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27th Sep2010

Elisa K-Premio Especial del jurado San Sebastián-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

En ocasiones, algunos directores nos presentan historias realmente duras para denunciar situaciones injustas que ocurren en nuestra sociedad, aunque nos da la impresión de que han tratado de que prime la estética por encima de las cuestiones de fondo en una cuento de la escritora Lolita Bosch.

La película sólo puede verse en lengua catalana subtitulada al español y dura 72 minutos. Consta de dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas esta narrada en voz en off, por lo que puede llegar a cansar, y fue filmada en blanco y negro, tratando de contarnos, mediante una elegante metáfora, la violación de una niña de 11 años por parte de un amigo del padre, explicando como la protagonista junto a sus familiares afrontan un problema tan peliagudo, ya que los padres saben que a la niña le pasa algo, pero no le pueden ayudar porque la pequeña Elisa ha borrado el hecho de su mente. La segunda parte ha sido rodada en color y los realizadores cuentan como la protagonista, 14 años después, recuerda el terrible suceso autodestruyéndose (una escena que puede llegar a incomodar al espectador) para comentarlo más tarde a sus padres.

Los cineastas Judith Colell, conocida por 53 días de invierno (2006)o Nosotras (2000), y Jordi Cadena, narran de un modo poco habitual que se acerca más al documental con excesivo protagonismo del narrador que a un largometraje en estado puro. Sin embargo, el defecto fundamental se encuentra en el escaso desarrollo de los personajes que hubiesen enriquecido es obra del celuloide, que se queda en un relato para adultos, dejando demasiado a imaginación razón por la cual me permito el lujo de contarles lo que a mi me ha sugerido.

De entre los temas secundarios, parece que los directores han querido homenajear el papel del maestro tan criticado en los últimos tiempos, no por culpa de los mismos, sino por la de los sistemas educativos propuestos por determinados gobiernos que no han fomentado el esfuerzo y la disciplina. Este educador, que aparece en el largometraje, participa en una escena en la que tan sólo menciona la figura de Luther King y de esa breve escena se deduce que esa persona fuese la clave para que la víctima superase ese bache, que le estaba destrozando la vida.

Por otra parte, a pesar de tratarse de una familia de padres separados, los directores han dejado claro que la familia resulta la pieza esencial a la que recurrimos todos cuando no encontramos mal y en la que se mitigan los problemas gracias a la comprensión mostrada por nuestros seres queridos y muestra el modo de actuar complementario y necesario de un padre y de una madre.

La cinta también nos habla del sentimiento de culpa por parte del padre y que puede servir para reflexionar sobre los errores que se han podido cometer cuando sucede un hecho que nos desborda. En definitiva, esa voz de la conciencia que debe estar presente en el hombre y que muchos quieren borrar a través del relativismo propio de la sociedad actual.

Finalmente, Elisa K (2010) es mejor de lo que me esperaba, pero me llama la atención que haya recibido el premio Especial del jurado en el Festival de San Sebastián.

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22nd Sep2010

Adele y el misterio de la momia-¿Mejor que el secreto de la pirámide?-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Dada la escasa calidad de estrenos de este fin de semana, hemos optado por analizar Adéle y el misterio de la momia (2010). Una película destinada a un público supuestamente preadolescente, adolescente y juvenil.
 
La historia gira entorno a una aventurera y escritora, llamada Adèle Blanc-Sec, que viaja a Egipto para descubrir la tumba de Ramsés II ,donde espera descubrir la momia del médico personal del faraón para que al resucitar al mismo, éste recupere a la hermana de la protagonista, pues se encuentra postrada en una silla de ruedas.
 
La interpretación de la actriz Louise Bourgoin nos parece un tanto insípida, mientras que la actuación de los secundarios resulta histriónica porque, quizás, estos personajes provienen del cómic de Jacques Tardi, que parece burlarse del género masculino y nos da la impresión de que el cineasta que realiza la adaptación hace bandera del feminismo radical en la que Adéle no necesita del cariño de los hombres, considerándolos como seres simples y sin talento.
 
El director Luc Besson, conocido  por positivos trabajos como Arthur y los Minimoys (2006) o el Quinto elemento (1997) y por negativas producciones como  Juana de Arco (1999) en la que se planteaba el tema de la fe como un paranoia de la santa, regresa al género de la aventura, basándose en populares cintas como El secreto de la pirámide o La momia (1999), aunque su final nos parece bastante original y divertido.
 
