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05th Jun2010

Kick-Ass

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en paginas digital)

Frente a las clásicas historietas de la Marvel (Ironman o Spiderman), en la actualidad ha aparecido un tipo de cómic que da otra vuelta de tuerca al mundo de los superhéroes como pudimos comprobar en Hankcock (2008) o en la película en cuestión Kick-Ass (2010), unos héroes diferentes a los impolutos e indestructibles hombres creados por Stan lee.

Kick-Ass cuenta la historia de un adolescente del montón, sin ningún don especial, que intenta convertirse en el defensor de los más débiles, aunque eso pueda costarle la misma vida.

Como toda película de acción, lo más destacable no son las interpretaciones. Sin embargo, habría que decir que Aaron Johnson y sus frikis compañeros devoradores de tebeos reflejan magníficamente una realidad de la sociedad. Por otro lado, Nicolas Cage esta patético con ese bigote postizo. También, nos preguntamos: ¿Qué hace una niña de once años como Cloë Grace Moretz en una película tan dura visualmente hablando?

El realizador Matthew Vaughn, conocido por Stardust (2007), apostó muy fuerte por esta película porque lo que no les gustaba del guión a los productores era lo que el director sabía que iba a funcionar. Da la impresión de que el cineasta tiene olfato para reconocer que le puede gustar a la juventud del tercer milenio, que no necesariamente tiene que ser bueno (Humor y violencia junto con un antihéroe que se convierte en héroe).

De este largometraje podemos destacar que frente a producciones como las de Gus Van Sant, donde se presenta el pensamiento de débil de la juventud postmoderna como captadora de una filosofía nihilista que consigue que los jóvenes se dejen llevar por la corriente y que su vida carezca de sentido, Matthew Vaughn nos propone una alternativa con el tema de la vocación de un chaval que lucha contra molinos de viento por un ideal, aunque pueda parecer disparatado. Además, la compañera del protagonista realiza un voluntariado. Parece que el director, siendo consciente o no, ha querido demostrar que todavía existen personas menores de 20 años que se mueven por otros intereses, en este caso, al menos por unos altruistas. Si se hubiese profundizado más en este tema se podía haber convertido en un referente de la esperanza para las generaciones venideras. El problema es que estos planteamientos se solapan por el ácido humor y por la violencia killbiliana.

En definitiva, nos encontramos con una atípica y original parodia de superhéroes de carne y hueso con sus cualidades y defectos, contada de forma divertida, donde las exageraciones no irritan, dadas las extraordinarias cualidades atléticas de los personajes. El largometraje está basado en un cómic de Mark Millar (Wanted), cuyo guión fue terminado antes de que el dibujante hiciera su trabajo. Como dato curioso, Brad Pitt fue un de los promotores de una cinta que ha sido número uno en la taquilla de los Estados Unidos.

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29th May2010

Prince of Persia,las arenas del tiempo

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.pantalla90.es)

Si el sinónimo de éxito en la época dorada de Hollywood era David O. Selznick, el sinónimo de triunfo de la taquilla de los últimos años es, sin duda, Jerry Bruckheimer. El citado productor podría considerarse el rey Midas del séptimo arte, pues todo lo que toca lo convierte en oro. Entre sus aciertos se encuentra Top gun(1986), la trilogía de Piratas del Caribe o la saga de La búsqueda, protagonizada por Nicolas Cage. Un productor que se atreve con la adaptación de un popular videojuego.

La cinta gira entorno a un ladronzuelo de Persia, dotado de extraordinarias cualidades atléticas, que se acabará convirtiendo en uno de los príncipes del imperio persa y que tendrá la misión de salvar al mundo de las garras del terrible Nizam

Un largometraje repleto de acción, que impide el lucimiento de los actores. No obstante, el actor Ben Kingsley junto con los chispeantes comentarios de Alfred Molina elevan la categoría del film. La belleza de la actriz Gemma Arterton endulza alguna de las escenas. La interpretación más negativa es la de Jake Gyllenhaal. De todas formas, hay que reconocer el poderío físico alcanzado por el actor protagonista. Largas horas de gimnasio fueron necesarias para conseguirlo. Tampoco nos podemos olvidar de sus intensos entrenamientos para convertirse en un maestro con las armas. Sus músculos crecieron tanto que le tuvieron que agrandar la armadura.

Como decíamos, el argumento esta basado en un conocido videojuego de los Spectrum y de los primeros PC. ¿Se acuerdan ustedes de esos cacharros informáticos? Un videojuego de ordenador, que enganchó a todos los niños españoles de la época en algún momento de sus vidas. La dirección corre a cargo de Mike Newell, fundamentalmente conocido por dos películas de diferente temática, pero de alta calidad como La sonrisa de Mona Lisa (2003) y Cuatro bodas y un funeral (1994).

El cineasta cuenta una sencilla historia con un guión esquemático, que recuerda a grandes producciones como la de El señor de los anillos(2001), cuyo guión es más profundo que el de la película en cuestión, aunque está contada con un ritmo trepidante, que no permite al espectador levantarse de la butaca, ni dejar de comer palomitas. La película no chirría en ningún momento y, desde luego, la distribuidora Disney ha cuidado el detalle para que se pueda disfrutar de la misma en familia, estando dotado de considerables dosis de amor y humor blanco. Quizás al director se le va la mano con los efectos especiales y con los toques mágicos finales a pesar de que este realizador sólo quiso exagerar el tema de los saltos. Por lo menos eso fue lo que comentó.

