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11th Ene2010

Número 9-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Número 9 (2009) es la ópera prima de Shame Acker, una historia basada en un cortometraje por el que fue candidato a los Óscar hace algunos años.

Se trata de un relato apocalíptico, apadrinado por Tim Burton, en el que un grupo de seres destartalados intenta salvar al mundo para darle una segunda oportunidad. Por tanto, volvemos a tropezar con un género que se ha puesto de moda en los últimos tiempos. Entre otras cosas por el cuento chino o el negocio del calentamiento global y por la decadencia de occidente

La cinta en cuestión refleja lo que puede ocurrirle a una sociedad, que se centra en una tecnología avanzada para progresar, olvidándose de otros valores que han caracterizado durante siglos a la civilización occidental. La historia, con una estética original, deja entrever una serie de elementos, que podrían servir para solucionar la grave crisis en la que nos encontramos inmersos, ya que pertenecemos a la cultura del botón (todos los problemas se solucionan apretando una tecla).

Esta obra del celuloide, a pesar de presentarnos un flojo guión y sin tener nada de especial, deja entrever que, con valores la cultura, la valentía, la amistad y el sacrificio por los demás, los habitantes de este planeta mirarían la vida de otra manera. Además, como he leído en alguna crítica interesante de cine con la que coincido resulta bastante negativa la actitud miedosa de uno de los protagonistas que se niega a actuar ante una situación límite. No es esa la actitud que hay que tener frente a un gobierno totalitario o ante un grupo terrorista, lo lógico sería intentar afrontar la situación porque sino el mal consigue su objetivo.

Por otra parte, la religiosidad queda patente en este largometraje, pues parece evidente que el director de esta película se propone hacernos reflexionar sobre la necesidad de un creador supremo y lo que puede suponer la resurrección para dar esperanza a los que piensan que nos encontramos solos.

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02nd Ene2010

No es tan fácil(nancy meyers)-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Para comenzar el año, no está mal empezar hablándoles de una de las mejores comedias del año junto a (500) días juntos (2009), aunque con distintos matices. Nos estamos refiriendo a No es tan fácil (2009).

Cuenta la vida de Jane, una mujer divorciada que no ha superado la ruptura y que en una noche loca se convierte en la amante de su ex marido. Éste, a su vez, se encuentra casado con una jovencita, que lleva tatuado un tigre en su espalda.

Las interpretaciones resultan positivas. Alec Baldwin no está mal, mientras que Steve Martin interpreta tan bien como siempre, aunque Meryl Streep y John Krasinski se lucen en todas y cada una de las escenas en las que participan. Da la impresión de que Meryl Streep marca la pauta en todo momento, haciendo reír, llorar o pensar cuando la situación lo requiere.

La dirección corre a cargo de Nancy Meyers. La cineasta y guionista estadounidense se mueve con especial habilidad en el mundo de la comedia otoñal, consiguiendo contar una historia divertida con actores maduros en un momento en el que la vejez no está moda. Les recuerdo algunos títulos como ¿En que piensan la mujeres? (2000), Cuando menos te lo esperas (2003) o la citada No es tan fácil (2009) que reflejan la idea que estamos comentando. La realizadora maneja perfectamente los tiempos, pues consigue mantener un relato cómico de dos horas que no pierde en ningún momento el interés.

Sin embargo, en esta ocasión lo mejor de Nancy Meyers es que nos entretiene, pero separando muy bien el grano de la paja; es decir, distinguiendo claramente las situaciones cómicas del drama que supone para los protagonistas el divorcio. Nos parece interesante el análisis que la autora realiza sobre los matrimonios que no han superado el trauma que supone la separación, pues no frivoliza con el tema y no nos parece un estudio cinematográfico superficial a pesar de tratarse de una comedia. El largometraje expresa la dificultad que deben tener muchas parejas para romper todos los vínculos por los que se han sentido unidos y el cariño que se pueden profesar, si no ha habido un motivo lo suficientemente justificado para la separación.
Por otra parte, los hijos aparecen en la cinta como las personas que disfrutan cuando sus padres se reencuentran o que sufren cuando descubren las dificultades de sus padres para entenderse.

En definitiva, la película nos hace reflexionar sobre uno de los grandes problemas del siglo XX y principios del s.XXI, como es el de la desestructuración de la familia. Además, el título nos parece muy acertado porque le da al tema de fondo el valor que se merece.
(publicado en paginasdigital.es)

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23rd Dic2009

El erizo-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Hace una semana aterrizó en nuestra cartelera El Erizo (2009), una cinta comparada con Amelie (2001) del director francés Jean-Pierre Jeunet. Amelie era más optimista, la película en cuestión nos parece pesimista en alguna de sus ideas.

Cuenta la historia de una niña superdotada que elabora un plan para suicidarse en un corto espacio de tiempo. Esta persona de once años se dedica a filmar todo lo que ocurre en su entorno más cercano, incluido los vecinos de un edificio parisino. Mientras va pasando el tiempo para que Paloma Josse (Garance Le Guillermic) cumpla su objetivo, esta niña tendrá la oportunidad de conocer a Renée Michel (Josiane Balasko), la portera de la comunidad de vecinos, una persona huraña que tras su caparazón esconde una persona con muchas virtudes. Además, la vida de Renée cambiará en el momento en el que conoce a un japonés, que tiene una habilidad extraordinaria para descubrir lo esencial de la persona.

La directora novel Mona Achache adapta una exitosa novela de la escritora Muriel Barbery. El resultado es más o menos aceptable. Sin embargo, resulta poco convincente los pensamientos nihilistas de la niña (parece un repollo con lazo), por muy inteligente que sea. Ese es el principal problema, si no te crees al protagonista principal cuesta trabajo introducirse en la cinta con lo que lo acababas apartándola y centrándote en la otra parte de la historia que se encuentra cargada de interés.

