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17th Ene2011

De dioses y hombres (www.diarioya.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

“No tengo miedo a la muerte. Soy un hombre libre.”

Esta es la frase clave para entender a los protagonistas de este largometraje, dirigido por Xavier Beavois [conocido por Según Matthieu (2000) y por ser el actor protagonista de una película que hablaba sobre la fe , que se llamaba Ponette (1996)], que fue la ganadora del Premio Signis de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación y del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes por raro que pueda parecer porque no es habitual que una obra de contenido religioso se le otorgue ese galardón. Además, es la candidata francesa para optar al Óscar. Y es que los milagros existen.

De dioses y hombres (2010) trata de la vida de 8 monjes cistercienses, que viven en un monasterio, situado en las montañas, conviviendo de manera pacífica con los musulmanes de la zona. Sin embargo, todo cambiará con la llegada de un grupo fundamentalista. Ese grave inconveniente les planteará el dilema de continuar en el lugar con el riesgo que conlleva o irse de allí para siempre.

En palabras del director, la película habla de la tolerancia y el diálogo, no tanto sobre la fe. No obstante, habría que decir que, aunque no haya sido intención del autor, el resultado es que se ha reflejado claramente el modo tan positivo con el que una comunidad de cistercienses vive su religiosidad, destacando la alegría con la que realizan su labor tanto a nivel interno como su entrega desinteresada a los más necesitados que los ven como la rama en la que ellos se sustentan.

El guión corresponde a Xavier Beauvois y Etienne Comar y denota un esmerado trabajo de documentación o conocimiento profundo del funcionamiento de una comunidad cristiana, que recuerda, en algunos aspectos, a otra película de la misma nacionalidad sobre la revolución francesa, llamada Dialogo de carmelitas (1960), una producción de la que tuve conocimiento a través del excelente programa de radio Noche de cometas. Ese diálogo al que se hace mención es de indudable belleza, puesto que, en ambas producciones, se muestra la necesidad de la democracia para la marcha interna de muchas congregaciones religiosas. Las decisiones, que se van tomando, se producen después de haberlas meditado seriamente y el voto del superior vale exactamente lo mismo que el de cualquiera de sus hermanos

Por otra parte, esta obra maestra reflexiona en una de las escenas sobre el tema de la vocación que siente uno de los monjes, que conversa, con palabras sencillas, con una chica bereber que le cuenta los problemas de su relación de pareja y sobre el significado del enamoramiento, que nos parece verdaderamente entrañable.

Por último, nos hace pensar sobre la importancia de la unidad en momentos críticos y la comprensión, que aparecen como valores destacables. También, se puede decir que es una de las películas que mejor ha reflejado el tema de la oración a lo largo de la historia del séptimo arte.

Finalmente, De dioses y hombres (2010) tiene un ritmo lento, pero adecuado para facilitar su comprensión, que el público adulto no debe tener dificultad en seguir. La supuesta lentitud no puede ser un inconveniente ni una excusa para no disfrutar de este fresco que les garantizo que no les defraudará y que podría entrar en el top ten del cine religioso.

La caracterización de los personajes está muy conseguida y para algunos miembros del equipo haber colaborado en esta espiritual producción ha supuesto un cambio en su vida

Cambiando de tema, aunque el cineasta no ha pretendido centrar su atención en escenas explícitas sobre el crimen cometido, este film demuestra la radical actitud de algunas facciones islámicas y sus persecuciones contra el cristianismo, extrapolables a las realidades de otros lugares del planeta.

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11th Ene2011

Camino a la libertad(www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Todos los aficionados al cine clásico conocen la habilidad de John Ford para desarrollar la psicología de sus personajes de un plumazo. Peter Weir, el director de tres peliculones como El Club de los poetas muertos (1989), El show de Truman (1998) y Master and Commander: Al otro lado del mundo(2003), logra un efecto similar con su nuevo trabajo Camino a la libertad.

En esta ocasión se atreve con un tema, silenciado por algunos medios de comunicación, como fue el del Gulag siberiano, donde el régimen comunista ruso recluía, metiendo en el mismo saco a todo lo que pudiera suponer una amenaza para la revolución. En estas durísimas cárceles se podían encontrar disidentes políticos, espías, sacerdotes, aristócratas, e incluso, actores que habían representado a personajes pertenecientes a la nobleza (entre los miles de condenados a estos campos de concentración se encontraba el célebre autor de Archipiélago Gulag Alexander Solzhenitsyn que, imagínense el porqué, dijo lo siguiente:”Al llegar a pensar todos iguales, una ventisca no sirve a nadie.”)

La historia gira en torno a Janusz, que es condenado a prisión por culpa del testimonio de su mujer que, en contra de su voluntad, lo delata. Este espía polaco liderará a un grupo de hombres que sienten la necesidad de escapar de ese inhóspito lugar porque prefieren morir libres antes que continuar allí un minuto más.

El cineasta nos habla de la lucha de unos hombres contra los elementos y a la vez aprovecha para denunciar las tropelías de los regímenes totalitarios, centrando su crítica, en la Rusia Comunista. Se trata de un realizador no muy prolífico (selecciona cuidadosamente sus proyectos y sólo escoge los que verdaderamente pueda interesarle), que desarrolla muy bien las pequeñas historias de cada personaje, con lo que consigue atrapar al espectador. Esta obra del celuloide está sacada de la novela La increíble caminata de Slavomir Rawicz, basada en hechos reales, aunque con ciertas licencias cinematográficas, en la que se narra la huída del prisionero polaco Witold Glinski.

En el apartado interpretativo habría que destacar las actuaciones del incombustible Ed Harris (Mr Smith) y la actriz Saoirse Ronan (Irena), conocida por su trabajo en Expiación, más allá de la pasión (2008). La relación que establecen ambos personajes es digna de ser tenida en cuenta, ya que Mr Smith ha perdido a su hijo, mientras que los padres de Irena fueron asesinados. Por esa razón, de alguna manera, Mr Smith se acabará convirtiendo en el padre adoptivo de la indefensa niña.

