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25th Feb2010

Shutter Island-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado(publicado en el diarioya.com)

El cine de intriga de los últimos años ha puesto de moda historias con giros inesperados. Los máximos exponentes de este género tan peculiar son M. Night Shyamalan y Alejandro Amenábar. En esta ocasión, Martin Scorsese se atreve con Shutter Island, basada en una novela de Dennis Lehane.

El relato gira alrededor del agente del gobierno Teddy Daniels, que investiga la misteriosa desaparición de un paciente de Shutter Island, un centro psiquiátrico de máxima seguridad.

En el capítulo interpretativo habría que destacar a un auténtico genio como es Leonardo DiCaprio, cuya interpretación nos parece portentosa y llena de matices. Por otra parte, la relación existente entre DiCaprio y Scorsese es excelente, pues, a pesar de la diferencia generacional comparten una sensibilidad parecida. El director saca lo mejor del actor, siendo la cuarta vez que trabajan juntos. Anteriormente, los citados artistas formaron un tándem imparable en Gangs of New York (2002), El aviador (2004) e Infiltrados (2006).

El realizador estadounidense cuenta una historia interesante que podría haber sido sobresaliente, ya que, en mi modesta opinión, el misterio se desvela demasiado pronto, si se posee cierta capacidad deductiva y se ha visto mucho cine policiaco. Además, tenemos la impresión de que no ha conseguido generar la tensión suficiente. Sin embargo, un espectador poco experimentado disfrutará y sufrirá con el visionado de la cinta. Este largometraje bebe de las fuentes del cine clásico porque el cineasta recomendó a su equipo de producción que viesen cintas de serie B como Isle of Dead (Mark Robson, 1945), The seven victim (Robson, 1943) y The haunting (Robert Wise,1963). No obstante, se pueden destacar los guiños a las cintas de Alfred Hitchcock.

Cambiando de tema, la virtud principal de esta obra cinematográfica se encuentra en que, aunque tengas claro el desenlace del largometraje, logra que no dejes de pensar e intentes buscar otras posibles soluciones.

Finalmente, la producción apunta muy de pasada dos temas interesantes. El primero de ellos sobre los conflictos éticos de la ciencia, que están resueltos con sentido común, dejando claro que existen prácticas más humanas que otras como refleja el interesante papel de Ben Kingsley. El segundo de ellos permite reflexionar sobre una de las causas del ateismo en la sociedad actual como consecuencia del holocausto nazi y los crímenes de guerra que han generado tanta desesperanza en el siglo XX.

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20th Feb2010

El Solista-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

En esta ocasión, Joe Wright nos presenta una cinta repleta de contrastes en su primera aportación al cine estadounidense.

Cuenta una historia, basada en hechos reales, sobre el descubrimiento de un talento musical por parte de un consolidado columnista norteamericano de un prestigioso medio de comunicación. El protagonista de gran talento artístico tiene el hándicap de la esquizofrenia.

La interpretación de Robert Downey Jr. pasa desapercibida. Sin embargo, la actuación de Jamie Foxx, ganador de un Óscar por Ray (2004), nos parece notable. Por cierto, Mr. Foxx perdió once kilos para preparar un papel, que obtuvo por la renuncia de Will Smith, que había sido escogido en un primer lugar.

En lo referente a la dirección habría que decir que Joe Wright se había convertido en un gran contador de historias ambientadas en otras épocas como Orgullo y prejuicio (2005) o Expiación, más allá de la pasión (2007), aunque ahora parece que se quiere centrar en este relato urbano, que combina elementos muy negativos con otros más favorables. Por decirlo de otra manera, los valores de la película salvan el resultado final.

La narración presenta un ritmo irregular, pues ofrece pequeños momentos de gran belleza con otros realmente soporíferos y de gran aridez, que parece pensado con la intención de no idealizar a la persona como por ejemplo se hizo con el apreciado personaje de Rain Man. Da la impresión de que el director ha querido imprimir gran realismo a la terrible enfermedad de la esquizofrenia, no elevando al enfermo a los altares como se ha hecho en la mayoría de las producciones cinematográficas más conocidas que tratan dicha enfermedad como la citada Rain Man (1988) o Una mente maravillosa(2001).

Los momentos sombríos y agrios de la enfermedad son de larga duración, pero resultan necesarios para la compresión de la esquizofrenia.

Como elemento interesante, se produce un efecto muy especial cada vez que la música suena, pues se enciende una chispa gratificante que ilumina esas escenas, consiguiendo que olvides lo menos agradable del film.

Lo más destacable de esta obra del celuloide de difícil visionado, se encuentra en la relación que establecen los protagonistas. La amistad se convierte en la pieza clave como elemento que lo purifica todo. Esa es otro de los detalles de El solista (2009). El cineasta expresa con cierta habilidad como se puede entablar una relación que se irá convirtiendo en una relación entrañable, sugiriendo la necesidad de respetar la libertad de las personas, aunque ello suponga no poder ayudarle. También explica la diferencia entre ver los toros desde la barrera o implicarse en un determinado problema. Por otro lado, el tema de la trascendencia queda patente en los secundarios, que perciben en el don de Nathaniel un regalo divino. Por último, la producción nos permite que reflexionemos sobre la importancia de la prensa como el medio para denunciar las injusticias que no protegen la dignidad de la persona.