El realizador de este relato cinematográfico ha querido resaltar el valor de la ciencia como la única forma de hacer avanzar a la sociedad, pero sin olvidar que el amor hacia los demás es el motor que mueve la vida como se puede observar en lo que hacer para recuperar la salud de su querida hermana, un dato interesante para una película que proviene del mundo de los tebeos. Sin embargo, pensamos que el director juega con un guión que busca atraer tanto al público infantil como a otro más adultos, mediante diálogos que los niños interpretan de una manera y los adultos de otra. De todas formas, resulta chocante e incoherente que si está destinado para todos los públicos, aparezca un destape a la española por muy inocente que pueda parecer a los ojos de algunas personas, pues desentona si lo comparamos con el humor más blanco del resto de la historia.

Y es que pensamos que el director juega a dos barajas. Por cierto, esta cinta carece del ritmo adecuado para enganchar suficiente y bajo nuestro punto de vista le falta un poco de chispa. Además, no alcanza el nivel de otras producciones de corte similar. Por otra parte, el realizador francés nos obsequia con su particular homenaje a E.T., el extraterreste (1980).(publicado en páginas digital y diario YA)

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15th Sep2010

Lope, la sorpresa de la temporada-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el diario Ya)

La historia de España ha dado grandes genios en todos los ámbitos de la vida como la literatura, la ciencia, el ejército, la filosofía, la teología, etc. Por esa razón, resulta penoso que en nuestro cine sólo, de vez en cuando, se hable de las andanzas de un personaje de la talla de Lope de Vega.

La película gira entorno a la figura de uno de los escritores más importantes del Siglo de Oro y el triángulo amoroso formado por Isabel de Urbina, Elena Osorio junto con el citado poeta, que tendrá una particular relación con la familia Velázquez que terminó con el destierro del “ fénix de los ingenios”.

El reparto es coral, destacando las interpretaciones de las actrices españolas: Leonor Watling y Pilar López de Ayala, que no es la primera vez que interpreta a un personaje de época, pues ya lo hizo en la manipulada historia de Juana la loca (2001). Por otra parte, Alberto Amman ha sabido apostar por producciones (Lope ha sido patrocinada por Intereconomía), que rompen los moldes del cine tradicional español, que tanto ataca a los católicos, la gente de derechas y a las personas con sentido común, como demostró con la elección de Celda 211 (2009). Su interpretación sobre este titán del teatro nos parece fabulosa y consigue transmitir el amor que Lope de Vega profesaba por este arte. También, nos parece muy positivo el personaje del franciscano interpretado por Luis Tosar, que nos muestra la inconmensurable labor de las órdenes religiosas a las que la fe en un ser superior les mueve a practicar la caridad con los más necesitados. Además, el actor Miguel Ángel Muñoz parece que va más disfrazado que vestido para la ocasión, siendo su interpretación un tanto forzada y artificial.

El director Andrucha Waddintong, conocido por Ellos, yo y tu (2000) consigue trasladarnos a uno de los periodos más importantes de la historia de nuestra nación, contándonos una parte de la intensa vida del fabuloso dramaturgo, aunque se queda con la parte más hedonista, olvidándose de su última etapa donde sufrió una conversión espiritual. Y es que como toda película española no podía faltar algunas escenas erótico-festivas que, sin embargo, no caen en el mal gusto.

En contraposición con lo positivo, da la impresión de que el cineasta bebe de las fuentes de Cyrano de Bergerac (1950) en algunas de las líneas argumentales del largometraje en cuestión, mientras que el formato recuerda demasiado a Shakesperare in love (1999). Por tanto, la originalidad brilla por su ausencia.

Como dato curioso, Jorge Drexler ha compuesto la música y la letra para los títulos de crédito.

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26th Ago2010

Mis tardes con Margueritte-El cine convertido en arte-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

Cuando hablamos de Jean Becker, no nos estamos refiriendo al típico director de película francesa, sino a un autor que tiene como objetivo en sus largometrajes hacernos pensar y que no salgamos de la sala de proyección igual que hemos entrado.

Cuenta la vida de un cincuentón casi analfabeto, que se reúne todos los días con sus amigos en el bar y al que su vida le cambiará completamente al conocer a Margueritte, una anciana culta, que le transmitirá su amor por la literatura.

La pareja protagonista nos maravilla con sus excelentes interpretaciones. La actriz Gisèle Casadesus proviene del mundo del teatro, y debutó en la ya lejana década de los 30, consiguiendo que nos encariñemos de su personaje. Por otra parte, el gran Gerard Depardieu representa al típico bonachón que da la vida por sus amigos y está bien hasta comiéndose un bocadillo vegetal.

El cineasta francés posee un talento particular para contar historias que consiguen emocionar al espectador. Tanto Conversaciones de mi jardinero (2007) como La fortuna de vivir (1999) aparecen en su filmografía como su mejor carta de presentación. Se trata de relatos cinematográficos que, al igual que Mis tardes con Margueritte (2010), giran en torno a la lealtad entre compañeros, que se entregan generosamente en el empeño de ser fieles los unos a los otros como muestra una escena en la que dos de ellos van a ayudar, a su manera y con falta de delicadeza, a un amigo borracho y deprimido.

