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25th Feb2018

Lady Bird

by Víctor Alvarado

La ola de reivindicación de la mujer en la Meca del cine ha convertido en favorita para alzarse con la estatuilla dorada a la cineasta Greta Gerwig, tan sólo lograda con anterioridad  por otra mujer, Kathryn Bigelow, por En tierra hostil. No obstante, pensamos que su producción no es de las mejores de este año, pero su mensaje es positivo, siendo hasta, en cierto modo, políticamente incorrecta.

 

Lady Bird es una chica rebelde, que lo cuestiona todo y que estudia en un colegio católico, cuya madre, de fuerte carácter al igual que ella, se rompe los cuernos para sacar a su familia adelante, ya que su padre ha perdido el trabajo.

 

La dirección ha correspondido a la mencionada Greta Gerwig. Ha tenido mucho mérito, puesto que, con un presupuesto bajísimo,  ha conseguido colocar a esta película en la órbita de los Óscar con, nada más y nada menos, que cinco nominaciones.

 

Las interpretaciones nos parece inmejorables, en especial, Laurie  Metcalf, haciendo de madre y Saoirse Ronan, como estrella indiscutible que, sinceramente, tendrían posibilidades del deseado premio a pesar de no encontrarse entre las favoritas.

 

La película es fresca, divertida, pero profunda a la vez porque explica, por un lado, el cómo se desarrolla la vida en una familia sin ñoñerías,  mostrando las dificultades junto a esos momentos de amor y felicidad. Por otra parte, se cuenta el proceso de maduración por el que pasa una adolescente para alcanzar la edad adulta,  vinculado a la práctica religiosa que da sentido a su vida al menos en parte y redimiéndola de sus faltas. La figura paterna (Tracy Letts)  aparece como el muro de contención entre madre e hija. Se trata de un hombre que sabe encontrar oportunidades para ayudar a una hija en apuros por su  inteligencia emocional que le lleva saber ser cariñoso y comprensivo con los demás.

 

Y es que la directora tiene simpatía por el mundo católico. Se deduce, según he leído, que está proceso de conversión, pues en esta película valora muy favorablemente la labor educativa y el alto grado de compromiso de los sacerdotes y religiosos que salen en  ella. La realizadora explicó a Cinerama las claves de esta producción: “Nada de lo que pasa en la película es una vivencia personal literal, pero hay un núcleo de verdad conectado al sentimiento de hogar, infancia y partida” (publicado en Cope).

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18th Feb2018

La forma del agua (visualmente atractiva, pero muy ideológica) vs Black Panther (no es la mejor de Marvel, pero entretiene y está abierta a la trascendencia)

by Víctor Alvarado

¿Cuáles son los aciertos y errores de estas dos superproducciones quc compiten entre sí?

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14th Feb2018

15.17 tren a París

by Víctor Alvarado

¡Señor, haz de mí un instrumento de tu paz!
Que allí donde haya odio, ponga yo amor;
donde haya ofensa, ponga yo perdón;
donde haya discordia, ponga yo unión;
donde haya error, ponga yo verdad;
donde haya duda, ponga yo fe;
donde haya desesperación, ponga yo esperanza;
donde haya tinieblas, ponga yo luz;
donde haya tristeza, ponga yo alegría.

¡Oh, Maestro!, que no busque yo tanto
ser consolado como consolar;
ser comprendido, como comprender;
ser amado, como amar.

Porque dando es como se recibe;
olvidando, como se encuentra;
perdonando, como se es perdonado;
muriendo, como se resucita a la vida eterna.

 

De todos es conocido, el habitual intento de los estadounidenses de hacer historia con cualquier hecho reciente porque necesitan tener un pasado. El caso es que Clint Eastwood es un cineasta que le encanta hablar de héroes americanos como ya hizo con El francotirador, una auténtica maravilla de cine bélico o con el espectacular amerizaje de Sullly, largometraje que, por cierto, le encanta a mi hijo mayor.

