientes como Seven y Zodiac y nos ayudó a reflexionar con El curioso caso de Benjamín Button, no hace atractiva su último largometraje porque, bajo mi humilde punto vista, centra toda la acción en habitaciones poco iluminadas, en lugares cerrados, que le darán toda la credibilidad posible, pero se hubiese agradecido alguna concesión al público amante de la buena fotografía. El problema es que centra toda su atención en ambientes muy caseros.

Por otra parte, aunque percibimos un libreto muy trabajado, pensamos que abusa de elaborados diálogos y de ciertos tecnicismos informáticos que alejan al espectador más distanciado e, incluso, al no tan separado de las nuevas tecnologías y le faltan pequeños tiempos muertos necesarios para comprender lo que allí se estaba cociendo. No obstante, nos parecen muy brillantes y esclarecedores los últimos veinte minutos, puesto que se recurre de manera más ordenada al uso del flash-back que te vuelven tan loco en la primera parte del largometraje.

Por otro lado, el autor en una doble trama nos cuenta cual es el origen de la popular red social, llamada Facebook, mientras que se propone explicarnos las demandas judiciales, que sufrió el hombre menor de 30 años más rico del mundo.

Cambiando de tema, el cineasta nos presenta a dos personajes que tienen visiones completamente distintas de entender la empresa y la vida. En primer lugar, nos encontramos con un Mark Zuckerberg (Jesse Einsenberg), un superdotado para el mundo de la informática, carente de habilidades sociales, y cuya motivación no es el dinero. Esta forma de ver el mundo contrasta con una porción de la sociedad capitalista, que tan sólo valora lo material. Y no es que el protagonista sea un portento de virtudes espirituales, pero de lo que se deduce del visionado de la citada obra del celuloide es que el dueño de Facebook era un hombre sin maldad, un tanto indolente y sin grandes ambiciones, que se creó enemigos sin pretenderlo.

En segundo lugar, el actor Justin Timberlake representa al típico tiburón de los negocios, Sean Parker, como una persona ávida de poder, sin escrúpulos e incapaz de asumir el peso de la fama con la sencillez y la naturalidad de su socio y principal accionista.

En definitiva, los espectadores, que se adentren en las fauces de esta notable película, conocerán la génesis de una multinacional, a pesar de que me parece excesivo que alguien la haya declarado la mejor producción de la década.

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11th Oct2010

Amador, Lenta, pero segura y defiende la vida

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (pulicada en Pantalla 90)

Fernando León de Aranoa es uno de los mejores directores-guionistas españoles, conocido por Princesas (2005), la excelente Barrio (1998) o por la cargada de ideología Los lunes al sol (2002). En este caso, nos ofrece un lentísimo relato que defiende la vida.

La historia gira entorno a una muchacha sudamericana, que se queda embarazada de un hombre sin aspiraciones. La vida de Marcela, así se llama la protagonista, cambiará de la noche a la mañana en el momento en el que se encarga de cuidar a un anciano con el que entablará una entrañable relación. Sin embargo, sucederá un hecho realmente triste que le planteará un dilema moral entre lo que debe hacer y lo que a ella le interesa.

La interpretación corre a cargo de Magali Solier, que era la actriz protagonista de La teta asustada, y de Celso Bugallo, cuya breve intervención te deja con la miel en los labios por el hondo calado de sus comentarios. Su interpretación nos transmite credibilidad.

En mi modesta opinión, el realizador narra de manera demasiado pausada, y un largometraje, que podía haberse contado en 90 minutos, se alarga innecesariamente, mediante planos excesivamente largos y reiterativos. No obstante, los personajes marginales de la cinta desengrasan las situaciones más dramáticas a través de chispeantes diálogos. El cineasta nos obsequia con una serie de valores ciertamente interesantes, si exceptuamos algún comentario marxista, que recuerda más al siglo XIX que al tiempo en el que vivimos. Este dato probablemente puede deberse, entre otras cosas, a la influencia del dueño de la Sexta Jaume Roures, que la produce.