Finalmente, se puede destacar la honradez y la lealtad del príncipe hacia sus hermanos junto con una frase sobre la felicidad en tono filosófico que puede ayudar a pensar. También, el visionado de este largometraje sugiere que los dones hay que ponerlos al servicio de los demás.

Por último, habría que recordarle al señor Newell que, en la Edad Media, los habitantes de Persia creían en un solo Dios (Alá) y no en varios. Da la impresión de que se utiliza esa terminología para ser políticamente correcto, ya que en la actualidad se intenta que se relacione a todos los monoteísmos como fundamentalismos y no todos los monoteísmos son negativos, un claro ejemplo positivo es el cristianismo.

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22nd May2010

Baaría

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en pantalla 90)

El cine en estado puro llega de la mano de Giuseppe Tornatore, que nos maravilló a todos con Cinema Paradiso(1988), por el que ganó un Óscar. Se trata de una superproducción de 25 millones de euros, con 122 localizaciones y más de 200 actores junto con secundarios de lujo como Ángela Molina o Enrico Lo Verso.

La película narra las andanzas de Peppino, un humilde pastor, amante de la literatura, que se meterá en política una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial.

La selección de secundarios nos parece muy acertada, aunque la de los protagonistas tampoco se queda corta a pesar de que se contrató a dos actores desconocidos para el gran público. Éstos interpretan a dos personajes antagónicos, puesto que Francesco Scianna representa a un político comunista, que se enamora de una chica católica (Margareth Made) simpatizante de la democracia cristiana. Esta pareja consciente de sus diferencias, coinciden en que su relación debe basarse en la honestidad.

Según el cineasta, Baarìa (2009) es un largometraje casi autobiográfico, que guarda una íntima relación con Cinema Paradiso (1988). El autor cuenta la vida de tres generaciones que transcurren a lo largo de cincuenta años. Da la impresión de que estamos ante una especie de Cuéntame cómo pasó, pero, a la italiana, contando la historia de Italia con una aparente objetividad, por lo menos más objetiva que la serie de nuestro país. De todas formas, la cinta inclina su balanza hacia la izquierda, poniendo como modelo de la democracia al comunismo (Textos como El libro negro del comunismo editado por Stephane Courtois o El libro negro de Carrillo escrito por José Javier Esparza desvelan los crímenes que tiene a sus espaldas esa ideología, que tuvo como punta de lanza a la URSS).

No obstante, el protagonista critica el modelo de la Unión Soviética por sus atrocidades. Sin embargo, no abandona su militancia política, aunque su actitud ante las creencias de las personas es por lo menos respetuosa.

Cambiando de tema, el cine de Tornatore deja destellos de un maestro, dotando al film de gran humanidad y de excelentes toques de humor que hacen a la producción de 150 minutos muy llevadera. Queremos destacar algunas escenas porque resultan inolvidables y poseen un sello muy personal. La situación más surrealista surge en un momento en el que Manina y Pepino, recostados en una cama, abren un paraguas en una habitación con goteras. Entre las más divertidas encontramos la de la iglesia, donde aparecen pintados los habitantes del pueblo, que habían posado como modelos para un artista de la zona, lo que provoca que los cristianos asistentes a esa parroquia estén más pendientes de encontrar parecidos de sus conocidos en los Apóstoles pintados en el fresco situado en la cúpula que de la propia ceremonia religiosa. Por último, esta obra del celuloide deja claro, al menos con un detalle, la talla de los políticos porque, en una escena, los comunistas se rebelan contra el alcalde de la derecha y cuando están a punto de apalear a este hombre. El citado alcalde saludará afectuosamente a su sobrino perteneciente a la oposición comunista como dando a entender que el poder se lo reparten siempre los mismos.

Por otra parte, la película refleja magníficamente a la sociedad de la época: las distintas realidades políticas; las grandes diferencias sociales; el humanismo cristiano queda expresado en la democracia cristiana, las procesiones, los actos religiosos y la fe sencilla de la gente que contrasta con otras realidades.

La película muestra el amor de un padre a su hijo que le espera en el lecho de muerte para despedirse de él. La relación paterno-filial resulta entrañable. También destaca la actitud tan positiva de los protagonistas hacia la vida o el matriarcado representado por Ángela Molina.

Finalmente, sería necesario indicar que este largometraje ha sido rodado al estilo clásico y con la elegancia de los grandes largometrajes americanos. Todo ello, amenizado por una buena banda sonora de Ennio Morricone y contando una gran historia de amor sin estridencias.

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15th May2010

El plan B

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diarioya.es)

El cine comercial americano, de vez en cuando, nos ofrece material sencillo, que esconde elementos ciertamente interesantes. El plan B (2010) es uno de ellos.

¿Cuál es su argumento?

La película en cuestión comienza cuando una mujer, que ha tenido malas experiencias con los hombres, quiere tener un hijo por fecundación in vitro. Su actitud de feminismo radical se verá comprometida al conocer a un chico muy especial.

¿Qué podemos decir del apartado interpretativo?