La cineasta francesa reflexiona sobre el modo de alcanzar la felicidad en esta vida, sin ningún planteamiento más allá. Da la impresión de que a la realizadora le preocupa descubrir que las personas son felices durante su existencia. Una preocupación muy similar a la de La Habitación del Hijo (2001), donde Nani Moretti interpretaba a un padre agnóstico que intentaba descubrir si su hijo era feliz antes de sufrir un desgraciado accidente que le sesgó la vida. La escritora del libro en el que se basa la realizadora para hacer la película es filósofa y parece que su modo de ver la vida es existencialista, así como el de la cineasta que lo adapta.

Nos parece de una belleza impecable la relación de amistad y amor que surge entre Renée y Kakuro Ozu. Sobre todo, destacaría la capacidad de Kakuro para descubrir los valores de una persona que se esconde tras una armadura de pinchos. Este una parte del guión que lo resume:»Tiene la elegancia del erizo, por fuera está cubierta de púas, una verdadera fortaleza, pero intuyo que, por dentro, tiene el mismo refinamiento sencillo de los erizos, que son animalillos falsamente indolentes, tremendamente solitarios y terriblemente elegantes.»

Resulta particularmente interesante la propuesta hecha por Mona Achache que sugiere no quedarse con la apariencia, apostando por profundizar en las relaciones para de descubrir la ternura que pueden llegar a poseer algunas personas. Por tanto, esta obra del celuloide proporciona los elementos claves para pensar sobre la banalización de las relaciones y el hedonismo.

Esta reflexión entrecomillada nos parece muy similar a la propuesta por el cuento del diamante que se encuentra escondido tras una serie de capas de cebolla que es necesario intentar apartarlas para descubrir el tesoro escondido o a la conocida historia de La bella y la Bestia. También resulta exquisito y casi poético el modo tan elegante y sencillo que utiliza Kakuro para conquistar a la portera.

Cambiando de tema y finalmente, el largometraje es una crítica de la sociedad burguesa y clasista de la Francia del siglo XX; un canto a la literatura y un toque de atención a la importancia de tener pequeños detalles con los demás.

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19th Dic2009

El baile de la Victoria-Fernando Trueba-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado publicado en www.fantasymundo.com
Cuenta la historia de tres personajes desafortunados en muchos aspectos de su vida. Nicolás Vergara Grey (Ricardo Darín) es un ladrón de guante blanco, que acaba de salir de la cárcel, mientras que Ángel Santiago (Abel Ayala) es un delincuente de poca monta que trata de convencer a Nicolás Vergara Grey para que cometa el robo del siglo a un personaje que se había enriquecido durante la dictadura de Pinochet. Por último nos quedaría hablar de Miranda Bodenhofer (Victoria Ponce), una jovenzuela bailarina, que se quedó muda por un suceso ocurrido en su más tierna infancia.

La dirección corresponde a Fernando Trueba, uno de los grandes directores españoles que ganó un Oscar por su obra Belle Époque (1992). Para serle sincero, El Baile de la Victoria es su mejor trabajo porque consigue que personajes habitantes de ambientes marginales brillen entre tanta oscuridad, marginación y ambientes sórdidos. El guión fue escrito por el dúo Jonás y Fernando Trueba. Nos parece maravilloso el mensaje optimista que los Trueba nos quieren transmitir, un lugar donde los sueños se cumplen. Con el visionado de este largometraje sientes unas ganas locas de leer a Antonio Skármeta, que es el autor de la novela en la que se basa El Baile de la Victoria (2009).Por último, el cineasta se adorna de dos elementos estéticos como el caballo y el ballet, que realzan la historia, convirtiéndola en una obra casi maestra.

En el aspecto interpretativo hay que decir que los actores están fabulosos. Ricardo Darín interpreta a un hombre de una sola mujer, que se desvive por su hijo y que sigue sintiendo algo especial por la madre de su hijo a pesar de los años que ha vivido en la cárcel. Abel Ayala, el actor que más nos gusta y cuya interpretación recuerda a Mario Moreno “Cantinflas”, actúa con una naturalidad pasmosa. Dicho actor transmite valores muy positivos como la alegría, la inocencia o la ilusión por crear una familia con Victoria, una persona que homenajea sus padres a través del baile y la música. La danza sirve a nuestra protagonista para superar un grave trauma de la infancia, mientras que Ángel Santiago, como decíamos, es el vínculo que puede hacer levantar el vuelo al cisne chileno. La actriz y bailarina sudamericana fue descubierta por el realizador español a la primera, sin necesidad de recurrir a un casting. Tan sólo descubrió su talento, viéndola bailar en el Teatro Municipal del ballet nacional de Chile y casi por casualidad.

El final, un tanto abierto, culmina la aventura tan curiosa por la que pasan estos tres poéticos personajes a los que la amistad les ayudará a superar todas las dificultades.

08th Dic2009

Planet 51(sección críticas)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)
Últimamente se está poniendo de moda, dar la vuelta a la tortilla a las historias a las que estamos habituados; es decir, contar un relato desde otro punto de vista. Este es el caso de Planet 51(2009), una coproducción española-británica, pero con un capital humano prácticamente nacional.

Como decíamos, lo que en este largometraje se cuenta, es la historia al revés. En vez de que un extraterrestre invada la tierra, será un ser humano el que visite un planeta repleto de alienígenas.