El autor ha querido expresar que el compañerismo y el todos para uno y el uno para todos era el único modo de sobrevivir. Por tanto, la solidaridad aparece como el medio para estrechar lazos entre personas de diferentes orígenes y culturas.

Por otro lado, la cinta deja un hueco a la trascendencia. Sin embargo, el perdón parece ser lo más importante para el protagonista que, por encima de la esperanza de alcanzar la libertad, le mantiene vivo, transformándolo para resistir todas las adversidades.

Por último de la impresión de que Peter Weir cuestiona la bondad como un inconveniente para la supervivencia. No obstante, los hechos van demostrando que ese espíritu de servicio a los demás y conmoverse por el más débil se convierte en el arma más poderosa para alcanzar su objetivo en este largometraje de superación personal.

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03rd Ene2011

Los próximos tres días-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Ser el guionista de Million dollar baby (2004) y Casino Royal (2006) y haber dirigido la reflexiva En el valle de Elah (2007) sobre la Guerra de Irak, interesante porque lo que en ella se proponía era extrapolable a la realidad de la sociedad actual y al resto de conflictos a nivel mundial, no es suficiente argumento como para considerarla una película redonda, basada en Cruzando al limite (2008) del francés Fred Cavayé, a pesar de que Paul Haggis dice haberse inspirado en Lumet, Pollack o Alfred Hitchcock.

De todas formas, sería injusto no reconocer que la cinta te mantiene en tensión en gran parte del metraje, aunque una larga persecución resta credibilidad a la historia. Sin embargo, el nivel general resulta más que aceptable y se puede pasar una buena tarde en una sala de cine.

Los próximos tres días (2010) suena al típico relato de falso culpable, que el maestro del suspense hubiese bordado desde el primer minuto. En esta ocasión, un profesor universitario luchará para demostrar la inocencia de su mujer, acusada de asesinato. Lo curioso es que este hombre intentará ayudarle, aún sabiendo o intuyendo que su mujer pueda no aceptarlo

Este tema de una persona enamorada recuerda, en muchas secuencias, a las inolvidables obras de Hitchcock, que siempre ofrecían una segunda lectura porque en este thriller, la parte del suspense nos parece tan importante como la historia de amor que se presenta. Por esa razón, hemos observado ciertos toques al estilo de Vértigo, donde da la impresión de que el protagonista (Russell Crowe) vive en una realidad creada por el mismo.

Por otra parte, este largometraje sirve para explicar lo que puede llegar a hacer un hombre para mantener unida a su familia (el tiene la certeza de que su mujer es inocente), rozando el heroísmo, aunque sea tomándose la justicia por su mano. Y es que para este cineasta la temática familiar ha sido reflejada en muchos de sus trabajos. Por cierto, Russell Crowe, que ya había participado con el realizador en la serie El justiciero, afirmó en la revista Fotogramas que para él había sido muy fácil representar a su personaje porque se había servido del ejemplo de sus padres, puesto que llevan 49 años casados, demostrando la importancia que tiene para ellos el compromiso matrimonial.

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27th Dic2010

El discurso del rey (una peli oscarizable)-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

El discurso del rey (2010) posee todos los ingredientes para triunfar en la carrera por los Óscar, ya que, tanto en su forma como en su contenido, destaca por su solidez, apoyado en un guión al que no le falta ningún detalle.

El argumento gira entorno a la figura de Jorge VI, que es presentado como la pieza esencial para elevar el ánimo de la tropa y de la población civil en la entrada de Inglaterra en la Segunda Guerra Mundial. El problema es que este hombre necesita superar una tartamudez que le impide sacar el líder que lleva dentro. Para ello, recurrirá a los servicios de un logopeda, que utiliza métodos poco ortodoxos para solucionar ese trastorno del habla.

El mérito del citado largometraje se encuentra en el director Tom Hooper (a pesar de la poca documentación existente), que nos maravilló con Damned United (2009) y al que le auguramos un magnífico futuro. Dicho cineasta alcanza el sobresaliente, extrayendo los mejor de los actores y con una puesta en escena impecable. Narra con habilidad las escenas más peliagudas, humanizando a un hombre de las más altas esferas y acercando a un miembro de la sangre azul al pueblo llano. El realizador alaba la capacidad de lucha del protagonista consigo mismo en la que saca fuerzas de flaqueza para apoyar a su nación. No obstante, es bastante crítico con los líos de faldas de los miembros de la Casa Real Británica.

Los diálogos están muy logrados y despachan divertidas dosis de humor inglés (por ejemplo: las secuencias relacionadas con el penique), que siempre caracterizó a los hijos de la Gran Bretaña y que, por cierto, no todo el mundo lo capta, pero que, en esta cinta, aparecen como esenciales para comprender al personaje inteligentemente interpretado por un Geoffrey Rush.

Por otra parte, creemos interesante destacar la actuación de Colin Firth, aunque puede verse enmascarada por el espléndido y milimétrico actor de doblaje. El actor describe acertadamente para Fotogramas lo que se quiere transmitir al contar esta historia: “Es la historia de un hombre, tratando de conectar por encima de sus limitaciones, superando sus barreras. Todos tenemos barreras de uno u otro tipo y la película explora esas limitaciones.”

En definitiva, El discurso del rey (2010) nos regala un relato de amistad en el que cada uno debe de limar sus diferencias para conseguir entender lo que el otro quiere proponerle. Ambos deben “rebajarse”, aunque de manera distinta (nos ha gustado la secuencia en la que el logopeda demuestra su talento con la finalidad de detectar el origen del trastorno del lenguaje de su paciente). También, esta obra del celuloide refleja la importancia de las personas en la sombra de la mano de la que se terminará convirtiendo en la reina madre (Helena Boham Carter) e, indudablemente, del logopeda. Además, sorprende ver como el carismático heredero abdica, mientras que el supuestamente más débil muestra su capacidad para tirar del carro de su país.