De todas formas, el eje central de la historia, se plantea entre un hombre de mediana edad y una entrañable anciana en la que se entremezcla un amor platónico y una profunda amistad, compartiendo su vida a través de lo que deducen de los libros que leen y los problemas que plantean en los mismos son extrapolados a la realidad de Germain (Gerard Depardieu)

Entre los temas importantes del largometraje destaca el desinteresado cariño que el protagonista profesa por su incompetente madre que parece no corresponderle, explicado, especialmente, en el emocionante momento de la muerte de su progenitora. Y es que el amor hacia una madre es un hecho universal que nadie podrá negar.

Por otra parte, la ausencia de la figura paterna refleja una problemática muy actual que se traduce en el aumento en la sociedad postmoderna de las familias monoparentales, donde se generan hijos con ciertas carencias por falta de un referente, en este caso, masculino.

Por último, en esta obra del celuloide, el director parece querer decirnos que el hombre es bueno por naturaleza y lo puede seguir siendo el resto de su vida, aunque algunos compañeros de profesión critican esa falta de mala uva por parte del cineasta.

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22nd Ago2010

Killers-Sección críticas-una película a medias

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

El género de acción es uno de los puntos estratégicos que caracteriza al periodo cinematográfico veraniego. Concretamente, Killers (2010) es una aceptable comedia de un espía muy enamorado.

Robert Luketic, autor de la magnífica Una rubia muy legal (2001) o la patética La cruda realidad (2009), dirige una divertida cinta con dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas recuerda, en cierta medida, al cine clásico de los años cuarenta o cincuenta y si hubiese mantenido el tipo de esa primera parte estaríamos hablando de una notable película, pues las situaciones de humor están muy bien hiladas, explicándonos los tópicos o no tan tópicos sobre las relaciones de pareja. El fondo argumental proporciona elementos de juicio que puedan ayudar a reflexionar sobre las renuncias generosas, en tono positivo, que supone el compromiso matrimonial.

En cambio, en la segunda parte, al realizador se le va de las manos con una serie de escenas de violencia interminable que rompen el tono inicial. El guión se disparata de tal manera que resulta poco convincente, perdiendo la magia de los primeros 50 minutos.

Cambiando de tema, el largometraje guarda ciertos paralelismos con Los padres de ella (2000) y, por supuesto, con la cercana estela dejada por Noche y día (2010), obsequiándonos con claros guiños al cine de espionaje y ofreciéndonos un excelente “publireportaje” de la ciudad de Niza.

El argumento cuenta la vida de Spencer, un espía que se dedica hacer el trabajo sucio de los servicios secretos norteamericanos, que dejará su macabro empleo al encontrarse con la encantadora Jen Kornfeldt. Unos años más tarde, Spencer descubre que alguien lleva siguiéndoles desde hace un tiempo con no buenas intenciones

Por otra parte, Asthon Kutcher es el productor de Killers. Por tanto, todo gira entorno a facilitar el lucimiento del actor que, curiosamente, escribió un guión previo, perfeccionado por un equipo de guionistas. Kutcher nos ofrece un papel de un personaje equilibrado y maduro muy diferente al que le hizo saltar a la fama en la excelente serie, aunque muy “mayo sesentaiochista”, Aquellos maravillosos años 70.

Catherine Heigl interpreta brillantemente a un inocente personaje, mientras que el broche de oro corre a cargo de Tom Selleck, que Kutcher quiso incluir en su producción.

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15th Ago2010

Origen-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diario Ya)

Aunque el cine de ciencia ficción no sea uno de mis géneros favoritos porque no siempre han sido capaces de contar buenas historias, reconozco el poderoso influjo de Origen (2010), que cautivará a todo buen aficionado al cine de calidad.

Este thriller gira entorno a Cobb, interpretado por Leonardo DiCaprio, que dirige a un grupo de investigadores-delincuentes, que desempeñan una extraña misión, consistente en introducirse en el subconsciente de la personas, mientras sueñan, para extraerles la información requerida. El citado Cobb y su equipo quieren acometer su último trabajo en el que tendrán que introducir una idea en la mente del heredero de un gran imperio económico.