Cambiando de tema, Fernando León realiza una radiografía de la sociedad latinoamericana, que vive en España y, sobre todo, destaca la religiosidad de ese pueblo. Y si hablamos de trascendencia es necesario comentar el acercamiento a la figura del sacerdote al que se representa como un persona fuera de la realidad, lo que invita a pensar el gran desconocimiento de la Iglesia por parte del que firma este film, porque la mayoría de los sacerdotes que conozco, se encuentran con los pies en el suelo, sabiendo actuar con delicadeza y habilidad, ya que son profundos conocedores del alma humana.
Además, habría que decir que esta obra del celuloide apuesta decididamente por la vida, gracias fundamentalmente al apoyo moral ejercido por el anciano hacia la joven protagonista embarazada, puesto que hay un momento en el que Amador le toca el vientre, diciéndole con voz enérgica lo siguiente: “Es tuyo.¡Qué nadie te lo quite!” Y es resulta muy tierna la relación de complicidad que establecen Amador y Marcela.

Por otro lado y sin cambiar de tema, aunque no se si era su intención, muestra al aborto no como un derecho que se promulga por parte de feministas radicales, sino que, en la vida real, presenta al hombre como el principal interesado, que presiona a la mujer para librarse del problema sin tener en cuenta las graves consecuencias morales y psicológicas que puedan afectar a la mujer.

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11th Oct2010

Buried (Impresionante)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario Ya)

Hace un par de semanas se estrenó Buried (2010), basado en un guión de Chris Sparling, que estuvo rodando por Hollywood durante un año y medio porque nadie se atrevía a producir un largometraje tan arriesgado, pues toda su trama transcurre en el interior de un ataúd. Todo cambió cuando el productor, Peter Safran, se hizo con el libreto para proponerle a Rodrigo Cortés que se hiciera cargo del proyecto. El cineasta español aceptó, ya que le gustan los retos y el resultado ha sido espectacular.

La cinta, a pesar de centrar toda la acción en el interior de un ataúd, ofrece un ritmo trepidante, respaldado con un guión con algunas trampas necesarias para jugar con el espectador. Buried (2010) te atrapa desde el principio hasta el final, siendo capaz hasta de contar una historia de amor. Este cineasta consigue trasladarnos, constantemente, la tensión, sólo suavizada por situaciones cómicas combinadas con otras de mayor calado dramático.

Por último, la película cuestiona a los estados que se niegan al chantaje de los terroristas, poniéndose en el lugar de las víctimas. Un dato que nos parece negativo porque el país que cede ante las exigencias de los terroristas se acaba convirtiendo en un objetivo fácil y recurrente.

Además, el final, elegido por el realizador, continúa la pesimista línea tan habitual en nuestros cineastas escasos de horizontes. De todas formas se acabará convirtiendo en una de las favoritas para ganar los Goya.

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27th Sep2010

Elisa K-Premio Especial del jurado San Sebastián-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

En ocasiones, algunos directores nos presentan historias realmente duras para denunciar situaciones injustas que ocurren en nuestra sociedad, aunque nos da la impresión de que han tratado de que prime la estética por encima de las cuestiones de fondo en una cuento de la escritora Lolita Bosch.

La película sólo puede verse en lengua catalana subtitulada al español y dura 72 minutos. Consta de dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas esta narrada en voz en off, por lo que puede llegar a cansar, y fue filmada en blanco y negro, tratando de contarnos, mediante una elegante metáfora, la violación de una niña de 11 años por parte de un amigo del padre, explicando como la protagonista junto a sus familiares afrontan un problema tan peliagudo, ya que los padres saben que a la niña le pasa algo, pero no le pueden ayudar porque la pequeña Elisa ha borrado el hecho de su mente. La segunda parte ha sido rodada en color y los realizadores cuentan como la protagonista, 14 años después, recuerda el terrible suceso autodestruyéndose (una escena que puede llegar a incomodar al espectador) para comentarlo más tarde a sus padres.

Los cineastas Judith Colell, conocida por 53 días de invierno (2006)o Nosotras (2000), y Jordi Cadena, narran de un modo poco habitual que se acerca más al documental con excesivo protagonismo del narrador que a un largometraje en estado puro. Sin embargo, el defecto fundamental se encuentra en el escaso desarrollo de los personajes que hubiesen enriquecido es obra del celuloide, que se queda en un relato para adultos, dejando demasiado a imaginación razón por la cual me permito el lujo de contarles lo que a mi me ha sugerido.