En contraposición con lo positivo, detectamos que, con tal de resaltar la labor de apoyo moral realizada por el monarca, se menoscaba el trabajo de uno de los políticos más relevantes del panorama internacional de esa época como fue Winston Churchill que supo estar a la altura de las circunstancia en la guerra, donde quedó para la posteridad la célebre y necesaria expresión: “Sangre, sudor y lágrimas”.

Como dato curioso, se da la paradoja de que Colin Firth siempre representa al típico inglés como es el caso y, sin embargo, ha pasado toda su vida fuera de su lugar de origen por motivos de la profesión de su padre.(publicado en pantalla 90 y diario ya)

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21st Dic2010

El último bailarín de Mao -comunismo y superacion-seccion criticas

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Desde un punto de vista político, El último bailarín de Mao (2010) es una crítica al régimen comunista del dictador chino, que persiguió a cristianos y liquidó a un millón de tibetanos para implantar un totalitarismo de carácter marxista en lo que hoy conocemos como la República Popular China. Aunque centrándonos, Bruce Beresford, autor de Paseando a Miss Daisy, intenta explicarnos el modo en que las autoridades chinas explotan a sus compatriotas, exprimiéndoles al máximo para utilizarlos como propaganda (por poner un ejemplo, en este biopic se cuenta la vida de un bailarín al que le hacían entrenar en su país 16 horas diarias, lo que supuso que este hombre perdiese su infancia. Este es un dato que confirma que las dictaduras extremistas utilizan a los niños prodigio, sin tener en cuenta su dignidad, porque para ellos el fin justifica los medios).

En este caso, la película gira entorno al intercambio de estudiantes de la Academia de Danza de Pekín con La Escuela de Ballet de Houston, que sirvió para que Lu Cuxin escapase de ese sistema de gobierno opresor, lo que le da a la historia un valor añadido, que la convierte en una cinta muy valiosa porque nos ayuda a conocer aspectos del maoísmo que todavía algunos se empeñan en negar, elementos como la capacidad de manipulación de sus dirigentes que castigan al que no sigue la marca pautada. No obstante, pensamos que en este punto se debería haber dado más caña. De todas formas, se apuntan los crímenes del comunismo chino en el momento de la muerte del dictador y la hipocresía de los gobernantes que le sucedieron con respecto a ese tema.

Por otro lado, fue necesario realizar un casting por triplicado muy complicado, puesto que el protagonista pasa por tres etapas (niño, adolescente y adulto) y era necesario que supieran tanto bailar muy bien como dominar el inglés y el mandarín. Como dato curioso, Li Cuxin significa: guarda tu corazón inocente, un valor a tener en cuenta en una sociedad muy resabiada como la actual.

Cambiando de tema, el cineasta ha sido capaz de contar una historia notable, cuya estética, que el ballet potencia, resulta espectacular. El ritmo es el adecuado, sin prisa, pero sin pausa. Además, el director ha sabido crear una buena atmósfera general, aderezándola con pequeñas dosis de humor.

Por último, el largometraje nos hace reflexionar sobre la necesidad de la libertad, sobre la importancia del esfuerzo para superarse y conseguir sus propósitos junto a las tremendas renuncias que ello puede suponer. Nos parece muy interesante el guiño a la familia, demostrando su universalidad. Por otra parte, destacamos el agradecimiento y el respeto del pupilo hacia su mentor, al que considera la pieza esencial de su éxito.

También, este personaje (el maestro aparece como una persona apolítica), que consideraba que el arte debía ir desligado de la política, es usado por el realizador para cuestionar la autoridad de los funcionarios de Pekín. La citada discrepancia le costó el destierro.

Finalmente, la cinta refleja la necesidad de diálogo en una pareja, ya que no sólo el amor resulta imprescindible para que la relación funcione, sino que nos parece muy importante tener un proyecto común de vida, sin el que un matrimonio puede tambalearse con facilidad.

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13th Dic2010

Megamind-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Dado el escaso número de estrenos de este fin de semana tanto por su cantidad como por su calidad, hemos decidido rescatar a Megamind (2010), la apuesta de Dream Works para estas fiestas.

La cinta en cuestión gira entorno a dos extraterrestres con vidas paralelas, pero antagónicas. Metro Man es el engreído superhéroe, mientras que Megamind es el supervillano, que planea y consigue eliminar de la faz de la tierra a su bueno y presuntuoso contrincante, con lo que su vida deja de tener sentido por lo que se aburre soberanamente.

La dirección corre a cargo de Tom McGrath, autor de las sobrevaloradas Madagascar (2005) y Madagascar 2 (2008) junto a su compañero Eric Darnell, aunque se puede decir que Megamind (2010) es su ópera prima y, en principio, iba a rodarse con actores de carne y hueso. La historia pretende ser una parodia sobre la figura de Superman y lo que podía haber sido una genialidad se queda en un entretenimiento para niños, que consta de dos partes bien diferenciadas. La primera parte nos parece muy flojita. En cambio, la segunda parte se puede decir que merece más la pena pudiendo hacer las delicias de toda la familia.

De todas formas, el argumento de la misma es poco original. El realizador no ha sabido imprimirle el brillo necesario, al igual que le ocurren a sus anteriores trabajos de animación. Por otro lado, los gags que se presentan no resultan demasiado acertados.

Dicho esto, el largometraje es un prodigio de la tecnología de animación, ofreciéndonos destellos técnicos realmente espectaculares en muchas de las escenas. Finalmente, nos ha gustado el homenaje a Michael Jackson.

Cambiando de tema, esta producción puede servir para reflexionar sobre lo determinante que puede llegar a ser el ambiente, donde seamos educados para tener una idea clara que nos proporcione elementos de juicio para distinguir entre el bien y el mal (un dato que viene a demostrar la importancia de recibir una buena educación y del interés que muchas personas tenemos de que no adoctrinen a nuestros hijos a través de la asignatura Educación para la ciudadanía). No obstante, la cinta deja claro que no estamos predestinados, sino que nosotros debemos forjarnos nuestro futuro y somos dueños de nuestro destino. Además, El amor aparece como la herramienta para cambiar a las personas y que éstas puedan superarse, corrigiendo sus defectos.

