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15th Abr2010

Alicia en el país de la maravillas-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado  (publicado en pantalla 90)

El mago de la fantasía y de los sueños, Tim Burton, se atreve con una nueva interpretación de la obra literaria del escritor, sacerdote anglicano y matemático Charles Lutwidge Dogson, conocido como Lewis Carroll.

Como no podía ser de otra manera, la historia se centra en las aventuras y desventuras de Alicia, que se encuentra atrapada en dos dimensiones en las que se siente incomprendida. El mundo de extraños seres a cual más disparatado y un mundo aristocrático en el que los matrimonios de conveniencia están al orden del día.

En el apartado interpretativo nos parece que Mía Wasikowska mantiene el tipo. Johnny Depp, que estaba dispuesto, incluso a interpretar a la protagonista, lo encontramos muy contenido, teniendo en cuenta el papel tan disparatado que desempeña. Por otra parte, Anne Hathway renunció a representar el papel de Alicia porque le gustaba el personaje pacifista-guerrero de la reina blanca tal y como declaró a Fotogramas. Helena Bohan Carter, con una estética a lo Bette Davis, nos presenta a un personaje lleno de complejos, que no acepta sus defectos. En una época donde las clínicas de cirugía estética hacen el agosto, la cinta nos ofrece una moraleja sobre el significado de aceptarse a sí mismo.

Esta producción Disney, difícilmente, llega al nivel de su predecesora de dibujos animados y presenta más elementos negativos que positivos. El ambiente gótico creado por Burton no es el más apropiado, si tenemos en cuenta el público al que supuestamente va destinado. Sabemos que las comparaciones son odiosas, pero la simpatía que derrochaban los personajes de la producción del año 1951, no tienen nada que ver con esta moderna interpretación del cuento de Carroll. Además, la carencia de ritmo resulta un pesado lastre. Nos da la impresión de que al director le ha picado la mosca Tse Tse.

Lo más destacable de la cinta se encuentra en lo claro que deja el autor el modo en el que el bien se enfrenta a las fuerzas del mal, donde un elegido, en este caso, Alicia es el corazón puro que hará frente a la situación, un elemento literario que corresponde con la formación espiritual del escritor( Hace varios años, la realidad creyente de este autor fue ocultada por un buen profesor de la universidad en la que yo preparaba los cursos de doctorado, pues, mientras explicaba la importancia del método científico en el desarrollo de la ciencia, negaba la importancia de la Iglesia y la trascendencia en la historia de la humanidad, cuando fueron los cristianos los fundadores de esa institución. Curiosamente y como hemos dicho, Lewis Carroll fue un sacerdote anglicano. Nos parece por lo menos sorprendente que no se hablase de un dato tan aclarador). Aunque en líneas generales no nos ha gustado la forma tan superficial con la que la protagonista da respuesta a sus problemas en la vida real porque no queda demasiado claro el porqué toma esas decisiones en su vida.

También hay que reconocer la calidad de los efectos creados por el equipo técnico de la factoría del cineasta, que, como dato curioso, consiguió aumentar el tamaño de los ojos de Depp en un quince por ciento para potenciar su mirada.

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10th Abr2010

Luciérnagas en el jardín-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado  (Publicado en paginasdigital.es)

En un momento donde interesa que la familia esté en crisis, Dennis Lee nos ofrece un retrato familiar levemente inspirado en su vivencia personal, al menos en su planteamiento inicial.

Luciérnagas en el jardín (2008) narra las andanzas de un escritor que pierde a su madre, que era el pilar en el que toda la familia se apoyaba, en un accidente de tráfico. Su padre, al contrario, era un ser tiránico en la educación de sus hijos, como recuerda el personaje en constantes flash-backs. Está técnica utilizada por el cineasta novel sirve para entender muchos aspectos de los encuentros o desencuentros de cada uno de los miembros que conforman el núcleo familiar. La historia va creciendo a medida que avanzan los minutos, aunque no se puede decir que sea original, pues recuerda a otras producciones cinematográficas.

Las interpretaciones no me parecen lo más notable de la cinta. Willem Dafoe actúa tan bien como siempre, resulta muy interesante la evolución de su personaje, mientras que Julia Roberts, después de su desafortunado encuentro con Clive Owen en Duplicity (2009), ilumina cada instante que aparece en pantalla. Como dato curioso, Daniel Moder, el director de fotografía, es la actual pareja de la actriz protagonista.

Cambiando de tema, la cinta ofrece una visión sobre la institución más antigua de la sociedad bien construida y políticamente incorrecta en algún aspecto, donde el elemento trascendente no ha sido destacado. Sin embargo, los valores más importantes quedan reflejados con bastante acierto en una familia imperfecta, pero unida. La madre (Julia Roberts) refleja claramente el valor de servicio y entrega a los demás, equilibrando o aminorando el temperamento de su estricto marido (Dafoe), que comprenderá cuál es el límite de su labor como educador.

Finalmente, el arrepentimiento está muy conseguido y el perdón aparece como un elemento clave de la película para restañar las heridas del pasado. Sobre todo, sorprende el modo tan sutil con que está narrada la posible reconciliación.