 

Por esa razón, si no te gusta el cazo tres tazas, ya que Clint Eastwood nos regala 15.17 tren a París, que habla de tres completos desconocidos hasta ese momento, que se jugaron literalmente la vida, lanzándose sobre un terrorista armado hasta los dientes, acción por la que fueron condecorados con la Legión de Honor Francesa. Este realizador, como hizo Paul Greengrass con United 93, ha querido ser fiel a la historia ocurrida hace muy pocos años. Los protagonistas no son actores profesionales, sino tres héroes en la vida real: el mismísimo Alex Skarlatos,  reservista de la Guardia Nacional; el Sargento Spencer Stone y su amigo Anthony Sadler, que detuvieron  a un terrorista islamista con gran determinación, evitando una auténtica masacre.

 

Entre los puntos  fuertes de esta producción se encuentra el mérito del director de sacar adelante una película protagonizada en su mayoría por actores no profesionales y que te atrape de principio a fin. En contraposición con lo positivo, uno siempre disfruta cuando le enseñan las ciudades más importantes de Europa. No obstante,  ese publirreportaje no tiene el más mínimo interés en la historia, siendo la parte más floja de la producción.

 

Por otra parte, estos hombres nos dan una lección del significado de la amistad con un alto grado de compromiso. Los tres chicos  aparecen, a modo de flashback,  estudiando en un colegio católico. Llama la atención como uno de ellos, el cristiano más practicante de los tres, se plantee, de vez en cuando, la pregunta del sentido que tiene su existencia y de un modo implícito, si Dios le ha destinado o le quiere para algo especial. Este muchacho, valiente donde los haya, pone su vida  al servicio de lo que su fe le indica. Él reza  la oración de San Francisco de Asís en momentos de luz y oscuridad al principio y al final de esta película, razón por la cual hemos comenzado este artículo de ese modo (publicado en Blog de Cope).

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04th Feb2018

El hilo invisible-La tormentosa historia de amor de Cristóbal Balenciaga y su mujer

by Víctor Alvarado

¿Amor a su esposa o a la moda y a su hermana?

¿Estamos ante el último trabajo de Daniel Day Lewis?

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29th Ene2018

Los archivos del Pentágono

by Víctor Alvarado

Este año parece ser el de Steven Spielberg porque, en menos de dos meses, se estrenan dos producciones del rey Midas de Hollywood, la esperada Ready Player One, basada en la obra de Ernest Cline y la cinta en cuestión, Los archivos del Pentágono, que es otra vuelta de tuerca sobre los previos que dieron lugar unos meses más tarde al escándalo del Watergate; aunque esta producción busca dar a conocer lo que el Pentágono sabía de ciertos temas relacionados con la guerra de Vietnam fundamentalmente.

 

Este director, que de algún modo, homenajea a Todos los hombres del presidente, protagonizado por Robert Redford y Dustin Hoffman, vuelve a la carga con  una cinta histórica con bastante acierto, aunque puede que esta película nominada a los Óscar a Mejor Película y Actriz  no conecte con  el público fuera de los Estados Unidos, ya que el hecho no es tan conocido. Sin embargo, si se presta atención uno puede aprender cómo era el periodismo de esa época y habría que decir que la película está magníficamente  filmada, pues tiene el ritmo adecuado y los diálogos no son nada forzados y muy naturales, trasmitiendo credibilidad en lo que se está contando. El realizador declaró lo siguiente sobre esta producción en Fotogramas: “Mi imaginación hubiera dañado una película como Los archivos del Pentágono. Cuando diriges un film histórico, más que imaginación necesitas mucha investigación y comprobarlo todo una y otra vez”.

 

La interpretación de Tom Hanks no es de las mejores, pero Meryl Streep está inmejorable y tendría muchas papeletas de hacerse con la estatuilla de no ser por la impresionante actuación de  Frances McDormand en Tres anuncios en las afueras.

 

Este largometraje plantea los dilemas morales a los que se enfrenta la editora del Washington  Post, pues siente el deber de publicar como  cuatro administraciones de distinto signo político engañaron a la opinión pública norteamericana, pero que tiene amigos tanto en las administraciones anteriores como en la del gobierno de Nixon, que se opone  a la primera enmienda que hace referencia a la libertad de prensa. La luz,  en determinados momentos, vuelve a aparecer como muy significativa en un trabajo de Spielberg.

