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16th Dic2018

Un asunto de familia

by Víctor Alvarado

Cuando uno piensa en cine social, inmediatamente le viene a la mente el trabajo de ciertos cineastas de prestigio como Vittorio de Sica, Nieves Conde, Ken Loach, Fernando León de Aranoa o los hermanos Dardenne. Sin embargo, nadie podría imaginar que el magnífico director nipón Hirokazu Kore-eda, especializado en reflexionar sobre la familia con excelentes producciones como Nuestra hermana pequeña,  De tal padre, tal hijo o mi película favorita Kiseki (milagro), nos iba a  ofrecer un producto de la citada característica. Un asunto de familia reflexiona lógicamente sobre esta institución, pero se centra en una familia, valga la redundancia, en situación de riesgo. Este relato es descarnado porque vemos que sus protagonistas tienen que cometer  pequeños robos y perder la dignidad en trabajos que promueven el hedonismo para sobrevivir, con lo que, en esta ocasión, no se puede decir que sea una historia para todos los públicos como ha pasado en otros momentos con sus trabajos.

 

Por cierto, esta película sería una mezcla entre Still walking por introducirse en el día a día de tres generaciones y Air doll a la vez,  por mostrar  un mensaje negativo sobre la sexualidad, puesto que presenta algunas escenas subidas de tono en lugares poco recomendables. No obstante, la película es visualmente muy atractiva, ayudando a comprender que es lo que le lleva a un hombre a comportarse de un determinado modo. Los diálogos resultan creíbles y. a pesar de ser presentadas varias escenas con parsimonia,  no paran de ocurrir cosas, llamando la  atención del espectador.

 

El argumento gira en torno a una familia de clase obrera y de sustrato cultural muy bajo que adoptan a una niña de un modo muy particular que sufre malos tratos.

 

El valor de la acogida se hace presente, pues, a pesar de la “odisea” por la que pasan, éstos entienden que existen personas que se encuentran en situaciones mucho más difíciles que  por las que ellos viven. Se trata de individuos con tendencia a la delincuencia, pero con el corazón generoso y una gran capacidad para amar. En relación con ello, esta cinta expresa el drama de una mujer con unas ganas tremendas de ser madre, que es estéril, sufriendo mucho por ello. Esta propuesta de una familia disfuncional, salvando las distancias, guarda ciertos paralelismos con Pequeña Miss Sunshine, siendo está mucho más difícil de digerir, ya que  es bastante más dura y, por supuesto, no es tan divertida ni muchos menos que esa producción americana. De todas formas,  esta producción nos ofrece momentos emocionantes que nos hablan de la necesidad de querer y de sentirse queridos (publicado en Cope).

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09th Dic2018

El regreso de Ben

by Víctor Alvarado

Si hiciéramos un listado de las producciones que se han hechos sobre madres coraje de la historia del cine, encontraríamos un buen puñado de buenas historias. La actriz, Julia Roberts, últimamente está participando en producciones interesantes y profundas como Wonder. Esta mujer busca personajes que se adaptan a la edad que tiene y aparenta.  En este caso, es la estrella y la luchadora madre de El regreso de Ben. Esta artista repite con un papel de madre valiente  que no se rinde. La interpretación es de Óscar, al igual que la del actor que hace de hijo Lucas Hedges, el hijo del realizador, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en el cine funciona.

 

El encargado de llevar este trabajo a buen puerto ha sido Peter Hedges, director de La extraña vida Timothy Green o la excelente comedia Como la vida misma, protagonizada por Steve Carrell, que nos ofrecía una acertada reflexión sobre el valor de la familia. Por otra parte, no sólo tiene talento como cineasta, sino también como guionista, pues nos hizo a todos reír y llorar escribiendo el libreto de ¿A quién ama a Gilbert Grape? Este cineasta nos ofrece una película dura, que cuenta la vida de un drogadicto en una familia de clase media aparentemente feliz hasta el regreso de este chico para celebrar la Navidad, en la que su madre se compromete a vigilarlo durante 24 horas para evitar recaídas. La película es intensa; no pierde el interés  y, mantiene, en cierta manera, la intriga hasta el final a pesar de tratarse de un drama en toda regla. Todo se sustenta en un sólido guión que se introduce en el alma de los protagonistas y a la vez refleja a la perfección la problemática de la adicción a las drogas

 

El personaje de Julia Roberts representa a esas madres entregadas que lo dan todo por sus hijos cuando éstos se encuentran en apuros. Se apunta que es una mujer creyente, ligeramente practicante, fiel a las tradiciones y que confía en el amor y la misericordia de Dios. De hecho, esta producción, en cierto modo, podría considerarse una especie de parábola de El hijo pródigo, aunque con matices, ya que la madre enarbola la bandera del amor incondicional de Dios que da muchas oportunidades y te deja empezar desde cero.