La producción viene respaldada por un reparto excepcional. El actor Michael Caine se come la pantalla a pesar de su breve intervención, mientras que dos estrellas surgidas del cine independiente como Ellen Page, la protagonista de Juno (2007), una película que defendía la vida del no nacido y Joseph Gordon-Levitt, el protagonista de (500) días juntos (2009), que tan bien nos explicó el proceso de un noviazgo desde su inicio hasta su ruptura, lo hacen fabulosamente. Éstos secundarios, junto con una actriz que parece sacada del cine clásico como Marion Cotillard, favorecen el lucimiento de DiCaprio, cuya interpretación está llena de matices. Además, dicho actor, últimamente, participa en trabajos que pueden hacer pensar al espectador y se cuentan por éxitos.

Por otra parte, Christopher Nolan ha sido capaz de inventar un relato de ciencia ficción realmente espectacular y si Alfred Hitchcock se sirvió del psicoanálisis para su película Recuerda (1945) o los hermanos Wachoski construyeron Matrix(1999) para hablar de la realidad virtual, el cineasta británico nos cuenta una original historia, recurriendo a algunas referencias de la trilogía de Matrix, al psicoanálisis y al mundo del subconsciente.

Por tanto, el director fabrica una obra onírica en la que varias situaciones ocurren al mismo tiempo, pues el autor trata de recrear un sueños de tres capas que, aunque pueda parecer que se sigue con dificultad, el realizador no pretende liarnos, dejando todo meridianamente claro a pesar de su complejidad.

Por otro lado, este genio de la cinematografía nos hace reflexionar sobre la familia con el viaje emocional que vive el protagonista, que lucha por limpiar su nombre de una falsa acusación de asesinato para recuperar la mirada y el cariño de sus hijos. Y es que el autor trata que sus personajes reciban justicia al igual que ha hecho con el personaje interpretado por Cillian Murphy, el cual bucea en el subconsciente para saber que quería su padre de él, ofreciéndole una propuesta que no dejará indiferentes a los asistentes a las salas de proyección.

Finalmente, en este drama de acción y misterio, como viene siendo habitual en la filmografía de Nolan, sus personajes sufren con el sentimiento de culpa.

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08th Ago2010

The secret of Kells-La tradición cristiana-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en el Diario Ya)

En una época en la que el cine de animación en tres dimensiones copa las carteleras españolas. Existe una pequeña producción irlandesa, que todavía se atreve con la animación tradicional y nos ofrece una pequeña perla que merece la pena se tenida en cuenta por los valores que transmite.

La historia gira entorno a un monje de 12 años, que vive en la abadía fortificada de Kellls que trata de reforzarse para protegerse del posible ataque de los vikingos en el siglo IX DC. El citado monje, llamado Brendan, se encuentra bajo el amparo del abad, su tío, que le educa con una férrea disciplina, ya que sus padres fueron asesinados.

Tomm Moore ha conseguido llevar a esta obra al lugar más alto en el que podía estar, pues fue nominada a los Óscar 2010, teniendo que enfrentarse a muros infranqueables como Tiana y el sapo (2009) o Up (2009). No obstante, esta diminuta joya ha recibido premios, en festivales repartidos, especialmente, por la geografía Europea como Zagreb, Edimburgo o Dublín.

El autor utiliza una técnica de dibujo muy sencilla, pero original para narrarnos una historia que puede atraer a un público infantil en la que el adulto no se sentirá desplazado porque las sub-tramas que se ofrecen pueden interesar a los más mayores. El misterio que encierra este cuento se centra en una pieza de gran valor artístico como es el libro de Kells, que contiene los cuatro Evangelios.

Por otra parte, este relato cinematográfico trata de explicarnos como era la vida de los pueblos de la edad media. Una época en la que los habitantes de diversas zonas del viejo continente se encontraban resguardados bajo el manto de la Iglesia.

La cinta bebe de las fuentes de la cultura católica combinada con las tradiciones celtas. Sin embargo, al director parece importarle contarnos la influencia de los cristianos en la sociedad irlandesa y como los monjes fueron los encargados de transmitir la cultura durante siglos, presentando unos valores que se oponían a los sanguinarios desmanes de los paganos vikingos.

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01st Ago2010

El equipo A- Sección críticas-¿Mejor que la serie?

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.pantalla90.es)

En 1972, cuatro de los mejores soldados del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en escaparse del lugar, donde estaban recluidos. Ahora sobreviven como soldados de fortuna. Si tiene algún problema, quizás pueda contratarlos. Pensamos que este fragmento que acaban de leer es la mejor manera de homenajear a una serie que cautivó a los niños de los 80, aunque su adaptación cinematográfica deja mucho que desear porque su resultado final nos parece decepcionante.

En primer lugar, esta cinta mantiene alguno de los comentarios típicos de los personajes como: “Me encanta que los planes salgan bien” o “No pienso subir a este avión”. Por otro lado trata de servirse de la nueva moda que busca los orígenes de personajes populares del mundo de la televisión, del cine o del cómic, olvidándose, en este caso de la esencia del equipo A., que era ayudar a las personas que se encontraban en una situación difícil o comprometida.