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13th Feb2010

La carretera-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Normalmente, las películas que basan sus historias en novelas suelen tomarse bastantes licencias a la hora de reproducir lo que el escritor pretende contar en esos textos. Este largometraje puede ser la excepción, pues el director adapta casi milimétricamente esta obra literaria del ganador de un premio Pulitzer Cormac McCarthy.

Cuenta la historia de un hombre y su hijo que, en una zona desolada de los Estados Unidos, luchan por sobrevivir, enfrentándose a individuos que viven fuera de la ley y que practican el canibalismo.

En lo referente a las interpretaciones, habría que destacar el interesante papel de Viggo Mortensen, que dijo que le gustaba la película porque, en una situación extrema, sólo queda la elección de ser bueno o ser malo con sus semejantes. Tanto en el libro como en la cinta nos presentan una frase que puede ayudarnos a entender al personaje: «…viendo como la cenicienta luz del día cuajada sobre el terreno. Sólo sabía que el niño era su garantía. Y dijo: Si él no es la palabra de Dios, Dios no ha hablado nunca». La interpretación de Mortensen resulta convincente, al igual que la del niño de 11 años, Kodi Smit-Mcphee, que aparece como el referente moral de la cinta.

Por otra parte, John HillCoat, autor de La propuesta (2005), realiza una notable adaptación de un escritor como Cormac McCarthy, que defiende valores absolutos como la vida, la familia o la búsqueda de Dios y que, por tanto, está en contra del relativismo moral propio del postmodernismo. El realizador australiano nos presenta un drama apocalíptico, mezclando algunas escenas duras con otras de extraordinaria belleza, como el nacimiento de un niño y diálogos para hacer pensar, como uno que básicamente dice lo siguiente:

Hijo: ¿Qué harías si yo muriera?

Padre: Si tú murieras, yo también querría morirme.

Hijo: ¿Para poder estar conmigo?

Padre: Sí, para poder estar contigo.

Hijo: Vale.

Además, el final me parece interesante y esperanzador porque explica, entre otras cosas, algunas de las actuaciones de un padre en una situación límite para preparar a su hijo para lo que se avecinaba.

En contraposición con lo positivo, el ritmo de la película es demasiado pausado y los ambientes son muy sórdidos. También nos podemos encontrar escenas de cierta crueldad, que son criticadas por los pensamientos del niño, que trasmite la humanidad de la que aparentemente carece el padre de la criatura.

Finalmente, los aficionados a los grandes largometrajes apocalípticos se van a encontrar con una producción que se centra más en el drama de los personajes (se podría haber sacado más producto) que en escenas de una gran espectacularidad. Por cierto, y como dato curioso, el equipo de producción exploró más de cincuenta localizaciones entre las que destacan el lago Erie, las áreas de Lusiana afectados por el Katrina y varios terrenos de Oregón, que han sido captados fotográficamente por la sabia mano de Javier Aguirresarobe.

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06th Feb2010

Invictus-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Los que desconozcan la historia de Sudáfrica, puede que tengan dificultades para entender el significado de esta obra cinematográfica del norteamericano Clint Eastwood.

El apartheid fue una medida política que separaba a los negros de los blancos de ese país. Por tanto, se trataba de un tipo de gobierno racista que elaboraba leyes como estas dos que pueden servirnos de ejemplo:

1) Es ilegal para una persona blanca y una persona no blanca sentarse juntos en un salón de té, a menos que se haya obtenido un permiso especial
2) Excepto si se ha obtenido un permiso especial, un profesor africano comete un delito criminal si acude a dar una conferencia por invitación de un club blanco.

Una vez aclarado ese punto, la historia en cuestión es bastante sencilla, pues nos desgrana la estrategia política utilizada por Nelson Mandela antes y durante el desarrollo del campeonato de rugby, que se celebró en el citado país africano.

La idea del largometraje, que se basa en la novela de John Carlin, llamada El factor humano, partió del actor Morgan Freeman, que presenta un sorprendente parecido con el líder político. Su interpretación resulta espléndida, aunque la de Matt Damon tampoco se queda corta y su interpretación se encuentra repleta de matices, pero sin estridencias.

De todas formar, los aspectos más llamativos de la cinta se encuentran en los valores que se desprenden del visionado de esta notable obra del celuloide como la capacidad de perdón de un preso político que más tiempo ha estado privado de libertad y que, como demuestran sus escritos, no perdió la fe. Una idea que da pie para recordar la conversión espiritual de Clint Eastwood, que intuimos por el grado de optimismo y esperanza de sus anteriores producciones [Gran Torino (2009) y El intercambio (2008)] lo que se confirma con el guiño a la misionera Helen Lieberman en una de las escenas.

También, el cineasta destaca el valor de un hombre como el capitán Francois Pienaar, que quiere ser un ejemplo para la sociedad y para su equipo.

Además, el largometraje destaca el patriotismo en el sentido más democrático y más positivo del término porque fue utilizado para unir a una nación partida en dos. Un elemento del que debían de tomar buena nota alguno de nuestros políticos. Nelson Mandela (“El futuro no se construye sin la persistencia del clamor por la justicia, pero tampoco con el rencor”) fue un político bondadoso y generoso, que con astucia, supo sacrificar su ideología para buscar el bien común y gobernar a los 43 millones de habitantes que vivían en Sudáfrica. Por tanto, es un hombre que no le gustaba delegar en otros, considerando que las decisiones importantes deben correr a cargo del líder, que no debe tener miedo a las encuestas, sino que tiene que ser valiente a la hora de decidir aún corriendo el riesgo de perder las siguientes elecciones. No obstante, nos presentan a un político demasiado idealizado, esperemos que estén en los cierto.