De entre los temas secundarios, parece que los directores han querido homenajear el papel del maestro tan criticado en los últimos tiempos, no por culpa de los mismos, sino por la de los sistemas educativos propuestos por determinados gobiernos que no han fomentado el esfuerzo y la disciplina. Este educador, que aparece en el largometraje, participa en una escena en la que tan sólo menciona la figura de Luther King y de esa breve escena se deduce que esa persona fuese la clave para que la víctima superase ese bache, que le estaba destrozando la vida.

Por otra parte, a pesar de tratarse de una familia de padres separados, los directores han dejado claro que la familia resulta la pieza esencial a la que recurrimos todos cuando no encontramos mal y en la que se mitigan los problemas gracias a la comprensión mostrada por nuestros seres queridos y muestra el modo de actuar complementario y necesario de un padre y de una madre.

La cinta también nos habla del sentimiento de culpa por parte del padre y que puede servir para reflexionar sobre los errores que se han podido cometer cuando sucede un hecho que nos desborda. En definitiva, esa voz de la conciencia que debe estar presente en el hombre y que muchos quieren borrar a través del relativismo propio de la sociedad actual.

Finalmente, Elisa K (2010) es mejor de lo que me esperaba, pero me llama la atención que haya recibido el premio Especial del jurado en el Festival de San Sebastián.

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22nd Sep2010

Adele y el misterio de la momia-¿Mejor que el secreto de la pirámide?-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Dada la escasa calidad de estrenos de este fin de semana, hemos optado por analizar Adéle y el misterio de la momia (2010). Una película destinada a un público supuestamente preadolescente, adolescente y juvenil.
 
La historia gira entorno a una aventurera y escritora, llamada Adèle Blanc-Sec, que viaja a Egipto para descubrir la tumba de Ramsés II ,donde espera descubrir la momia del médico personal del faraón para que al resucitar al mismo, éste recupere a la hermana de la protagonista, pues se encuentra postrada en una silla de ruedas.
 
La interpretación de la actriz Louise Bourgoin nos parece un tanto insípida, mientras que la actuación de los secundarios resulta histriónica porque, quizás, estos personajes provienen del cómic de Jacques Tardi, que parece burlarse del género masculino y nos da la impresión de que el cineasta que realiza la adaptación hace bandera del feminismo radical en la que Adéle no necesita del cariño de los hombres, considerándolos como seres simples y sin talento.
 
El director Luc Besson, conocido  por positivos trabajos como Arthur y los Minimoys (2006) o el Quinto elemento (1997) y por negativas producciones como  Juana de Arco (1999) en la que se planteaba el tema de la fe como un paranoia de la santa, regresa al género de la aventura, basándose en populares cintas como El secreto de la pirámide o La momia (1999), aunque su final nos parece bastante original y divertido.
 
El realizador de este relato cinematográfico ha querido resaltar el valor de la ciencia como la única forma de hacer avanzar a la sociedad, pero sin olvidar que el amor hacia los demás es el motor que mueve la vida como se puede observar en lo que hacer para recuperar la salud de su querida hermana, un dato interesante para una película que proviene del mundo de los tebeos. Sin embargo, pensamos que el director juega con un guión que busca atraer tanto al público infantil como a otro más adultos, mediante diálogos que los niños interpretan de una manera y los adultos de otra. De todas formas, resulta chocante e incoherente que si está destinado para todos los públicos, aparezca un destape a la española por muy inocente que pueda parecer a los ojos de algunas personas, pues desentona si lo comparamos con el humor más blanco del resto de la historia.