Pues que lo salvan unos excelentes secundarios y un aceptable Alex O’Loughin (actor de la serie Moonlight), ya que Jennifer López, alías la encasillada, simplemente, hace acto de presencia porque su actuación deja mucho que desear( sus lágrimas son más falsas que un collar de tres pesetas). De todas formas, parece consciente de sus limitaciones. Por esa razón, le gusta trabajar en la comedia que es el lugar, donde se siente más cómoda. Una actriz que a los 40 años no tiene complejos y piensa ser fiel a sì misma.

¿Qué ha querido transmitir el director?

La dirección corre a cargo de Alan Poul. El cineasta ha hecho un buen trabajo con los actores. La selección musical nos parece la adecuada, siendo muy pegadiza su banda sonora. Además, nos obsequia con una serie de tomas falsas divertidísimas. Sin embargo, lo más destacable de la cinta es, sin duda, la ácida crítica a la ideología de género, puesto que nos presenta a las mujeres como totalmente independientes de los varones. Unos hombres que sólo parecen necesarios para la procreación. No obstante, el realizador contraataca demostrando que, tanto hombres como mujeres, son necesarios para formar una familia estable. Por tanto, la película refleja la importancia de la figura paterna en el proceso del embarazo como pieza complementario de la pareja. También, la película revindica la paternidad, ya que el protagonista asume, una responsabilidad de la que podía haber prescindido, con madurez. El personaje sólo titubea en el momento en el que se entera de que su novia va a tener gemelos. Una noticia impactante, que puede generar un miedo razonable a lo desconocido, para un padre primerizo que necesita un tiempo para aceptar la situación.

Por otra parte, el largometraje utiliza como recurso narrativo el parto y el embarazo, proporcionando una serie de chistes realmente simpáticos sobre los tópicos del embarazo. Un dato que puede confirmar una persona que está esperando a su primer hijo con gran ilusión. Por eso, podemos afirmar que El plan B (2010) apuesta con firmeza por el valor de la vida.

Por último, le recomendamos que presten atención a las escenas rodadas en un parque infantil junto con los diálogos que se producen entre el protagonista y un padre de familia afro-americano, los cuales resultan memorables, aunque uno de ellos es un tanto escatológico, pero entendible en un padre con hijos pequeños.

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09th May2010

Nausicaä del valle del viento

by Víctor Alvarado

Víctor alvarado (publicado en paginasdigital.es)

Llega a las pantallas españolas la que fuera la ópera prima de Hayao Miyasaki 26 años más tarde de su estreno inédito en España hasta ahora.

La historia, que nos narra, se basa en un esquema habitual en las obras de este cineasta japonés, que se hizo popular realizando series de televisión animadas antes de dar el salto al largometraje. Normalmente, hay un personaje, en este caso Nausicaä, habitante del Valle del Viento, que tendrá que enfrentarse a unos insectos mutantes que viven en un mundo contaminado que amenaza con invadirlos.

Como hemos dicho, la dirección corre a cargo de Miyasaki, que ya demostraba su talento en el mundo de la animación, no teniendo nada que envidiar a las actuales producciones, con muchos menos medios, aunque esta cinta no alcanza la calidad artística de Mi vecino Totoro(1988) cuatro años después. Sin embargo, su argumento iguala el nivel de la citada producción y de la valiosísima La princesa Mononoke (1997) con la que guarda cierto paralelismo. Para los que la puedan ver en versión original habrá que decir que les va sorprender la delicadeza del relato que contrasta con la dureza del habla japonesa.

La película manifiesta un claro mensaje ecologista en una época, donde estaba presente el desastre de Chernóbil, que se produjo porque, a diferencia de otras centrales nucleares no pertenecientes al régimen comunista de la URSS, no cumplía los requisitos mínimos de seguridad.

Por otra parte, el realizador presenta a la trascendencia, partiendo de dos dioses primitivos y antagónicos muy bien diferenciados, pero dejando claro la superioridad moral del dios bondadoso frente a del dios de la guerra. Da la impresión de que el autor ha hecho un guiño al cristianismo, puesto que presenta a la protagonista como una persona que sacrifica su vida por su pueblo para posteriormente resucitar. También, como todo relato apocalíptico, la cinta cuenta con un elegido con dones muy especiales para salvar a la humanidad. Una guerrera que sólo recurre a la violencia en casos extremos. Además, siempre que puede utiliza métodos pacíficos para solucionar sus problemas. Salvo en una de escena, de los primeros minutos, en la que en un ataque de ira por el asesinato de su padre elimina a sus adversarios, mostrando su arrepentimiento a su maestro que le hace recapacitar sobre su acción. Por último, merece la pena destacar el valor de la lealtad entre compañeros y el de la valentía de la que hace gala la protagonista cuando la situación lo requiere.

Por otro lado, nos ha gustado que el director se haya decantado por una heroína algo no muy habitual en este género, pero, donde tanto hombres como mujeres, resultan piezas esenciales para resolver el problema y el misterio.

Finalmente, nos vamos a encontrar con un largometraje destinado a un público infantil en la que los adultos acompañantes no se van a sentir incómodos, ya que el film, gracias a su buen guión, guarda gran equilibrio entre acción y el drama de los personaje junto con su típico y simpático animalito, que hará la delicias de los peques. No sería justo no comentarles que dura 116 minutos. Tal vez sea demasiado.

