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29th Ene2017

Figuras ocultas y Lion

by Víctor Alvarado

lionFiguras ocultas vs Lion

En este artículo les ofrecemos dos críticas por el precio de una y enfrentamos entre comillas a dos películas que han entrado en la carrera por los Óscar.

 
Figuras ocultas

 
En primer lugar, le recomendamos Figuras ocultas de Theodore Melfi, recordado por St Vincent, que adapta la novela de Margot Lee Shetterly de homónimo título que ha contado con un tridente de magníficas actrices como Taraji P. Henson, Janelle Monáe y Octavia Spencer que, a nuestro juicio, tiene posibilidades de obtener la ansiada estatuilla junto a un Kevin Costner, al que merece la pena ver en versión original.

 
Esta entretenida producción, nominada a tres candidaturas a los Óscar, incluyendo a mejor película, nos propone una historia basada en hechos reales de mujeres, cuyas prodigiosas mentes, superdotadas para la ciencia, tuvieron gran protagonismo en la NASA logrando, con su trabajo, que el astronauta John Glenn fuera el primer hombre en orbitar alrededor de la tierra.

 
Esta cinta, entre comedia y drama, nos permite reflexionar sobre la dignidad de la persona, pues estas mujeres afroamericanas tuvieron que esforzarse no sólo por obtener un título universitario en los años 50, sino por demostrar su valía rompiendo, de algún modo, las barreras existentes por el tema del racismo. Por cierto, llama la atención la naturalidad con la que el cineasta trata la dimensión religiosa de las protagonistas sin ningún tipo de complejos a diferencia de lo que pasa en la mayoría del cine español de los últimos 30 años, mostrando la necesidad que tenemos de Dios tanto en los momentos críticos como en la batalla del día a día.

 

Lion

 
Cambiando de película, el director novel Garth Davis, experto en series de televisión, opta por la historia de Saroo Bierly (muy bien interpretado tanto por el jovencísimo Sunny Pawar como por el conocido Dev Patel), un niño indio que vivió una odisea para encontrar a su familia biológica en el citado país asiático 25 años después de perderse y ser adoptado por una familia australiana.

 

Lion, que ha contado con la notable Nicole Kidman, está nominado a varios Óscar como la anterior, concretamente a 6, nos invita a reflexionar sobre la necesidad del ser humano de conocer sus orígenes para comprenderse mejor a sí mismo y del valor de la acogida porque supone muchas renuncias para los nuevos padres sin saber a ciencia cierta cómo va a encajar ese niño en una familia que, en principio, no es la suya y que ha sufrido mucho en el pasado. Se trata de la típica producción que deja buen sabor de boca, pero con muchos altibajos, unos bastante más intensos que otros (publicado en Diario Ya).

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15th Ene2017

Proyecto Lázaro

by Víctor Alvarado

proyecto_lazaro-439899805-mmedDe vez en cuando aparece  casi de la nada, el cineasta español Mateo Gil, que ha sido el guionista de Alejandro Amenábar en Abre los ojos, Mar adentro o Ágora. Le recordamos por la peculiar Nadie conoce a nadie y el notable western Blackthorn, ambas   protagonizadas por Eduardo Noriega, su actor fetiche  que, en esta ocasión, no participa  en Proyecto Lázaro, una producción de ciencia ficción.

 

El reparto lo conforman Tom Hughes y  Oona Chaplin que es la tercera de una saga, ya que su abuelo era Charles Chaplin; su madre Geraldine Chaplin, que ha trabajado mucho en España y, por tanto  la citada actriz es la nieta de Charlot, teniendo la misma fuerza en la mirada. Esta actriz parece hipnotizada por el mensaje de la película porque se empeña en transmitir a la prensa la idea de que no le gustaría vivir para siempre (una opinión difícil de entender o compartir cuando una de las grandes preocupaciones del ser humano es desesperarse o agobiarse cuando piensa en la posibilidad de la no existencia de la vida eterna).

 

Esta cinta tiene que ver con algún episodio de la inquietante  serie de televisión Black mirror, planteando varios dilemas morales. El arranque inicial del cineasta español nos parece bastante brillante, ya que consigue inquietar al espectador al contar como era la vida del protagonista hasta que se entera de que sufre un cáncer terminal y piensa en la recurrir a la criogenia hasta que se encuentre una solución a su enfermedad que permita a resucitarle para luego introducirle en un inquietante mundo futurista, aséptico,  nihilista, al estilo de algunos libros de  H P Lovecarft, salvando las distancias. No obstante,  a la mitad de metraje el interés decae  y los razonamientos del protagonista resultan demasiado reiterativos.

 

El realizador español se empeña en reafirmar su ateísmo a través de su personaje protagonista tanto en  la ambientación como en la argumentación, tratando de convencernos de que solo la ciencia está capacitada para transmitir esperanza. Sin embargo, el director utiliza el tema de la resurrección de Lázaro que aparece en la Biblia como instrumento para transmitir un mensaje opuesto al Evangelio, lo que resulta paradójico. Por otra parte, esa ausencia de Dios parece lógico que  le lleve a  la nada, pues como decía San Pablo si no ha resucitado el Señor, vana es nuestra fe. Mateo Gil apunta el problema de jugar a ser dioses y se cuestiona si el fin justifica los medios,  mientras que lanza una interesante cuestión que dónde se queda el alma, si se realiza una resurrección artificial (publicado en Pantalla 90).