La dirección corresponde a 3 hombres (Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez) que resultan conocidos en el mundo del videojuego, concretamente, del internacionalmente conocido por el nombre de Commandos, uno de los videojuegos más conseguidos y más exitosos de la factoría española Pyro Studios. Los primerizos cineastas imprimen al largometraje un ritmo trepidante, que no cesa en ningún momento, que incluso impide que se pillen algunos de los chistes u homenajes a otras películas. La lista de guiños a otras producciones es innumerable como a ET, el Extraterrestre (1982); la carrera de vainas de Star Wars: Episodio I. La amenaza Fantasma (1999); Los militares de Encuentros de la Tercera Fase (1977); el bichito de El Vuelo del navegante (1986) junto con otros que seguro que se nos escapan.

Además, esta cinta juega con el cine de serie B norteamericano y con el motor económico que supuso este género cinematográfico tan característico. Todo ello, sin olvidar el fenómeno Ovni que disfrutó de su momento álgido en los años 50. Por cierto, la citada época ha sido caracterizada magníficamente con todo lujo de detalles.

Cambiando de tema, se trata de la producción más cara de la historia del cine, pues ha costado nada más y nada menos que 42 millones de euros y la productora ha conseguido distribuirla en 3500 salas del país de los sueños, que para dar mayor repercusión a su inversión no ha escatimado en gastos, contando para su versión doblada en inglés con un elenco de actores inmejorables como Jessica Biel, Gary Oldman o John Cleese.
Es digno de alabanza que el cine español del último mes haya abandonado momentáneamente la ideología tan sectaria de la que hace gala para dedicarse al cine de palomitas, demostrando que nada tiene que envidiar a la meca del cine. Se puede comprobar que, cuando hay calidad sin politiqueo, la gente aficionada a la gran pantalla no da la espalda a los realizadores españoles.

Por último, hay que reconocer que la cinta en cuestión nos parece divertida. Sin embargo, todavía no posee el transfondo tan humano con el que dota Pixar a sus obras cinematográficas. De todas formas esperamos que mejore en ese aspecto.

Finalmente y desde el punto de vista técnico, nos quedamos con el traje del astronauta y con su mascota, un personaje que hace las delicias de los más pequeños, aunque yo me quedo con la mirada de la alienígena protagonista. ¿Me habré enamorado de una marciana?

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05th Dic2009

Buscando a Eric-Ken Loach(sección críticas)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

En estos días se pueden ver en la cartelera una comedia dura, pero interesante, que carece de la ideología que Ken Loach suele imprimir a sus producciones. Por tanto, no resultará difícil disfrutar del trabajo de un gran director.

Cuenta la historia de un cartero, que camina sin rumbo por la vida. Para dar respuesta a sus problemas entablará relación con su ídolo Eric Cantoná, que será la voz de la conciencia del protagonista.

La interpretación de Steve Evets, un habitual en el cine de Loach, nos parece convincente en cualquier situación a la que se enfrenta. Pensamos que este actor cumple todos los requisitos para dominar el papel, pues es capaz de expresar toda clase de sentimientos con maestría. Por otra parte, el deportista Eric Cantoná no desentona en ninguna escena y los secundarios están sensacionales.

Del cineasta británico merece la pena destacar que ha sido capaz de contar una historia divertida, pero con un marcado carácter de denuncia social.

Por otro lado, sorprenden los profundos diálogos entre Eric Bishop y Cantoná. El mérito fundamental, sin duda, se encuentra en el inseparable guionista y amigo del realizador. Paul Laverty, el guionista, nos ofrece un repertorio interminable de frases para no olvidar, entre la que destacamos una que sugiere que el perdón es la venganza más noble.

También, deben ser tenidas en cuenta las subtramas de la película, nos parece entrañable el intento de reconciliación entre Eric Bishop y su ex mujer o el canto a la amistad de la que hace gala la cinta en todo momento y que se presenta clave en la superación de una depresión por parte del protagonista.

Además, resultaría imperdonable perderse las escenas relacionadas con las caretas de Cantoná que debe ser recordada como una de las mejores de la historia en mi modesta opinión.

Por último y como dato curioso, los aficionados al fútbol podrán disfrutar de los goles marcado por la ex estrella del Manchester United, Eric Cantoná, que fue el que sugirió a Loach una historia con fútbol, aunque el deportista confiesa que no son los goles lo mejor de su carrera, sino el pase de gol que hizo en un partido de la liga inglesa.(publicado en fantasymundo)

28th Nov2009

Un lugar donde quedarse (sección críticas)

by Víctor Alvarado

Publicado en paginasdigital.es(Víctor Alvarado)

Tras el éxito cosechado por Revolutionary Road y con un número exiguo de copias, aterriza Sam Mendes con su nuevo trabajo Un lugar donde quedarse (2009).

La historia gira entorno a una pareja de treintañeros que descubren que van a tener un niño y que se dedican a recorrer Estados Unidos, visitando a sus familias con la idea de que les ayuden a cuidar de su futuro hijo.

El tema de la road movie parece la excusa del director para presentarnos a una serie de familias tipo, que componen a la clase media del país de los sueños. Por tanto, este relato cinematográfico trata de analizar a la sociedad americana desde una óptica crítica, pero más suave y menos ácida que la utilizada en American Beauty (1999) o la citada Revolutionary Road (2008). A todo lo dicho habría que añadir que el resultado final se muestra más esperanzador que en sus anteriores producciones.

La película ofrece acertados diálogos que son dignos de ser comentados. Se puede destacar la conversación del protagonista con el matrimonio que había adoptado niños de diferentes culturas. Este personaje habla de las dificultades de su mujer de treinta años para quedarse embarazada y del drama que le supuso perder a varios niños que llevaba en el útero, mientras que los adolescentes se quedan embarazados con mucha facilidad y no saben lo que hacer con la situación. Razonamiento que me invita a pensar sobre la posibilidad de crear redes que faciliten la adopción o acogida de bebés para las personas que no sean capaces de mantenerlo o barajen la posibilidad del aborto. Una idea que debería se tenida en cuenta en un momento en el que se debate la peligrosa ley de plazos que quiere implantar el gobierno socialista.