En contraposición con lo positivo habría que decir que las escenas deportivas no están rodadas con elegancia, no permitiéndonos disfrutar de la belleza de uno de los deportes más bonitos que existen. Se suele decir y coincido plenamente que el rugby es un deporte de bestias, jugado por caballeros, a diferencia del fútbol que es un deporte de caballeros, jugado por bestias. La clave para que hubiesen funcionado esas escenas habría sido el uso de planos más largos.

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30th Ene2010

Amerrika-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Cherien Dabis, autora de varios cortos y guionista de la serie L, nos presenta su ópera prima, que pretende contar como se sintieron los árabes-americanos tras el 11S, pues no eran lo suficientemente estadounidenses para los estadounidenses, ni suficientemente árabes para los árabes, tal y como declaró la cineasta a la revista Fotogramas.

Cuenta la historia de Muna y su hijo que viajan al país de los sueños para encontrar una vida mejor en compañía de sus seres queridos.

En lo referente a las interpretaciones habría que decir que resultan inmejorables, aunque yo destacaría el de la actriz Nissreen Faour, ya que refleja con habilidad la problemática de una persona que no comprende el miedo de la gente hacia ella como consecuencia de los atentados de Nueva York. Curiosamente, el actor Melkar Muallem posee cierto parecido con el jugador de baloncesto Ricky Rubio.

La cinta explica el otro punto de vista de la lucha de poder de medio oriente y sus alrededores frente a la cultura occidental. Los protagonistas expresan la dificultad para adaptarse en un lugar donde algunas personas le dan la espalda, mientras otras les aceptan. Por tanto, los desencuentros, que se producen, son consecuencia de un conflicto bélico y no como un choque de razas o culturas.

En definitiva, la realizadora consigue relatarnos, con un ritmo lento y pausado para facilitar la reflexión, una realidad desde una óptica muy humana, muy familiar, explicando que todos somos personas que sufrimos, reímos y nos enfadamos. Además deja claro que no todos los árabes son favorables o están de acuerdo con las posturas más radicales del islamismo.

Por otra parte, el largometraje se posiciona muy escorado hacia el lado palestino y profundiza sólo en esa parte del conflicto judeo-palestino. No capta la versión israelí que es víctima de innumerables atentados terroristas y que reciben presiones de toda la comunidad musulmana que les rodea. También se cuestiona la construcción del muro, cuando, según los expertos en geoestrategia, se ha reducido de manera considerable el número de agresiones. Llama la atención la escena del aeropuerto, donde los protagonistas se reconocen palestinos que vivían en el estado de Israel, un problema que se solucionaría con la creación del estado Palestino.

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23rd Ene2010

Sherlock Holmes-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Los aficionados a las novelas de Arthur Conan Doyle están de suerte porque hace una semana llegó a las pantallas Sherlock Holmes (2009) de la mano de Guy Richie. Un cineasta de producciones muy comerciales como Snatch: cerdos y diamantes (2000) o Rocknrolla (2008). Sin embargo y a pesar de que el novio de Madonna sea el director, esta cinta posee más aspectos interesantes que negativos.

La película en cuestión narra las aventuras y desventuras del famoso detective británico y su inseparable compañero el doctor Watson, que se enfrentarán al maléfico Lord Blackwood, que planea hacerse con el poder con el apoyo de una secta satánico-masónica.

El acierto de este largometraje es que el realizador consigue contar una historia de intriga, imprimiéndole un ritmo trepidante. Las escenas de acción resultan impecables. Me parece destacable el modo en el que se describen las habilidades deductivas del personaje, aunque se utiliza el método de rodaje de la serie CSI; es decir, el proceso de acelerar las imágenes con la idea de dinamizar la escena.

En cuanto a los valores de la producción destaca por encima de todo el de la amistad que une a los protagonistas que ha sido muy bien captada por el director, puesto que explica que, a pesar de las diferencias que pueda haber entre ellos, se complementan, se apoyan y se entienden a la perfección. Curiosamente, las novelas de intriga más clásicas se han caracterizado por potenciar el valor de la amistad, si no acuérdense de la relación del padre Brown y Flambeau en las novelas de Chesterton o de Hércules Poirot y el capitán Arthur Hastings en las de Agatha Christie.

En contraposición con lo positivo encontramos dificultad para acostumbrarnos a la presencia de Robert Downey Jr. (¿Demasiado físico?) y a Jude Law. Nos da la impresión de que la elección no ha sido la más adecuada. Desde el primer momento en que supe que los protagonistas iban a ser estos dos actores, comprendí que sería un lastre para la película. La verdad es que me los imagino de otra manera y pienso que han existido otros actores, incluso de series de televisión, que han conseguido hacernos creer que estamos ante los auténticos Sherlock y Watson. Además, me sorprende la presencia de Moriarty, ya que en las auténticas novelas de Arthur Conan Doyle apenas se menciona, aunque este personaje está muy generalizado también en otros largometrajes.