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08th Ene2017

Silencio

by Víctor Alvarado

silence-2016-imagenA esta temporada cinematográfica la podríamos titular como la del resurgimiento potente de  películas de temática cristiana porque el cine español ha estrenado Luz de soledad y Footprints; el cine europeo Las inocentes y Blanka, que es una coproducción  italo-filipina, mientras que de la Meca del cine han salido dos producciones extraordinarias como Hasta el último hombre de Mel Gibson y Silencio de Martin Scorsese,  que nos disponemos  a analizar.

 

El argumento gira en torno a dos jesuitas del siglo XVII que viajaron a Japón para conocer porque uno de los padres de la Compañía de Jesús, fundada por San Ignacio de Loyola, había apostatado de  su fe por causa de la tortura infringida por algunos japoneses.

 

Este largometraje es  un  proyecto personal de este maravilloso director, recordado por Taxi driver, Uno de los nuestros,  Infiltrados,  La invención de Hugo o  Shutter Island, que ha estado danzando durante más de 20 años y que explica a la perfección el funcionamiento y el sentido de las congregaciones religiosas.  Esta película, Silencio, está basada en  la novela histórica del escritor japonés católico Shusaku Endo. El ritmo  es pausado y lento, pero atractivo, atrapándote  de principio a fin. La intensidad dramática te  mantiene en tensión porque se sea o no creyente no parece difícil comprender  y ponerse  en el lugar de los protagonistas. La mayor virtud  del cineasta Martin Scorsese es la cantidad de matices que da a los personajes tanto los positivos como los más tóxicos, lo que le da credibilidad a la historia. No obstante, hay críticos de cine que dicen que se ensaña con el villano. Estamos  convencidos de que este trabajo no dejará a nadie indiferente. Se puede entender como la reconciliación del realizador con la Iglesia Católica. En definitiva, se trata de una película con muchas posibilidades para entrar en la carrera por los Óscar.

 

El reparto lo componen dos magníficos actores como Alan Driver y Liam Neesson junto a un Andrew Garfield, protagonista de la última saga de Spiderman que, a pesar de no ser santo de mi devoción, progresa adecuadamente como nos decían en el colegio. Los actores de rasgos orientales se acercan a la matrícula de honor con sus interpretaciones.

 

Esta cinta es un homenaje a la gente sencilla; a esos más de mil  campesinos nipones que murieron mártires  por defender su fe y que están en proceso de beatificación. Aparecen como cristianos fieles al mensaje enseñado por Jesucristo, no siendo presentados como fanáticos, sino como personas muy coherentes, lo que servía de acicate para los misioneros jesuitas, inspirados en San Francisco Javier para que tuviesen más claro que su entrega había merecido la pena. La cinta intenta hacernos pensar de hasta dónde estás dispuesto a llegar por un ideal.  Invita a reflexionar sobre el modo que tiene Dios de comunicarse con el hombre que se toma unos tiempos distintos a los nuestros. Por último, el cineasta hace una propuesta interesante en la  que plantea que si cuando un hombre es obligado a renegar de sus creencias por la fuerza bruta, es posible que su corazón deje de confiar en la Providencia. Por otra parte, el guionista ha ajustado los diálogos de manera acertada en la que los personajes hablan del Evangelio y lo pueden relacionar con su vida en la que se muestra que el amor de Dios es más poderoso que nuestras flaquezas (publicado en el Diario Ya).

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15th Dic2016

Hasta el último hombre-Un películón de Mel Gibson como director

by Víctor Alvarado

hasta-el-ultimo-hombre_102011¡Por fin! Ya era hora de que regresara uno de los mejores actores/directores del panorama internacional como Mel Gibson, autor de la impresionante La Pasión de Cristo (cargado de una profunda teología); la oscarizada Braveheart o la fiel a la historia de lo que supuso la llegada de los españoles, misioneros y conquistadores a América, en Apocalipto. Este cineasta nos cuenta la historia del médico Desmond Doss que fue el primer objetor de conciencia galardonado con la Medalla de Honor al Congreso de Los Estados Unidos que, aunque era favorable al conflicto bélico por el afán imperialista de Japón y Alemania, quiso ser coherente con su fe y no matar a nadie, salvando a 75 hombres sin llevar un arma. Hemos encontrado declaraciones de todas las ramas del cristianismo que viven en ese país, defendiendo los argumentos de esta producción.

 
El intérprete estrella es Andrew Garfield, recordado por La red social y Spiderman, muy bien encauzado por Gibson. El humorista Vince Vaughn que cambia de registro dando señales de su versatilidad junto a la actriz Teresa Palmer, que nos ofrece dos o tres momentos memorables. El actor Andrew Garfield definió a esta persona en declaraciones a Fotogramas como una criatura divina, un hombre que renegaba de toda glorificación, pero que hizo algo sobrehumano. Reconociendo que él no arrastraría ni siquiera un nombre por un campo de batalla y el salvó a 75. La primera parte nos cuenta la vida de Desmond Doss desde su infancia, para que entendamos por qué es tan fiel a sus convicciones religiosas de corte cristiano y sin utilizar ninguna arma, pero tampoco renunciando a su patriotismo. La segunda parte se centra fundamentalmente en la destructiva y sangrienta batalla de Okinawa.