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08th Abr2010

Cinco minutos de gloria-Sección críticas-estreno de esta semana

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Al alemán Olivier Hirshbiegel le gusta crear historias de temática complicada como fue el caso de El hundimiento (2004). En esta ocasión regresa con Cinco minutos de gloria, un drama premiado en el Festival de Sundance y basado en hechos reales.

La cinta gira entorno a la posible reconciliación entre un asesino de Irlanda del norte y la víctima católica, que fue testigo del crimen cometido contra su hermano 33 años después del suceso. Por esa razón y  en pleno proceso de paz del conflicto católico-protestante de Irlanda del norte, una cadena de televisión prepara un programa en directo en el que se intercambie una verdad por un perdón, coincidente  con una práctica propuesta por el arzobispo Desmond Tutu cuando se trataba de solucionar el problema del Apartheid en Sudáfrica.

El sólido guión  corresponde a Guy Hibbert, que viajó varias veces a Belfast desde Londres, buscando el reencuentro entre ambos  que no se produjo. La película nos parece un profundo estudio sobre el alma humana porque analiza razonablemente bien el pensamiento y los sentimientos de los protagonistas. No obstante, se podía haber sacado más en su desenlace.

Por un lado, el guionista desgrana de manera notable  el malestar del asesino al que su conciencia no le deja tranquilo a pesar de haber cumplido la pena y de estar arrepentido de su acción terrorista, puesto que busca el perdón de su víctima. También, aunque de pasada, parece que justifica su acción.

Por otra parte, la victima no olvida el sufrimiento del ser querido  y sus ansias de venganza no le dejen ser feliz por lo que llora desesperadamente en una de las escenas porque quiere que sus hijas estén orgullosas de él.

Por último, las interpretaciones de Liam Neeson y de James Nesbitt nos parecen excelentes y se tomaron tan en serio una de las peleas de la película que aparecieron al día siguiente con el cuerpo lleno de moratones. Además, el final abierto de esta producción británica no debe dejar a ningún espectador indiferente, donde cada uno libremente puede sacar sus conclusiones.

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06th Abr2010

Fraga y Carrillo-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Te recomendamos que busques el documental Últimos testigos, para aprender un poco de historia.

Este artículo fue publicado en www.cope.es y www.paginasdigital.es

Víctor Alvarado

Últimos testigos, un documental que trata de contar la historia de la transición desde dos puntos de vista diametralmente opuestos. El primer documental habla sobre el papel de Manuel Fraga, mientras que el segundo, pues consta de dos partes bien diferenciadas, lo hace desde la óptica de Santiago Carrillo

José Luis López Linares (nominado a los premios Emmy en 1998) realiza un recorrido por los momentos más significativos y polémicos de la vida de una de las personalidades más influyentes de la política española, Fraga Iribarne.

Su trabajo resulta bastante objetivo porque los testimonios del fundador de Alianza Popular se complementan con opiniones de todas las tendencias ideológicas. Esta técnica permite conocer los aciertos y errores de las decisiones tomadas por el político de la derecha española en el trascurso de su larga e intensa vida. Algunos de los comentarios le dejan en mejor lugar que otros, con lo que el equilibrio está realmente conseguido.

Entre los expertos que analizan la figura de este gallego se encuentra el analista económico y ex miembro del partido comunista Ramón Tamames, que con gran sentido del humor desmenuza el famoso episodio de «la calle es mía». También aparece el agudo escritor, y uno de los historiadores más importantes de Historia Contemporánea, Ricardo de la Cierva, que comenta las decisiones que pudieron provocar que Adolfo Suárez fuese el líder de UCD en la transición en lugar del político en cuestión.

Por otra parte, el biógrafo de dicho político, Manuel Milian Mestre, destaca su labor dentro de la embajada de Londres, donde se prepararon los documentos fundamentales para gestionar los 100 primeros días posteriores a la muerte de Franco.

En definitiva, el documental pretende contar varios episodios de la historia de este país a través de una persona inteligente como Fraga, con sus cualidades y defectos que, sin renunciar a sus ideales políticos y convicciones religiosas como se percibe en este trabajo de realización, se esforzó por que el cambio hacia la democracia fuera posible.

La segunda parte de este doble documental, que forma parte del proyecto de la productora Morena Films, es harina de otro costal, porque no es la primera vez que apuesta por grandes líderes de la izquierda como el Che Guevara o Fidel Castro, con lo que el sesgo informativo está garantizado. Esta obra cinematográfica corresponde a Manuel Martín Cuenca, que se declara abiertamente progresista. Sus trabajos más importantes son La flaqueza del bolchevique y El juego de Cuba ( 2001).

El formato utilizado es el de una larga entrevista, que hace un recorrido por los hitos históricos más importantes de su vida, desde la II República hasta los primeros años de la democracia.

Cuando salí de la sala y en un primer momento, el documental me pareció relativamente objetivo porque no trataba de ser demasiado crítico con nadie, aunque los errores históricos de bulto merecían ser comentados. Sin embargo, unas hora más tarde, comprendí que se mitifica la figura de uno de los líderes más importantes de la izquierda española.