 

En definitiva,  estamos ante una producción que defiende la necesidad del cuarto poder, que es la prensa, para desvelar la verdad y, aunque ese caso tiene su gravedad, es “peccata minuta” si lo comparamos con los casos ocurridos en España, puesto que todo el mundo se olvida de que Nixon tuvo un balance positivo como presidente según comentan algunos especialistas en materia política. Este largometraje demuestra que es necesaria gente valiente como la editora del periódico Katharine Graham, capaz de arriesgar su capital y parte de su vida con tal de que su periódico haga justicia y cumpla con su obligación de informar  a pesar de no estar totalmente de acuerdo con la dirección del periódico. Nos quedamos con una de las frases que define a esta importante mujer, adelantada a su tiempo que nos viene a decir que la prensa no está al servicio de los gobernantes, sino de los gobernados. Por último, la película, de algún modo, denuncia como el poder intenta restringir el derecho a la información, elemento esencial de la democracia (publicado en la red de Blogs de Cope) .

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21st Ene2018

Tres anuncios en las afueras-Frances McDormand tiene muchas posibilidades de Óscar

by Víctor Alvarado

¿El guión y la película recuerdan a los hermanos Coen?

¿Estamos ante una de las mejores madre-coraje de la historia del cine?

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14th Ene2018

El gran Showman-Los sueños se logran con esfuerzo

by Víctor Alvarado

¿Esta película defiende la dignidad del diferente?

¿Cuenta una buena historia de amor comprometido?

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07th Ene2018

Molly´s game

by Víctor Alvarado

Todos recordamos a Aaron Sorkin por ser uno de los grandes guionistas del panorama  televisivo actual. Este hombre es el artífice de series potentísimas como El ala oeste de la Casa Blanca o Newsroom, que ha escrito interesantes libretos cinematográficos como  Algunos hombres buenos, La red social y, sobre todo, Moneyball  que trataba sobre el negocio del deporte que, aunque esa cinta pasase un poco desapercibida en España, el texto  y el mensaje puede hacerte pensar.

 

En esta ocasión, debuta como director, siendo también el guionista de una producción basada en hechos reales en la que se cuenta como una deportista de élite, tras un accidente en una competición, abandona su profesión para convertirse en una organizadora de partidas de póker clandestinas, lo que tendrá sus consecuencias.

 

Esta producción tiene todos los ingredientes para que el producto funcione a las mil maravillas, sustentado en un sólido guión al que no se le escapa un detalle, haciendo honor a las declaraciones del propio Sorkin en una entrevista en la que afirmaba que sus personajes son quijotescos. Decaen y fracasan constantemente pero aún así, tiene algo de romántico el perseguir objetivos honorables. Estos personajes  tienden a usar 10 palabras cuando una hubiera bastado. Dicen exactamente lo que significa en todos los diferentes tipos y maneras posibles. Por otra parte, tanto en el montaje como la dirección Sorkin parece todo un veterano, metiéndole un ritmo endiablado. Estas son las razones por las que queremos que este escritor/cineasta siga trabajando en su nueva faceta, ya que es todo un descubrimiento.

 

El otro ingrediente no es un secreto porque el reparto es excelente. La  camaleónica Jessica Chastain vuelve a demostrar por qué es una de las mejores actrices de Hollywood e Idris Elba, recordado por la serie Luther, controla totalmente a su personaje, transmitiendo transparencia y sinceridad por los cuatro costados, mientras que las  escasas, pero tremendas interpretaciones de Kevin Costner hacen el resto.

 

La evolución del personaje y como va madurando es otro de los aciertos del largometraje, pues su protagonista no está dispuesta a pasar ciertos límites y en ella se producen ciertos cuestionamientos éticos sobre si  para salvar su pellejo es necesario machacar, manchar o destrozar la vida personal o privada de estos jugadores de cartas.

 

Las apariciones estelares y puntuales de Kevin Costner como padre de la chica nos parecen merecedoras del Óscar , al igual que otras categorías, un personaje que, sin duda, es un elogio a la labor oculta de la paternidad que, con sus luces y sombras, busca lo mejor para sus hijos, donde el amor y la comprensión tienen la última palabra (publicado en Pantalla 90).