Como dato curioso, Will Ferrer, el actor americano que le pone voz al protagonista, llegó disfrazado mediante una vestimenta casera: con la cara pintada de azul, con unas mallas ajustadas y contando chistes para promocionar la película, tal y como nos explica la revista Fotogramas.

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06th Dic2010

Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del Alba-seccion críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

En estas navidades, el duelo taquillero sobre el cine fantástico de aventuras está garantizado gracias a la rivalidad que se va a generar entre Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 1 (2010) y Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba (2010). Se trata de dos franquicias, cuyos argumentos han recibido diversas interpretaciones sobre su significado y que hacen las delicias de los más pequeños y de cualquiera que se adentre en esos mágicos mundos sin importar la edad.

La clave de esta excelente tercera parte de esta saga, que ha sido traspasada de la Disney a la Fox, la encontramos en el gran director con el que se ha contado porque Michael Apted es el autor de una ninguneada perla británica, llamada Amazing Grace, que versa sobre los esfuerzos de un político por abolir la esclavitud en Gran Bretaña. Un dato que debe ser tenido en cuenta, ya que el cineasta en su citado anterior trabajo supo captar la profundidad de su protagonista. Al igual que ocurre con el largometraje en cuestión pues, aunque pueda parecer un inocente película para niños, Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba esconde en su interior la esencia del humanismo cristiano, puesto que estos relatos están basados en un escritor creyente como fue C S Lewis, que quiso hacer una alegoría sobre el mensaje del Evangelio, cuyo máximo representante queda expresado en la figura del león(En referencia a este tema, el león dice lo siguiente: «Allí tengo otro nombre. tenéis que aprender a conocerme por ese nombre. Éste fue el motivo por el que se os trajo a Narnia, para que al conocerme aquí durante un tiempo, me pudierais reconocer mejor allí»). En el primer relato cinematográfico de la saga, el citado personaje se sacrificaba por su pueblo para luego transmitir esperanza con su resurrección.

En esta ocasión, el león, Aslan, nos hablará del más allá en el sentido más positivo del término y el realizador, siguiendo la trama de C S Lewis, hace referencia más o menos clara a la cena pascual y a las tentaciones de Jesucristo en algunas de las escenas más importantes de la película.

Por otro lado, Michael Apted ha demostrado que se puede contar un buena historia( con efectos especiales y fantasía) que tenga como virtud entretener y divertir, sin olvidar que pueda hacer reflexionar tanto adultos como a los chavales bien dirigidos.

Entre los valores, que esta cinta nos ofrece, destacamos el de la fe y en luchar por lo que uno cree; el valor de la amistad entendida como la entrega por el compañero necesitado; el saber aceptarse a si mismo y de aceptar los designios divinos porque Dios nos regala dones que deben ser puestos al servicio de los demás.

En el apartado interpretativo habría que decir que ningún actor sobresale por encima de los demás, pero el conjunto de actuaciones resulta armonioso. Eso si, la figura del león, que fue creada por ordenador, sigue sorprendiendo tanto por su realismo como por la ternura que transmite.

En contraposición con lo positivo, observamos ciertos cortes muy bruscos entre escenas que nos da la impresión de estar demasiado forzados.

Por último, nos quedamos con unas frases que sugieren que primero hay que superar nuestros aspectos más oscuros de nuestra alma para poder eliminar la oscuridad de la sociedad que nos rodea. (publicado en paginas digital y Diario Ya)

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29th Nov2010

Skyline,¿la peor película de este género?- sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Pantalla 90)

El cine de serie B, en una de las épocas más potentes de la meca de Hollywood, consiguió resultados muy positivos, contando historias originales con escasos medios, que te transmitían relativa credibilidad y te mantenían en tensión, aunque no te resultase muy atractivo el género ( si me resultaban interesantes en mi infancia).

Skyline (2010) podría haber recordado a ese género en cierta medida y encima con todos los medios tecnológicos a su alcance, si se hubiese trabajado mucho más el guión y, especialmente, los diálogos, pues el desarrollo de los personajes resulta esquemático y sus comentarios no transmiten absolutamente nada. Y es que, en muchas ocasiones, los guionistas cuando saben que la historia no posee la fuerza suficiente, el humor suele completar otro tipo de deficiencias. Sin embargo, la producción ni siquiera nos parece divertida o entretenida. Además, le falta buenas dosis de inteligencia. Sobre todo carece de ese hábil giro que la hubiese hecho diferente.

Por otro lado, tenemos la impresión de que los hermanos Strausse [Alien vs. Predator 2 (2007)] serán unos genios de los efectos especiales, pero todavía les falta un largo recorrido para alcanzar el nivel de las grandes estrellas del género. Estos directores son los dueños de Hidraulx Visual Effects. Su productora ha generado los efectos visuales de El día del mañana (2004), Terminador 3: La rebelión de las máquinas (2003) y Los cuatro fantásticos (2005).También han aportado su granito de arena a la superproducción de James Cameron Avatar (2009). De todas formas, la realización de segunda unidad no es suficiente material para ser un buen cineasta.

Después de lo comentado nos preguntamos: ¿Cómo será el nivel de la película en cuestión como para que consideremos a Independence Day (1996) una obra maestra (en realidad sólo nos parece entretenida)? A los Strausse les sobran las paranoias; les falta ingenio y les recomiendo que vean los trabajos de Jack Arnold o largometrajes de la calidad de La invasión de los ultracuerpos, que nos parecen claros ejemplos de como se hace una película de ciencia ficción o de alienígenas, si quieren prosperar.