Por otro lado y en otra escena, la cinta cuestiona los métodos modernos de educación, que resultan tan nocivos en la educación de los hijos como demuestran las estadísticas. El cineasta cuestiona la eficacia de las pedagogías progresistas frente a los modelos tradicionales.

Cambiando de tema, quizás, el elemento más destacable del largometraje sea la adecuada elección de actores desconocidos para la mayor parte del público, ya que no se convierten en elementos que puedan distraer los pensamientos que el realizador quiere proponer. Llama la atención la pareja protagonista que representa a un tipo de familia que se complementa a la perfección, mientras que Burt (John Krasinski) es el lado idealista de la cinta, Verona (Maya Rudolph) nos ofrece el lado práctico de la vida. Da la impresión de que los personajes, al conocer otras realidades, van madurando. Parece que comprenden que el esfuerzo puede ser la clave de su éxito. Por último, con la presencia de esta pareja con sus cualidades y defectos, el director ha querido expresar su lado más amable y optimista de los habitantes norteamericanos.

Lo menos acertado de Un lugar donde quedarse (2009) podría ser la falta de dinamismo y el ritmo plano de algunas situaciones con respecto a otras. Además, las escenas de cama empañan en cierta medida a esta obra del celuloide porque creo que podrían haber sido rodadas con mayor elegancia.

Por último, para los amantes de la ecología, el film es verde; es decir, que se utilizaron energías renovables, reciclándose muchos productos de la cinta y reduciendo las emisiones de Carbono considerablemente.

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17th Nov2009

Michael Jackson (Sección críticas)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

This is it

Cuando uno piensa en un grande o en un famoso, sea cual sea su profesión, se imagina que va a tratarse de una persona agresiva, prepotente, distante e inaccesible. Sin embargo, con el visionado del documental This is it (2009) sobre Michael Jackson, descubrimos la humanidad del rey del pop. Sorprende comprobar la delicadeza con la que Jackson corregía a sus compañeros de trabajo. La comunicación entre el cantante y los bailarines resultaba fluida. Se desenvolvía con naturalidad con sus colaboradores como si fuera uno más

Además, para este artista, Dios formaba parte de su vida, no renegando en ningún momento de la realidad trascendente del hombre. Una realidad que, en pocas ocasiones, demuestran sus compañeros de profesión, aunque no es la excepción. De sus comentarios se deduce su profundo amor por el ser humano y la naturaleza.

Cambiando del tema, este largometraje deja entrever la dedicación y el esfuerzo que requiere un reportaje de esas dimensiones.

Los que disfruten con los musicales, van a encontrar la construcción de un espectáculo, que bien podría considerarse un musical en toda regla, dada la calidad de los números de baile de este documental y el buen montaje por parte del director. Todo ello, a pesar de recoger, simplemente, una serie de ensayos previos a su gira, que se vio frenada como consecuencia del desgraciado fallecimiento de la estrella.

Por otra parte, se percibe la mano de un especialista en musicales como Kenny Ortega, conocido por las cinta de High School Musical. El cineasta consigue engancharte desde el primer minuto con testimonios de personas que trabajaron con MJ. El realizador es capaz de crear el equilibrio necesario entre los números musicales y los comentarios del mito. El éxito de esta producción ha provocado que se alargue su permanencia en la cartelera, pues, en principio, sólo iba a proyectarse durante dos semanas.

Cualquier aficionado al pop que se precie, no puede quedarse impasible ante el ritmo y las dotes artísticas de este genio. Sorprende el oído musical de Jackson que detectaba la más mínima imperfección. Cuando sales del multicine, puedes sentir unas ganas locas de bailar.

Por último, nos quedamos con el guiño al cine negro que se hizo al recordar el videoclip de Smooth Criminal.

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13th Nov2009

Julie y Julia (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en paginasdigital.es

Tras su excelente trabajo en La duda (2008) del director John Patrick Shanley, Amy Adams y Meryl Streep repiten cartel en Julie y Julia (2009). Una historia que versa sobre el apasionante mundo de la gastronomía.

Las interpretaciones de ambas actrices resultan muy positivas, aunque Meryl Streep se come a cualquier actor que se le acerque. Su actuación puede parecer histriónica, pero el papel lo requiere, dadas las peculiaridades de la personalidad de la auténtica Julia Child, una mujer de un metro noventa y que, entre otras cosas, tenía la voz aguda lo que provocó que fuese imitada en numerosos espectáculos televisivos norteamericanos.

Cuenta una doble historia, basada en hechos reales, en la que dos personas de diferentes épocas luchan por convertirse en unas excelentes cocineras. Julia Child se prepara para ser una importante chef de la cuisine française, mientras que Julie Powell trata de cocinar todas las recetas de la recopilación realizada por Julia Child en un tiempo récord para reflejarlo en un libro, pues piensa convertirse en escritora. Por cierto, las reflexiones de Julie Powell son realmente curiosas.

Entre los valores que encontramos destaca la relación de pareja de ambas mujeres con sus respectivos maridos. Nos parece digno de ser analizado el papel tan importante que juegan los hombres, respaldando las iniciativas tomadas por Julie y Julia. Aparecen como héroes a la sombra de sus lanzadas mujeres. Por otra parte, la química interpretativa de las parejas funciona a la perfección en la pantalla.

También, la cinta deja meridianamente claro el tema del esfuerzo para conseguir lo que uno se proponga en la vida. Esta reflexión se podría trasladar al ámbito educativo porque los países que invierten en este valor consiguen que sus alumnos obtengan mejores resultados académicos que los estados que, como el nuestro, renuncian a ello.