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01st May2010

Welcome

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado  (publicadowww.paginasdigital.es)

El francés Philippe Lioret, autor de películas como En Tránsito (1993), El desliz (2001) y El Extraño (2004), se atreve con un drama sobre la inmigración, contado con cierta amabilidad. El guión de esta obra del celuloide fue premiado en el Festival de Gijón.

El argumento gira entorno a un joven kurdo, que quiere cruzar el Canal de la Mancha nadando para encontrarse con su amada, pues su situación ilegal le impide hacerlo de modo convencional. Por esta razón, recurrirá a los servicios de un monitor de natación y ex campeón olímpico, que será su entrenador y tutor particular.

En el apartado interpretativo destacamos la soberbia actuación de los protagonistas. Vincent Lindon es un popular actor francés muy bien relacionado. Llegó a ser pareja de Carolina de Mónaco y su ascendencia llama la atención por ser nieto del político Jérôme Lindon. Este profesor de natación representa a la típica persona que se siente incómoda con la inmigración y que baja la cabeza cuando se le presenta la oportunidad de ayudarles. Sin embargo, su actitud cambia definitivamente en el momento en que un kurdo le toca la fibra sensible, mientras que su mujer aparece como una gran activista a favor de los derechos de los extranjeros.

El cineasta francés recurre a un estilo narrativo sencillo. Sus personajes han sido presentados como personas nada enrevesadas y sus personalidades nos parecen muy positivas. Se trata de un cine social sin estridencias, pero que apuntan temas que merecen la pena ser analizados.

En primer lugar, la producción refleja las distintas actitudes que se tienen ante esta triste realidad. El esfuerzo aparece como un elemento esencial para conseguir lo que uno se proponga en la vida, aunque sea una utopía. Un valor muy demandado por parte de los educadores españoles grandes de conocedores de las desastrosas consecuencias de los dos últimos sistemas educativos propuestos por la ideología del que ahora nos gobierna y del partido socialista, que nos han colocado a la cola de Europa.

En segundo lugar, esta cinta, narrada con elegancia, refleja el problema del divorcio, expresando las razones tan escasas por las que algunas parejas se separan, lo que está provocando que muchas relaciones vuelvan a plantearse retomar la relación porque se siguen queriendo. Y es que, aunque las leyes de muchos países faciliten en demasía el divorcio, en muchas ocasiones, los vínculos amorosos resultan difíciles de romper.

Por otra parte y en relación con la pareja kurda, el autor apunta temas como el sufrimiento ante la ausencia del ser querido, el problema de los matrimonios de conveniencia o lo que se puede llegar a hacer por amor.

Además, la caridad queda plasmada de la mano de los voluntarios, que colaboran con los extranjeros ilegales y de Simon, que arriesga su libertad al ayudar a su alumno.

Finalmente, la película cuestiona la labor de la policía, pero yo creo que este film se equivoca en ese punto, ya que, por desgracia, guste o no, las medidas de seguridad son necesarias para hacer cumplir la legalidad tan necesaria para regular la inmigración. Tampoco se puede negar el problema del temido terrorismo islámico.

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22nd Abr2010

Fest Málaga-entrevista a A. Espinosa Guionista de Héroes(La mejor)

by Víctor Alvarado

Una película recomendable tanto para adultos como para niños

Entrevista de Víctor Alvarado

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15th Abr2010

Alicia en el país de la maravillas-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado  (publicado en pantalla 90)

El mago de la fantasía y de los sueños, Tim Burton, se atreve con una nueva interpretación de la obra literaria del escritor, sacerdote anglicano y matemático Charles Lutwidge Dogson, conocido como Lewis Carroll.

Como no podía ser de otra manera, la historia se centra en las aventuras y desventuras de Alicia, que se encuentra atrapada en dos dimensiones en las que se siente incomprendida. El mundo de extraños seres a cual más disparatado y un mundo aristocrático en el que los matrimonios de conveniencia están al orden del día.

En el apartado interpretativo nos parece que Mía Wasikowska mantiene el tipo. Johnny Depp, que estaba dispuesto, incluso a interpretar a la protagonista, lo encontramos muy contenido, teniendo en cuenta el papel tan disparatado que desempeña. Por otra parte, Anne Hathway renunció a representar el papel de Alicia porque le gustaba el personaje pacifista-guerrero de la reina blanca tal y como declaró a Fotogramas. Helena Bohan Carter, con una estética a lo Bette Davis, nos presenta a un personaje lleno de complejos, que no acepta sus defectos. En una época donde las clínicas de cirugía estética hacen el agosto, la cinta nos ofrece una moraleja sobre el significado de aceptarse a sí mismo.

Esta producción Disney, difícilmente, llega al nivel de su predecesora de dibujos animados y presenta más elementos negativos que positivos. El ambiente gótico creado por Burton no es el más apropiado, si tenemos en cuenta el público al que supuestamente va destinado. Sabemos que las comparaciones son odiosas, pero la simpatía que derrochaban los personajes de la producción del año 1951, no tienen nada que ver con esta moderna interpretación del cuento de Carroll. Además, la carencia de ritmo resulta un pesado lastre. Nos da la impresión de que al director le ha picado la mosca Tse Tse.