 

Por otro lado, esta cinta refleja la dificultad para salir de las adicciones porque esclavizan al ser humano, ofreciendo cierta esperanza, representada en los centros que se dedican a rehabilitar a los toxicómanos. La película está orientada a un público adulto, aunque sería muy conveniente que la vieran jóvenes y adolescente y participar en un cine-fórum para que comprendieran porque hay que estar tan alejados de este tipo de sustancias que anulan la libertad del ser humano (publicado en Pantalla 90).

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01st Dic2018

The guilty-Una de las grandes películas de intriga de 2018

by Víctor Alvarado

¿Cuándo es importante implicarnos en  nuestro trabajo más de lo debido?

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25th Nov2018

El misterio del padre Pío-Sus sorprendentes milagros y su capacidad para perdonar

by Víctor Alvarado

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18th Nov2018

Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald

by Víctor Alvarado

Para los que pensaban que el universo de J K Rowling, capitaneado por Harry Potter, estaba ya finiquitado, habría que decir que existe una interesante serie de televisión como Cormoran Strike y que, tras el éxito de Animales fantásticos y dónde encontrarlos ha sido nuevamente la guionista de su secuela Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald, que es a su vez una precuela de la escuela de Hogwarts.

 

La dirección ha corrido a cargo de David Yates, todo un experto en mundos mágicos, siendo el realizador de  algunos de los episodios de la interminable saga de Harry Potter.

 

Este cineasta vuelve a rodearse de un elenco potente entre los que destaca Jude Law o el rey de los gestos y las miradas Eddie Redmaine, al que recordamos por su excelente trabajo en La teoría del todo, dando vida al científico Stephen Hawking. La química con las actrices nos parece desigual pues con Zöe Kravitz funciona bien, pero con Kattie Waterston en el papel de Tina nos parece un tanto chirriante. Esta producción presenta un ritmo irregular con momentos espectaculares y diálogos brillantes frente a otras escenas realmente olvidables y casi soporíferas.

 

Para introducirse en este tipo de películas de corte fantástico es necesario darse cuenta de que es un producto salido de la mente de una escritora con una imaginación extraordinaria y no debe entenderse como un producto esotérico, aunque lógicamente se pueda pensar en ello. No obstante, deja entrever el positivo mensaje que la autora ha querido transmitir en su obra, apuntando temas que merecen la pena señalar como la lucha entre las fuerzas del bien frente a las del mal de unos magos, educados en Hogwarts, en la que se transmiten valores ciertamente interesantes. La  impecable caracterización del villano por parte de Johnny Deep representa la verdadera encarnación del mal, tanto por su brutalidad como por sus discursos engañosos, seductores y ambiguos. El protagonista, Newt Scamander, no está dispuesto a pasar ciertos límites porque para él el fin no debe justificar los medios y no se decantará por ningún bando hasta que no esté seguro de las verdaderas intenciones de ambos.

El referente moral es un rejuvenecido Dumbledore (Jude Law), que es fiel a la palabra dada y que reconoce la confesión y el arrepentimiento como algo que le reconforta, reconociendo el bienestar psicológico, no sé si espiritual, que le produce sentirse perdonado y se deduce que perdonando también.

 

Por último, el protagonista  doma y protege a seres extraños con muy buena  mano, transmitiendo su amor a la naturaleza (publicado en Pantalla 90).

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11th Nov2018

El mejor regalo y Bohemian Rhapsody

by Víctor Alvarado

                                El mejor regalo

 

Si hay alguien capaz de hacer del documental una experiencia  inolvidable, ese es Juan Manuel Cotelo, autor de La última cima, Footprints y Tierra de María, cuyas producciones se convierten en las más vistas de su categoría. El nivel es tan alto que Netflix se ha fijado en estos trabajos. En este mes de noviembre se puede ver, bajo demanda, el documental El mayor regalo.