Además, dicho largometraje supone un empujoncito a las personas que cocinamos, puesto que nos anima a que conquistemos corazones preparando una ristra interminable de recetas. Por último, habría que decir que la cineasta pretende y consigue despertar los estómagos más insensibles con presentaciones sencillas de exquisitos platos. Por tanto, aplaudimos el homenaje que Nora Ephron hace a la cultura gastronómica de la que tanto puede opinar España.

En contraposición con lo positivo, la cineasta Nora Ephron, autora de un clásico moderno como Algo para recordar (1993) y de Tienes un e-m@il(1998), ofrece un convencional relato que no pasará a la historia como una obra maestra, sin embargo, entretiene y sus pequeñas dosis de humor blanco sirven para desengrasar las escenas de mayor peso dramático. La producción de la realizadora estadounidense está llena de altibajos y el ritmo nos parece irregular. Por momentos da la impresión de estar viendo dos mediometrajes, troceados por un montador poco habilidoso.

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08th Nov2009

(500)días juntos (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Para los que estén hartos de comedias románticas, que abusan del humor burdo y que terminan siempre igual, (500) días juntos (2009) se presenta como algo completamente distinto, fresco y dinámico porque, además de divertir, ofrece un estudio certero sobre las distintas etapas por las que pasa por una relación sentimental entre un hombre y una mujer. En definitiva, se trata de una crítica de los dos extremos que nos podemos encontrar en una relación de pareja sin caer en tópicos.

Este largometraje permite el debut cinematográfico de Marc Webb como realizador. El cineasta analiza el comportamiento del ser humano en relación con el sexo opuesto a la perfección, siendo capaz de explicar acertadamente el proceso por el que pasa una pareja, desde los bonitos inicios, pasando por los momentos álgidos, hasta llegar a la ruptura junto con el momento en el que el hombre se recupera de una situación dolorosa.

Cambiando de tema, la historia nos parece equilibrada, pues combina con gran habilidad la comedia y el drama. En determinados momentos, el dibujo animado aparece para explicar los estados de ánimo del protagonista, mientras que, en otras situaciones, son los guiños cinematográficos, los que hacen acto de presencia. De todos ellos, nos quedamos con el gracioso y original guiño a El séptimo sello (1957) de Ingmar Bergman, donde un ángel le gana la batalla a la muerte en la conocidísima partida de ajedrez.

Por último, la banda sonora es magnífica como todas las que pertenecen al cine independiente, que derrocha litros de calidad. Y es que el cine Indie está proporcionando cintas muy bien rodadas con argumentos profundos como el de la defensa de la vida en Juno (2007) o el de la familia en Pequeña Miss Sunshine(2006).

Las interpretaciones resultan convincentes. Zooey Deschanel muestra su talento de origen familiar, puesto que proviene de una saga de artistas. Sus gestos y su mirada aportan detalles al espectador de lo que piensa un personaje que representa a los jóvenes que presentan dificultades para comprometerse con algo o con alguien, aunque hay que reconocer su sinceridad, ya que lo deja claro desde un principio. Por otra parte, el actor Joseph Gordon-Levitt en declaraciones a fotogramas dijo lo siguiente:” No busca ser graciosa, aunque hace reír. Es una película divertida en la que uno se ve reflejado porque a todos nos han roto el corazón alguna vez. Ves personajes y ríes, pero de forma catártica, expiatoria ¡Y eso sienta tan bien!”

Además, nos habla de la necesidad de aclarar las ideas; de curar las heridas y de no iniciar una relación hasta que no hayas superado la etapa anterior de tu vida. Para terminar, el final de la cinta es esperanzador porque rompe con el mito de estar destinado a una persona, hablando de la posibilidad de crearte tu propio futuro.(publicado en fantasymundo)

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03rd Nov2009

Mi vecino Totoro (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Articulo publicado en www.paginasdigital.es

Aunque, seguramente, el duelo taquillero entre los reestrenos de Toy story 3D(1995) y Mi vecino Totoro lo gane John Lasseter, no debemos despreciar el excelente trabajo de Hayao Miyazaki en Mi Vecino Totoro (1988). Si el primero es un canto a la amistad, el segundo lo es a la familia.

Esta película se estrenó en 1988.Sin embargo, intuimos que, tras el éxito de Ponyo en el acantilado (2008) y por el boom del cine manga, la distribuidora ha decidido relanzar este trabajo del director japonés en el que se ofrecen grandes destellos de calidad. Una obra del celuloide por la que parece que no ha pasado el tiempo. Sobre todo, si tenemos en cuenta los rudimentarios sistemas de animación de la época, comparándolos con los actuales. Observamos un resultado muy positivo y la calidad del dibujo nos parece sobresaliente.

La historia se construye con una familia formada por cuatro miembros. La madre de Mei y Satsuko, se encuentra enferma en un hospital. Por tanto, el marido se encarga de la educación de las dos niñas, a las que les cuenta historias de seres fantásticos. La curiosidad de Mei y Satsuko les lleva a perseguir a unos peculiares seres que les conducirán a un bosque, donde habita un monstruo dormilón que se llama Totoro. La felicidad inunda a la familia hasta que reciben un mensaje del sanatorio, que pondrá a todos en alerta.

Esta obra cinematográfica se ambienta en un poblado del Japón de los años 50. A grandes trazos, el autor explica el modo de vida de esa sociedad rural humilde y solidaria, representado en el personaje de la anciana, que hace las veces de madre cuando la situación lo requiere.