 

Se trata de un cineasta que se toma su tiempo planificando la historia que quiere contar, ya que no puede cometer ningún fallo para evitar que sus detractores tengan argumentos a que agarrarse para hacerle el boicot. El resultado es que mejora las capacidades de los actores; la fotografía es impactante e insuperable; los diálogos nos parecen brillantes y los mensajes demoledores. Por otro lado, tiene la virtud de que en sus cintas el drama y el humor tenga su sentido y guarden cierto equilibrio. Hasta el último hombre logra emocionarnos por la historia que cuenta. Uno tiene la sensación de que el autor de la película no te manipula para conseguirlo. Nos ha parecido muy interesante escuchar las declaraciones de esos militares a modo de documental al final del largometraje porque demuestran que el relato cinematográfico se ajusta a la realidad. Este realizador, como hacía John Ford, de un plumazo describe a todos los secundarios del batallón con una precisión milimétrica, lo que te proporciona elementos para comprender mejor cuáles son las razones por las que esas personas actúan como actúan.

 
Creo que no exagero cuando afirmo que es la mejor película que he visto en los últimos 4 años y probablemente esta obra maestra sea una de las mejores producciones bélicas de la historia junto a Senderos de gloria, Los cañones de Navarone, Salvar al soldado Ryan, Cuando éramos soldados o El francotirador, aunque seguro que me dejo alguna en el tintero, porque demuestra las luces y sombras del ejército como la dureza de la guerra con escenas fuertes, la férrea disciplina, la táctica o valores como la valentía, la camaradería y la capacidad de sacrificio por sus compañeros.

 
La película nos invita a reflexionar sobre la coherencia de un cristiano que quiere ser fiel a los mandamientos que Dios otorgó a Moisés. Cueste lo que cuesta, no por fanatismo, sino por convicción. El director no tiene reparos en mostrar al protagonista orando o meditando varios pasajes de la Biblia. Este médico de campaña demuestra que los ideales religiosos no están reñidos con el sentido del deber, pues el protagonista da la vida por sus amigos e, incluso, enemigos como lo haría el mismísimo Jesucristo. Estamos ante una persona que escucha lo que el Señor tiene que decirle para que su forma de actuar sea consecuente.

 
Finalmente, tanto con el corazón como con la cabeza pienso que esta película se merece algún que otro Óscar de importancia como mínimo (publicado en el Diario Ya).

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20th Nov2016

La llegada-La idea de que el idioma que hablas determina cómo percibes el mundo

by Víctor Alvarado

ARRIVALAunque pueda sonar a piloto de Fórmula Uno, Denis Villeneuve es un director de cine que, además es sinónimo de éxito, siendo autor de impactantes largometrajes como Prisioneros, que hace comerte la cabeza; la simple interesante Incendies y la desasosegante Sicario. A este cineasta le fascina la ciencia ficción y, en este caso, adapta el relato corto de Ted Chiang: La historia de tu vida. No obstante, la película se titula La llegada.

 

El citado autor del relato desveló en unas declaraciones las claves de este más que apetecible trabajo: “La historia trata sobre muchas cosas distintas, pero una de ellas es lo que se conoce como hipótesis de Sapir-Whorf, que es la idea de que el idioma que hablas determina cómo percibes el mundo, e incluso qué clase de pensamientos puedes tener. La protagonista de la historia es una lingüista que aprende poco a poco un idioma alienígena, y eso cambia su forma de entender la vida”. Por otra parte, el director destacó, comentario con el que coincidimos, lo siguiente: “Conocemos al personaje de Louise a través de la historia con su hija. Es una de mis partes favoritas de la película. Aportó mucha humanidad, profundidad y una hermosa vulnerabilidad a su personaje, una melancolía que yo estaba buscando”.

 

La historia gira en torno a una serie de naves espaciales que invaden todo el planeta Tierra, de manera, en principio, pacífica, por lo que será necesario un grupo humano entre el que se encuentra una experta lingüista Louise Banks, que a toda prisa tendrá que encontrar respuestas para evitar un conflicto bélico de grandes dimensiones.

 

La película es una mezcla o guarda similitudes con Encuentros en la tercera fase, la serie V o Contact y, sin embargo, es completamente distinta a lo que estamos acostumbrados. Todo esto puede deberse a la intensidad que trasmite el realizador a sus dispares trabajos porque la temática es indiferente, pero siempre dando en la diana y provocando al espectador. Villeneuve mantiene la intriga hasta un emocionante final que puede sorprender al espectador más experimentado.

El trabajo de los actores Jeremy Renner y Forest Whitaker es realmente bueno y, en especial, Amy Adams que tiene todas las papeletas para entrar en la carrera por los Óscar con esta cautivadora interpretación.

 

La cinta , La llegada, hace referencia a la necesidad de entender qué se nos quiere comunicar antes de tomar una decisión de terribles consecuencias cuando existe una barrera idiomática, donde hay que prestar atención tanto al lenguaje verbal como al no verbal, todo ello sin olvidar a los sentimientos, mostrando la intención de comprender al otro (publicado en Diario Ya).