 

El argumento gira en torno a asesinos que piden perdón, víctimas que perdonan y abrazan a sus enemigos… que cuenta con los testimonios de Irene Villa (víctima de ETA), Shane O ́Doherty (único terrorista del I.R.A. que ha pedido perdón), Ramón Isaza (paramilitar colombiano, responsable de más de 10.000 asesinatos), Tim Guénard (Campeón Nacional de Boxeo en Francia), y asesinos y víctimas del genocidio en Ruanda.

 

Este ensayo cinematográfico sirve para que aprendamos a perdonar los rifirrafes del día a día que suelen ser peccata minuta, si lo comparamos con lo que otros de corazón tuvieron que perdonar, pues sus sufrimientos rompen los límites de lo imaginable. Las declaraciones de Irene Villa son muy significativas: “Gracias al perdón no tengo el corazón amputado, sólo las piernas”.

 

 

Bohemian Rhapsody

 

La primera ocasión que tuve de disfrutar de la potente banda roquera, Queen, fue muchos años después de que se constituyeran como grupo mediante un recopilatorio de la época en formato cassette. ¿Se acuerdan ustedes de esa forma de escuchar canciones y las distintas  formas de rebobinar? Tengo que reconocer que me fascinaron casi todas ellas y curiosamente, con el paso de los años, se han convertido en himnos que todos nos sabemos de memoria.

 

Este biopic llegó a la cartelera hace algo más de una semana, pero merece la pena rescatarlo por su enorme calidad y porque huele a Óscar. Se trata de un largometraje titulado Bohemian Rhapsody, donde se cuenta la vida de Freddie Mercury. Estamos ante una producción británica dirigida por Bryan Singer. No obstante, el auténtico protagonismo se lo lleva el actor Rami Malek, ya que consigue imitar a esa inimitable estrella del rock e insuperable cantante. Yo no sabría distinguir del real, ni al actor que interpreta a Freddy Mercury, ni tampoco al intérprete que hace las veces del guitarrista Brian May.

 

Esta producción entremezcla, con sabiduría, los elementos  esenciales y necesarios para que una cinta sea atractiva al público; es decir, que cuente con sonrisas y lágrimas en su justa medida con un ritmo trepidante. Si uno se acerca a esta película querrá ser amigo de Freddie Mercury. Para los amantes del origen de las canciones, habría que decir que se cuenta con gran sentido del humor las historia de algunas de ellas, explicando las claves del proceso creativo de unos genios, pues no solo eran buenos músicos, sino que tenían buena formación académica. En un momento determinado, esta producción te envuelve de tal manera que tienes la sensación de encontrarte en el mismísimo estadio de Wembley y cuando escuchas la canción: We are the champions, se te ponen los vellos de punta.

 

Este largometraje nos cuenta tanto los excesos que, fueron muchos, de este cantante como sus luces por considerar al grupo y a su amiga como una auténtica familia. Por otra parte, te toca el alma la posible reconciliación con su padre tras muchos tiras y aflojas.

 

El realizador no desaprovecha la oportunidad para criticar a todos esos satélites que rodean a las estrellas que no tienen escrúpulos en chuparle la sangre a personas que están viviendo en una burbuja o en una nube como consecuencia del éxito y no tienen las ideas claras de lo que realmente quieren ser y viven sin rumbo fijo

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04th Nov2018

El Cascanueces y los cuatro reinos-Una grata e inesperada sorpresa de la factoría Disney

by Víctor Alvarado

¿Por qué a los niños les gusta tanto el personaje del Cascanueces?

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28th Oct2018

La sociedad literaria y el pastel de piel de patata

by Víctor Alvarado

El título de esta producción es más largo que el “supercalifragilisticoespialidoso” de Mary Poppins. Se trata de la adaptación de la novela de Mary Anne Shaffer por parte de Mike Newell, recordado por la inolvidable Cuatro bodas y un funeral; por un episodio de la saga de Harry Potter y que tuvo una aceptable adaptación del texto de Charles Dickens, Grandes esperanzas. El caso es que este realizador toma los mandos de este largometraje estadounidense con el aroma propio de un cineasta británico, capaz de contar una buena historia con emocionantes giros argumentales, sin perder el ritmo, ni el interés. Todo ello aderezado con alguna que otra escena más o menos simpática. La trama amorosa está muy lograda. No parece en ningún momento forzada, aunque lógicamente es un tanto previsible al tratarse en una cinta romántica.