Y es que pensamos que el director juega a dos barajas. Por cierto, esta cinta carece del ritmo adecuado para enganchar suficiente y bajo nuestro punto de vista le falta un poco de chispa. Además, no alcanza el nivel de otras producciones de corte similar. Por otra parte, el realizador francés nos obsequia con su particular homenaje a E.T., el extraterreste (1980).(publicado en páginas digital y diario YA)

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15th Sep2010

Lope, la sorpresa de la temporada-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario Ya)

La historia de España ha dado grandes genios en todos los ámbitos de la vida como la literatura, la ciencia, el ejército, la filosofía, la teología, etc. Por esa razón, resulta penoso que en nuestro cine sólo, de vez en cuando, se hable de las andanzas de un personaje de la talla de Lope de Vega.

La película gira entorno a la figura de uno de los escritores más importantes del Siglo de Oro y el triángulo amoroso formado por Isabel de Urbina, Elena Osorio junto con el citado poeta, que tendrá una particular relación con la familia Velázquez que terminó con el destierro del “ fénix de los ingenios”.

El reparto es coral, destacando las interpretaciones de las actrices españolas: Leonor Watling y Pilar López de Ayala, que no es la primera vez que interpreta a un personaje de época, pues ya lo hizo en la manipulada historia de Juana la loca (2001). Por otra parte, Alberto Amman ha sabido apostar por producciones (Lope ha sido patrocinada por Intereconomía), que rompen los moldes del cine tradicional español, que tanto ataca a los católicos, la gente de derechas y a las personas con sentido común, como demostró con la elección de Celda 211 (2009). Su interpretación sobre este titán del teatro nos parece fabulosa y consigue transmitir el amor que Lope de Vega profesaba por este arte. También, nos parece muy positivo el personaje del franciscano interpretado por Luis Tosar, que nos muestra la inconmensurable labor de las órdenes religiosas a las que la fe en un ser superior les mueve a practicar la caridad con los más necesitados. Además, el actor Miguel Ángel Muñoz parece que va más disfrazado que vestido para la ocasión, siendo su interpretación un tanto forzada y artificial.

El director Andrucha Waddintong, conocido por Ellos, yo y tu (2000) consigue trasladarnos a uno de los periodos más importantes de la historia de nuestra nación, contándonos una parte de la intensa vida del fabuloso dramaturgo, aunque se queda con la parte más hedonista, olvidándose de su última etapa donde sufrió una conversión espiritual. Y es que como toda película española no podía faltar algunas escenas erótico-festivas que, sin embargo, no caen en el mal gusto.

En contraposición con lo positivo, da la impresión de que el cineasta bebe de las fuentes de Cyrano de Bergerac (1950) en algunas de las líneas argumentales del largometraje en cuestión, mientras que el formato recuerda demasiado a Shakesperare in love (1999). Por tanto, la originalidad brilla por su ausencia.

Como dato curioso, Jorge Drexler ha compuesto la música y la letra para los títulos de crédito.

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26th Ago2010

Mis tardes con Margueritte-El cine convertido en arte-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Cuando hablamos de Jean Becker, no nos estamos refiriendo al típico director de película francesa, sino a un autor que tiene como objetivo en sus largometrajes hacernos pensar y que no salgamos de la sala de proyección igual que hemos entrado.

Cuenta la vida de un cincuentón casi analfabeto, que se reúne todos los días con sus amigos en el bar y al que su vida le cambiará completamente al conocer a Margueritte, una anciana culta, que le transmitirá su amor por la literatura.

La pareja protagonista nos maravilla con sus excelentes interpretaciones. La actriz Gisèle Casadesus proviene del mundo del teatro, y debutó en la ya lejana década de los 30, consiguiendo que nos encariñemos de su personaje. Por otra parte, el gran Gerard Depardieu representa al típico bonachón que da la vida por sus amigos y está bien hasta comiéndose un bocadillo vegetal.

El cineasta francés posee un talento particular para contar historias que consiguen emocionar al espectador. Tanto Conversaciones de mi jardinero (2007) como La fortuna de vivir (1999) aparecen en su filmografía como su mejor carta de presentación. Se trata de relatos cinematográficos que, al igual que Mis tardes con Margueritte (2010), giran en torno a la lealtad entre compañeros, que se entregan generosamente en el empeño de ser fieles los unos a los otros como muestra una escena en la que dos de ellos van a ayudar, a su manera y con falta de delicadeza, a un amigo borracho y deprimido.