Las imágenes desenmascaran algunas imprecisiones históricas, puesto que, cuando habla del mito de la Guerra Civil de la matanza de Badajoz lo hace muy deprisa, como para que no le pregunten. El historiador Pío Moa ha demostrado en sus estudios que esos hechos ocurrieron de forma muy distinta y que en las fechas en las que se bombardeó la plaza de toros extremeña sólo había camiones y otro tipo de vehículos.

También durante la rueda de prensa Carrillo se sintió molesto porque siempre le preguntan sobre el hecho de los fusilamientos de Paracuellos de Jarama. Pero, esa pregunta resulta indispensable para entender al personaje. Las imágenes son muy esclarecedoras, ya que se puede observar a un Carrillo visiblemente nervioso cuando el entrevistador le hace la pregunta y el detalle del cineasta desprende un destello de genialidad, apuntando con su objetivo a la cajetilla de tabaco que sujeta el protagonista. De todas formas, la intervención en este episodio es innegable, como han demostrado varios investigadores de prestigio.

Por otro lado, no parece convincente que, para demostrar que el líder del partido comunista español fuese un demócrata, se nos muestre a una Rusia dictatorial e intransigente con el conocido episodio de «La Primavera de Praga», cuando la realidad es que la URSS subvencionaba al PCE. Lo que no se puede negar es el esfuerzo de Santiago Carrillo por controlar a los militantes de su partido durante la transición española y el gesto de colocar la bandera de España en la sede principal como símbolo de moderación.

Entre las declaraciones de Santiago Carrillo resulta interesante el enfrentamiento político con su padre Wenceslao y su posterior reconciliación años después. Además, merece la pena destacar cómo la fe cristiana de Manuel Fraga contrasta con la «fe» materialista y marxista de Santiago Carrillo.

Por último y en referencia a estas dos personalidades de la política española, surge una cuestión. ¿Eran realmente tan demócratas como nos lo han querido vender en estos documentales?

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27th Mar2010

Acantilado rojo-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diarioya.es)

El cine chino tira la casa por la ventana con esta poderosa producción, que ha sido la más cara de la historia y que ha arrasado en la taquilla asiática.

John Woo regresa al cine de su país, tras varios años de ausencia. El cineasta es conocido en España por multitud de películas de acción, donde destacan Cara a cara (1997) con Nicolas Cage y John Travolta por su espectacularidad estética o Un ladrón siempre es un ladrón (1991) por su gran sentido del humor. El director oriental no ofrece una película bélica, rodada de forma espectacular y sin cortapisas económicas. Está basada en la novela del escritor del siglo XIV Luo Guanzhong, llamada Romance de los 3 reinos.

Bajo mi humilde punto de vista, Acantilado rojo (2010) es una de las mejores cintas bélicas en los últimos años. Las personas reacias al cine oriental no deben tener miedo a entrar a ver este largometraje, pues John Woo, que tiene larga experiencia en la meca del cine, imprime un ritmo especial a la película. La historia de amor, aunque breve, nos parece bonita y se encuentra cargada de dramatismo. El tratamiento de la estrategia militar es digno de ser tenida en cuenta porque se dispone como una partida de ajedrez. Además, los razonamientos de los militares sobre la táctica le parecen acertados a un crítico de cine que no es experto en la materia, pero que ha leído algo sobre estudios de batallas.

La cinta resulta bastante explícita en el uso de la violencia. Sin embargo, nos ofrece valores ciertamente interesantes como el sacrificio por el bien del pueblo de la mano de la princesa, la lealtad entre compañeros junto con las alianzas para derrotar a un gobierno totalitario. Las fuerzas del bien, formadas por dos reinos, que se enfrentan al todopoderoso Cao Cao, entienden que el primer deber del ejército es proteger a la población civil. El largometraje en cuestión ofrece una serie de frases para hacer pensar, aunque sin ser desarrolladas, que sirven para completar una historia interesada principalmente en el conflicto bélico que el director John Woo ha comparado con una Troya, pero, por motivos obvios, a la naranja, que te mantiene con los ojos muy abiertos.

Por último, recordarles que este largometraje duraba 5 horas en el mercado asiático, no obstante, se fue reduciendo hasta llegar a los 135 minutos finales para occidente.

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22nd Mar2010

Hermanos-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Jim Sheridan, autor de las películas En el nombre del Padre (1993) o The Boxer (1997), se enfrenta a un drama familiar, que es un remake de homónimo título de la gran directora de danesa Susanne Bier, que demostró su talento con la excelente Después de la boda (2006).

La historia gira entorno a un militar de la guerra de Afganistán, que es secuestrado y supuestamente asesinado por los talibanes, mientras tanto su mujer, después de pasar el duelo por la muerte de su marido, se enamorará del hermano del militar.

Las interpretaciones son excelentes, aunque la más destacable sea la del actor Tobey Maguire, que consigue trasmitir su sufrimiento sin histrionismos y con una sequedad que da la sensación que tiene la intención clara de interpelar al espectador. Por otra parte, la bella e inteligente Natalie Portman vuelve a demostrar sus grandes dotes como actriz.