 

Cuenta la vida de una escritora que viaja a un pequeño pueblo costero para descubrir  como sobrevivieron a la invasión nazi y que inventaron algunos de sus habitantes.

 

Este cineasta ha contado con la sobresaliente actriz Lily James, que tuvo una excelente actuación en la película de Disney, Cenicienta, dirigida por Kenneth Brannagh que no defraudó  a los más pequeños de la casa, pero tampoco a los  mayores. En este caso, se vuelve a lucir. La interpretación nos parece muy buena. Llena de matices y su personaje enamora al espectador  porque aparece como una persona que intenta superarse y que ve la igualdad entre sexos como algo positivo, pero sin caer en extremismos,  defendiendo la labor de las hermanas Brontë en sus novelas del siglo XIX, que planteaban las historias de amor de igual a igual. El personaje interpretado por Michiel Huisman transmite que existen hombres capaces de sacrificarlo todo por hacer lo correcto.

 

Para concluir, La sociedad literaria y el pastel de piel de patata no sé si entrará en la carrera por los Óscar, pero hay que reconocer que tiene muchos elementos que la ponen en esa órbita. Estamos ante una película que no solo entretiene, sino que es un canto de amor a la lectura de los clásicos universales. Por otro lado, apunta la necesidad de discernimiento vocacional en el noviazgo antes de dar el paso al matrimonio y, por último, propone que por encima del éxito periodístico y literario están las personas implicadas,  su dignidad y el derecho a la intimidad (publicado en COPE).

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21st Oct2018

¡A ganar! y Historias del Rosario

by Víctor Alvarado

 ¡A ganar!

 

Los que tenemos cierto cariño por los deportes alternativos al fútbol, disfrutamos muchísimo con esas películas de superación personal que tan  bien hacen los americanos, acuérdense de la magnífica producción Hoosiers, más que ídolos, protagonizada por Gene Hackman. Otra película que me hizo disfrutar fue la inolvidable Carros de fuego sobre los Juegos Olímpicos. También me encantó McFarland sobre las carreras campo a través, donde Kevin Costner se lucía en el buen sentido del término y qué decir del clásico El orgullo de los Yanquis con Gary Cooper; las innumerables obras maestras sobre boxeo o la relativamente entretenida El entrenador Carter, en la que este hombre anima a sus jugadores a estudiar para alcanzar metas mayores.

 

Este repaso por lo mejor del género deportivo me da pie para hablar de la película ¡A ganar! Se trata de una producción en la que el voleibol hace acto de presencia, un deporte poco conflictivo de una gran belleza. Era todo un espectáculo ver como sacaba la pelota al deportista español Rafa Pascual. El caso es que Helen Hunt tendrá que enfundarse el traje no solo de entrenadora, sino de psicóloga para sacar adelante un equipo roto por una desgracia. El cineasta Sean Mcnamara, autor de la exitosa y profunda, Soul surfer, sobre una surfera cristiana a la que su creencia le hizo afrontar su problema con entereza. La producción en cuestión va en esa misma línea que esta cinta, basada en hechos reales, aunque es bastante más previsible. Su propuesta nos viene a decir que existen personas como la homenajeada y su padre (William Hurt) que nos inspiran para hacer mejores a los demás; para crecer como personas y para lograr hazañas imposibles,  donde la confianza en Dios se convierte en un incentivo para transmitir la alegría y la ilusión por vivir o competir.

 

Historias del Rosario

 

Por otra parte, el viernes pasado se estrenó un documental que invita a la reflexión. Y es que tenemos distintas formas de orar: hablar a Dios como un amigo; meditar un texto bíblico o, en este caso, rezar el Rosario. Pues bien, Historias del Rosario fue vista por más de 100000 espectadores en su país de origen, Polonia. Tenemos las declaraciones de Marius Pilis, uno de los dos directores que destaca lo siguiente: “Es un film para los escépticos y los que buscan. Tal vez, al verlo, encontrarán su camino en la vida. Para los creyentes, la película será un fortalecimiento en la fe y la confirmación de la gran fuerza del rosario.