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22nd Nov2010

The Way-sección críticas-(Camino de Santiago)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario YA)

A la película en cuestión la podríamos titular como “Trabajo en familia” porque Emilio Estévez dirige a su padre Martin Sheen en una cinta, que descubre la verdadera esencia de la ruta Xacobea, a diferencia de otras producciones, que no se lo han tomado en serio, a excepción de El pórtico de la gloria (1953).

El argumento gira entorno a un prestigioso oftalmólogo californiano que, al enterarse de la muerte de su hijo en los Pirineos mientras realizaba el Camino de Santiago, tratará de seguir los pasos de su vástago como la única forma de restablecer o purificar las desavenencias que pudiera tener con él.

En el apartado interpretativo merece la pena destacar el papel de Martin Sheen, un hombre convertido al catolicismo con todas sus consecuencias, que se siente identificado con el personaje principal y en declaraciones a Fotogramas explicó lo que para el supuso participar en The Way (2010): “No es sólo hacer verdaderamente el Camino, sino descubrir que en el fondo, es el viaje más espiritual, interior, que físico”. Por otro lado, histrionismos iniciales aparte, nos parece muy positiva la aparición de James Nesbit, un actor que suele estar muy acertado con las producciones que escoge como se demostró con Millones y con Cinco Minutos de Gloria, pues su participación le da consistencia y categoría a la historia.

Emilio Estévez ha sabido combinar a la perfección las situaciones de mayor intensidad dramática, desengrasándolas con sabias dosis de humor. No obstante, la virtud principal del cineasta es que ha captado las diferentes realidades por las que unos y otros se animan a participar, desde los que simplemente lo realizan por algún motivo más o menos superficial, a los que lo recorren por sus creencias religiosas como modo de redención. Un ejemplo de la citada redención puede ser el de la protagonista femenina (Deborah Kara) que tiene grabado en su conciencia el dolor por haber abortado y necesita liberarse. En relación con la mal llamada interrupción voluntaria del embarazo (la perversión del lenguaje y los dichosos eufemismos), el realizador apunta el tema de las terribles consecuencias del síndrome post-aborto, que quiere ser silenciado por parte de quien nos gobierna.

Por otra parte, tras unos titubeantes inicios que no auguraban demasiado éxito, la cinta fue ganando en interés y fuerza con el transcurrir de los minutos.

En contraposición con lo positivo, The Way (2010) corre el riesgo de convertirse en un publirreportaje sobre el norte de España, ya que el autor se recrea en la fotografía, pero la verdad es que el nivel paisajístico y monumental lo merece, puesto que sería un pecado capital pasar por Burgos y no fijarse en su catedral o no detenerse en uno de los edificios más elegantes de España como consideramos al Parador de San Marcos de León.

De todas formas, la pifia del largometraje se encuentra en que, aunque seguro que no ha habido mala intención, sino que más bien parece un fallo de documentación, se ha identificado a Navarra como una parte del País Vasco, con lo que sin querer se está haciendo una publicidad que beneficia a los nacionalistas y terroristas de las Vascongadas. Con respecto a este dato lo más sorprendente es que la actriz que hace el comentario haya sido Ángela Molina, que perfectamente podía haber subsanado el error. No sabemos si no habrá podido o no habrá querido decirlo, lo que ya sería más grave.

Por último, la producción nos habla del esfuerzo para conseguir los objetivos que nos propongamos en nuestra vida y del compañerismo. Además, nos ha gustado el guiño al idealista Don Quijote (Martin Sheen) y a su fiel y práctico escudero (Yorick van Wageningen).

15th Nov2010

Planes para mañana-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

Planes para mañana

Juana Macías, la ganadora del premio Goya al mejor cortometraje en el año 2000 por Siete cafés por semana, nos presenta su ópera prima Planes para mañana (2010).

La cineasta utiliza la técnica cinematográfica de relatos en los que las vidas de sus protagonistas se entrecruzan las unas con las otras, un tipo de narración que puso de moda en los últimos tiempos González de Iñarritu, aunque ya se había usado con anterioridad de la mano de Max Ophüls o de Robert Altman. Cuenta la historia de cuatro mujeres a las que les ocurren ciertas situaciones que les obligan a replantearse su existencia.

La directora recurre a multitud de temas interesantes relacionados con el ambiente que nos rodea, que bien podrían tratarse en un cine forum. Sin embargo, el modo de plantearlo no nos parece el más acertado porque imprime un ritmo demasiado pausado que puede resultar cansino, cargando, excesivamente, la mano en el aspecto más dramático, convirtiéndola en lo que denomino “la lagrima aburrida” que ocurre, bajo mi humilde punto de vista, cuando se abusa de escenas de alta tensión emocional para intentar conmover al espectador, que puede llegar a hartarse de ese tipo de situaciones que abundan en el largometraje.

De todas formas, de alguna manera, la película profundiza en las grandezas y en las miserias del hombre y tenemos la impresión de que su crítica refleja la realidad de la sociedad postmoderna. El guión de la cinta corre a cargo de Juana Macías, Juan Moreno y Alberto Bermejo. En él se da a entender que los valores se conservan en la familia. Y es que el film parece querer decirnos que la institución más antigua del mundo está en crisis y, en algunos casos desestructurada, donde los padres aparecen como más inmaduros que los hijos, que son los que toman las decisiones más importantes, una forma de hacernos reflexionar al estilo Shakesperiano, que pone en boca de los más inocentes los pensamientos más adecuados y profundos. Este dato contrasta con la realidad de las nuevas generaciones en la que la posterior es más infantil que la anterior. No obstante, esta mujer de cine parece que intenta demostrar que algunos jóvenes de esa cultura actual presentan una actitud crítica con lo que representa a unos padres de una moral deteriorada, que puede ser un modelo pernicioso, aunque la intención de la cinta es mostrar a las jóvenes parejas como el futuro esperanzador del clima enrarecido y falto de valores del siglo XXI, pero desde una óptica no trascendente.