La directora irlandesa, que rodó de forma cronológica siempre que fue posible, intenta contarnos la vida de una familia cristiana, donde hay mucho rencor guardado. No obstante, el perdón se presenta como un elemento clave de la trama. La cinta quiere que reflexionemos sobre las consecuencias de la guerra, pero se agradece que se encuentre descargada de la ideología tan característica en otras producciones. Además, el cineasta no ha dulcificado el trato con el que los fundamentalistas islámicos obsequian a los occidentales.

Otro aspecto que merece la pena ser tenido en cuenta es el de la incomunicación, que no permite cerrar las heridas producidas por una serie de situaciones, que escapan al control de la persona. Por tanto, sin riesgo a equivocarnos, podemos decir que, aunque de manera escueta, los personajes están muy bien desarrollados y su psicología es propia de las situaciones a las que se enfrentan.

Por otra parte, la familia aparece como el lugar, donde se refugian cuando los problemas les ahogan.

En definitiva, nos vamos a encontrar con un largometraje de gran riqueza desde el punto de vista antropológico. Sin embargo, la dureza dramática, la aridez y la lentitud de la mayoría de las escenas pueden empañar el resultado final.

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20th Mar2010

Medidas extaordinarias-Sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado
(publicado en www.pantalla90.es)

No es la primera vez que se lleva a la gran pantalla, la historia de una familia, que hace todo lo posible para encontrar el tratamiento adecuado para curar la enfermedad de alguno de sus miembros. Basta recordar la película El aceite de la vida (1992) o de alguna manera John Q (2002)

En esta ocasión, Tom Vaughan, autor de una comedia menor como Algo pasa en Las Vegas (2008), se atreve con un drama, que se podía haber quedado en un telefilme, pero que el cineasta salva dignamente.

Principalmente, el tema de la cinta, como habrán podido imaginar, es la lucha de una pareja para sacar adelante a dos hijos que sufren la enfermedad de Pompe. John Crowley, el padre, utilizará ingeniosas estrategias empresariales para que un científico que estudia una cura de la enfermedad pueda encontrar el medicamento específico.

Este relato cinematográfico refleja al amor como motor e instrumento para cambiar el mundo, donde la entrega y el sacrificio resultan esenciales para conseguir el milagro, tal y como indica el protagonista en un momento determinado.

Por otro lado, se explica el proceso científico, así como la serie de requisitos necesarios para que un medicamento pueda ser utilizado con garantías e incluso, en la misma escena, se comenta levemente algún conflicto ético.

Además, de forma más o menos directa se denuncia los cuestionables métodos de las empresas farmacéuticas, que sólo invierten en un determinado componente, si les va a resultar rentable. Por esa razón, John Crowley empleará su repertorio de estrategias empresariales para encauzar las decisiones de los ambiciosos ejecutivos. Por último, la producción habla de la necesidad de diálogo para encontrar soluciones científicas. Un valor extrapolable a otros ámbitos del ser humano.

En el aparatado interpretativo sorprende ver a un contenido Brendan Fraser que tan acostumbrado nos tiene a papeles de loco aventurero. Harrison Ford representa al inteligente Dr. Stonehill, que detrás de su huraño comportamiento, esconde un buen corazón y gran capacidad de sacrificio. El actor y también productor de la cinta se fijó en un artículo del premio Pulitzer Geeta Anand en el Wall Street Journal, cuyo contenido, posteriormente, se convertiría en un libro que contaría las peripecias anteriormente citadas y que mucho tiene que ver con el argumento del largometraje. Este best seller sirvió para que Ford se animara a producirla, pues se conmovió al comprender el grado de compromiso del padre y la entereza con la que afrontó las situaciones. El trío protagonista lo completa la actriz Keri Russell, conocida por ser la protagonista de la popular serie de televisión Felicity.

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13th Mar2010

Corazón rebelde-Sección Críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

¿Qué es lo que cuenta?
La historia gira en torno a un cantante de música country de vuelta de todo, que tiene graves problemas con el alcohol y que ha fracasado en cuatro matrimonios, abandonando a su único hijo cuando éste tenía tan sólo 4 años. Sin embargo, no estará todo perdido porque, al conocer a una periodista, el protagonista intentará aprovechar su última oportunidad.

¿Qué ha conseguido el director?
El cineasta novel Scott Cooper consigue introducirnos en el mundo de la música country mediante una roadmovie, apoyándose en una novela de Thomas Cobb.

El relato cinematográfico te engancha de principio a fin, aunque lo más destacable del largometraje es, sin duda, el intento de redención de un bondadoso personaje atrapado entre las redes de los bares de carretera junto con el esfuerzo por superarse gracias a la ayuda de una mujer, que le hace recuperar la ilusión por vivir. Por último, habría que destacar el buen corazón de Bad Blake en varias de las escenas como motor para cambiar su “pequeño” mundo.

¿Por qué hay que ver esta película?
Para disfrutar de las interpretaciones de dos magníficos actores como Maggie Gyllenhaal, que se enfrenta a su primer trabajo después de haber sido madre y de Jeff Bridges, ganador del Óscar 2010. Además, no nos podemos peder una pegadiza banda sonora, que posee los ingredientes más potentes de la música country americana.