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13th Nov2016

100 metros

by Víctor Alvarado

100-metros-cartelEl cine de cuota española es menos cuota que nunca gracias al talento del cineasta Marcel Barrena,  que deja a un lado el marcado carácter ideológico de nuestro cine para contarnos una historia de superación personal sin escenas violentas; comentarios de mal gusto y escenitas que nos obligan a mandar a los niños a la cama, transmitiendo esperanza, mucha esperanza.

 

Este realizador se ha enfrentado al reto de volver a unir a dos estrellas de nuestro cine como Dani Rovira y Karra Elejalde, expertos en la comedia, que han demostrado su versatilidad en una cinta, donde se entremezcla el drama con el humor. La actriz Alexandra Jiménez, esposa e hija de los protagonistas de la historia, da la necesaria credibilidad, conteniendo a dos titanes de la escena española.

 

Ramón, padre de familia,  vive para el trabajo hasta que su cuerpo empieza a fallar. Diagnosticado de esclerosis múltiple todos los pronósticos parecen indicar que en un año no será capaz de caminar ni 100 metros. Ramón decide plantarle cara a la vida participando en la prueba deportiva más dura del planeta. Con ayuda de su mujer y del gruñón de  su suegro, este hombre inicia un peculiar entrenamiento en el que luchará contra sus limitaciones, demostrándole al mundo que rendirse nunca es una opción.

 

 

Este cineasta ha logrado que una historia, basada en hechos reales sea entretenida y te conmueva, siendo capaz de iluminar la vida de esas personas que tiene la moral por los suelos por culpa de una enfermedad de difícil pronóstico como la esclerosis múltiple. Esta producción demuestra que no podemos hundirnos en el dolor y que existen superhéroes de carne y hueso que con una kriptonita/enfermedad se enfrentan a retos a los que nosotros no seríamos capaces ni de acercarnos. Por otra parte, habría  que decir que los actores se sorprendían de la manera admirable y el sentido del humor con el que estas personas sobrellevaban la enfermedad que puede aparecer o rebrotar de la noche a la mañana.

 

Por otra parte, esta película habla de la necesidad de limar las diferencias, en este caso, entre los miembros de la familia política para lograr un objetivo aprovechando las virtudes y perdonando los defectos.

 

Finalmente, nos quedamos con las declaraciones del auténtico protagonista de esta historia, Ramón Arroyo, que expresó su satisfacción por ese trabajo tan acertado: “Esta película que tiene la vocación social y un profundo interés en ayudar y ser altavoz de las casi 50.000  personas que convivimos con la esclerosis múltiple antes de su estreno ya ha empezado cumplir su cometido. Sí, con nosotros. En los dos últimos años,  la múltiple se ha puesto peleona y hemos pasado momentos duros tanto físicos como emocionales, donde viejos fantasmas volvían a esconderse detrás de las puertas. Podemos decir bien alto y con  mucho orgullo que gracias a  100 metros hemos podido sobrellevar los malos momentos, donde hemos podido recibir por parte de todo el equipo de la película la mejor de las medicinas: el respeto y el cariño” (publicado en el Diario Ya).

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06th Nov2016

Sully

by Víctor Alvarado

sully_99453Al igual que pasa en España con directores de la talla de Garci o Almodóvar, en el cine estadounidense hay varios nombres que siempre suenan como Steven Spielberg, Woody Allen o, en este caso, Clint Eastwood que, independientemente del nivel de sus películas, sus trabajos siempre generan mucha expectación.

 
Sully es su nueva entrega, basada en hechos reales, pues el Capitán “Sully” Sullenberger hizo amerizar su avión en el río Hudson para salvar a 155 pasajeros. No obstante, tuvo que sufrir una investigación como consecuencia de este suceso que estuvo a punto de acabar con su carrera.

 
Clint Eastwood, autor de la maravillosa Gran Torino, hace un producto típicamente americano de esos que tanto le gusta a los habitantes de ese país y que sirve para dar muestras de su patriotismo sin complejos como demostró con la excelente El francotirador. El inicio del largometraje no nos pareció muy prometedor, pero una vez transcurridos los primeros 10 minutos de metraje la cinta fue ganando interés y estamos convencidos de que la calidad de la producción, sin ser de las mejores del cineasta, tiene muchas posibilidades de ser nominada a los Óscar este año.

 
Tom Hanks da vida al protagonista de esta historia con el que guarda cierto parecido. El conocido actor vuelve a aceptar un papel interesante como hizo con El puente de los espías, cosa que no siempre hace tras varios traspiés. Es el clásico personaje de clase media americana honrado que intenta hacer su trabajo lo mejor posible, demostrando su gran sentido del deber. Por cierto, el auténtico Sully fue un alumno brillante y un excelente profesional, incluso trabajando para la NASA. Los flashback están magníficamente dosificados y nos ponen en antecedentes de con qué tipo de persona estamos tratando. Las escenas de acción, a pesar de que todos conocemos la historia de cabo a rabo, hacen creer que algo terrible va a ocurrir, transmitiendo la gran tensión que se tuvo que vivir en esos intensos minutos .