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17th Dic2017

Se armó el Belén-Simpática y respetuosa visión del nacimiento del niño Jesús

by Víctor Alvarado

¿Por qué es tan necesaria la oración para el creyente?

¿Qué quiere Dios para nosotros?

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03rd Dic2017

Wonder

by Víctor Alvarado

Nos parece difícil de encuadrar  en un solo género a este Wonder con posibilidades de Óscar, ya que unos la calificarían como un drama con tintes cómicos, mientras que otros la situarían en el  género de la comedia dramática.

 

El acierto de su director Stephen Chbosky, un buen conocedor del mundo de los adolescentes como demostró en su trabajo  Las ventajas de ser un marginado, es que esta película juega  a dos bandas con los citados géneros en la que ambos se superponen. A pesar de lo delicado del tema, está todo tratado con tal elegancia y con  la suficiente blancura como para que sea apropiado para un amplio espectro de público, franja infantil incluida.

 

August Pullman es un chico con malformaciones, que se enfrenta al reto de entrar en una escuela privada, tras unos años de múltiples visitas a hospitales.

 

Los jóvenes actores están realmente bien.  Julia Roberts se luce en cada plano y parece haber comprendido que ya ha llegado la hora de interpretar a personajes más maduros y el resultado es razonablemente bueno. El actor Owen Wilson, que recuerda al presentador Jesús  Calleja  que hace entrañables reportajes en Volando voy  por los pequeños pueblos de España, le da la réplica, haciendo de padre que complementa las debilidades de su entregada mujer con la salud de su hijo con gran sentido del humor.

 

Este director se desenvuelve como pez en el agua en producciones que hablen de historias que  demuestren que  hay que profundizar en el conocimiento de las personas porque, en muchas ocasiones, la belleza se encuentra en el interior, pues es el guionista de La bella y la bestia de 2017.

 

Los temas de esta adaptación de la novela de R. J. Palacio están planteados con delicadeza y en ningún momento buscan herir la sensibilidad del espectador como otras producciones que a todos nos vienen a la mente, sino que facilitan la reflexión mediante buenas frases, diálogos intensos o ingeniosos chistes. La película invita a pensar sobre la necesidad de aceptarnos a nosotros mismos tal y como somos, superando las dificultades sin rendirnos nunca, y que todos estamos en este mundo por un propósito especial. Sobre todo, el realizador recalca que el protagonista está llamado a despertar la bondad, la compasión y el respeto en los que le rodean.

 

Hay que prestar atención a las escasas, pero acertadas, intervenciones del director del colegio, interpretado por el actor Mandy Patinkin, puesto que homenajea la labor de esos maestros que se implican en la educación y en los problemas de sus chavales. Sus observaciones resultan claves para detectar por ejemplo casos leves de acoso antes de que se conviertan en un grave problema para lograr, lo más rápidamente posible, que la víctima pueda salir adelante y que los abusadores desistan  de sus acciones antes de que la sangre llegue al río y se conviertan en delincuentes (publicado en Pantalla 90).

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26th Nov2017

La librería-Isabel Coixet abandona la ideología por valores universales

by Víctor Alvarado

¿Por qué es una película capriana?

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19th Nov2017

La Liga de la Justicia-La unión hace la fuerza con referencias mesiánicas

by Víctor Alvarado

¿Hay que poner los dones al servicio de la humanidad?

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12th Nov2017

La mejor receta vs La gran enfermedad del amor

by Víctor Alvarado

¿Es posible el entendimiento entre dos culturas diferentes?

¿Se puede crear una comedia dramática sin caer en tópicos?

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05th Nov2017

Creadores de criaturas: The Frankenstein Complex

by Víctor Alvarado

El género del documental parece que cada vez interesa más a un determinado  tipo de público que tiene ganas de conocer en profundidad un tema en concreto. En este último año hemos podido disfrutar de documentales de la talla de Converso, Todo sobre el asasdo, Aguirre o, en este caso, Creadores de criaturas: The Frankenstein Complex.