Lo más destacable de la cinta es el valor que el cineasta concede a la familia. Para ello se sirve del personaje de Totoro como vehículo para contar una historia familiar. El autor japonés ha sabido reflejar el valor de la familia con gran claridad de ideas que, a pesar de sus diferencias culturales, mantiene la esencia en cualquier sociedad del mundo. Por otra parte, explica que el sentido de familia se demuestra ante la adversidad, donde las posibles diferencias o distanciamientos se liman en favor del bien común. Este largometraje sugiere que los grupos familiares no se rigen por meros intereses económicos, sino que el motor que los mueve es el amor. Los diálogos se presentan como la pieza clave. No nos calientan la cabeza con interminables parrafadas, sino que utiliza un lenguaje sencillo y, como buen realizador, las imágenes completan el resto. Ahora les presentamos dos escenas que nos ayudan a comprender todo lo comentado:

En primer lugar, nos parece particularmente interesante la escena del tradicional baño japonés que, según hemos visto en otras producciones sobre esa cultura, resulta fundamental para la comunicación del japonés.

La segunda escena en la que las niñas se enteran de una noticia sobre su madre. Está perfectamente creada, siendo probable que algún espectador se llegue a emocionar. Los hechos narrados rememoran un episodio de la vida del cineasta japonés.

Además, la defensa de la naturaleza, como no podía ser de otra manera en la filmografía de Miyazaki, aparece como un punto importante en este largometraje, rozando la trascendencia.

Por otra parte y para finalizar, el realizador, en esta ocasión, utiliza a los personajes fantásticos en su justa medida, ocupando un papel secundario dentro del relato. Totoro aparece como un personaje entrañable, mientras que el gatobus parece original y divertido.

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26th Oct2009

New York, I love (www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Nunca he sido un seguidor acérrimo de largometrajes que se construyen mediante pequeñas historias, que se entrelazan sin tener que ver las unas con las otras. Sin embargo, el resultado global de esta cinta roza el notable. El montaje final está muy conseguido porque las mejores historias se combinan con otras de inferior calidad. Las excelentes transiciones con una banda sonora muy pegadiza completan el producto final. New york, I love you (2009) es el segundo episodio de la serie Cities of Love, que continúa la línea seguida por Paris, je t’aime ( 2006).

Esta cinta ha reunido a 11 directores, utilizan distintos estilos narrativos, todo ello aderezado con la flor y nata de la interpretación entre los que destacan Natalie Portman, Andy García, Julie Christie o Ethan Hawke entre otros. El sistema de rodaje es realmente curioso, ya que cada una de ellas debía rodarse en un barrio de las ciudad de los sueños y las transiciones no podía acabar con fundidos en negro. Además, para el rodaje de cada uno de los relatos, los cineastas solo disponían de dos días y dos noches para grabar cada uno de los episodios. Las historias giran entorno a la ciudad de Nueva York, donde se entrecruzan la vida de parejas de diferente nacionalidad, cultura, edad y forma de pensar.

Desde el punto de vista sociológico, la cinta analiza a la sociedad, presentando situaciones que tienen que ver con las vida misma y algunas de ellas son realmente interesantes como veremos de inmediato.

La más divertida, sin duda, es el episodio dirigido por Brett Ratner en la que un chico adolescente se “compromete a salir “ con una chica, que va en silla de ruedas. Una historia tratada con gran sentido del humor y con un giro final verdaderamente sorprendente.

En segundo lugar, la situación rodada por Shunji Iwai es un canto a la literatura. Cuenta la vida de un compositor falto de inspiración, que recibe la ayuda de la secretaria de su jefe. Fiódor Dostoievski y su libro El jugador aparecen como la pieza clave para entender el desenlace.
Por otra parte, el episodio de Shekhar Kapur narra la vida de una soprano, que tendrá un curioso encuentro con un particular mayordomo. Habría que decir que por primera vez en su carrera, Shia LaBeouf interpreta al nivel de una grande como Julie Christie. El encuentro entre la cantante y su improvisado sirviente es pura poesía. En este drama se percibe la mano de un cineasta oriental. La escena explica cual debe ser el camino para conquistar a una dama de la forma más elegante. También demuestra que Dios , en ocasiones, interviene en el planeta tierra, colocando “ángeles” que pueden salvarnos la vida. Por último, demuestra que los milagros son posibles.

Finalmente, lo mejor lo dejamos para el final, puesto que el realizador Joshua Marston nos regala una pieza de gran belleza en la que participan Eli Wallach y Cloris Leachman, que los encontramos simpatiquísimos. El barrio de la gran manzana en el que se relata la historia con el mar de fondo completan su conjunto. Habla de un pareja de ancianos, que celebran su 63º aniversario, mientras pasean por las calles de Nueva York. En nuestra modesta opinión, Joshua Marston es el que mejor analiza las relaciones humanas. El vínculo existente entre los abuelillos nos parece entrañable. Conmueve el modo con el que se miran. Sobre todo llama la atención la forma en el que uno se apoya en el otro, siendo un ejemplo para los matrimonios que sufren algún tipo de crisis, ahora que nada más se habla de fracasos matrimoniales. En definitiva, este último capítulo de New York, I love you (2009) daría para un cine forum sobre la familia.

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20th Oct2009

Slumdog millonaire (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en www.cope.es y www paginasdigital.es (22-03-09)

El cine políticamente incorrecto tiene una parte de su cuota en el cine independiente americano. Prueba de ello han sido las dos cintas indies nominadas en las anteriores ediciones de los Oscar, como Pequeña miss sunshine, una apuesta por la familia, o Juno (2007), una apuesta por la vida. Este año se ha corrido igual suerte porque Slumdog Millonaire ha recibido, nada más y nada menos, que 10 nominaciones a los Oscar, de los que ha obtenido ocho.