 
El director ha mostrado a un hombre de carne y hueso enamorado de su mujer y que conectaba y se comunicaba con ella con fluidez en momentos de dificultad. Se trata de un héroe que supo mantener la calma en una situación extrema y que, a pesar de que todo el mérito fue suyo, tuvo la humildad de reconocer la labor de los demás sin echarse flores y resaltando el trabajo en equipo. Por otra parte, el realizador ha reflejado a la perfección el comportamiento de los pasajeros en una situación límite y como algunos de ellos se agarran a la fe y rezan de un modo natural. La verdad es que la jugada salió a la perfección y ese gesto tuvo su recompensa porque le llaman a ese hecho “El milagro del Hudson” (publicado Diario Ya).

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23rd Oct2016

La chica del tren

by Víctor Alvarado

la-chica-del-tren_99313Hacía tiempo que un thriller  no generaba tanta expectación a priori como La chica del tren. En una época en las que las producciones de este género se suceden sin solución de continuidad y con más pena que gloria,  el cineasta Tate Taylor, recordado por la buena película Criadas y señoras, adapta la novela negra de homónimo título de Paula Hawkins, que ha vendido 11 millones de ejemplares en todo el mundo. Este largometraje está influenciado por los textos de Patricia Highsmith y, claramente, marcado por la intriga tan característica de falso culpable de Alfred Hitchcock  y su célebre La ventana indiscreta, aunque, en este caso, el  protagonista no es James Stewart,  sino  la actriz Emily Blunt. A esta mujer le acompañan intérpretes más o menos consolidados como Justin Theroux, Luke Evans, Édgar Ramírez, Rebecca Ferguson y Haley Bennett  que son los nombres que más suenan.

 

El argumento gira en torno a Rachel, una mujer que ha pasado por un traumático divorcio, cayendo en la garras del alcohol. Al viajar todos los días en tren  fantasea mientras observa a una pareja aparentemente feliz que vive en frente de una de las paradas. No obstante,  no es oro, todo lo que reluce, pues desde la ventana del citado medio de transporte es testigo de un crimen.

 

La película presenta una cadencia a modo de sierra con altibajos, unos más interesantes y otros que transcurren a cámara lenta, lo que queda claro es que no llega al nivel de su mejor trabajo, tal vez lastrado por una historia muy oscura que, en algunos aspectos, recuerda a Perdida, por el morbo y la maldad de algunos personajes. Está todo muy retorcido. La cinta no alcanza ni por asomo al Maestro del suspense. El final es demasiado enrevesado, gore adolescente e inverosímil, cargándose el relativamente conseguido esfuerzo por intrigar.

 

La película se encarga demostrar los estragos que el alcohol puede llegar hacer en las personas y la importancia de conocer todos los puntos de vista. La astucia y  la veteranía de la policía es un grado para poder cumplir con el deber de sacar la verdad a la luz para que los jueces puedan hacer justicia. El delincuente de esta cinta es un ejemplo de lo que  hay que hacer para hacer infelices a los que te rodean por su falta de virtud y su capacidad de manipulación de la realidad para salirse con la suya (publicado en Pantalla 90).

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16th Oct2016

Luz de Soledad

by Víctor Alvarado

luz-de-soledad_101368Las Siervas de María, Ministras de los Enfermos, sentaron las bases de las Escuelas de Enfermería porque fueron las primeras que realizaron esta especialidad en España en torno a 1915. Sin embargo, este hecho no se hubiera producido sin la iniciativa del Padre Miguel Martínez y Sor Soledad Torres Acosta que la fundaron. Esta producción es un biopic que cuenta la vida de esta luchadora mujer.

 
Olga es una abogada de prestigio, que está agobiada, puesto que no le queda más remedio que recurrir a una monja para que cuide de su problemático padre que, a regañadientes acepta y escucha la historia principal de esta película, Luz de Soledad.

 
Pablo Moreno es el autor de un Dios prohibido y Poveda, que incluye un guiño a la citada en segundo lugar en esta producción. Este cineasta ha ganado dos premios Mirabile Dictu de Roma, considerados como los Óscar del cine católico. La película tiene dos partes bien diferenciadas, una más simpática y dinámica y otra más irregular, marcada por un par de secuencias impactantes realmente logradas y bien planteadas. El mérito de este joven cineasta de 32 años es que, con muy pocos medios, saca el máximo producto posible sin que el relato pierda fuerza.

 
Este realizador ha contado con un reparto especializado en el mundo de las series de televisión entre los que destacan Elena Furiase y su madre Lolita junto a valores seguros como Raúl Escudero, Carlos Cañas o Laura Contreras. Ésta última da vida a esta comprometida mujer, trasmitiendo la sobriedad y el entusiasmo de una persona enamorada del pasaje del Evangelio de San Mateo (25, 36): “Estuve enfermo y me visitasteis… Lo que hicisteis a uno de mis hermanos, me lo hicisteis”. La clave del legado de esta religiosa se resume en que ella entiende su misión en la encarnación de la civilización del amor, superando el mal a fuerza de hacer bien a todos, llevando a la sonrisa en los labios y la humildad en el corazón.

 

Por último, este largometraje es una prueba de cómo Dios cambia el corazón de las personas cuando un personaje secundario, angustiado y muy dolorido por su enfermedad, comprende qué es lo que mueve a estas entregadas religiosas, al reconocer que le había tratado como basura y Sor Inés, su enfermera a domicilio, le había cuidado como si fuera su Dios.