Lo más destacable de la cinta se encuentra en lo claro que deja el autor el modo en el que el bien se enfrenta a las fuerzas del mal, donde un elegido, en este caso, Alicia es el corazón puro que hará frente a la situación, un elemento literario que corresponde con la formación espiritual del escritor( Hace varios años, la realidad creyente de este autor fue ocultada por un buen profesor de la universidad en la que yo preparaba los cursos de doctorado, pues, mientras explicaba la importancia del método científico en el desarrollo de la ciencia, negaba la importancia de la Iglesia y la trascendencia en la historia de la humanidad, cuando fueron los cristianos los fundadores de esa institución. Curiosamente y como hemos dicho, Lewis Carroll fue un sacerdote anglicano. Nos parece por lo menos sorprendente que no se hablase de un dato tan aclarador). Aunque en líneas generales no nos ha gustado la forma tan superficial con la que la protagonista da respuesta a sus problemas en la vida real porque no queda demasiado claro el porqué toma esas decisiones en su vida.

También hay que reconocer la calidad de los efectos creados por el equipo técnico de la factoría del cineasta, que, como dato curioso, consiguió aumentar el tamaño de los ojos de Depp en un quince por ciento para potenciar su mirada.

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10th Abr2010

Luciérnagas en el jardín-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado  (Publicado en paginasdigital.es)

En un momento donde interesa que la familia esté en crisis, Dennis Lee nos ofrece un retrato familiar levemente inspirado en su vivencia personal, al menos en su planteamiento inicial.

Luciérnagas en el jardín (2008) narra las andanzas de un escritor que pierde a su madre, que era el pilar en el que toda la familia se apoyaba, en un accidente de tráfico. Su padre, al contrario, era un ser tiránico en la educación de sus hijos, como recuerda el personaje en constantes flash-backs. Está técnica utilizada por el cineasta novel sirve para entender muchos aspectos de los encuentros o desencuentros de cada uno de los miembros que conforman el núcleo familiar. La historia va creciendo a medida que avanzan los minutos, aunque no se puede decir que sea original, pues recuerda a otras producciones cinematográficas.

Las interpretaciones no me parecen lo más notable de la cinta. Willem Dafoe actúa tan bien como siempre, resulta muy interesante la evolución de su personaje, mientras que Julia Roberts, después de su desafortunado encuentro con Clive Owen en Duplicity (2009), ilumina cada instante que aparece en pantalla. Como dato curioso, Daniel Moder, el director de fotografía, es la actual pareja de la actriz protagonista.

Cambiando de tema, la cinta ofrece una visión sobre la institución más antigua de la sociedad bien construida y políticamente incorrecta en algún aspecto, donde el elemento trascendente no ha sido destacado. Sin embargo, los valores más importantes quedan reflejados con bastante acierto en una familia imperfecta, pero unida. La madre (Julia Roberts) refleja claramente el valor de servicio y entrega a los demás, equilibrando o aminorando el temperamento de su estricto marido (Dafoe), que comprenderá cuál es el límite de su labor como educador.

Finalmente, el arrepentimiento está muy conseguido y el perdón aparece como un elemento clave de la película para restañar las heridas del pasado. Sobre todo, sorprende el modo tan sutil con que está narrada la posible reconciliación.

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08th Abr2010

Cinco minutos de gloria-Sección críticas-estreno de esta semana

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Al alemán Olivier Hirshbiegel le gusta crear historias de temática complicada como fue el caso de El hundimiento (2004). En esta ocasión regresa con Cinco minutos de gloria, un drama premiado en el Festival de Sundance y basado en hechos reales.

La cinta gira entorno a la posible reconciliación entre un asesino de Irlanda del norte y la víctima católica, que fue testigo del crimen cometido contra su hermano 33 años después del suceso. Por esa razón y  en pleno proceso de paz del conflicto católico-protestante de Irlanda del norte, una cadena de televisión prepara un programa en directo en el que se intercambie una verdad por un perdón, coincidente  con una práctica propuesta por el arzobispo Desmond Tutu cuando se trataba de solucionar el problema del Apartheid en Sudáfrica.

El sólido guión  corresponde a Guy Hibbert, que viajó varias veces a Belfast desde Londres, buscando el reencuentro entre ambos  que no se produjo. La película nos parece un profundo estudio sobre el alma humana porque analiza razonablemente bien el pensamiento y los sentimientos de los protagonistas. No obstante, se podía haber sacado más en su desenlace.

Por un lado, el guionista desgrana de manera notable  el malestar del asesino al que su conciencia no le deja tranquilo a pesar de haber cumplido la pena y de estar arrepentido de su acción terrorista, puesto que busca el perdón de su víctima. También, aunque de pasada, parece que justifica su acción.

Por otra parte, la victima no olvida el sufrimiento del ser querido  y sus ansias de venganza no le dejen ser feliz por lo que llora desesperadamente en una de las escenas porque quiere que sus hijas estén orgullosas de él.

Por último, las interpretaciones de Liam Neeson y de James Nesbitt nos parecen excelentes y se tomaron tan en serio una de las peleas de la película que aparecieron al día siguiente con el cuerpo lleno de moratones. Además, el final abierto de esta producción británica no debe dejar a ningún espectador indiferente, donde cada uno libremente puede sacar sus conclusiones.

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06th Abr2010

Fraga y Carrillo-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Te recomendamos que busques el documental Últimos testigos, para aprender un poco de historia.