Por otro lado, percibimos que se analizan los motivos de la soledad contemporánea en la que encontramos a una chica que sale con un hombre con miedo al compromiso, que es incapaz de asumir su responsabilidad, en este caso, presionando a su pareja para que ésta aborte. En relación con este tema tan de moda, la madre católica de esta muchacha, que se queda embarazada, es presentada como persona incoherente e hipócrita con la Doctrina Social de la Iglesia en la defensa de la vida como dando a entender que los católicos, provenientes del mal llamado nacional catolicismo, están en contra del valor de la vida, una idea que no coincide con gran parte de la verdad porque quién ha basado su formación fundamentada en los principios del humanismo cristiano difícilmente puede tener un pensamiento que niegue la vida del embrión o del feto. A pesar de todo lo analizado, entendemos que apuesta por la vida

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08th Nov2010

Caza a la espía (cine político)-sección criticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginas digital)

Doug Liman se está convirtiendo en un auténtico experto en los distintos géneros del espionaje, pues nos hizo disfrutar con el peculiar El caso Bourne y nos provocó la sonrisa en el lamentable matrimonio de agentes secretos, formado por Angelina Jolie y Brad Pitt en El Sr. y Sra. Smith. Ahora, podemos disfrutar de su cinta más política, Caza a la espía (2010).

El aspecto más poderoso de este trabajo, que no llega al nivel de Todos los hombres del presidente (1975), Los tres días del Cóndor (1976) o la reciente Sombras de poder (2009), es, sin duda, el guión de Jez y John Henry Butterworth sobre los libros de Joseph Wilson y Valerie Plame al que no le falta ningún detalle para engancharte de principio a fin. Por esta razón, el director tan sólo ha tenido que convertir el texto en fotogramas y lo hace fabulosamente. Sin embargo, nos parece mejor realizada y más interesante la segunda parte que la primera parte de la misma. De todas formas, el cineasta hace creíbles muchos de los hechos ocurridos, ya que está basada en hechos reales por lo que se apoya en imágenes de archivo, no obstante, nos da la impresión de que con el uso del material televisivo quiere teledigirnos porque pretende mostrar como si el único argumento para la intervención militar fuese el tema de las armas de destrucción masiva, sin contemplar otros razonamientos a favor de la intervención como terminar con una dictadura genocida de kurdos como la de Sadam Hussein; el intento de concentrar al terrorismo fundamentalista internacional para evitar que atenten en otros lugares de la tierra o la creación de gobiernos democráticos, aunque pueda parecer una utopía, o argumentos en contra como que haya podido tratarse de una guerra por el control del petróleo por poner algunos ejemplos. En nuestra opinión, si se hubiesen tratado todos esos temas, sin moverse por motivos de carácter partidista, se podía haber convertido en una historia muy completa y objetiva. Por tanto, se queda como otro film sobre la guerra de Irak al igual que le ocurre a la mayoría de los largometrajes españoles sobre la guerra civil.

Otro fallo que percibimos es el abuso de las escenas rodadas cámara al hombro para crear escenas con apariencia realista para introducir al espectador en el relato, que pueden marear y provocar el rechazo.

Por otra parte, las breves pinceladas sobre la familia son suficientes para demostrar que esta institución resulta clave en nuestra sociedad, sigue siendo el medio, donde se lavan los trapos sucios y se solucionan las dificultades. También puede servir para reafirmarnos sobre la importancia de que las parejas, que se sustentan en sólidos principios, son las que resisten los vaivenes de la convivencia y superan los problemas, que puedan surgir a lo largo de un vida, mostrándonos al amor y al diálogo como piezas esenciales para lograr el entendimiento.

Por último y sin pretenderlo, la película nos permite hacernos la siguiente pregunta: ¿Es posible conciliar la vida familiar con la vida laboral? La respuesta es afirmativa, puesto que la actriz Naomi Watts, la protagonista de la obra en cuestión, suele primar en sus decisiones la posibilidad de poder atender a sus hijos por encima de las de elegir un papel, que le permita evolucionar como artista.

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03rd Nov2010

Vivir para siempre-sección críticas (El sentido de la vida)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario Ya)

“Hay cosas perfectas de principio a fin “. Esta es una de las frases, utilizadas también en Vivir para siempre, que definen el nivelazo de esta excelencia, dirigida por Gustavo Ron, autor de Mia Sarah(2006), que capta a la perfección todas las dimensiones del ser humano.

Cuenta las andanzas de un chaval de 11 años enfermo de leucemia, que expresa su vitalidad, intentado cumplir una lista de deseos, mientras que reflexiona sobre el sentido de la vida, haciéndose preguntas de hondo calado.

En el apartado interpretativo destacan las intervenciones de Ben Chaplin, como padre de la criatura, cuya evolución como personaje nos parece interesantísima, pues, poco a poco, y gracias a la enfermedad de su hijo va estableciendo una relación paterno-filial entrañable, creando unos vínculos que se quedarán grabados en la retina de cualquier espectador sensible. Por otra parte, el actor Alex Etel (Félix), que hace las veces de colega de Sam, le da la salsa a la cinta, demostrando sus buenas intenciones cuando la ocasión los requiere.

Después del visionado de Vivir para siempre (2010) nos preguntamos lo siguiente; ¿Es posible realizar una película que se plantee por el sentido de la vida y que contenga los valores del humanismo cristiano? La respuesta es afirmativa. El realizador español Gustavo Ron, en una coproducción británico-española, basada en una novela de Sally Nichols, demuestra que es posible crear un cine dramático capaz de llegar al gran público y narrar una terrible historia, contada con grandes dosis de humor, de ritmo y ternura. También, nos enseña como se puede contar algo realmente triste, pero que, en cambio, transmita esperanza y optimismo y, sobre todo, ganas de vivir. Y es que, de algún modo, estamos ante un relato iniciático sobre un niño que comienza a ser adolescente. Sin embargo, el modo de ejercer ese paso de la edad infantil a la edad adulta nos parece el adecuado y propio de una inmensa mayoría de la sociedad que ha vivido de forma sana y con comportamientos inocentes esa etapa de la vida y muestran la lógica curiosidad del adolescente, pero sin llegar a tener experiencias más relacionadas con el mundo adulto como otras cinta de descubrimiento como por ejemplo Ibrahim y las flores del Corán o cualquier otra del cine actual español. Creo que ustedes me han entendido perfectamente, ¿No es verdad?