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06th Mar2010

The lovely bones-Sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Peter Jackson regresa a las pantallas con The lovely bones (2010), tras varios años de descanso, después de su último trabajo sobre King Kong (2005).

La trama gira entorno a una niña, llamada Susie Salmon, que es asesinada por un despiadado psicópata y lo que hace su familia para desvelar el crimen. Desde su cielo lucha por mantener los vínculos que todavía le unen con sus seres queridos.

Tanto la interpretación de Saoirse Ronan como del nominado al Óscar Stanley Tucci nos parecen sobresalientes, mientras que la actuación de Mark Wahlberg es aceptable. Como dato curioso, el citado actor lloraba a lágrima viva para una de las escenas de la cinta. El director le pidió contención porque su lagrimeo era incontrolable. Por otra parte, Rachel Weisz rechazó la participación en el rodaje de la tercera parte de la momia para colaborar con este film.

¿Cuál es el mérito de este largometraje de corte fantástico? Pues que el cineasta consigue atraparte totalmente con la investigación del crimen, con la historia de amor y con el retrato familiar.

La familia aparece como el elemento esencial del relato. Se trata de una de las claves de la cinta porque no pierden la esperanza en ningún momento hasta que se resuelva o no todo lo relacionado con la trágica muerte de la niña.

La cinta reflexiona sobre las distintas formas de aceptar una situación extrema y los vínculos que nos unen a un ser querido hasta que los recuerdos van desapareciendo. Da la impresión que el realizador piensa que las personas fallecidas no son libres para marcharse definitivamente mientras que el recuerdo pervive en los que le sobreviven.
Está muy bien captados los diferentes modos de asumir una situación dramática tan tremenda, coincidiendo plenamente con la realidad española, donde este tipo de crímenes se repiten año tras año y en el que observamos las distintas formas de reaccionar de sus familiares.

Entre los aspectos más negativos de la producción, basada en la novela de la escritora Alice Sebold, que sufrió una violación y que su relato, por tanto, tiene mucho que ver con su experiencia, destaca la visión panteísta que Peter Jackson ha transmitido a su obra. La óptica de cielo de Jackson resulta muy particular, ya que Dios no aparece. Esto se puede entender porque el cineasta no se considera una persona religiosa. El afirma que posee una visión más científica, considerando a la muerte como un paso de una dimensión a otra. Por otro lado, las escenas del maravilloso mundo de Susie recuerdan a la casa de la pradera por su cursilería.

Finalmente, nos vamos a encontrar con una entretenida cinta, que no llega al notable, y en la que el perdón tiene algo que decir.

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25th Feb2010

Shutter Island-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado(publicado en el diarioya.com)

El cine de intriga de los últimos años ha puesto de moda historias con giros inesperados. Los máximos exponentes de este género tan peculiar son M. Night Shyamalan y Alejandro Amenábar. En esta ocasión, Martin Scorsese se atreve con Shutter Island, basada en una novela de Dennis Lehane.

El relato gira alrededor del agente del gobierno Teddy Daniels, que investiga la misteriosa desaparición de un paciente de Shutter Island, un centro psiquiátrico de máxima seguridad.

En el capítulo interpretativo habría que destacar a un auténtico genio como es Leonardo DiCaprio, cuya interpretación nos parece portentosa y llena de matices. Por otra parte, la relación existente entre DiCaprio y Scorsese es excelente, pues, a pesar de la diferencia generacional comparten una sensibilidad parecida. El director saca lo mejor del actor, siendo la cuarta vez que trabajan juntos. Anteriormente, los citados artistas formaron un tándem imparable en Gangs of New York (2002), El aviador (2004) e Infiltrados (2006).

El realizador estadounidense cuenta una historia interesante que podría haber sido sobresaliente, ya que, en mi modesta opinión, el misterio se desvela demasiado pronto, si se posee cierta capacidad deductiva y se ha visto mucho cine policiaco. Además, tenemos la impresión de que no ha conseguido generar la tensión suficiente. Sin embargo, un espectador poco experimentado disfrutará y sufrirá con el visionado de la cinta. Este largometraje bebe de las fuentes del cine clásico porque el cineasta recomendó a su equipo de producción que viesen cintas de serie B como Isle of Dead (Mark Robson, 1945), The seven victim (Robson, 1943) y The haunting (Robert Wise,1963). No obstante, se pueden destacar los guiños a las cintas de Alfred Hitchcock.

Cambiando de tema, la virtud principal de esta obra cinematográfica se encuentra en que, aunque tengas claro el desenlace del largometraje, logra que no dejes de pensar e intentes buscar otras posibles soluciones.

Finalmente, la producción apunta muy de pasada dos temas interesantes. El primero de ellos sobre los conflictos éticos de la ciencia, que están resueltos con sentido común, dejando claro que existen prácticas más humanas que otras como refleja el interesante papel de Ben Kingsley. El segundo de ellos permite reflexionar sobre una de las causas del ateismo en la sociedad actual como consecuencia del holocausto nazi y los crímenes de guerra que han generado tanta desesperanza en el siglo XX.

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20th Feb2010

El Solista-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

En esta ocasión, Joe Wright nos presenta una cinta repleta de contrastes en su primera aportación al cine estadounidense.