Este artículo fue publicado en www.cope.es y www.paginasdigital.es

Víctor Alvarado

Últimos testigos, un documental que trata de contar la historia de la transición desde dos puntos de vista diametralmente opuestos. El primer documental habla sobre el papel de Manuel Fraga, mientras que el segundo, pues consta de dos partes bien diferenciadas, lo hace desde la óptica de Santiago Carrillo

José Luis López Linares (nominado a los premios Emmy en 1998) realiza un recorrido por los momentos más significativos y polémicos de la vida de una de las personalidades más influyentes de la política española, Fraga Iribarne.

Su trabajo resulta bastante objetivo porque los testimonios del fundador de Alianza Popular se complementan con opiniones de todas las tendencias ideológicas. Esta técnica permite conocer los aciertos y errores de las decisiones tomadas por el político de la derecha española en el trascurso de su larga e intensa vida. Algunos de los comentarios le dejan en mejor lugar que otros, con lo que el equilibrio está realmente conseguido.

Entre los expertos que analizan la figura de este gallego se encuentra el analista económico y ex miembro del partido comunista Ramón Tamames, que con gran sentido del humor desmenuza el famoso episodio de «la calle es mía». También aparece el agudo escritor, y uno de los historiadores más importantes de Historia Contemporánea, Ricardo de la Cierva, que comenta las decisiones que pudieron provocar que Adolfo Suárez fuese el líder de UCD en la transición en lugar del político en cuestión.

Por otra parte, el biógrafo de dicho político, Manuel Milian Mestre, destaca su labor dentro de la embajada de Londres, donde se prepararon los documentos fundamentales para gestionar los 100 primeros días posteriores a la muerte de Franco.

En definitiva, el documental pretende contar varios episodios de la historia de este país a través de una persona inteligente como Fraga, con sus cualidades y defectos que, sin renunciar a sus ideales políticos y convicciones religiosas como se percibe en este trabajo de realización, se esforzó por que el cambio hacia la democracia fuera posible.

La segunda parte de este doble documental, que forma parte del proyecto de la productora Morena Films, es harina de otro costal, porque no es la primera vez que apuesta por grandes líderes de la izquierda como el Che Guevara o Fidel Castro, con lo que el sesgo informativo está garantizado. Esta obra cinematográfica corresponde a Manuel Martín Cuenca, que se declara abiertamente progresista. Sus trabajos más importantes son La flaqueza del bolchevique y El juego de Cuba ( 2001).

El formato utilizado es el de una larga entrevista, que hace un recorrido por los hitos históricos más importantes de su vida, desde la II República hasta los primeros años de la democracia.

Cuando salí de la sala y en un primer momento, el documental me pareció relativamente objetivo porque no trataba de ser demasiado crítico con nadie, aunque los errores históricos de bulto merecían ser comentados. Sin embargo, unas hora más tarde, comprendí que se mitifica la figura de uno de los líderes más importantes de la izquierda española.

Las imágenes desenmascaran algunas imprecisiones históricas, puesto que, cuando habla del mito de la Guerra Civil de la matanza de Badajoz lo hace muy deprisa, como para que no le pregunten. El historiador Pío Moa ha demostrado en sus estudios que esos hechos ocurrieron de forma muy distinta y que en las fechas en las que se bombardeó la plaza de toros extremeña sólo había camiones y otro tipo de vehículos.

También durante la rueda de prensa Carrillo se sintió molesto porque siempre le preguntan sobre el hecho de los fusilamientos de Paracuellos de Jarama. Pero, esa pregunta resulta indispensable para entender al personaje. Las imágenes son muy esclarecedoras, ya que se puede observar a un Carrillo visiblemente nervioso cuando el entrevistador le hace la pregunta y el detalle del cineasta desprende un destello de genialidad, apuntando con su objetivo a la cajetilla de tabaco que sujeta el protagonista. De todas formas, la intervención en este episodio es innegable, como han demostrado varios investigadores de prestigio.

Por otro lado, no parece convincente que, para demostrar que el líder del partido comunista español fuese un demócrata, se nos muestre a una Rusia dictatorial e intransigente con el conocido episodio de «La Primavera de Praga», cuando la realidad es que la URSS subvencionaba al PCE. Lo que no se puede negar es el esfuerzo de Santiago Carrillo por controlar a los militantes de su partido durante la transición española y el gesto de colocar la bandera de España en la sede principal como símbolo de moderación.

Entre las declaraciones de Santiago Carrillo resulta interesante el enfrentamiento político con su padre Wenceslao y su posterior reconciliación años después. Además, merece la pena destacar cómo la fe cristiana de Manuel Fraga contrasta con la «fe» materialista y marxista de Santiago Carrillo.

Por último y en referencia a estas dos personalidades de la política española, surge una cuestión. ¿Eran realmente tan demócratas como nos lo han querido vender en estos documentales?

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27th Mar2010

Acantilado rojo-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en diarioya.es)

El cine chino tira la casa por la ventana con esta poderosa producción, que ha sido la más cara de la historia y que ha arrasado en la taquilla asiática.