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16th Ene2010

Salomon Kane- Sección Críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado
La cinta de aventuras por excelencia de estos primeros días del año debe ser Salomón Kane (2009), basado en el relato del escritor Robert E. Howard, autor entre otros de Conan. Como dato curioso, el autor del libro se suicidó a las pocas de enterarse de la muerte de su madre.

Cuenta las andanzas de Salomón Kane, un caballero sanguinario, que ha pactado con el diablo, el cual tiene en su poder el alma de este guerrero. Este señor apesadumbrado por su terrible pasado decide cambiar su vida abandonando las armas.

La producción posee los elementos del cine clásico de capa y espada de la época dorada de Hollywood. El ritmo del largometraje es el adecuado. Los combates resultan creíbles en todo momento y la historia de amor está narrada con elegancia. En definitiva, se trata de una película especialmente realizada para disfrutar en la butaca de una sala de cine, con el aliciente de que es políticamente incorrecta. Sabemos que existe la posibilidad de preparar una trilogía sobre el personaje lo que me parecería excesivo porque creo que la historia no da para tanto.

Sin embargo, nos ha llamado la atención la buena puesta en escena de los actores y el curioso ambiente creado por el director Michael J. Bassett, que buscó castillos en la República Checa, siendo este detalle un elemento clave en el proceso de producción. Por otra parte, nos parece acertado el lenguaje utilizado por los personajes, pues resulta muy adecuado y propio de la época en la que se ambienta la historia. Por tanto, los personajes son conscientes de la trascendencia, recurriendo a ella con naturalidad, ya que, en la sociedad del siglo XVII, eso era lo habitual.

También nos sorprende la lealtad de sus compañeros y el modo en el que el protagonista intenta redimirse, lo que proporciona consistencia a la historia, dándole un toque extra y se puede destacar el tema de la reconciliación entre padre e hijo. Además, las luchas entre las fuerzas del bien y del mal están adecuadamente diferenciadas, pero sin caer en infantilismos

De todas formas y para ir concluyendo, la cinta no es para echar cohetes, pero entretiene sin deformar el alma de los personajes. Por tanto, esta producción merece cierto interés desde el punto de vista antropológico, aunque salvando sus limitaciones.(publicado en fantasymundo)

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11th Ene2010

Número 9-sección críticas de cine

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Número 9 (2009) es la ópera prima de Shame Acker, una historia basada en un cortometraje por el que fue candidato a los Óscar hace algunos años.

Se trata de un relato apocalíptico, apadrinado por Tim Burton, en el que un grupo de seres destartalados intenta salvar al mundo para darle una segunda oportunidad. Por tanto, volvemos a tropezar con un género que se ha puesto de moda en los últimos tiempos. Entre otras cosas por el cuento chino o el negocio del calentamiento global y por la decadencia de occidente

La cinta en cuestión refleja lo que puede ocurrirle a una sociedad, que se centra en una tecnología avanzada para progresar, olvidándose de otros valores que han caracterizado durante siglos a la civilización occidental. La historia, con una estética original, deja entrever una serie de elementos, que podrían servir para solucionar la grave crisis en la que nos encontramos inmersos, ya que pertenecemos a la cultura del botón (todos los problemas se solucionan apretando una tecla).

Esta obra del celuloide, a pesar de presentarnos un flojo guión y sin tener nada de especial, deja entrever que, con valores la cultura, la valentía, la amistad y el sacrificio por los demás, los habitantes de este planeta mirarían la vida de otra manera. Además, como he leído en alguna crítica interesante de cine con la que coincido resulta bastante negativa la actitud miedosa de uno de los protagonistas que se niega a actuar ante una situación límite. No es esa la actitud que hay que tener frente a un gobierno totalitario o ante un grupo terrorista, lo lógico sería intentar afrontar la situación porque sino el mal consigue su objetivo.

Por otra parte, la religiosidad queda patente en este largometraje, pues parece evidente que el director de esta película se propone hacernos reflexionar sobre la necesidad de un creador supremo y lo que puede suponer la resurrección para dar esperanza a los que piensan que nos encontramos solos.

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02nd Ene2010

No es tan fácil(nancy meyers)-sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

Para comenzar el año, no está mal empezar hablándoles de una de las mejores comedias del año junto a (500) días juntos (2009), aunque con distintos matices. Nos estamos refiriendo a No es tan fácil (2009).

Cuenta la vida de Jane, una mujer divorciada que no ha superado la ruptura y que en una noche loca se convierte en la amante de su ex marido. Éste, a su vez, se encuentra casado con una jovencita, que lleva tatuado un tigre en su espalda.

Las interpretaciones resultan positivas. Alec Baldwin no está mal, mientras que Steve Martin interpreta tan bien como siempre, aunque Meryl Streep y John Krasinski se lucen en todas y cada una de las escenas en las que participan. Da la impresión de que Meryl Streep marca la pauta en todo momento, haciendo reír, llorar o pensar cuando la situación lo requiere.