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09th Oct2016

Un monstruo viene a verme

by Víctor Alvarado

un-monstruo-viene-a-verme_101467El director Juan Antonio Bayona  es un valor en alza del cine español, autor de dos buenas películas como El orfanato, una cinta de terror donde se abría el debate entre agnosticismo y creencia junto a  Lo imposible en la que se explicaba esa terrible lucha por la supervivencia con ausencia de trascendencia.

 

Este cineasta estrena Un monstruo viene a verme, que se basa en la novela juvenil de Patrick Ness de homónimo título, que vuelve a hablar de uno de los temas clave de su corta trayectoria profesional, las relaciones materno-filiales. De este modo se puede decir que, casi sin pretenderlo, este realizador completa una especie de trilogía.

 

Esta producción utiliza la fantasía para afrontar el paso de la niñez a  la adolescencia con el añadido de tener que aceptar la muerte en un ser tan querido como una madre que no sólo te ha dado la vida, sino que ha dedicado cada minuto de ella a cuidarte. Juan Antonio Bayona ha tenido la inteligencia de contar una historia, mediante una metáfora muy imaginativa, sin quedarse en los tópicos del género y de la problemática de los chavales, aportando algo especial y dotándolo de elementos que enriquecen la historia como la secuencia abierta a la trascendencia al lado de una iglesia o el modo en el que la abuela se gana la confianza del nieto progresivamente. El amor y los gestos de cariño parecen esenciales en esta historia para superar un hecho traumático. Por otra parte, la cinta es una reflexión sobre los seres humanos que no somos ni buenos ni malos, sino que estamos en una escala de grises, lo que no implica que no tengamos la capacidad de distinguir el bien del mal.

 

Finalmente, ha contado con un reparto encabezado por Sigourney Weaver, Felicity  Jones, Liam Neesom y Lewis Macdougall, un niño que hace un notable trabajo. Además, no hay que perderse los guiños cinéfilos a King Kong y El increíble hombre menguante por poner un par de ejemplos con las que guarda ciertos paralelismos y  que juegan con las metáforas al igual que ésta, aunque las conclusiones sean diferentes (publicado en el Diario Ya).

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02nd Oct2016

El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares vs Los 7 magníficos

by Víctor Alvarado

MISS PEREGRINE'S HOME FOR PECULIAR CHILDRENGuste más o menos. Te resulte más o menos atractivo. Hay que reconocer que el cineasta Tim Burton es siempre fiel a su especial universo de seres “monstruosos” ,que tienen su particular corazoncito.

 

El caso es que se estrena la nueva producción salida de su factoría como El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares, que ha contado con un elenco de lujo de veteranos de alta calidad como Samuel L Jackson en un papel histriónico acertadísimo, que no se pierde una película fantástica o de superhéroes junto a actores más jóvenes como Eva Green o Asa Butterfield, al que recordarán por La invención de Hugo. El director adapta el bestseller de Ramson Riggs. Tim Burton regresa a las historias que le hicieron brillar como Eduardo manostijeras, La novia cadáver o la inolvidable relación de un padre con un hijo en Big fish. La cinta está cargada de guiños cinéfilos a Titánic,  Atrapado en el tiempo, Jason y los argonautas, Harry Potter o Lady Halcón. La canción  de la banda sonora de Florence and  The Machine: “Wish That You Were Here” es magnífica.

 

La película es una mezcla entre  historia fantástica y  de superhéroes. Tal vez eso se deba al pasado de su guionista, Jane Goldman, especializada en esta temática. Esta producción del gótico cineasta muestra su lado más sensible y nos enseña que las persona, que son o se sienten, diferentes no deben marginarse porque todos somos distintos e  irrepetibles, lo que nos hace únicos por lo que seguro que tenemos dones  que pueden ponerse al servicio de los demás. Por otro lado, es un homenaje a la entregada labor de los abuelos.

 

Los  siete magníficos

 

Todo nuestros lectores saben  que el germen de esta película  parte de uno de los mejores directores japoneses de la historia, Akira Kurosawa, autor de Los siete samuráis que dio lugar  a un entretenido largometraje hasta cierto punto con una impresionante banda sonora en 1960,  dirigido por  John Sturges y protagonizada especialmente por Yul Brynner  y un  Steve McQueen que, en un principio, iba a ser un secundario, pero que quitó protagonismo a otros intérpretes porque era un auténtico roba planos por lo bien que estaba en todas las escenas. Por tanto, podemos decir que no hay que perderse este potente western y en un año que parece que resurge el género. Está claro que es el remake del remake, pero manteniendo la esencia.

 

El director ha contado con dos estrellas de lujo como Denzel Washington que no sé si encaja bien como protagonista negro por el racismo propio de la época en la que está ambientada y no debemos perdernos el  personaje creado por Ethan Hawke.

 

Bajo mi humilde punto de vista, esta producción de 2016  mejora a la versión clásica, tanto en la acción de un realizador especializado en ese género, Antoine Fuqua, como en las cuestiones de fondo. Merece la pena destacar el modo en el que se refleja la amistad, la lealtad y las firmes convicciones religiosas de los protagonistas y secundarios que no solo rezan en unas situaciones límite, sino que se percibe que  su oración parte de una vivencia de la fe  profunda, sincera y auténtica.