En segundo lugar, este largometraje adolece del gran sentido del humor que caracterizó la popular serie, dando la impresión de no llegar al espectador y ofreciendo excesivas dosis de acción desastrosamente rodadas, que provocan más el aturdimiento que el entretenimiento. Además, los guionistas intentan modernizar a los personajes y los relacionan con el manido tema de la guerra de Afganistán, donde se acusa a los militares de corrupción, como cuestionando la política actual americana en el citado conflicto.

Tan sólo Liam Neeson salva este deficiente y aburrido largometraje, en la que la lealtad y el compañerismo tienen mucho que decir.

Por tanto, todos sabemos que las comparaciones son odiosas, sin embargo, ¿para qué ha hecho Joe Carnahan una película, basada en una serie de televisión, si no es para mejorarla?

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29th Jul2010

Toy Story 3-Sección críticas-¡Impresionante!

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)
John Lasseter y su productora se están convirtiendo en unos expertos en despertar sentimientos y en sugerir valores con sus historias, que merecen la pena ser tenidos en cuenta. Nos da la impresión de que esta fábrica de sueños, llamada Pixar, realiza estudios antropológicos con una acertada visión del pensamiento del ser humano antes de inventarse un relato animado que sea fiel a sus principios. Y es que este largometraje refleja una realidad que muchas personas hemos experimentado hacia nuestros juguetes y cómo ha ido evolucionando nuestra relación con ellos. Por cierto, mis juguetes están guardados en una caja para mi futuro hijo.

La cinta gira en torno a los juguetes de Andy que, intuyendo que su dueño se está haciendo mayor y les quiere enviar a una guardería, empiezan a replantearse sus vidas.

Este largometraje está dirigido por Lee Unkrich, que ha partido de varios trabajos de la factoría como Buscando a Nemo (2000). El director consigue mantener la frescura de la primera, contando ideas diferentes a las anteriores, pero sin resultar reiterativas a pesar de girar alrededor del mundo infantil. Su trabajo es excelente y, en algunos aspectos, mejorando a las anteriores, respaldándose en un guión potentísimo de Michael Arndt, que nos ofrece todos los ingredientes para garantizar el éxito.

Las situaciones cómicas creadas son divertidísimas, mientras que las dramáticas tienen mucho sentido y pueden servir para reflexionar sobre la lealtad, la amistad y la familia, destacando la importancia de encontrarse unidos hasta en los peores momentos junto con el miedo a no ser aceptado y sobre los efectos negativos del rencor mantenido a los largo del tiempo.

Por último, les recordamos que no deben perderse el corto anterior a la proyección de Toy story 3 (2010) y la desternillante historia de amor entre Ken y Barbie. Además, la cinta nos obsequia con varios guiños cinematográficos como La gran evasión (1962) o a Mi vecino Totoro (1988), el entrañable personaje del animador japonés Hayao Miyasaki, muy admirado por Lasseter.

Conclusión, tanto padres como hijos no deben perderse este film, que emocionará a unos y entretendrá a los otros.

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24th Jul2010

Madres e hijas-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en diarioya.es)

Rodrigo García [Cosas que diría con sólo mirarla (20009)], hijo de Gabriel García Márquez, un escritor que siempre ha apoyado la dictadura castrista, ha escrito y dirigido una cinta con valores opuestos, en cierta medida, a los de su padre, defendiendo el derecho a la vida por encima de todo.

La cinta tiene el sello personal de González de Iñarritu, pues produce una película de esas historias, que se entrecruzan, que tanto gustan al productor y director mejicano.

En general, Rodrigo García intenta hacernos pensar sobre las consecuencias positivas o negativas de entregar a un niño en adopción a juicio del autor, aunque parece poner en duda que sea la mejor decisión. Annette Bening interpreta a una mujer que se siente insatisfecha por haber entregado a su hija en adopción. Un dato que ha supuesto que en una crítica en hispanidad.com se plantease que la película hubiese sido redonda, si se hubiese atrevido a tratar el tema del síndrome post aborto. Un argumento con el que coincidimos plenamente.

Entre las virtudes de este film se encuentra la inocencia de los personajes más jóvenes como la niña ciega que reflexiona sobre la vida, destacando que en la mujer embarazada hay una persona dentro de otra persona. Otra jovencita habla de su experiencia de fe que trata de transmitir a sus familiares y, a la vez, refleja la cultura cristiana propia de la comunidad hispanoamericana de los Estados Unidos.