La dirección corre a cargo de Nancy Meyers. La cineasta y guionista estadounidense se mueve con especial habilidad en el mundo de la comedia otoñal, consiguiendo contar una historia divertida con actores maduros en un momento en el que la vejez no está moda. Les recuerdo algunos títulos como ¿En que piensan la mujeres? (2000), Cuando menos te lo esperas (2003) o la citada No es tan fácil (2009) que reflejan la idea que estamos comentando. La realizadora maneja perfectamente los tiempos, pues consigue mantener un relato cómico de dos horas que no pierde en ningún momento el interés.

Sin embargo, en esta ocasión lo mejor de Nancy Meyers es que nos entretiene, pero separando muy bien el grano de la paja; es decir, distinguiendo claramente las situaciones cómicas del drama que supone para los protagonistas el divorcio. Nos parece interesante el análisis que la autora realiza sobre los matrimonios que no han superado el trauma que supone la separación, pues no frivoliza con el tema y no nos parece un estudio cinematográfico superficial a pesar de tratarse de una comedia. El largometraje expresa la dificultad que deben tener muchas parejas para romper todos los vínculos por los que se han sentido unidos y el cariño que se pueden profesar, si no ha habido un motivo lo suficientemente justificado para la separación.
Por otra parte, los hijos aparecen en la cinta como las personas que disfrutan cuando sus padres se reencuentran o que sufren cuando descubren las dificultades de sus padres para entenderse.

En definitiva, la película nos hace reflexionar sobre uno de los grandes problemas del siglo XX y principios del s.XXI, como es el de la desestructuración de la familia. Además, el título nos parece muy acertado porque le da al tema de fondo el valor que se merece.
(publicado en paginasdigital.es)

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23rd Dic2009

El erizo-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)

Hace una semana aterrizó en nuestra cartelera El Erizo (2009), una cinta comparada con Amelie (2001) del director francés Jean-Pierre Jeunet. Amelie era más optimista, la película en cuestión nos parece pesimista en alguna de sus ideas.

Cuenta la historia de una niña superdotada que elabora un plan para suicidarse en un corto espacio de tiempo. Esta persona de once años se dedica a filmar todo lo que ocurre en su entorno más cercano, incluido los vecinos de un edificio parisino. Mientras va pasando el tiempo para que Paloma Josse (Garance Le Guillermic) cumpla su objetivo, esta niña tendrá la oportunidad de conocer a Renée Michel (Josiane Balasko), la portera de la comunidad de vecinos, una persona huraña que tras su caparazón esconde una persona con muchas virtudes. Además, la vida de Renée cambiará en el momento en el que conoce a un japonés, que tiene una habilidad extraordinaria para descubrir lo esencial de la persona.

La directora novel Mona Achache adapta una exitosa novela de la escritora Muriel Barbery. El resultado es más o menos aceptable. Sin embargo, resulta poco convincente los pensamientos nihilistas de la niña (parece un repollo con lazo), por muy inteligente que sea. Ese es el principal problema, si no te crees al protagonista principal cuesta trabajo introducirse en la cinta con lo que lo acababas apartándola y centrándote en la otra parte de la historia que se encuentra cargada de interés.

La cineasta francesa reflexiona sobre el modo de alcanzar la felicidad en esta vida, sin ningún planteamiento más allá. Da la impresión de que a la realizadora le preocupa descubrir que las personas son felices durante su existencia. Una preocupación muy similar a la de La Habitación del Hijo (2001), donde Nani Moretti interpretaba a un padre agnóstico que intentaba descubrir si su hijo era feliz antes de sufrir un desgraciado accidente que le sesgó la vida. La escritora del libro en el que se basa la realizadora para hacer la película es filósofa y parece que su modo de ver la vida es existencialista, así como el de la cineasta que lo adapta.

Nos parece de una belleza impecable la relación de amistad y amor que surge entre Renée y Kakuro Ozu. Sobre todo, destacaría la capacidad de Kakuro para descubrir los valores de una persona que se esconde tras una armadura de pinchos. Este una parte del guión que lo resume:»Tiene la elegancia del erizo, por fuera está cubierta de púas, una verdadera fortaleza, pero intuyo que, por dentro, tiene el mismo refinamiento sencillo de los erizos, que son animalillos falsamente indolentes, tremendamente solitarios y terriblemente elegantes.»

Resulta particularmente interesante la propuesta hecha por Mona Achache que sugiere no quedarse con la apariencia, apostando por profundizar en las relaciones para de descubrir la ternura que pueden llegar a poseer algunas personas. Por tanto, esta obra del celuloide proporciona los elementos claves para pensar sobre la banalización de las relaciones y el hedonismo.

Esta reflexión entrecomillada nos parece muy similar a la propuesta por el cuento del diamante que se encuentra escondido tras una serie de capas de cebolla que es necesario intentar apartarlas para descubrir el tesoro escondido o a la conocida historia de La bella y la Bestia. También resulta exquisito y casi poético el modo tan elegante y sencillo que utiliza Kakuro para conquistar a la portera.

Cambiando de tema y finalmente, el largometraje es una crítica de la sociedad burguesa y clasista de la Francia del siglo XX; un canto a la literatura y un toque de atención a la importancia de tener pequeños detalles con los demás.