De todas formas, el eje central de la historia, se plantea entre un hombre de mediana edad y una entrañable anciana en la que se entremezcla un amor platónico y una profunda amistad, compartiendo su vida a través de lo que deducen de los libros que leen y los problemas que plantean en los mismos son extrapolados a la realidad de Germain (Gerard Depardieu)

Entre los temas importantes del largometraje destaca el desinteresado cariño que el protagonista profesa por su incompetente madre que parece no corresponderle, explicado, especialmente, en el emocionante momento de la muerte de su progenitora. Y es que el amor hacia una madre es un hecho universal que nadie podrá negar.

Por otra parte, la ausencia de la figura paterna refleja una problemática muy actual que se traduce en el aumento en la sociedad postmoderna de las familias monoparentales, donde se generan hijos con ciertas carencias por falta de un referente, en este caso, masculino.

Por último, en esta obra del celuloide, el director parece querer decirnos que el hombre es bueno por naturaleza y lo puede seguir siendo el resto de su vida, aunque algunos compañeros de profesión critican esa falta de mala uva por parte del cineasta.

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22nd Ago2010

Killers-Sección críticas-una película a medias

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

El género de acción es uno de los puntos estratégicos que caracteriza al periodo cinematográfico veraniego. Concretamente, Killers (2010) es una aceptable comedia de un espía muy enamorado.

Robert Luketic, autor de la magnífica Una rubia muy legal (2001) o la patética La cruda realidad (2009), dirige una divertida cinta con dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas recuerda, en cierta medida, al cine clásico de los años cuarenta o cincuenta y si hubiese mantenido el tipo de esa primera parte estaríamos hablando de una notable película, pues las situaciones de humor están muy bien hiladas, explicándonos los tópicos o no tan tópicos sobre las relaciones de pareja. El fondo argumental proporciona elementos de juicio que puedan ayudar a reflexionar sobre las renuncias generosas, en tono positivo, que supone el compromiso matrimonial.

En cambio, en la segunda parte, al realizador se le va de las manos con una serie de escenas de violencia interminable que rompen el tono inicial. El guión se disparata de tal manera que resulta poco convincente, perdiendo la magia de los primeros 50 minutos.

Cambiando de tema, el largometraje guarda ciertos paralelismos con Los padres de ella (2000) y, por supuesto, con la cercana estela dejada por Noche y día (2010), obsequiándonos con claros guiños al cine de espionaje y ofreciéndonos un excelente “publireportaje” de la ciudad de Niza.

El argumento cuenta la vida de Spencer, un espía que se dedica hacer el trabajo sucio de los servicios secretos norteamericanos, que dejará su macabro empleo al encontrarse con la encantadora Jen Kornfeldt. Unos años más tarde, Spencer descubre que alguien lleva siguiéndoles desde hace un tiempo con no buenas intenciones

Por otra parte, Asthon Kutcher es el productor de Killers. Por tanto, todo gira entorno a facilitar el lucimiento del actor que, curiosamente, escribió un guión previo, perfeccionado por un equipo de guionistas. Kutcher nos ofrece un papel de un personaje equilibrado y maduro muy diferente al que le hizo saltar a la fama en la excelente serie, aunque muy “mayo sesentaiochista”, Aquellos maravillosos años 70.

Catherine Heigl interpreta brillantemente a un inocente personaje, mientras que el broche de oro corre a cargo de Tom Selleck, que Kutcher quiso incluir en su producción.

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15th Ago2010

Origen-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diario Ya)

Aunque el cine de ciencia ficción no sea uno de mis géneros favoritos porque no siempre han sido capaces de contar buenas historias, reconozco el poderoso influjo de Origen (2010), que cautivará a todo buen aficionado al cine de calidad.

Este thriller gira entorno a Cobb, interpretado por Leonardo DiCaprio, que dirige a un grupo de investigadores-delincuentes, que desempeñan una extraña misión, consistente en introducirse en el subconsciente de la personas, mientras sueñan, para extraerles la información requerida. El citado Cobb y su equipo quieren acometer su último trabajo en el que tendrán que introducir una idea en la mente del heredero de un gran imperio económico.