Cuenta una historia, basada en hechos reales, sobre el descubrimiento de un talento musical por parte de un consolidado columnista norteamericano de un prestigioso medio de comunicación. El protagonista de gran talento artístico tiene el hándicap de la esquizofrenia.

La interpretación de Robert Downey Jr. pasa desapercibida. Sin embargo, la actuación de Jamie Foxx, ganador de un Óscar por Ray (2004), nos parece notable. Por cierto, Mr. Foxx perdió once kilos para preparar un papel, que obtuvo por la renuncia de Will Smith, que había sido escogido en un primer lugar.

En lo referente a la dirección habría que decir que Joe Wright se había convertido en un gran contador de historias ambientadas en otras épocas como Orgullo y prejuicio (2005) o Expiación, más allá de la pasión (2007), aunque ahora parece que se quiere centrar en este relato urbano, que combina elementos muy negativos con otros más favorables. Por decirlo de otra manera, los valores de la película salvan el resultado final.

La narración presenta un ritmo irregular, pues ofrece pequeños momentos de gran belleza con otros realmente soporíferos y de gran aridez, que parece pensado con la intención de no idealizar a la persona como por ejemplo se hizo con el apreciado personaje de Rain Man. Da la impresión de que el director ha querido imprimir gran realismo a la terrible enfermedad de la esquizofrenia, no elevando al enfermo a los altares como se ha hecho en la mayoría de las producciones cinematográficas más conocidas que tratan dicha enfermedad como la citada Rain Man (1988) o Una mente maravillosa(2001).

Los momentos sombríos y agrios de la enfermedad son de larga duración, pero resultan necesarios para la compresión de la esquizofrenia.

Como elemento interesante, se produce un efecto muy especial cada vez que la música suena, pues se enciende una chispa gratificante que ilumina esas escenas, consiguiendo que olvides lo menos agradable del film.

Lo más destacable de esta obra del celuloide de difícil visionado, se encuentra en la relación que establecen los protagonistas. La amistad se convierte en la pieza clave como elemento que lo purifica todo. Esa es otro de los detalles de El solista (2009). El cineasta expresa con cierta habilidad como se puede entablar una relación que se irá convirtiendo en una relación entrañable, sugiriendo la necesidad de respetar la libertad de las personas, aunque ello suponga no poder ayudarle. También explica la diferencia entre ver los toros desde la barrera o implicarse en un determinado problema. Por otro lado, el tema de la trascendencia queda patente en los secundarios, que perciben en el don de Nathaniel un regalo divino. Por último, la producción nos permite que reflexionemos sobre la importancia de la prensa como el medio para denunciar las injusticias que no protegen la dignidad de la persona.

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13th Feb2010

La carretera-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Normalmente, las películas que basan sus historias en novelas suelen tomarse bastantes licencias a la hora de reproducir lo que el escritor pretende contar en esos textos. Este largometraje puede ser la excepción, pues el director adapta casi milimétricamente esta obra literaria del ganador de un premio Pulitzer Cormac McCarthy.

Cuenta la historia de un hombre y su hijo que, en una zona desolada de los Estados Unidos, luchan por sobrevivir, enfrentándose a individuos que viven fuera de la ley y que practican el canibalismo.

En lo referente a las interpretaciones, habría que destacar el interesante papel de Viggo Mortensen, que dijo que le gustaba la película porque, en una situación extrema, sólo queda la elección de ser bueno o ser malo con sus semejantes. Tanto en el libro como en la cinta nos presentan una frase que puede ayudarnos a entender al personaje: «…viendo como la cenicienta luz del día cuajada sobre el terreno. Sólo sabía que el niño era su garantía. Y dijo: Si él no es la palabra de Dios, Dios no ha hablado nunca». La interpretación de Mortensen resulta convincente, al igual que la del niño de 11 años, Kodi Smit-Mcphee, que aparece como el referente moral de la cinta.

Por otra parte, John HillCoat, autor de La propuesta (2005), realiza una notable adaptación de un escritor como Cormac McCarthy, que defiende valores absolutos como la vida, la familia o la búsqueda de Dios y que, por tanto, está en contra del relativismo moral propio del postmodernismo. El realizador australiano nos presenta un drama apocalíptico, mezclando algunas escenas duras con otras de extraordinaria belleza, como el nacimiento de un niño y diálogos para hacer pensar, como uno que básicamente dice lo siguiente:

Hijo: ¿Qué harías si yo muriera?

Padre: Si tú murieras, yo también querría morirme.

Hijo: ¿Para poder estar conmigo?

Padre: Sí, para poder estar contigo.

Hijo: Vale.

Además, el final me parece interesante y esperanzador porque explica, entre otras cosas, algunas de las actuaciones de un padre en una situación límite para preparar a su hijo para lo que se avecinaba.

En contraposición con lo positivo, el ritmo de la película es demasiado pausado y los ambientes son muy sórdidos. También nos podemos encontrar escenas de cierta crueldad, que son criticadas por los pensamientos del niño, que trasmite la humanidad de la que aparentemente carece el padre de la criatura.