John Woo regresa al cine de su país, tras varios años de ausencia. El cineasta es conocido en España por multitud de películas de acción, donde destacan Cara a cara (1997) con Nicolas Cage y John Travolta por su espectacularidad estética o Un ladrón siempre es un ladrón (1991) por su gran sentido del humor. El director oriental no ofrece una película bélica, rodada de forma espectacular y sin cortapisas económicas. Está basada en la novela del escritor del siglo XIV Luo Guanzhong, llamada Romance de los 3 reinos.

Bajo mi humilde punto de vista, Acantilado rojo (2010) es una de las mejores cintas bélicas en los últimos años. Las personas reacias al cine oriental no deben tener miedo a entrar a ver este largometraje, pues John Woo, que tiene larga experiencia en la meca del cine, imprime un ritmo especial a la película. La historia de amor, aunque breve, nos parece bonita y se encuentra cargada de dramatismo. El tratamiento de la estrategia militar es digno de ser tenida en cuenta porque se dispone como una partida de ajedrez. Además, los razonamientos de los militares sobre la táctica le parecen acertados a un crítico de cine que no es experto en la materia, pero que ha leído algo sobre estudios de batallas.

La cinta resulta bastante explícita en el uso de la violencia. Sin embargo, nos ofrece valores ciertamente interesantes como el sacrificio por el bien del pueblo de la mano de la princesa, la lealtad entre compañeros junto con las alianzas para derrotar a un gobierno totalitario. Las fuerzas del bien, formadas por dos reinos, que se enfrentan al todopoderoso Cao Cao, entienden que el primer deber del ejército es proteger a la población civil. El largometraje en cuestión ofrece una serie de frases para hacer pensar, aunque sin ser desarrolladas, que sirven para completar una historia interesada principalmente en el conflicto bélico que el director John Woo ha comparado con una Troya, pero, por motivos obvios, a la naranja, que te mantiene con los ojos muy abiertos.

Por último, recordarles que este largometraje duraba 5 horas en el mercado asiático, no obstante, se fue reduciendo hasta llegar a los 135 minutos finales para occidente.

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22nd Mar2010

Hermanos-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Jim Sheridan, autor de las películas En el nombre del Padre (1993) o The Boxer (1997), se enfrenta a un drama familiar, que es un remake de homónimo título de la gran directora de danesa Susanne Bier, que demostró su talento con la excelente Después de la boda (2006).

La historia gira entorno a un militar de la guerra de Afganistán, que es secuestrado y supuestamente asesinado por los talibanes, mientras tanto su mujer, después de pasar el duelo por la muerte de su marido, se enamorará del hermano del militar.

Las interpretaciones son excelentes, aunque la más destacable sea la del actor Tobey Maguire, que consigue trasmitir su sufrimiento sin histrionismos y con una sequedad que da la sensación que tiene la intención clara de interpelar al espectador. Por otra parte, la bella e inteligente Natalie Portman vuelve a demostrar sus grandes dotes como actriz.

La directora irlandesa, que rodó de forma cronológica siempre que fue posible, intenta contarnos la vida de una familia cristiana, donde hay mucho rencor guardado. No obstante, el perdón se presenta como un elemento clave de la trama. La cinta quiere que reflexionemos sobre las consecuencias de la guerra, pero se agradece que se encuentre descargada de la ideología tan característica en otras producciones. Además, el cineasta no ha dulcificado el trato con el que los fundamentalistas islámicos obsequian a los occidentales.

Otro aspecto que merece la pena ser tenido en cuenta es el de la incomunicación, que no permite cerrar las heridas producidas por una serie de situaciones, que escapan al control de la persona. Por tanto, sin riesgo a equivocarnos, podemos decir que, aunque de manera escueta, los personajes están muy bien desarrollados y su psicología es propia de las situaciones a las que se enfrentan.

Por otra parte, la familia aparece como el lugar, donde se refugian cuando los problemas les ahogan.

En definitiva, nos vamos a encontrar con un largometraje de gran riqueza desde el punto de vista antropológico. Sin embargo, la dureza dramática, la aridez y la lentitud de la mayoría de las escenas pueden empañar el resultado final.

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20th Mar2010

Medidas extaordinarias-Sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Victor Alvarado
(publicado en www.pantalla90.es)

No es la primera vez que se lleva a la gran pantalla, la historia de una familia, que hace todo lo posible para encontrar el tratamiento adecuado para curar la enfermedad de alguno de sus miembros. Basta recordar la película El aceite de la vida (1992) o de alguna manera John Q (2002)

En esta ocasión, Tom Vaughan, autor de una comedia menor como Algo pasa en Las Vegas (2008), se atreve con un drama, que se podía haber quedado en un telefilme, pero que el cineasta salva dignamente.

Principalmente, el tema de la cinta, como habrán podido imaginar, es la lucha de una pareja para sacar adelante a dos hijos que sufren la enfermedad de Pompe. John Crowley, el padre, utilizará ingeniosas estrategias empresariales para que un científico que estudia una cura de la enfermedad pueda encontrar el medicamento específico.

Este relato cinematográfico refleja al amor como motor e instrumento para cambiar el mundo, donde la entrega y el sacrificio resultan esenciales para conseguir el milagro, tal y como indica el protagonista en un momento determinado.

Por otro lado, se explica el proceso científico, así como la serie de requisitos necesarios para que un medicamento pueda ser utilizado con garantías e incluso, en la misma escena, se comenta levemente algún conflicto ético.