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19th Dic2009

El baile de la Victoria-Fernando Trueba-Sección críticas

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado publicado en www.fantasymundo.com
Cuenta la historia de tres personajes desafortunados en muchos aspectos de su vida. Nicolás Vergara Grey (Ricardo Darín) es un ladrón de guante blanco, que acaba de salir de la cárcel, mientras que Ángel Santiago (Abel Ayala) es un delincuente de poca monta que trata de convencer a Nicolás Vergara Grey para que cometa el robo del siglo a un personaje que se había enriquecido durante la dictadura de Pinochet. Por último nos quedaría hablar de Miranda Bodenhofer (Victoria Ponce), una jovenzuela bailarina, que se quedó muda por un suceso ocurrido en su más tierna infancia.

La dirección corresponde a Fernando Trueba, uno de los grandes directores españoles que ganó un Oscar por su obra Belle Époque (1992). Para serle sincero, El Baile de la Victoria es su mejor trabajo porque consigue que personajes habitantes de ambientes marginales brillen entre tanta oscuridad, marginación y ambientes sórdidos. El guión fue escrito por el dúo Jonás y Fernando Trueba. Nos parece maravilloso el mensaje optimista que los Trueba nos quieren transmitir, un lugar donde los sueños se cumplen. Con el visionado de este largometraje sientes unas ganas locas de leer a Antonio Skármeta, que es el autor de la novela en la que se basa El Baile de la Victoria (2009).Por último, el cineasta se adorna de dos elementos estéticos como el caballo y el ballet, que realzan la historia, convirtiéndola en una obra casi maestra.

En el aspecto interpretativo hay que decir que los actores están fabulosos. Ricardo Darín interpreta a un hombre de una sola mujer, que se desvive por su hijo y que sigue sintiendo algo especial por la madre de su hijo a pesar de los años que ha vivido en la cárcel. Abel Ayala, el actor que más nos gusta y cuya interpretación recuerda a Mario Moreno “Cantinflas”, actúa con una naturalidad pasmosa. Dicho actor transmite valores muy positivos como la alegría, la inocencia o la ilusión por crear una familia con Victoria, una persona que homenajea sus padres a través del baile y la música. La danza sirve a nuestra protagonista para superar un grave trauma de la infancia, mientras que Ángel Santiago, como decíamos, es el vínculo que puede hacer levantar el vuelo al cisne chileno. La actriz y bailarina sudamericana fue descubierta por el realizador español a la primera, sin necesidad de recurrir a un casting. Tan sólo descubrió su talento, viéndola bailar en el Teatro Municipal del ballet nacional de Chile y casi por casualidad.

El final, un tanto abierto, culmina la aventura tan curiosa por la que pasan estos tres poéticos personajes a los que la amistad les ayudará a superar todas las dificultades.

08th Dic2009

Planet 51(sección críticas)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado (publicado en www.paginasdigital.es)
Últimamente se está poniendo de moda, dar la vuelta a la tortilla a las historias a las que estamos habituados; es decir, contar un relato desde otro punto de vista. Este es el caso de Planet 51(2009), una coproducción española-británica, pero con un capital humano prácticamente nacional.

Como decíamos, lo que en este largometraje se cuenta, es la historia al revés. En vez de que un extraterrestre invada la tierra, será un ser humano el que visite un planeta repleto de alienígenas.

La dirección corresponde a 3 hombres (Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez) que resultan conocidos en el mundo del videojuego, concretamente, del internacionalmente conocido por el nombre de Commandos, uno de los videojuegos más conseguidos y más exitosos de la factoría española Pyro Studios. Los primerizos cineastas imprimen al largometraje un ritmo trepidante, que no cesa en ningún momento, que incluso impide que se pillen algunos de los chistes u homenajes a otras películas. La lista de guiños a otras producciones es innumerable como a ET, el Extraterrestre (1982); la carrera de vainas de Star Wars: Episodio I. La amenaza Fantasma (1999); Los militares de Encuentros de la Tercera Fase (1977); el bichito de El Vuelo del navegante (1986) junto con otros que seguro que se nos escapan.

Además, esta cinta juega con el cine de serie B norteamericano y con el motor económico que supuso este género cinematográfico tan característico. Todo ello, sin olvidar el fenómeno Ovni que disfrutó de su momento álgido en los años 50. Por cierto, la citada época ha sido caracterizada magníficamente con todo lujo de detalles.

Cambiando de tema, se trata de la producción más cara de la historia del cine, pues ha costado nada más y nada menos que 42 millones de euros y la productora ha conseguido distribuirla en 3500 salas del país de los sueños, que para dar mayor repercusión a su inversión no ha escatimado en gastos, contando para su versión doblada en inglés con un elenco de actores inmejorables como Jessica Biel, Gary Oldman o John Cleese.
Es digno de alabanza que el cine español del último mes haya abandonado momentáneamente la ideología tan sectaria de la que hace gala para dedicarse al cine de palomitas, demostrando que nada tiene que envidiar a la meca del cine. Se puede comprobar que, cuando hay calidad sin politiqueo, la gente aficionada a la gran pantalla no da la espalda a los realizadores españoles.

Por último, hay que reconocer que la cinta en cuestión nos parece divertida. Sin embargo, todavía no posee el transfondo tan humano con el que dota Pixar a sus obras cinematográficas. De todas formas esperamos que mejore en ese aspecto.

Finalmente y desde el punto de vista técnico, nos quedamos con el traje del astronauta y con su mascota, un personaje que hace las delicias de los más pequeños, aunque yo me quedo con la mirada de la alienígena protagonista. ¿Me habré enamorado de una marciana?