 

Los realizadores Gills Penso y Alexandre Poncet nos trasladan, con su gran trabajo, a los años 80 para mostrarnos el talento de los creadores de monstruos para producciones de ciencia-ficción, terror o fantasía porque intentaban hacernos pasar una tarde entretenida, a través de brillantes maquillajes o haciendo unas esculturas-marionetas que rozaban la perfección. Algunas veces eran hiperrealistas y parecían estar vivas a pesar de que la tecnología no estaba tan avanzada.

 

Este ensayo cinematográfico explica el cariño y el mimo con que estos hombres trataban a sus seres inanimados para hacernos creer durante  el visionado que pudieran existir en realidad,  proyectando sus miedos en esas figuras y jugando a ser “dioses”.

 

Los cineastas franceses, que han hecho este documental,  dejan a las claras que el mal ha existido en el mundo y que de  una u otra manera los hombres se han enfrentado a sus monstruos en la prehistoria;  en la literatura como se observa  en los arquetipos de los villanos y en seres malvados de los cuentos o incluso en  la religión como se percibe en la serpiente que habla  con Adán y Eva  para explicar el mal o el temor a lo desconocido.

 

Por otra parte, hace un recorrido por la historia del género fantástico desde su época más primitiva, pero eficaz de los genios del maquillaje a principios del siglo XX hasta los últimos avances tecnológicos de corte digital de Parque Jurásico.

 

Los autores han pretendido que reflexionemos sobre estos artistas que en los años 80 eran unas estrellas indiscutibles y que pasaron en pocos años a ser perfectos desconocidos, puesto que  no tenían rival en el dominio de la técnica de la marioneta o los animatronics que necesitaban de varios expertos para el manejo de un sólo personaje. Sin embargo, en el paso a la era digital… unos no supieron o no pudieron dar el salto, mientras que otros tuvieron visión de futuro y supieron adaptarse a los tiempos o incluso conseguir que ambos estilos de trabajo pudieran convivir. Se percibe que algunos se cayeron del caballo y tuvieron que resurgir de las cenizas para sobrevivir o volver a disfrutar de las mieles del éxito.

 

Los aficionados a este tipo de largometrajes podrán disfrutar y conocer la trastienda robótica de Los Gremlins, Alien,  Star Wars hasta llegar Hellboy  o Parque Jurásico, donde ya las dificultades estarían en los actores al tener que interpretar a sus personajes sin nadie que les diese la réplica y pegados a una pantalla verde.

 

Como dato curioso, este documental permite conocer la forma de trabajar la arcilla y el modo en que dibujan y diseñan a sus personajes a través de la narración visual, utilizando la grabación ultrarrápida que demuestra la gran imaginación de éstos.

 

Nos  han gustado las declaraciones de Guillermo del Toro  que  en las que afirma,  sobre su trabajo, que hay que hacerse niño  a pesar de ser adulto y tener ilusión para continuar los proyectos en los que te ves envuelto y que su momento de máxima felicidad es en el inicio en un rodaje que es cuando estos seres monstruosos saltan al plató (publicado en Pantalla 90).

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29th Oct2017

El secreto de Marrowbone

by Víctor Alvarado

Sergio G. Sánchez, guionista de El orfanato y Lo imposible, se ha pasado a la dirección para ofrecernos lo que promete ser el peliculón español del año: El secreto de Marrowbone, rodada íntegramente en inglés por motivos de mercado. El cineasta novel, que estudió cine en Nueva York y que es el autor del cortometraje 7337, está contento por ser el organizador de la fiesta de una producción de este nivel como él lo llama.

 

 

Los referentes cinematográficos para este trabajo han sido El otro de Robert Mulligan y, muy especialmente, por A las nueve, cada noche de Jack Clayton, que se basaba en la novela de Julian Gloag. El citado director dio las claves de esta cinta en declaraciones a Cinerama: “Hay un tema recurrente  en mi cine, en esta y en la cintas que hecho como guionista, es que siempre hablan de personajes que intentan volver a un lugar que no existe. En el caso de Marrowbone es encontrar el lugar seguro donde puedas preservar tu inocencia. Es un tema que siempre me ha interesado, el desarraigo, tal vez porque yo he viajado mucho durante mi adolescencia. La pregunta que me hago constantemente es cómo puedo llevarme la casa allí donde voy. Eso aparece en todas mis historias”.