Además, de forma más o menos directa se denuncia los cuestionables métodos de las empresas farmacéuticas, que sólo invierten en un determinado componente, si les va a resultar rentable. Por esa razón, John Crowley empleará su repertorio de estrategias empresariales para encauzar las decisiones de los ambiciosos ejecutivos. Por último, la producción habla de la necesidad de diálogo para encontrar soluciones científicas. Un valor extrapolable a otros ámbitos del ser humano.

En el aparatado interpretativo sorprende ver a un contenido Brendan Fraser que tan acostumbrado nos tiene a papeles de loco aventurero. Harrison Ford representa al inteligente Dr. Stonehill, que detrás de su huraño comportamiento, esconde un buen corazón y gran capacidad de sacrificio. El actor y también productor de la cinta se fijó en un artículo del premio Pulitzer Geeta Anand en el Wall Street Journal, cuyo contenido, posteriormente, se convertiría en un libro que contaría las peripecias anteriormente citadas y que mucho tiene que ver con el argumento del largometraje. Este best seller sirvió para que Ford se animara a producirla, pues se conmovió al comprender el grado de compromiso del padre y la entereza con la que afrontó las situaciones. El trío protagonista lo completa la actriz Keri Russell, conocida por ser la protagonista de la popular serie de televisión Felicity.

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13th Mar2010

Corazón rebelde-Sección Críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en Diario Ya)

¿Qué es lo que cuenta?
La historia gira en torno a un cantante de música country de vuelta de todo, que tiene graves problemas con el alcohol y que ha fracasado en cuatro matrimonios, abandonando a su único hijo cuando éste tenía tan sólo 4 años. Sin embargo, no estará todo perdido porque, al conocer a una periodista, el protagonista intentará aprovechar su última oportunidad.

¿Qué ha conseguido el director?
El cineasta novel Scott Cooper consigue introducirnos en el mundo de la música country mediante una roadmovie, apoyándose en una novela de Thomas Cobb.

El relato cinematográfico te engancha de principio a fin, aunque lo más destacable del largometraje es, sin duda, el intento de redención de un bondadoso personaje atrapado entre las redes de los bares de carretera junto con el esfuerzo por superarse gracias a la ayuda de una mujer, que le hace recuperar la ilusión por vivir. Por último, habría que destacar el buen corazón de Bad Blake en varias de las escenas como motor para cambiar su “pequeño” mundo.

¿Por qué hay que ver esta película?
Para disfrutar de las interpretaciones de dos magníficos actores como Maggie Gyllenhaal, que se enfrenta a su primer trabajo después de haber sido madre y de Jeff Bridges, ganador del Óscar 2010. Además, no nos podemos peder una pegadiza banda sonora, que posee los ingredientes más potentes de la música country americana.

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06th Mar2010

The lovely bones-Sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Peter Jackson regresa a las pantallas con The lovely bones (2010), tras varios años de descanso, después de su último trabajo sobre King Kong (2005).

La trama gira entorno a una niña, llamada Susie Salmon, que es asesinada por un despiadado psicópata y lo que hace su familia para desvelar el crimen. Desde su cielo lucha por mantener los vínculos que todavía le unen con sus seres queridos.

Tanto la interpretación de Saoirse Ronan como del nominado al Óscar Stanley Tucci nos parecen sobresalientes, mientras que la actuación de Mark Wahlberg es aceptable. Como dato curioso, el citado actor lloraba a lágrima viva para una de las escenas de la cinta. El director le pidió contención porque su lagrimeo era incontrolable. Por otra parte, Rachel Weisz rechazó la participación en el rodaje de la tercera parte de la momia para colaborar con este film.

¿Cuál es el mérito de este largometraje de corte fantástico? Pues que el cineasta consigue atraparte totalmente con la investigación del crimen, con la historia de amor y con el retrato familiar.

La familia aparece como el elemento esencial del relato. Se trata de una de las claves de la cinta porque no pierden la esperanza en ningún momento hasta que se resuelva o no todo lo relacionado con la trágica muerte de la niña.

La cinta reflexiona sobre las distintas formas de aceptar una situación extrema y los vínculos que nos unen a un ser querido hasta que los recuerdos van desapareciendo. Da la impresión que el realizador piensa que las personas fallecidas no son libres para marcharse definitivamente mientras que el recuerdo pervive en los que le sobreviven.
Está muy bien captados los diferentes modos de asumir una situación dramática tan tremenda, coincidiendo plenamente con la realidad española, donde este tipo de crímenes se repiten año tras año y en el que observamos las distintas formas de reaccionar de sus familiares.

Entre los aspectos más negativos de la producción, basada en la novela de la escritora Alice Sebold, que sufrió una violación y que su relato, por tanto, tiene mucho que ver con su experiencia, destaca la visión panteísta que Peter Jackson ha transmitido a su obra. La óptica de cielo de Jackson resulta muy particular, ya que Dios no aparece. Esto se puede entender porque el cineasta no se considera una persona religiosa. El afirma que posee una visión más científica, considerando a la muerte como un paso de una dimensión a otra. Por otro lado, las escenas del maravilloso mundo de Susie recuerdan a la casa de la pradera por su cursilería.

Finalmente, nos vamos a encontrar con una entretenida cinta, que no llega al notable, y en la que el perdón tiene algo que decir.

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