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05th Dic2009

Buscando a Eric-Ken Loach(sección críticas)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

En estos días se pueden ver en la cartelera una comedia dura, pero interesante, que carece de la ideología que Ken Loach suele imprimir a sus producciones. Por tanto, no resultará difícil disfrutar del trabajo de un gran director.

Cuenta la historia de un cartero, que camina sin rumbo por la vida. Para dar respuesta a sus problemas entablará relación con su ídolo Eric Cantoná, que será la voz de la conciencia del protagonista.

La interpretación de Steve Evets, un habitual en el cine de Loach, nos parece convincente en cualquier situación a la que se enfrenta. Pensamos que este actor cumple todos los requisitos para dominar el papel, pues es capaz de expresar toda clase de sentimientos con maestría. Por otra parte, el deportista Eric Cantoná no desentona en ninguna escena y los secundarios están sensacionales.

Del cineasta británico merece la pena destacar que ha sido capaz de contar una historia divertida, pero con un marcado carácter de denuncia social.

Por otro lado, sorprenden los profundos diálogos entre Eric Bishop y Cantoná. El mérito fundamental, sin duda, se encuentra en el inseparable guionista y amigo del realizador. Paul Laverty, el guionista, nos ofrece un repertorio interminable de frases para no olvidar, entre la que destacamos una que sugiere que el perdón es la venganza más noble.

También, deben ser tenidas en cuenta las subtramas de la película, nos parece entrañable el intento de reconciliación entre Eric Bishop y su ex mujer o el canto a la amistad de la que hace gala la cinta en todo momento y que se presenta clave en la superación de una depresión por parte del protagonista.

Además, resultaría imperdonable perderse las escenas relacionadas con las caretas de Cantoná que debe ser recordada como una de las mejores de la historia en mi modesta opinión.

Por último y como dato curioso, los aficionados al fútbol podrán disfrutar de los goles marcado por la ex estrella del Manchester United, Eric Cantoná, que fue el que sugirió a Loach una historia con fútbol, aunque el deportista confiesa que no son los goles lo mejor de su carrera, sino el pase de gol que hizo en un partido de la liga inglesa.(publicado en fantasymundo)

28th Nov2009

Un lugar donde quedarse (sección críticas)

by Víctor Alvarado

Publicado en paginasdigital.es(Víctor Alvarado)

Tras el éxito cosechado por Revolutionary Road y con un número exiguo de copias, aterriza Sam Mendes con su nuevo trabajo Un lugar donde quedarse (2009).

La historia gira entorno a una pareja de treintañeros que descubren que van a tener un niño y que se dedican a recorrer Estados Unidos, visitando a sus familias con la idea de que les ayuden a cuidar de su futuro hijo.

El tema de la road movie parece la excusa del director para presentarnos a una serie de familias tipo, que componen a la clase media del país de los sueños. Por tanto, este relato cinematográfico trata de analizar a la sociedad americana desde una óptica crítica, pero más suave y menos ácida que la utilizada en American Beauty (1999) o la citada Revolutionary Road (2008). A todo lo dicho habría que añadir que el resultado final se muestra más esperanzador que en sus anteriores producciones.

La película ofrece acertados diálogos que son dignos de ser comentados. Se puede destacar la conversación del protagonista con el matrimonio que había adoptado niños de diferentes culturas. Este personaje habla de las dificultades de su mujer de treinta años para quedarse embarazada y del drama que le supuso perder a varios niños que llevaba en el útero, mientras que los adolescentes se quedan embarazados con mucha facilidad y no saben lo que hacer con la situación. Razonamiento que me invita a pensar sobre la posibilidad de crear redes que faciliten la adopción o acogida de bebés para las personas que no sean capaces de mantenerlo o barajen la posibilidad del aborto. Una idea que debería se tenida en cuenta en un momento en el que se debate la peligrosa ley de plazos que quiere implantar el gobierno socialista.

Por otro lado y en otra escena, la cinta cuestiona los métodos modernos de educación, que resultan tan nocivos en la educación de los hijos como demuestran las estadísticas. El cineasta cuestiona la eficacia de las pedagogías progresistas frente a los modelos tradicionales.

Cambiando de tema, quizás, el elemento más destacable del largometraje sea la adecuada elección de actores desconocidos para la mayor parte del público, ya que no se convierten en elementos que puedan distraer los pensamientos que el realizador quiere proponer. Llama la atención la pareja protagonista que representa a un tipo de familia que se complementa a la perfección, mientras que Burt (John Krasinski) es el lado idealista de la cinta, Verona (Maya Rudolph) nos ofrece el lado práctico de la vida. Da la impresión de que los personajes, al conocer otras realidades, van madurando. Parece que comprenden que el esfuerzo puede ser la clave de su éxito. Por último, con la presencia de esta pareja con sus cualidades y defectos, el director ha querido expresar su lado más amable y optimista de los habitantes norteamericanos.

Lo menos acertado de Un lugar donde quedarse (2009) podría ser la falta de dinamismo y el ritmo plano de algunas situaciones con respecto a otras. Además, las escenas de cama empañan en cierta medida a esta obra del celuloide porque creo que podrían haber sido rodadas con mayor elegancia.