Finalmente, los aficionados a los grandes largometrajes apocalípticos se van a encontrar con una producción que se centra más en el drama de los personajes (se podría haber sacado más producto) que en escenas de una gran espectacularidad. Por cierto, y como dato curioso, el equipo de producción exploró más de cincuenta localizaciones entre las que destacan el lago Erie, las áreas de Lusiana afectados por el Katrina y varios terrenos de Oregón, que han sido captados fotográficamente por la sabia mano de Javier Aguirresarobe.

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06th Feb2010

Invictus-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Los que desconozcan la historia de Sudáfrica, puede que tengan dificultades para entender el significado de esta obra cinematográfica del norteamericano Clint Eastwood.

El apartheid fue una medida política que separaba a los negros de los blancos de ese país. Por tanto, se trataba de un tipo de gobierno racista que elaboraba leyes como estas dos que pueden servirnos de ejemplo:

1) Es ilegal para una persona blanca y una persona no blanca sentarse juntos en un salón de té, a menos que se haya obtenido un permiso especial
2) Excepto si se ha obtenido un permiso especial, un profesor africano comete un delito criminal si acude a dar una conferencia por invitación de un club blanco.

Una vez aclarado ese punto, la historia en cuestión es bastante sencilla, pues nos desgrana la estrategia política utilizada por Nelson Mandela antes y durante el desarrollo del campeonato de rugby, que se celebró en el citado país africano.

La idea del largometraje, que se basa en la novela de John Carlin, llamada El factor humano, partió del actor Morgan Freeman, que presenta un sorprendente parecido con el líder político. Su interpretación resulta espléndida, aunque la de Matt Damon tampoco se queda corta y su interpretación se encuentra repleta de matices, pero sin estridencias.

De todas formar, los aspectos más llamativos de la cinta se encuentran en los valores que se desprenden del visionado de esta notable obra del celuloide como la capacidad de perdón de un preso político que más tiempo ha estado privado de libertad y que, como demuestran sus escritos, no perdió la fe. Una idea que da pie para recordar la conversión espiritual de Clint Eastwood, que intuimos por el grado de optimismo y esperanza de sus anteriores producciones [Gran Torino (2009) y El intercambio (2008)] lo que se confirma con el guiño a la misionera Helen Lieberman en una de las escenas.

También, el cineasta destaca el valor de un hombre como el capitán Francois Pienaar, que quiere ser un ejemplo para la sociedad y para su equipo.

Además, el largometraje destaca el patriotismo en el sentido más democrático y más positivo del término porque fue utilizado para unir a una nación partida en dos. Un elemento del que debían de tomar buena nota alguno de nuestros políticos. Nelson Mandela (“El futuro no se construye sin la persistencia del clamor por la justicia, pero tampoco con el rencor”) fue un político bondadoso y generoso, que con astucia, supo sacrificar su ideología para buscar el bien común y gobernar a los 43 millones de habitantes que vivían en Sudáfrica. Por tanto, es un hombre que no le gustaba delegar en otros, considerando que las decisiones importantes deben correr a cargo del líder, que no debe tener miedo a las encuestas, sino que tiene que ser valiente a la hora de decidir aún corriendo el riesgo de perder las siguientes elecciones. No obstante, nos presentan a un político demasiado idealizado, esperemos que estén en los cierto.

En contraposición con lo positivo habría que decir que las escenas deportivas no están rodadas con elegancia, no permitiéndonos disfrutar de la belleza de uno de los deportes más bonitos que existen. Se suele decir y coincido plenamente que el rugby es un deporte de bestias, jugado por caballeros, a diferencia del fútbol que es un deporte de caballeros, jugado por bestias. La clave para que hubiesen funcionado esas escenas habría sido el uso de planos más largos.

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30th Ene2010

Amerrika-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Cherien Dabis, autora de varios cortos y guionista de la serie L, nos presenta su ópera prima, que pretende contar como se sintieron los árabes-americanos tras el 11S, pues no eran lo suficientemente estadounidenses para los estadounidenses, ni suficientemente árabes para los árabes, tal y como declaró la cineasta a la revista Fotogramas.

Cuenta la historia de Muna y su hijo que viajan al país de los sueños para encontrar una vida mejor en compañía de sus seres queridos.

En lo referente a las interpretaciones habría que decir que resultan inmejorables, aunque yo destacaría el de la actriz Nissreen Faour, ya que refleja con habilidad la problemática de una persona que no comprende el miedo de la gente hacia ella como consecuencia de los atentados de Nueva York. Curiosamente, el actor Melkar Muallem posee cierto parecido con el jugador de baloncesto Ricky Rubio.

La cinta explica el otro punto de vista de la lucha de poder de medio oriente y sus alrededores frente a la cultura occidental. Los protagonistas expresan la dificultad para adaptarse en un lugar donde algunas personas le dan la espalda, mientras otras les aceptan. Por tanto, los desencuentros, que se producen, son consecuencia de un conflicto bélico y no como un choque de razas o culturas.

En definitiva, la realizadora consigue relatarnos, con un ritmo lento y pausado para facilitar la reflexión, una realidad desde una óptica muy humana, muy familiar, explicando que todos somos personas que sufrimos, reímos y nos enfadamos. Además deja claro que no todos los árabes son favorables o están de acuerdo con las posturas más radicales del islamismo.