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25th Sep2016

Footprints, el camino de tu vida

by Víctor Alvarado

footprints_pequen_oLa productora Infinito+1 ha demostrado, con los documentales Tierra de María y La última cima sobre el  sacerdote Pablo Domínguez, que el cine religioso y la rentabilidad económica no están reñidos. Esta empresa  audiovisual cuenta historias reales con finales optimistas.

 

El argumento de Footprints, el camino de tu vida gira en torno a un anuncio publicado en Arizona en el que básicamente se decía que se buscaban personas dispuestas a caminar 900 kilómetros durante 40 días, en el que se garantizaban una serie de penurias como el frío, el calor o el cansancio por los parajes del Camino de Santiago para descubrir el sentido de la existencia. Esta película recoge las aventuras de once valientes que aceptaron el reto: cristianos conversos; padres de familia; deportistas, sacerdotes o personas que habían llevado una mala vida.

 

Este año, el cineasta Juan Manuel Cotelo, como hizo en otras ocasiones con éxito, estrena este documental con el lema:”La película que camina y ayuda a caminar”. Esta producción, al igual que el excelente documental de gran fidelidad histórica, Melchor Rodríguez, el ángel rojo en otra productora, podrá ser proyectada en tu localidad si hay un número de personas relativamente considerable que lo solicitan en la página web. El realizador madrileño consigue que su trabajo, entre didáctico y profundo, nunca pierda ni el sentido ni el ritmo para captar la atención del espectador con testimonios espirituales, dibujos animados y bellos paisajes acompañados de una música relajante. El cineasta, cuando lo considera oportuno, cambia el enfoque para no cansar, pues ya se sabe que un documental a partir del minuto 60 debe ofrecer algo distinto con el que sorprender al espectador que empieza a perder la atención.

 

El documental muestra una serie de perlas que pueden ser objeto de comentario como aquella en la que uno de los protagonistas reflexiona sobre el sentido del sufrimiento y el valor del sacrificio, afirmando que en algunas ocasiones el camino más placentero no es siempre el  mejor y después de un esfuerzo el grado de satisfacción puede ser mayor y el afrontamiento, ante una pequeña dificultad del día a día, resulta más llevadero. Este grupo de aventureros coinciden en señalar a la Eucaristía como el mejor momento del día porque afirman que les transmite una energía sobrehumana, que les permite continuar.

 

Por último, destacamos que para los peregrinos, el momento más difícil del viaje fue, cuando después de haber ido cada uno a su ritmo durante las primeras etapas del viaje, tienen que unirse, como si fuera la comunidad del Señor de los Anillos para conseguir atravesar los Picos de Europa. Lo hicieron a relevos, como si de un equipo ciclista se tratara , lo que más llama la atención es que se sentían como una fuerza especial en el que hasta los caminantes más débiles marcaban un buen ritmo muy similar al resto de sus compañeros, siendo uno de los días que menos tardaron en completar una durísima etapa (publicado Diario Ya).

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18th Sep2016

Morgan

by Víctor Alvarado

morganEsta crítica la podríamos titular como “todo queda en familia”, ya que el cineasta Luke Scott, hijo de Ridley, en este caso, en labores de productor, debuta con una película de ciencia-ficción, rodando como su tío Tony Scott y perdón por la redundancia, según comenta algún crítico de prestigio. Esta producción guarda ciertos paralelismos con la obra maestra Blade Runner, filmada por su progenitor. Todo hay que decirlo, el chico apunta maneras.

 
Lee Weathers es una especialista en resolver problemas corporativos. Después un accidente deberá evaluar si una nueva forma de vida, creada en laboratorio, es apta para convivir y relacionarse con seres humanos, puesto que presenta una pequeña imperfección en su comportamiento que necesita ser analizada.

 
Este largometraje, algo claustrofóbico y muy bien ambientado, aunque carente de la iluminación adecuada, consta de dos partes bien diferenciadas. La primera presenta un ritmo pausado intrigante, mientras que la segunda nos sorprende con un potente giro argumental que convierte a la cinta en un producto de acción, cargado de adrenalina. Por cierto, hay alguna que otra escena que puede herir la sensibilidad de los espectadores. No obstante, se podría haber aprovechado mejor la supuesta inteligencia del personaje manipulado genéticamente para torear a los investigadores porque hubiese dado bastante juego.

 
Morgan viene respaldada no sólo por brillantes estrellas como Jennifer Jason Leigh y Paul Giamatti, que se convierten en magníficos acompañantes secundarios de Anya Taylor-Joy, cuya interpretación trasmite desasosiego y Kate Mara que cambia su habitual registro amable, por el que la conocíamos, para transmitir la frialdad que requiere su personaje.

 
El tema principal de esta producción es la biotecnología, lo que sirve para reflexionar sobre los límites de la ciencia; sobre si el fin justifica los medios o si resulta ético utilizar embriones para convertirlos en máquinas al servicio de las empresas, eliminando sus sentimientos para aumentar su rendimiento, borrándoles la capacidad para distinguir entre lo correcto y lo incorrecto, el bien y el mal, que pueda servir de freno para evitar males mayores. Tenemos la impresión de que su director deja libertad sin manipulación para que el espectador juzgue por sí mismo, una vez que están puestas todas las cartas sobre la mesa (publicado en Páginas Digital).