 

La idea que este ensayo cinematográfico quiere transmitir es que mediante  el rezo del Rosario podemos lograr vencer muros infranqueables porque el arma que Dios ha dado a los cristianos es la  citada capacidad de comunicarse con él para luchar contra el mal y la injusticia. Resulta inexplicable por ejemplo que la todopoderosa Unión Soviética comunista se retirará de Austria en los años  cincuenta en el momento en el que se organizó una cadena de oración por parte de la Iglesia Católica de ese país centroeuropeo, cuando ninguna nación había logrado librarse de semejante yugo por la vía militar.

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14th Oct2018

First Man. El Primer Hombre-Un brillante Neil Armstrong con posibilidades de Óscar

by Víctor Alvarado

¿La llegada a la luna fue un acto de fe con muchos avances técnicos?

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07th Oct2018

Christopher Robin

by Víctor Alvarado

La compañía Disney continúa su “campaña” de transformación de películas de dibujos animados en historias con personajes de carne y hueso como ya hizo con la maravillosa Cenicienta de Kenneth Branagh; con la inolvidable El libro de la selva y, recientemente, con la exitosa  La Bella y la Bestia. Pues bien, en esta ocasión, le toca el turno a la tierna Winnie the Pooh y sus amigos que son los secundarios de lujo de Christopher Robin. ¿Se acuerdan ustedes de Piglet, Tigger, Igor  o  del cariñoso  osito amarillo al que le gustaba la miel que, al menos en España, tenían una serie, que se emitió en Televisión Española en los años 80?

 

Como dato curioso, esta obra se basa en los cuentos de  A.A. Milne, experto en novela policíaca, que descubrió su auténtica vocación en la literatura infantil porque era lo que le más le gustaba en la vida. Por esa razón, creó al personaje de Winnie the Pooh, apoyado en el genial ilustrador E H Shepard.

 

La dirección ha corrido a cargo de Marc Foster, muy querido por su biopic sobre el escritor J M Barrie y su Peter Pan en Persiguiendo nunca jamás. El trabajo del realizador  va en la línea de la versión adulta que se hizo del autor de Peter Pan con guiños a Mary Poppins y a Hook. El protagonismo total de una historia que defiende el valor de la amistad se lo lleva el actor Ewan McGregor. El posible error de la película es el no haber tenido claro al público al que dirigirlo, ya que lo adecuado hubiese sido haber hecho una película para niños con varios guiños a los adultos. Sin embargo, da la impresión de que se ha hecho una película para adultos con algunos guiños a los más pequeños de la casa. El ritmo de la película es demasiado pausado y la duración excesiva. Si la idea era buscar a un público adulto nostálgico de su infancia creo que esta película es la respuesta adecuada.

 

En contraposición con lo negativo, esta adaptación cinematográfica de este relato sirve para constatar el enorme talento de los escritores británicos del género fantástico, pues muchos de sus libros han tenido magníficas adaptaciones cinematográficas que han hecho las delicias de los más jóvenes de la casa, ya sean niños o adolescentes. Esta producción demuestra que es posible, de algún modo,  conciliar la vida familiar y profesional, ya que no debería estar reñida la responsabilidad de sacar una familia adelante con conservar el alma de niño que te ayuda a ser más feliz en la vida, ya que se frena el estrés ante las piedras que te vas encontrando en el camino. Por otra parte, esta cinta apunta que la felicidad se puede lograr conservando un corazón inocente, ya que como dice la película preocuparte lleva a la preocupación y la preocupación lleva a la confusión y el conservar un alma de niño, aunque seas maduro, te protege de sufrimientos innecesarios.

 

Para concluir consideramos oportuno incluir las declaraciones del cineasta a Fotogramas: “Quería hacer esta película porque es importante ofrecer al mundo mensajes positivos, salidos del corazón. Aunque todo comenzó cuando mi hija me preguntó el porqué no hacía una película que ella pudiese ver. Lo bueno de la historia de este osito es que está dirigido a todos los públicos ” (publicado en pantalla 90).