Otro punto luminoso de Madres e hijas (2009) es la actitud respetuosa del cineasta con respecto a las creencias religiosas y a las instituciones del Iglesia católica.

El problema es que Rodrigo García presenta este relato desde una óptica femenina en la que los hombres pintan poco en las decisiones importantes a pesar de que dos de los tres personajes masculinos intentan tomar decisiones maduras para tratar de solucionar los inconvenientes que pueden surgir a lo largo de la historia.

Por otra parte, el director, en el tratamiento de las escenas de cama, parece alabar, en un principio, al hedonismo puro y duro. Sin embargo, muestra una actitud crítica frente a ese comportamiento porque se deja claro que no proporciona la felicidad y destruye a los que se encuentran a su alrededor. No obstante, destaca positivamente la decisión final del personaje interpretado por Naomi Watts a pesar de su absoluta independencia.

Como conclusión, podrás estar más o menos de acuerdo con alguno de los planteamientos ideológicos del realizador, pero queda claro que busca proteger al no nacido, dándole la oportunidad de forjarse su propio futuro

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22nd Jul2010

London River-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginasdigital)

London River (2009) se desarrolla en los momentos posteriores a los atentados perpetrados por terroristas islamistas el 7 de julio de 2005 en Londres. En ella se cuenta el modo en el que un guarda forestal musulmán y una campesina cristiana buscan a sus hijos desaparecidos tras los citados atentados.

Rachid Bouchareb [Days of Glory (2006)] narra con sencillez y habilidad una historia muy humana sobre dos personas, de culturas antagónicas, que se unen para buscar a sus seres queridos, resultando muy respetuoso con la religiosidad de sus protagonistas, que dejan un hueco para la trascendencia, a la que recurren en los momentos difíciles. Una realidad que algunos medios de comunicación intentan ocultar siempre que pueden.

El director de origen franco-argelino ha pretendido demostrar que la personas sentimos de la misma manera, sea cual sea nuestra cultura, y que es posible encontrar puntos de encuentro a pesar de las notables diferencias que nos separan. Los diálogos no son demasiado abundantes, pero la combinación entre palabras e imágenes nos parecen suficientes para expresar el sufrimiento de los familiares de las víctimas ante el comportamiento irracional de los que usan la violencia de manera indiscriminada.

Las interpretaciones son excelentes. Sotigui Kouyaté consiguió el premio a la mejor interpretación en el Festival de Berlín 2009, mientras que Brenda Blethyn, que nos maravilló a todos con Secretos y mentiras (1996), nos obsequia con una actuación magnífica en la que consigue transmitirnos la desconfianza hacia una civilización diferente a la suya. Como dato curioso, la actriz británica tuvo que perfeccionar el francés para participar en el rodaje de esta película.

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14th Jul2010

Un regalo para ella, ¿una de perritos?-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado ( publicado en diaroya.es)

Un regalo para ella (2009) es la simpática comedia francesa póstuma de Claude Berri, que falleció cuatros días después de iniciar el rodaje, por esa razón fue terminada por Francois Dupeyron conocido por El señor Ibrahim y las flores del Corán (2003) y El pabellón de los oficiales (2001), que acompañó al citado director en el lecho de muerte con lo que pudo obtener las claves de este largometraje.

Se trata de una cinta poco original, pues guarda ciertos paralelismos con Los perros de mi mujer (1965) y la reciente Una pareja de tres (2008). La película reflexiona sobre las parejas que centran su vida en el bienestar de sus mascotas, olvidándose de que lo realmente importante debe de ser la pareja y la necesidad de entregarse en la educación de unos hijos, que podrían tener como complemento un perro. Un dato que invita a pensar el porqué de la igualación entre animales y personas ha provocado que la sociedad española vaya infravalorando progresivamente el valor de la vida humana, lo que ha provocado un aumento exagerado del número de abortos. Si no acuérdense de las malintencionadas e interesadas declaraciones de la ministra Bibiana Aído, que carecen de rigor científico en las que decía que el feto era un ser vivo, pero no había evidencias de que fuese un ser humano. Si este es el nivel de quien nos gobierna, no nos puede extrañar nada.

Cambiando de tema, la cinta presenta dos puntos fuertes como la amable banda sonora de Frédéric Botton y Jean-Yves d’Angelo y dos excelentes actores como Matilde Seigner y Alain Chabat, mientras que la debilidad de este trabajo cinematográfico se encuentra en las situaciones cómicas sobre los tópicos de los perros y sus dueños, puesto que no siempre provocan la sonrisa.

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03rd Jul2010

La vida privada de Pippa Lee-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginasdigital.es)

En ocasiones, grandes repartos no son suficientes para que una historia llegue a funcionar. Ni Keanu Reeves, ni Winona Ryder, ni Alan Arkin, ni Julianne Moore tienen la dinamita adecuada para encauzar una historia oscura y no demasiado bien planteada.