La producción viene respaldada por un reparto excepcional. El actor Michael Caine se come la pantalla a pesar de su breve intervención, mientras que dos estrellas surgidas del cine independiente como Ellen Page, la protagonista de Juno (2007), una película que defendía la vida del no nacido y Joseph Gordon-Levitt, el protagonista de (500) días juntos (2009), que tan bien nos explicó el proceso de un noviazgo desde su inicio hasta su ruptura, lo hacen fabulosamente. Éstos secundarios, junto con una actriz que parece sacada del cine clásico como Marion Cotillard, favorecen el lucimiento de DiCaprio, cuya interpretación está llena de matices. Además, dicho actor, últimamente, participa en trabajos que pueden hacer pensar al espectador y se cuentan por éxitos.

Por otra parte, Christopher Nolan ha sido capaz de inventar un relato de ciencia ficción realmente espectacular y si Alfred Hitchcock se sirvió del psicoanálisis para su película Recuerda (1945) o los hermanos Wachoski construyeron Matrix(1999) para hablar de la realidad virtual, el cineasta británico nos cuenta una original historia, recurriendo a algunas referencias de la trilogía de Matrix, al psicoanálisis y al mundo del subconsciente.

Por tanto, el director fabrica una obra onírica en la que varias situaciones ocurren al mismo tiempo, pues el autor trata de recrear un sueños de tres capas que, aunque pueda parecer que se sigue con dificultad, el realizador no pretende liarnos, dejando todo meridianamente claro a pesar de su complejidad.

Por otro lado, este genio de la cinematografía nos hace reflexionar sobre la familia con el viaje emocional que vive el protagonista, que lucha por limpiar su nombre de una falsa acusación de asesinato para recuperar la mirada y el cariño de sus hijos. Y es que el autor trata que sus personajes reciban justicia al igual que ha hecho con el personaje interpretado por Cillian Murphy, el cual bucea en el subconsciente para saber que quería su padre de él, ofreciéndole una propuesta que no dejará indiferentes a los asistentes a las salas de proyección.

Finalmente, en este drama de acción y misterio, como viene siendo habitual en la filmografía de Nolan, sus personajes sufren con el sentimiento de culpa.

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08th Ago2010

The secret of Kells-La tradición cristiana-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

En una época en la que el cine de animación en tres dimensiones copa las carteleras españolas. Existe una pequeña producción irlandesa, que todavía se atreve con la animación tradicional y nos ofrece una pequeña perla que merece la pena se tenida en cuenta por los valores que transmite.

La historia gira entorno a un monje de 12 años, que vive en la abadía fortificada de Kellls que trata de reforzarse para protegerse del posible ataque de los vikingos en el siglo IX DC. El citado monje, llamado Brendan, se encuentra bajo el amparo del abad, su tío, que le educa con una férrea disciplina, ya que sus padres fueron asesinados.

Tomm Moore ha conseguido llevar a esta obra al lugar más alto en el que podía estar, pues fue nominada a los Óscar 2010, teniendo que enfrentarse a muros infranqueables como Tiana y el sapo (2009) o Up (2009). No obstante, esta diminuta joya ha recibido premios, en festivales repartidos, especialmente, por la geografía Europea como Zagreb, Edimburgo o Dublín.

El autor utiliza una técnica de dibujo muy sencilla, pero original para narrarnos una historia que puede atraer a un público infantil en la que el adulto no se sentirá desplazado porque las sub-tramas que se ofrecen pueden interesar a los más mayores. El misterio que encierra este cuento se centra en una pieza de gran valor artístico como es el libro de Kells, que contiene los cuatro Evangelios.

Por otra parte, este relato cinematográfico trata de explicarnos como era la vida de los pueblos de la edad media. Una época en la que los habitantes de diversas zonas del viejo continente se encontraban resguardados bajo el manto de la Iglesia.

La cinta bebe de las fuentes de la cultura católica combinada con las tradiciones celtas. Sin embargo, al director parece importarle contarnos la influencia de los cristianos en la sociedad irlandesa y como los monjes fueron los encargados de transmitir la cultura durante siglos, presentando unos valores que se oponían a los sanguinarios desmanes de los paganos vikingos.

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