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30th Sep2018

Searching-Ha nacido el nuevo maestro del suspense

by Víctor Alvarado

¿Se le puede consentir todo a un adolescente?

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23rd Sep2018

The rider

by Víctor Alvarado

No suele ser habitual que hablemos de largometrajes  de origen chino, pero es que llegan a España con cuentagotas. Lo que sí es verdad es que la calidad es bastante notable. Todos recordamos con cariño al cineasta Zhang Yimou.Por esa razón, hoy queremos hablar de  The rider.

 

Esta película habla del mundo del rodeo y la ha dirigido con mimo la China  Cloé Zhao, siendo este su segundo trabajo, tras el guiño a Marlon Brando en Las canciones que mi madre me enseñó. La película en cuestión viene avalada por los 3 premios que obtuvo en la Seminci de Valladolid, pero la lista es interminable. Se trata de una producción en la que se ven ciertos vestigios de la presencia española en el sur de los Estados Unidos. No hay que perderse la entrevista  a esta directora en Fotogramas de la que destacamos lo siguiente: “Esta es una película de  una comunidad. Puedo hacer documentales. Sin embargo, no verlos. Me emociono tanto que es imposible. Me gustó War horse, de Steven Spielberg, que es mucho más que una película con caballos”. Esta realizadora nació en Pekín, pero ha vivido casi toda su vida en países anglosajones. Se confiesa una enamorada del rodeo. Esta no es una superproducción. No obstante, este interesante trabajo, basado en hechos reales (de hecho Brady Jandreau, la estrella de esta producción, fue el que le enseñó a montar a ella), daría para un cine-fórum. La realizadora aprovecha la belleza de los animales y el arte ecuestre  en tono poético para mostrar el amor a la naturaleza sin consignas políticas, puesto que los animales son mostrados como criaturas de Dios y las imágenes nos parecen muy sugerentes y cargadas de lirismo.

 

La cineasta saca el máximo producto a actores no profesionales que conocen el oficio de ganaderos y se percibe la buena sintonía de éstos en la doma de animales, en la que queda claro el amor y el cariño con qué se trata a los caballos. Este producto desmonta la idea que tenemos de la América profunda, pues, aunque hablamos de tipos curtidos en mil batallas, destacan por la sabiduría que viene del interior. Aparecen como personas sensibles que intentan ser coherentes con sus creencias religiosas y se percibe que su vocación viene a través del discernimiento espiritual y el análisis de la realidad. Estamos ante una cinta que defiende la dignidad del discapacitado, ya que su protagonista protege a su hermana y visita a su amigo, al que quiere como un hermano, sintiendo por él verdadera devoción. Por otra parte, la complicidad de ambos es recíproca porque el citado amigo, que lo perdió todo en un accidente de rodeo, aparece como un referente en su vida porque, a pesar de estar afectado intelectualmente, es capaz de decirle al protagonista, enfrascado en sus problemas, que no renuncie a sus sueños (publicado en Cope).

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16th Sep2018

Yucatán

by Víctor Alvarado

Tres comedias están haciendo este año las delicias de los espectadores autóctonos como El mejor verano de mi vida que propone que nunca es tarde para reformarse; Campeones, que defiende la dignidad del discapacitado, siendo la candidata española para los Óscar y la cinta en cuestión, Yucatán.  El secreto del éxito de estas comedias es que no ofenden a nadie; transmiten optimismo y esperanza y, sobre todo, dejan más bien al lado la ideología tan marcada de los últimos 30 años de nuestro cine de supuesto signo progresista.Por esas razones, rescatamos de la cartelera Yucatán.

 

El encargado de llevar a cabo este proyecto ha sido Daniel Monzón, al que recordarán por El niño y por Celda 211, que es una de las pocas películas de nuestra nación que se muestran críticas con la banda terrorista ETA. En esta ocasión, se decanta por el difícil género de la comedia. Su  divertido trabajo viene respaldado por un sólido guión escrito por él mismo, cargado de sorpresas y bastantes acertados giros argumentales. Este largometraje bebe de las fuentes del cine clásico americano de dicha temática. Salvo en contadas excepciones es una película que puede verse en familia.