Por último, para los amantes de la ecología, el film es verde; es decir, que se utilizaron energías renovables, reciclándose muchos productos de la cinta y reduciendo las emisiones de Carbono considerablemente.

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17th Nov2009

Michael Jackson (Sección críticas)

by Víctor Alvarado

Víctor Alvarado

This is it

Cuando uno piensa en un grande o en un famoso, sea cual sea su profesión, se imagina que va a tratarse de una persona agresiva, prepotente, distante e inaccesible. Sin embargo, con el visionado del documental This is it (2009) sobre Michael Jackson, descubrimos la humanidad del rey del pop. Sorprende comprobar la delicadeza con la que Jackson corregía a sus compañeros de trabajo. La comunicación entre el cantante y los bailarines resultaba fluida. Se desenvolvía con naturalidad con sus colaboradores como si fuera uno más

Además, para este artista, Dios formaba parte de su vida, no renegando en ningún momento de la realidad trascendente del hombre. Una realidad que, en pocas ocasiones, demuestran sus compañeros de profesión, aunque no es la excepción. De sus comentarios se deduce su profundo amor por el ser humano y la naturaleza.

Cambiando del tema, este largometraje deja entrever la dedicación y el esfuerzo que requiere un reportaje de esas dimensiones.

Los que disfruten con los musicales, van a encontrar la construcción de un espectáculo, que bien podría considerarse un musical en toda regla, dada la calidad de los números de baile de este documental y el buen montaje por parte del director. Todo ello, a pesar de recoger, simplemente, una serie de ensayos previos a su gira, que se vio frenada como consecuencia del desgraciado fallecimiento de la estrella.

Por otra parte, se percibe la mano de un especialista en musicales como Kenny Ortega, conocido por las cinta de High School Musical. El cineasta consigue engancharte desde el primer minuto con testimonios de personas que trabajaron con MJ. El realizador es capaz de crear el equilibrio necesario entre los números musicales y los comentarios del mito. El éxito de esta producción ha provocado que se alargue su permanencia en la cartelera, pues, en principio, sólo iba a proyectarse durante dos semanas.

Cualquier aficionado al pop que se precie, no puede quedarse impasible ante el ritmo y las dotes artísticas de este genio. Sorprende el oído musical de Jackson que detectaba la más mínima imperfección. Cuando sales del multicine, puedes sentir unas ganas locas de bailar.

Por último, nos quedamos con el guiño al cine negro que se hizo al recordar el videoclip de Smooth Criminal.

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13th Nov2009

Julie y Julia (Víctor Alvarado)

by Víctor Alvarado

Publicado en paginasdigital.es

Tras su excelente trabajo en La duda (2008) del director John Patrick Shanley, Amy Adams y Meryl Streep repiten cartel en Julie y Julia (2009). Una historia que versa sobre el apasionante mundo de la gastronomía.

Las interpretaciones de ambas actrices resultan muy positivas, aunque Meryl Streep se come a cualquier actor que se le acerque. Su actuación puede parecer histriónica, pero el papel lo requiere, dadas las peculiaridades de la personalidad de la auténtica Julia Child, una mujer de un metro noventa y que, entre otras cosas, tenía la voz aguda lo que provocó que fuese imitada en numerosos espectáculos televisivos norteamericanos.

Cuenta una doble historia, basada en hechos reales, en la que dos personas de diferentes épocas luchan por convertirse en unas excelentes cocineras. Julia Child se prepara para ser una importante chef de la cuisine française, mientras que Julie Powell trata de cocinar todas las recetas de la recopilación realizada por Julia Child en un tiempo récord para reflejarlo en un libro, pues piensa convertirse en escritora. Por cierto, las reflexiones de Julie Powell son realmente curiosas.

Entre los valores que encontramos destaca la relación de pareja de ambas mujeres con sus respectivos maridos. Nos parece digno de ser analizado el papel tan importante que juegan los hombres, respaldando las iniciativas tomadas por Julie y Julia. Aparecen como héroes a la sombra de sus lanzadas mujeres. Por otra parte, la química interpretativa de las parejas funciona a la perfección en la pantalla.

También, la cinta deja meridianamente claro el tema del esfuerzo para conseguir lo que uno se proponga en la vida. Esta reflexión se podría trasladar al ámbito educativo porque los países que invierten en este valor consiguen que sus alumnos obtengan mejores resultados académicos que los estados que, como el nuestro, renuncian a ello.

Además, dicho largometraje supone un empujoncito a las personas que cocinamos, puesto que nos anima a que conquistemos corazones preparando una ristra interminable de recetas. Por último, habría que decir que la cineasta pretende y consigue despertar los estómagos más insensibles con presentaciones sencillas de exquisitos platos. Por tanto, aplaudimos el homenaje que Nora Ephron hace a la cultura gastronómica de la que tanto puede opinar España.

En contraposición con lo positivo, la cineasta Nora Ephron, autora de un clásico moderno como Algo para recordar (1993) y de Tienes un e-m@il(1998), ofrece un convencional relato que no pasará a la historia como una obra maestra, sin embargo, entretiene y sus pequeñas dosis de humor blanco sirven para desengrasar las escenas de mayor peso dramático. La producción de la realizadora estadounidense está llena de altibajos y el ritmo nos parece irregular. Por momentos da la impresión de estar viendo dos mediometrajes, troceados por un montador poco habilidoso.

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