Por otra parte, el largometraje se posiciona muy escorado hacia el lado palestino y profundiza sólo en esa parte del conflicto judeo-palestino. No capta la versión israelí que es víctima de innumerables atentados terroristas y que reciben presiones de toda la comunidad musulmana que les rodea. También se cuestiona la construcción del muro, cuando, según los expertos en geoestrategia, se ha reducido de manera considerable el número de agresiones. Llama la atención la escena del aeropuerto, donde los protagonistas se reconocen palestinos que vivían en el estado de Israel, un problema que se solucionaría con la creación del estado Palestino.

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23rd Ene2010

Sherlock Holmes-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Los aficionados a las novelas de Arthur Conan Doyle están de suerte porque hace una semana llegó a las pantallas Sherlock Holmes (2009) de la mano de Guy Richie. Un cineasta de producciones muy comerciales como Snatch: cerdos y diamantes (2000) o Rocknrolla (2008). Sin embargo y a pesar de que el novio de Madonna sea el director, esta cinta posee más aspectos interesantes que negativos.

La película en cuestión narra las aventuras y desventuras del famoso detective británico y su inseparable compañero el doctor Watson, que se enfrentarán al maléfico Lord Blackwood, que planea hacerse con el poder con el apoyo de una secta satánico-masónica.

El acierto de este largometraje es que el realizador consigue contar una historia de intriga, imprimiéndole un ritmo trepidante. Las escenas de acción resultan impecables. Me parece destacable el modo en el que se describen las habilidades deductivas del personaje, aunque se utiliza el método de rodaje de la serie CSI; es decir, el proceso de acelerar las imágenes con la idea de dinamizar la escena.

En cuanto a los valores de la producción destaca por encima de todo el de la amistad que une a los protagonistas que ha sido muy bien captada por el director, puesto que explica que, a pesar de las diferencias que pueda haber entre ellos, se complementan, se apoyan y se entienden a la perfección. Curiosamente, las novelas de intriga más clásicas se han caracterizado por potenciar el valor de la amistad, si no acuérdense de la relación del padre Brown y Flambeau en las novelas de Chesterton o de Hércules Poirot y el capitán Arthur Hastings en las de Agatha Christie.

En contraposición con lo positivo encontramos dificultad para acostumbrarnos a la presencia de Robert Downey Jr. (¿Demasiado físico?) y a Jude Law. Nos da la impresión de que la elección no ha sido la más adecuada. Desde el primer momento en que supe que los protagonistas iban a ser estos dos actores, comprendí que sería un lastre para la película. La verdad es que me los imagino de otra manera y pienso que han existido otros actores, incluso de series de televisión, que han conseguido hacernos creer que estamos ante los auténticos Sherlock y Watson. Además, me sorprende la presencia de Moriarty, ya que en las auténticas novelas de Arthur Conan Doyle apenas se menciona, aunque este personaje está muy generalizado también en otros largometrajes.

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16th Ene2010

Salomon Kane- Sección Críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado
La cinta de aventuras por excelencia de estos primeros días del año debe ser Salomón Kane (2009), basado en el relato del escritor Robert E. Howard, autor entre otros de Conan. Como dato curioso, el autor del libro se suicidó a las pocas de enterarse de la muerte de su madre.

Cuenta las andanzas de Salomón Kane, un caballero sanguinario, que ha pactado con el diablo, el cual tiene en su poder el alma de este guerrero. Este señor apesadumbrado por su terrible pasado decide cambiar su vida abandonando las armas.

La producción posee los elementos del cine clásico de capa y espada de la época dorada de Hollywood. El ritmo del largometraje es el adecuado. Los combates resultan creíbles en todo momento y la historia de amor está narrada con elegancia. En definitiva, se trata de una película especialmente realizada para disfrutar en la butaca de una sala de cine, con el aliciente de que es políticamente incorrecta. Sabemos que existe la posibilidad de preparar una trilogía sobre el personaje lo que me parecería excesivo porque creo que la historia no da para tanto.

Sin embargo, nos ha llamado la atención la buena puesta en escena de los actores y el curioso ambiente creado por el director Michael J. Bassett, que buscó castillos en la República Checa, siendo este detalle un elemento clave en el proceso de producción. Por otra parte, nos parece acertado el lenguaje utilizado por los personajes, pues resulta muy adecuado y propio de la época en la que se ambienta la historia. Por tanto, los personajes son conscientes de la trascendencia, recurriendo a ella con naturalidad, ya que, en la sociedad del siglo XVII, eso era lo habitual.

También nos sorprende la lealtad de sus compañeros y el modo en el que el protagonista intenta redimirse, lo que proporciona consistencia a la historia, dándole un toque extra y se puede destacar el tema de la reconciliación entre padre e hijo. Además, las luchas entre las fuerzas del bien y del mal están adecuadamente diferenciadas, pero sin caer en infantilismos

De todas formas y para ir concluyendo, la cinta no es para echar cohetes, pero entretiene sin deformar el alma de los personajes. Por tanto, esta producción merece cierto interés desde el punto de vista antropológico, aunque salvando sus limitaciones.(publicado en fantasymundo)

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