El largometraje se centra en contarnos el desgraciado pasado de Pippa Lee, una mujer que, aparentemente, posee todos los ingredientes para ser feliz, pues su marido es un escritor de éxito, mientras que sus hijos y sus amigos le proporcionan el bienestar necesario para sentirse bien. Sin embargo, Pippa realizará un recorrido por su pasado con el que pretende demostrar que no es oro todo lo que reluce.

Rebeca Miller, hija del dramaturgo Arthur Miller, dirige su cuarta película, que a su vez se basa en una novela escrita por la citada cineasta. Por tanto, el guión no está del todo mal. El problema es que este relato parece un culebrón siniestro en algunos aspectos. Por ejemplo, se presenta una actitud crítica con el lesbianismo, pero lo lleva al extremo ofreciendo escenas no aptas para el público infantil. Por otra parte, este drama podría haber sido lacrimógeno si no llega a ser por el modo tan surrealista y desordenado en el que se va contando todo y que un reparto de lujo no consigue salvar a pesar de la buena interpretación y de la gran ilusión mostrada por Robin Wright Penn que, en unas declaraciones poco elegantes, dijo a Fotogramas lo siguiente: «Hubiera dado una de mis tetas por hacer un film así y tiene mérito… ¡porque no tengo!».

Cambiando de tema, la realizadora norteamericana ha pretendido narrar el esfuerzo de una mujer por tratar de corregir, a su manera, las grandes dificultades y desaciertos de su vida como producto de la vida hippy. Por esa razón, parece que quiere demostrar los inconvenientes de ese estilo de vida.

Finalmente, hay una escena en la que se plantea el tema de la fe, aunque me queda la duda de si esté desarrollada de manera correcta como un bastón en el que apoyarse o intenta hacernos ver que el éxtasis espiritual está relacionado con el orgasmo sexual, una idea similar a la propuesta por la producción Teresa, el Cuerpo de Cristo (2007) del español Ray Loriga. Juzguen ustedes esa escena, si se animan a verla, fijándose detenidamente en la situación en la que Keanu Reeves muestra su tatuaje.

Como dato curioso, las transiciones entre escenas han sido rodadas del tirón, es decir; no se recurrió a efectos de montaje. Por tanto, se diseñaron las escenas para que la cámara pasase de un escenario del presente a uno del pasado, utilizando una situación cotidiana.

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26th Jun2010

Tenías que ser tú-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.pantalla90.es)

Anand Tucker nos ofrece una decepcionante comedia romántica de intercambio cultural. Cuenta las andanzas de una chica de clase alta, que vieja a Irlanda para pedirle a su novio que se case con ella el 29 febrero, siguiendo la tradición del citado país que sirve para garantizar la felicidad duradera. Sin embargo, sus planes se trastocarán al conocer a un chico de la zona.

Las interpretaciones no son nada del otro mundo. De todas formas, sobresale, por decirlo de alguna manera, la de Amy Adams, conocida por haber participado en Julie and Julia (2009).

La dirección corresponde a Anand Tucker (Hilary y Jackie), que no consigue transmitir nada especial con un guión demasiado esquemático. El autor refleja las tradiciones irlandesas de un modo superficial, que la dan pie para generar situaciones supuestamente divertidas. Su humor se basa fundamentalmente en golpes y caídas, narrando situaciones cómicas sin gracia ninguna. En definitiva, se trata de una película demasiado convencional, aunque no sería justo ignorar que, al menos, no basa su humor en gags burdos y del mal gusto, un tema muy recurrente en la comedia actual.

Por otra parte, la producción crítica los comportamientos supersticiosos. Una realidad muy arraigada en muchas culturas incluso en la occidental y que llama la atención que el ser humano no haya logrado desterrar de su mente.

Además, este largometraje constata la falta de compromiso del hombre actual, expresado en el novio de la protagonista, un personaje que sólo entiende el matrimonio como un mero intercambio económico, cuando la relación de pareja debe construirse con pilares más sólidos que quedan patentes en los pequeños detalles mostrados por el papel del actor Matthew Goode.

Por último, les recomendamos que no se pierdan la única joya de esta cinta, que bien se merece un documental. Nos estamos refiriendo a un castillo que aparece en ella que es una auténtica maravilla.

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21st Jun2010

Dos hermanos, decadencia del fenómeno Burman-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.pantalla90.es)

El gran experto en describir retratos familiares, Daniel Burman, adapta por primera vez, una novela de Sergio Dubcovsky. Un dato que nos llama la atención, pues todas sus películas han sido escritas por él. La cinta recibe el nombre de Dos Hermanos (2010).