El argumento gira en torno al popular concurso de televisión Quiere ser millonario, en el que Jamal, un chico indio de la calle, se encuentra con la posibilidad de ganar 20 millones de rupias. Sin embargo, cuando está a punto de conseguir el premio, es secuestrado por la policía, puesto que se sospecha que alguien le había filtrado las respuestas, pero no hay truco, cada uno de sus aciertos tiene que ver con cada una de las terribles experiencias de su vida.

Con un formato original y muy cercano al publicitario, Danny Boyle nos sorprende, contándonos una historia en la que convierte en protagonista a una persona que en circunstancias normales pasaría totalmente desapercibida. El relato presenta situaciones muy duras, que explican la triste realidad de la India. Un país lleno de contrastes, que poco a poco va emergiendo, pero que todavía vive situaciones de extrema pobreza. Por tanto, la cinta debe ser considerada un drama, aderezado con buenas dosis de humor propias del guionista de Full Monty (1997), Simon Beaufoy, que fue la persona encargada de adaptar la novela de Vikar Swarup en la que está basada la película.

Por otra parte, destacan los personajes universales, sabiamente creados por Boyle, por el modo que tienen de entender la vida. Esta idea no es la primera vez que el realizador británico la plantea, pues en su producción Millones (2004) hizo algo parecido. Jamal, bien interpretado por Dev Patel, representa a una persona desprendida, inocente, sincera, coherente con su vida y capaz de trabajarse hasta límites insospechados a la persona a la que considera el amor de su vida. ¿Conquistará a la chica o no la conquistará? Ésa es la cuestión.

En cambio, su hermano Salim (Madhur Mittal) aparece como una persona materialista, que siempre que puede aprovecha el momento de hacer negocios. La interpretación de Feida Pinto es espléndida a pesar de su sobriedad.

En general, los actores están muy convincentes en todas sus etapas. Como dato curioso, Azharuddin Mohammed Ismail como Salim y Rubiana Ali como Latika, los intérpretes infantiles, fueron encontrados en los barrios marginales de la ciudad y se les llegó a escolarizar.

Tampoco pasa inadvertido el guiño del largometraje a la novela de Alejandro Dumas Los tres mosqueteros. «Todos para uno y uno para todos» es el célebre lema que circunda a lo largo de toda la producción cinematográfica. Sin duda, se muestra como la pieza esencial en el engranaje del guión y sirve para destacar el poderoso vínculo que une a los protagonistas.

Además, es digna de ser analizada la idea de que un director católico como Boyle entre el destino y la trascendencia. El concepto de que todo está predestinado frente a la posibilidad de darle la vuelta a la vida con tu esfuerzo y con la ayuda de Dios, que te da libertad para decidir. Por otro lado, el largometraje resalta la felicidad con la que los más necesitados afrontan los problemas frente a las sociedades occidentales, donde nos venimos abajo con el menor contratiempo que surge en nuestras vidas.

En definitiva, nos encontramos un excelente drama con todos los ingredientes para disfrutar en familia, vibrando con una banda sonora muy pegadiza de ritmos orientales al estilo Bollywood, que se rodó con las manejables cámaras digitales SI-2K para no modificar ni manipular los marginales ambientes de la India.

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16th Oct2009

Katyn (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en www.fantasymundo.com

Tras muchos años de silencio, el polaco Andrzej Wajda se ha atrevido a contar por primera vez un hecho que permaneció oculto hasta la caída del muro de Berlín. Un largometraje que optó al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa en el 2008.

Este largometraje histórico narra el genocidio cometido por los soviéticos en Katyn al principio de la Segunda Guerra Mundial. Las fosas comunes, donde se encontraban los cuerpos, fueron descubiertas en el año 1943 por los nazis. Sin embargo, al terminar el conflicto bélico, los miembros del partido comunista ruso, dada la importancia que tuvieron en alcanzar la victoria en 1945 y el gran poder político internacional que aglutinaban, consiguieron hacer creer a la opinión pública que ellos no había intervenido en esos crímenes de unos 20000 oficiales polacos, descargándose de toda responsabilidad acusaron a los alemanes.

El reparto lo componen un grupo de actores desconocidos en España entre los que destacan Andrzej Chyra y Maja Ostaszewska. La actriz protagonista representa a la lucha de una mujer, que busca desesperadamente a su marido y que no se rendirá hasta estar segura de que su marido murió en Katyn. En definitiva permite reflexionar sobre la incertidumbre y la ansiedad que genera una situación extrema, sobre todo, si perdura en el tiempo.

La dirección corresponde al ya citado, conocido por trabajos como Cenizas y diamantes (1958), dijo lo siguiente en declaraciones a Fotogramas: “Nunca pensé que viviría para ver la caída de la URSS o que la libertad de Polonia me daría la oportunidad de tratar en la pantalla el crimen y la mentira de Katyn”. Por tanto, el cineasta ha querido homenajear a su padre, Jakub Wajda, un capitán del 27 Regimiento de infantería polaco tristemente desaparecido y, a su madre, que sufrió una espera interminable.

La realización del film deja grandes destellos de calidad, puesto que se podía haber quedado en un drama televisivo y no es el caso. En ocasiones, su dureza puede remover el alma del espectador. La película es un documento esencial para comprender un suceso de la historia de Polonia junto con libros como Paracuellos-Katyn del historiador César Vidal. Las imágenes de archivo completan un relato cinematográfico contado con gran realismo. La ambientación resulta magnífica, pues refleja a la perfección el pensamiento de la sociedad polaca con sus tradiciones. Por esa razón deja lugar a la trascendencia porque de todos es conocida la formación espiritual de los polacos. Un pueblo de profundas raíces católicas como se puede observar en el transcurso de la cinta, donde los creyentes rezan el rosario en momentos de máxima tensión.