Cambiando de tema, habría que decir que el largometraje es un canto a la familia, donde se llega al fondo de la cuestión, explicando lo que significa llegar a querer a alguien, siendo el hogar, el lugar que nos da la fuerza para vivir (como decía el otro) y la fuente de satisfacción y felicidad en un alto porcentaje, tal y como diría el “científico” protagonista de la obra del celuloide en cuestión.

Finalmente, la película nos parece bastante original en muchos aspectos, aunque nos recuerda a producciones de cine independiente como Juno (2007), así como nos congratula sus claros guiños a Frank Capra y a la célebre ¡Qué bello es vivir! (1946) o a Sueños de juventud (2008) con respecto a la escena del globo. Además, el cineasta expresa su maestría, sabiendo adornar la cinta con una fotografía y unos paisajes de calidad; con el uso de unas marionetas que nos hacen reír o pensar ; y con una banda sonora de calidad tanto en la composición sinfónica de César Benito como en la selección musical al estilo americano entre los que nos ha llamado la atención positivamente la canción de Juan Luis Guerra en una de las escenas más bonitas, aunque existen muchas, que nos hace pensar sobre quién se acordará de nosotros cuando hayamos muerto.

23rd Oct2010

Héroes, una historia entrañable-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

La clave para que una película funcione suele ser que se encuentre fundamentada en un buen guión. Este es el caso, pues el guionista Albert Espinosa, conocido por su excelente trabajo en la película de Antonio Mercero Cuarta planta, nos regala un texto, que toca el corazón.

El largometraje se empeña en contarnos la vida de un publicista de éxito que, en un viaje de negocios, se cruzará con una mochilera, que le permitirá recordar los entrañables momentos vividos en la preadolescencia.

Los personajes adultos, Alex Brendemühl y la simpática Eva Santaolaria, parecen la excusa perfecta para relatarnos las aventuras y desventuras de una pandilla en los años ochenta.

Por otro lado, la dirección corresponde a Pau Freixas, que se luce en todas y cada una de las escenas relacionadas con el mundo infantil porque consigue despertar sentimientos, que permanecen ocultos en el subconsciente mediante una obra con tintes autobiográficos. De todas formas y por ponerle algún pero, la paralela historia adulta no está demasiado lograda. El autor pretende mostrarnos su sufrimiento, puesto que fue uno de los primeros niños españoles en pasar por la dolorosa situación de la separación de sus padres .Y es que era una época en la que el divorcio era la excepción, un dato que contrasta con el modelo familiar actual tan heterogéneo propio de la sociedad postmoderna.

Como decíamos, el excelente guión en el que se sustenta encuentra su fuerza en los valores que ofrece como la ternura, la inocencia, la lealtad y, sobre todo, el de la amistad. Todo ello, sin olvidar la reivindicación de los más débiles, con la introducción de un personaje con síndrome de Down, cuya validez se cuestiona constantemente. En relación con este tema, ¿a qué no se han preguntado el porqué ya no nacen niños con la citada problemática? Pues porque no les dejan nacer.

Cambiando de tema, el cineasta catalán, independientemente, de querer hablarnos de su experiencia, consideraba necesario revindicar la infancia española, ya que el cine francés los hizo con Los chicos del coro y el norteamericano lo ha hecho fabulosamente en innumerables ocasiones. Por esa razón, Pau Freixas ha querido homenajear a esas producciones, que hacían las delicias de los jóvenes y adultos como Los Goonies, Cuenta conmigo o El vuelo del navegante, resultando sus guiños, incluso, explícitos.

Como dato curioso, los actores infantiles convivieron en colonias veraniegas durante tres semanas para conseguir la química adecuada.

Finalmente, hay quien considera a la ganadora del Premio del Público en el Festival de Cine Español de Málaga como lacrimógena. Sin embargo, pensamos que, aunque no se trata de un historia original, sale de la sordidez y el sectarismo habitual en nuestro cine, para mostrarnos con sinceridad y transparencia un mundo más acorde con la realidad de ese momento que constata, ofreciendo un retrato más adecuado con la inmensa mayoría de los españoles de la transición e inicio de la democracia. ( publicado en pantalla 90 y un resumen en el diario Ya)

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19th Oct2010

La red social-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

La red social (2010) contaba con todos los ingredientes para garantizar su éxito, pues relata una realidad extendida por todo el mundo; está basada en el libro de Ben Mezrich Multimillonario por accidente (Ed. Alienta) y se encuentra respaldada por Aaron Sorkin, conocido por ser el guionista de la serie El ala oeste de la casa blanca. Sin embargo, el director David Fincher, que nos ha maravillado con dos películas sobresalientes como Seven y Zodiac y nos ayudó a reflexionar con El curioso caso de Benjamín Button, no hace atractiva su último largometraje porque, bajo mi humilde punto vista, centra toda la acción en habitaciones poco iluminadas, en lugares cerrados, que le darán toda la credibilidad posible, pero se hubiese agradecido alguna concesión al público amante de la buena fotografía. El problema es que centra toda su atención en ambientes muy caseros.

Por otra parte, aunque percibimos un libreto muy trabajado, pensamos que abusa de elaborados diálogos y de ciertos tecnicismos informáticos que alejan al espectador más distanciado e, incluso, al no tan separado de las nuevas tecnologías y le faltan pequeños tiempos muertos necesarios para comprender lo que allí se estaba cociendo. No obstante, nos parecen muy brillantes y esclarecedores los últimos veinte minutos, puesto que se recurre de manera más ordenada al uso del flash-back que te vuelven tan loco en la primera parte del largometraje.