La historia gira entorno a dos hermanos con caracteres realmente opuestos, ya que Marquitos es un hombre sensible, culto y enamorado del teatro que cuida a su madre las veinticuatro horas del día. Sin embargo, cuando su madre fallece, dicho personaje tendrá que enfrentarse a los tejemanejes de su alcohólica, extrovertida y manipuladora hermana.

El director conocido por trabajos como El abrazo partido (2004) o por Derecho de familia (2006) nos introduce en una familia argentina, explicando la cotidianidad de su convivencia y narrándolo con elegancia. El problema es que, si exceptuamos su presentación, que es realmente divertida, su ritmo es demasiado lento y no logra enganchar al espectador como lo hizo en otros de sus trabajos como fue el interesante Nido Vacío (2008). Este largometraje es tristemente soporífero y lo que podía haber sido un buen relato cinematográfico, se queda en algo demasiado convencional y reiterativo. Tan sólo las buenas interpretaciones salvan a este film.

El actor Antonio Gasalla es un humorista muy popular desde los años 60. Se puede decir que es el Paco Martínez Soria de Argentina. Percibimos en él un gran dominio de las escenas en las que participa, ya que proporciona, a cada situación, el gesto o la entonación adecuada. La actuación de Graciela Borges nos parece muy completa y repleta de matices.

Entre los aspectos más positivos de esta obra de Burman observamos la relación de amor-odio entre dos hermanos que tendrán la oportunidad de conocerse mejor y de entender qué es lo les preocupa. Poco a poco veremos como descubren los vínculos que les unen. En definitiva, estamos ante un canto a la familia como toda la filmografía de autor y su desenlace nos parece muy esperanzador.

Por otra parte, se refleja razonablemente bien la relación entre la madre y el hijo, que presenta el complejo de Edipo, que explica la dependencia de uno con respecto al otro. Aunque, algunos podrán interpretarlo como el servicio o la entrega de una persona a la otra que le ha dado la vida sin esperar nada a cambio.

Como dato curioso, les aconsejamos que no se pierdan el simpatiquísimo número de los secundarios que puede ver, mientras aparecen los créditos del final de la película.

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19th Jun2010

The Blind Side (un sueño posible), la película católica del año-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado (publicado en diarioya.es)

Los cineastas estadounidenses han demostrado su talento, realizando largometrajes deportivos de primera línea y con un fondo dramático interesante. Podemos recordar algunos títulos como los clásicos: Marcado por el odio (1956) y El orgullo de los Yankis (1942) juntos con otros más actuales como Carros de fuego (1981), Invictus (2009) o Hoosiers: más que ídolos (1986)

El director John Lee Hancock nos ofrece una cinta de cierta intensidad dramática con aspectos positivos que merecen nuestro comentario. Desde luego, el realizador deja meridianamente claro que su personaje principal se rige por los principios del humanismo cristiano por lo que las decisiones que toma, pasan por el tamiz de la fe. Hancock narra las aventuras y desventuras de un gigantesco chico afro-americano, proveniente de los barrios marginales de una población de los Estados Unidos, que consigue entrar en un colegio católico por sus habilidades deportivas. Este chico será acogido por una mujer cristiana, que siente compasión por él, acogiéndolo como si fuera su auténtico hijo. Esta último hecho recuerda a Up(2009).

La interpretación de Sandra Bullock nos parece digna de ser tenida en cuenta, dado el esfuerzo que supone cambiar del registro cómico, al que nos tiene acostumbrado, por otro más dramático que le supuso el ansiado Óscar. Sin embargo, aunque nos cae magníficamente, consideramos que tiene que mejorar esa faceta porque su actuación se queda en un notable alto. Por otra parte, nos parece simpatiquísimo el actor que interpreta al hijo menor de la protagonista.

Entre la luces de esta obra del celuloide destacan la bondad y la inocencia de un personaje como el actor Quinton Aaron que, a pesar de provenir de ambientes deprimidos, posee un instinto de protección sorprendentemente positivo. También, nos habla de la superación personal en una historia basada en hechos reales.

Además, el realizador nos muestra el modo en el que se conmueve el alma de la Señora Tuohy al comprender la dramática situación personal de Michael Oher (Quinton Aaron), que supondrá que la citada mujer ponga en práctica la caridad cristiana.

Hay una escena muy significativa, donde un grupo de amigas le cuestionan su modo de actuar en la vida, costándoles mucho entender sus planteamientos y los profundos ideales que rigen su vida.

(http://www.diarioya.es/content/the-blind-side-un-sue%C3%B1o-posible-la-pel%C3%ADcula-cat%C3%B3lica-del-a%C3%B1o)

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