 

 

El realizador ha contado con un reparto extranjero en el que los actores que hacen de los hermanos guardan cierto parecido entre ellos con lo que tienes la sensación de convivir con una auténtica familia.

 

 

El arranque inicial de la cinta está muy logrado, a pesar de que se tiene la sensación de que el realizador juega con el espectador y uno se huele lo que va a pasar mucho antes de que ocurra, pero sí ya se ha visto El sexto sentido o Los otros se pierden ciertos efectos sorpresa, ya que se le ve el plumero. Las escenas más impactantes no dan miedo, sino que producen desasosiego. Las virtudes de este largometraje las encontramos en la capacidad para trasladarte a otra época; la fotografía de exteriores que contrasta con la oscuridad de la casa y una deliciosa banda sonora de Fernando Velázquez.

 

 

Desde un punto de vista antropológico, esta producción vuelve a tocar un tema habitual como el de la familia que vuelve a estar de moda en el género de terror, aunque, en este caso, centrada en la hermandad, dando a entender que la familia es un núcleo en el que si hay amor verdadero se genera seguridad, siendo un pilar de contención ante los problemas y las dificultades. Nos ha encantado la idea del ofrecimiento de algunos familiares de la historia para cruzar la raya que les permita mirar al futuro con optimismo junto con el lema de esta atormentada familia que se quiere (publicado en Pantalla 90).

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22nd Oct2017

Red de libertad

by Víctor Alvarado

La lista de Schindler fue una de las primeras producciones de gran entidad en contar la historia de héroes de carne y hueso que se jugaron la vida para salvar a judíos de los campos de concentración. Los españoles tenemos bastante que decir con respecto al tema, pues el diplomático español Sanz Briz se jugó el tipo como se puede ver en El ángel de Budapest, protagonizada por Antonio Valero.

 

 Red de libertad es la nueva entrega en esta materia de Pablo Moreno, un experto en cine religioso, autor de estimables películas como Un dios prohibido, Poveda o  Luz de soledad, que vuelve a contarnos una historia que está basada en hechos reales. Esta producción cuenta la historia de Helena Studler, una Hija de la Caridad que, como dice su director, desafió al poder de un imperio, salvando a más de 2000 personas gracias a su red de libertad.

 

Este largometraje  surge con motivo del 400 aniversario de la fundación de la familia Vivenciana,  impulsada por San Vicente de Paúl y Santa Luisa de Marillach en 1627, que destaca por sus localizaciones, pues se rodó en los campos de concentración originales y en países como Francia,  Portugal y España.

 

El equipo de prensa destaca que el contexto de entonces guarda paralelismos sorprendentes con los conflictos bélicos actuales, recordando cómo la vida de esta mujer se convierte en un referente de superación y lucha contra la injusticia.

 

Su director saca el máximo producto a esta historia porque su presupuesto es escaso, un poco más de 400.000 euros, una cifra que se nos antoja escasa. Sin embargo,  el resultado es notable gracias a su experiencia, a pesar de su juventud y al talento de la actriz  Assumpta Serna,  que nos hizo disfrutar en su papel en El maestro de esgrima, que transmite el arrojo y la valentía de una mujer a la que su fe en Jesucristo le pide acción; es decir, amor  para quien lo necesita incluso, poniendo su vida en peligro. Para ello, esta mujer fue capaz de hacer una especie de cadena de favores al estilo de la película de Mimi Leder, protagonizada por el actor Kevin Spacey, para lograr su cometido, siendo luz en la oscuridad y acogiendo  a la persona sin mirar su nacionalidad,  raza o religión. La otra virtud de este largometraje es que deja claro que hay personajes blancos y negros,  pero que existe la escala de grises, ya que hay colaboracionistas o militares nazis que, en momentos puntuales, se juegan el pellejo o el prestigio por algunos judíos.

 

Como dato curioso, esta religiosa francesa llegó a salvar al mismísimo François Mitterrand, que llegaría a ser un importante político francés como todos nuestros lectores saben (publicado en el Diario Ya).

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