 

Como dato curioso, esta obra fue filmada en un crucero real y los pasajeros colaboraron con el cineasta. Este dato lo conocía desde hace un par de años porque  (casualidades de la vida) una compañera de trabajo se pidió unos días de permiso para poder participar en el crucero de extra. El equipo de producción le proporcionaba  todo el vestuario para conseguir el efecto deseado, aunque los “cruceristas” a ratos lo pasaban regular porque tenían limitado los momentos de diversión por los habituales parones de los rodajes. El reparto es excepcional,  encabezado por Luis Tosar,  el actor fetiche del director, junto a un excelente elenco de actores entre los que destaca Toni Acosta o Stephanie Cayo. Hay mucha química en las tramas amorosas y eso se consigue con el buen trabajo de los intérpretes.

 

Esta historia cuenta el enfrentamiento de dos bandas de timadores que intentan desvalijar al multimillonario de turno en cruceros de lujo.

 

Sin desvelar nada de la trama, la película invita a reflexionar sobre lo que realmente importa en la vida. La cinta  plantea si los bienes materiales nos dan la felicidad o si se convierten en una pesada carga que impide querer con el corazón. La actuación del veterano actor Joan Pera, recordado por ser el doblador de Woody Allen, no es solo buena, sino que representa los valores que se buscan en un padre como la bondad, la solidaridad, el espíritu de sacrificio,  la firmeza y el sentido común para educar (publicado en Cope).

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09th Sep2018

Un océano entre nosotros y Mary y la flor de la bruja

by Víctor Alvarado

Un océano entre nosotros

 

El cineasta James Marsh, ganador del Óscar por la más que interesante La teoría del todo, vuelve al género del biopic. Este realizador se rodea de buenos actores, acuérdense de la muy lograda actuación de Eddie Redmayne, haciendo de Stephen Hawking. Un  océano entre nosotros cuenta la historia del aventurero Donald Crowhurst, al que da vida Colin Firth, que en 1968 zarpa de Teighmouth para participar en la Golden Globe Race. Este hombre se verá obligado por motivos económicos a capitanear un barco para intentar ganar el premio. La carrera consiste en dar la vuelta al mundo en solitario y sin escalas con la dificultad que se supone.

 

El arranque y los dos primeros tercios de esta producción están bastante conseguidos y el producto entretiene. El último tercio pierde interés, pero tiene su sentido. La sensación de estar viviendo lo que vive el personaje es otro de los aciertos del largometraje. El dato curioso lo encontramos en el guiño cinéfilo a Capitanes intrépidos  (1937) de Víctor Fleming.

 

La interpretación de Colin Firth consigue trasladar al espectador los sueños y las dudas de una persona normal que es feliz con su familia, pero que busca algo más. David Thewlis representa a un periodista sensacionalista que no parece que busque la objetividad del hecho. Rachel Weisz es la pieza clave de la historia porque tiene claro que su marido no es grande por la hazaña que va a realizar, sino porque es un buen padre; le ha querido mucho y ha sido un bastón en su vida. Esa idea es lo que transmite a sus hijos, inculcando que lo tengan siempre presente. Por otra parte, este largometraje denuncia la presión que ejercen los medios de comunicación ante una persona, en este caso, que destaca en algo porque todo el mundo no está preparado para resistirlo y éstos deben tener en cuenta esa realidad.

 

Como apunte generoso, destaca que el ganador de la competición donase su premio a la familia del navegante y protagonista amateur.

 

Mary y la flor de la bruja

 

Hiromasa Yonebayashi, uno de los futuros sucesores del universo Miyazaki, está continuando el trabajo de los estudios Ghibli, temporalmente cerrados, mediante la creación de la productora Ponoc. Mary y la flor de la bruja es su carta de presentación, tras Arrietty y el mundo de los diminutos, que nos cuenta una historia  fantástica de dibujos animados japoneses sobre una bruja buena que promete acción y aventura junto a momentos de ternura en una cinta que cuida el detalle; defiende a la naturaleza, mostrándose especialmente crítica con el uso de la ciencia sin ética, aunque expresado de un modo sutil y mediante el uso de metáforas (publicado en Cope).

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22nd Jul2018

El mejor verano de mi vida-La película familiar española de estas vacaciones gracias a Leo Harlem

by Víctor Alvarado

¿El amor y la generosidad puede derrotar a grandes magnates?

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