Cambiando de tema, la producción nos parece equilibrada por el modo en que el director ha repartido los papeles. Demuestra que no guarda rencor a un hecho ocurrido 70 años atrás, sino que simplemente quiere que se conozca la verdad de un asesinato masivo, que no respetó ningún acuerdo internacional. Su denuncia da la impresión que se centra en críticas a las autoridades rusas que respaldaron esas tremendas actuaciones de las que no se sabe mucho.

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09th Oct2009

The Damned United ( publicado en www.paginasdigital.es)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Como no podría ser de otra manera y siguiendo la tónica de todos los años, el cine británico nos regala una pequeña joya, que no ha sido distribuida con demasiadas copias en España. Nos estamos refiriendo a The Damned United.

Se trata de un biopic sobre el entrenador Brian Clough. Por un lado, relata los 44 días que estuvo trabajando como manager del Leeds United y la rivalidad con el anterior entrenador del citado equipo. Por otro lado, la cinta utiliza el flashback para explicar la trayectoria profesional que le llevaría a fichar por uno de los más grandes equipos del fútbol inglés.

El papel protagonista corre a cargo de Michael Sheen, el rey Midas de la interpretación porque todo lo que toca lo convierte en oro. Pues posee una especial habilidad para participar en producciones de bastante éxito. Colaboró en la película Elizabeth I (2005) y en El desafio.Frost contra Nixon (2008), donde bordaba todas y cada una de las escenas en las que participaba al igual que en The Damned United (2009). También merece la pena destacar el papel del actor Timothy Spall, que, además, es un clásico del cine británico actual. Representa al ojeador que acompañaba a dicho entrenador.

La dirección corresponde a Tom Hooper, conocido por su trabajo en la miniserie John Adams y, sobre todo, por Elizabeth I (2005). En palabras del cineasta este largometraje no es una producción sobre el fútbol, sino que se centra en la arrolladora personalidad de Brian Clough. Esta obra del celuloide está bastante cuidada. Se percibe que la novela de David Peace ha sido perfectamente adaptada por parte del guionista Peter Morgan.

Esta obra cinematográfica habla de un personaje demasiado sincero, pero con principios éticos y morales notables, que deja hueco a la trascendencia, enfrentándose al poder fáctico el entrenador Don Revie.

Además, profundiza sobre el peligro de la fama cuando no se administra adecuadamente o de olvidarse los bastones en los que se sustenta el éxito. Esta historia, basada en hechos reales, deja entrever que se puede aprender de los propios errores y que hay que reconocer el mérito de las personas, que nos hacen prosperar en la vida.

Por otra parte, el largometraje ayuda a reconocer la nobleza de una persona con capacidad de arrepentirse de sus fallos y para tomar medidas para que ese problema no vuelva a repetirse.

Analizando el tema de la amistad, nos damos cuenta de que el realizador ha explicado magníficamente el vacío que te puede provocar un amigo que desaparece de tu vida, aunque lo haga temporalmente.

¿Y los aficionados al deporte pueden encontrarse a gusto con el visionado de la cinta? Pues si, les puede ayudar a comprender la importancia de tener un criterio firme y un estilo definido para poder triunfar. Por supuesto, propone que no todo vale en materia deportiva. En definitiva, reflexiona sobre el juego limpio en el deporte.

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07th Oct2009

El secreto de sus ojos (publicado en www.fantasymundo.com)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Uno de los directores más importantes del cine argentino regresa con la película El secreto de sus ojos (2009), aunque con matices distintos a los habituales.

Y es que Juan José Campanella nos tiene acostumbrados a historias de amor y nostalgia. Dicho trabajo conserva estos dos elementos, pero añadiendo la chispa de la intriga como elemento conductor para convertirlo en un producto diferente.

La historia gira entorno a un abogado y a una funcionaria judicial, que trabajan en un caso y que tratan de recuperar una relación muy peculiar que mantuvieron durante un periodo de tiempo varios años atrás, mientras se ayudaban mutuamente a resolver un proceso que les trajo de cabeza.

Los actores trabajan extraordinariamente bien. El Tándem compuesto por Ricardo Darín y Soledad Villamil funciona a la perfección, existiendo una química razonablemente positiva. La interpretación roza la naturalidad absoluta. Darín se come literalmente la pantalla con su participación. La actriz Villamil actúa con gran sencillez y con gran economía de gestos. Tampoco nos podemos olvidar del actor Guillermo Francella, que resulta simpatiquísimo. Además, su personaje es el más interesante de la cinta. Un papel por el que pelearon Francella y Darín.

A nuestro juicio, se trata de una de las mejores producciones de Juan José Campanella, sacando petróleo de los actores. Se ha basado en una novela de Eduardo Sacheri, ambientada en los años 70. Por tanto es la primera vez que adapta una obra literaria. Demuestra ser un maestro, manejando los hilos de este thriller romántico, ensamblando con extraordinaria habilidad el drama con la intriga, que anima un largometraje, que adolece de ritmo en determinados momentos.

Por otra parte, las escenas de amor han sido rodadas con la elegancia propia del cine clásico. Sin embargo, probablemente lo más destacable del largometraje sea el personaje del actor Guillermo Francella, puesto que el director ha sabido destacar en él la lealtad en grado máximo. Pero para comprenderlo tienen que ver El secreto de sus ojos (2009) porque esta cinta demuestra lo que puede hacer un amigo sincero por otro.

Finalmente y como dato curioso, la hermana de Campanella, al trabajar en el Tribunal Supremo de Buenos Aires, consiguió los permisos para rodar. Se taparon las pantallas de ordenador con montañas de expedientes con el fin de ambientar las instalaciones y que todo pareciera de los 70.

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