Por otro lado, el autor en una doble trama nos cuenta cual es el origen de la popular red social, llamada Facebook, mientras que se propone explicarnos las demandas judiciales, que sufrió el hombre menor de 30 años más rico del mundo.

Cambiando de tema, el cineasta nos presenta a dos personajes que tienen visiones completamente distintas de entender la empresa y la vida. En primer lugar, nos encontramos con un Mark Zuckerberg (Jesse Einsenberg), un superdotado para el mundo de la informática, carente de habilidades sociales, y cuya motivación no es el dinero. Esta forma de ver el mundo contrasta con una porción de la sociedad capitalista, que tan sólo valora lo material. Y no es que el protagonista sea un portento de virtudes espirituales, pero de lo que se deduce del visionado de la citada obra del celuloide es que el dueño de Facebook era un hombre sin maldad, un tanto indolente y sin grandes ambiciones, que se creó enemigos sin pretenderlo.

En segundo lugar, el actor Justin Timberlake representa al típico tiburón de los negocios, Sean Parker, como una persona ávida de poder, sin escrúpulos e incapaz de asumir el peso de la fama con la sencillez y la naturalidad de su socio y principal accionista.

En definitiva, los espectadores, que se adentren en las fauces de esta notable película, conocerán la génesis de una multinacional, a pesar de que me parece excesivo que alguien la haya declarado la mejor producción de la década.

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11th Oct2010

Amador, Lenta, pero segura y defiende la vida

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (pulicada en Pantalla 90)

Fernando León de Aranoa es uno de los mejores directores-guionistas españoles, conocido por Princesas (2005), la excelente Barrio (1998) o por la cargada de ideología Los lunes al sol (2002). En este caso, nos ofrece un lentísimo relato que defiende la vida.

La historia gira entorno a una muchacha sudamericana, que se queda embarazada de un hombre sin aspiraciones. La vida de Marcela, así se llama la protagonista, cambiará de la noche a la mañana en el momento en el que se encarga de cuidar a un anciano con el que entablará una entrañable relación. Sin embargo, sucederá un hecho realmente triste que le planteará un dilema moral entre lo que debe hacer y lo que a ella le interesa.

La interpretación corre a cargo de Magali Solier, que era la actriz protagonista de La teta asustada, y de Celso Bugallo, cuya breve intervención te deja con la miel en los labios por el hondo calado de sus comentarios. Su interpretación nos transmite credibilidad.

En mi modesta opinión, el realizador narra de manera demasiado pausada, y un largometraje, que podía haberse contado en 90 minutos, se alarga innecesariamente, mediante planos excesivamente largos y reiterativos. No obstante, los personajes marginales de la cinta desengrasan las situaciones más dramáticas a través de chispeantes diálogos. El cineasta nos obsequia con una serie de valores ciertamente interesantes, si exceptuamos algún comentario marxista, que recuerda más al siglo XIX que al tiempo en el que vivimos. Este dato probablemente puede deberse, entre otras cosas, a la influencia del dueño de la Sexta Jaume Roures, que la produce.

Cambiando de tema, Fernando León realiza una radiografía de la sociedad latinoamericana, que vive en España y, sobre todo, destaca la religiosidad de ese pueblo. Y si hablamos de trascendencia es necesario comentar el acercamiento a la figura del sacerdote al que se representa como un persona fuera de la realidad, lo que invita a pensar el gran desconocimiento de la Iglesia por parte del que firma este film, porque la mayoría de los sacerdotes que conozco, se encuentran con los pies en el suelo, sabiendo actuar con delicadeza y habilidad, ya que son profundos conocedores del alma humana.
Además, habría que decir que esta obra del celuloide apuesta decididamente por la vida, gracias fundamentalmente al apoyo moral ejercido por el anciano hacia la joven protagonista embarazada, puesto que hay un momento en el que Amador le toca el vientre, diciéndole con voz enérgica lo siguiente: “Es tuyo.¡Qué nadie te lo quite!” Y es resulta muy tierna la relación de complicidad que establecen Amador y Marcela.

Por otro lado y sin cambiar de tema, aunque no se si era su intención, muestra al aborto no como un derecho que se promulga por parte de feministas radicales, sino que, en la vida real, presenta al hombre como el principal interesado, que presiona a la mujer para librarse del problema sin tener en cuenta las graves consecuencias morales y psicológicas que puedan afectar a la mujer.

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11th Oct2010

Buried (Impresionante)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario Ya)

Hace un par de semanas se estrenó Buried (2010), basado en un guión de Chris Sparling, que estuvo rodando por Hollywood durante un año y medio porque nadie se atrevía a producir un largometraje tan arriesgado, pues toda su trama transcurre en el interior de un ataúd. Todo cambió cuando el productor, Peter Safran, se hizo con el libreto para proponerle a Rodrigo Cortés que se hiciera cargo del proyecto. El cineasta español aceptó, ya que le gustan los retos y el resultado ha sido espectacular.

La cinta, a pesar de centrar toda la acción en el interior de un ataúd, ofrece un ritmo trepidante, respaldado con un guión con algunas trampas necesarias para jugar con el espectador. Buried (2010) te atrapa desde el principio hasta el final, siendo capaz hasta de contar una historia de amor. Este cineasta consigue trasladarnos, constantemente, la tensión, sólo suavizada por situaciones cómicas combinadas con otras de mayor calado dramático.

Por último, la película cuestiona a los estados que se niegan al chantaje de los terroristas, poniéndose en el lugar de las víctimas. Un dato que nos parece negativo porque el país que cede ante las exigencias de los terroristas se acaba convirtiendo en un objetivo fácil y recurrente.

Además, el final, elegido por el realizador, continúa la pesimista línea tan habitual en nuestros cineastas escasos de horizontes. De todas formas se acabará convirtiendo en una de las favoritas para ganar los Goya.

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