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11th Sep2016

El Principito

by Víctor Alvarado

thumb_el-principito_101014Les confieso que El Principito  es uno de mis libros de cabecera porque su contenido no te deja indiferente y te toca el alma.

 

La dirección de esta adaptación del cuento El Principito de Antoine de SaintExupéry ha correspondido a Mark Osborne, autor de la primera parte de Kun Fu Panda. Este hombre de cine se ha inspirado  en la película  Mi tío de Jacques Tati  y  en alguna que otra producción del universo Pixar como UP o Del revés como, si son observadores, podrán comprobar.

 

El cineasta no adapta al pie de la letra la célebre obra del autor francés, pues es consciente de su dificultad por su surrealismo. Sin embargo, este realizador saca alguno de los episodios más potentes de este cuento para adultos o para todos los públicos según se mire, entremezclándolos en una historia coherente, donde éstos encajan a la perfección y nos hacen pensar. Ha debido de contar con un equipo muy completo  e imaginativo de colaboradores, ya que en esta producción aparecen tanto escenas de dibujos en tres dimensiones como marionetas animadas con la técnica de  Stop Motion. La música de Hans Zimmer nos parece merecedora del Óscar a la mejor banda sonora y a la mejor canción. Por cierto, la canción en español de la artista Roko es una auténtica joya.

 

Es la historia de una niña, controlada y dirigida por una madre que aspira a que su hija entre en un prestigioso colegio privado a toda costa sin preocuparle, aparentemente, lo que su hija pueda sentir.

 

La película es una especie de oda a la amistad y nos enseña el modo de afrontar la pérdida de un ser querido. Me parece especialmente brillante la célebre frase: “Sólo con el corazón se puede ver bien, lo esencial es invisible a los ojos”. Este extracto demuestra la elegancia  por un lado y la profundidad por otro, siendo una frase imprescindible para toda persona que no se quede en la superficie o para toda persona creyente. Transmite esperanza y te anima a reflexionar sobre la fe. Este autor francés se educó en un colegio católico, perdiendo su fe en su juventud, pero que en una de últimas obras escribió una oración en la que parece que la recupera, detalle a tener en cuenta en un escritor cuya obra destaca por su marcado carácter autobiográfico.

 

Por último, la cinta nos enseña  que no podemos tenerlo todo planificado en la vida y que hay que estar abierto a ver lo que los demás nos tengan que aportar o para escuchar la sugerencia de un ser superior (Publicado en Pantalla 90).

 

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08th Sep2016

Blood Father

by Víctor Alvarado

blood-father-imagen-8Ya era hora de que tuviésemos noticias del actor Mel Gibson, al que muchos recordarán por sus meteduras de pata a causa del alcohol, que tantas vidas anónimas ha destrozado como demuestra la película. Sin embargo, nadie puede negar su valía de director, ofreciéndonos obras maestras como Apocalipto o la profunda e impactante La Pasión. Nunca podremos negar que muchos de nosotros  hemos disfrutado con sus interpretaciones en taquilleros éxitos como Conspiración, El castor o El patriota. El caso es que poco a poco va saliendo del pozo y del silencio  intencionado de los medios de comunicación por su incorrección política y su fe. Por esa razón, esta semana vamos a disfrutar de Blood Father, que es una historia de redención, donde se  mezclan los argumentos de Gran Torino  y Venganza.

 

John Link es un ex convicto que tiene una hija, que huye de un cártel de la droga. Este individuo hará todo lo posible para que ella salve su vida.

 

El cineasta Jean-François Richet ha sabido aprovechar casi con toda probabilidad ciertos pasajes de la novela de Peter Craig en la que se basa, porque combina la familiaridad y la calidad en un género, que no destaca especialmente por la cantidad y la  profundidad de buenas conversaciones. Este realizador es todo un experto en cine de acción, recordado por Asalto al distrito 13 .H a creado una especie de western moderno con aroma a roadmovie.   El director  ha cuidado que los diálogos primen por encima de la acción en la que ambos elementos se entremezclan sabiamente para que la producción no pierda interés en ningún momento. La cinta está cargada de guiños a sus películas más conocidas. Cuando vean esta producción,  aparecerá en su mente, en parte, Arma Letal o Mad Max, aunque hace referencia a algunas otras. Se trata de un thriller de indudable categoría que seguro que, tirando de filmoteca, guarda ciertos paralelismos con otra del género, pero también parece ciertamente original. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto con un thriller de estas características.

 

No  hay que perderse la escena en la que, de algún modo, el actor protagonista se confiesa en una capilla en una especie de Alcohólicos Anónimos o Proyecto Hombre, tanto de sus pecados en la gran pantalla como en la vida real, pues estamos ante un largometraje abierto a la trascendencia, en la que la estrella hollywoodiense intenta  relanzar su carrera y resurgir de las cenizas con fuerza. Por otra parte, la hija del protagonista hace una encendida defensa de la dignidad de los inmigrantes.

 

 

Blood Father es una historia de perdedores que merecen una segunda oportunidad, que necesitan perdonar y ser perdonados porque no lo han hecho bien en el pasado. Ese viaje  de huida puede entenderse como un camino para empezar de nuevo (publicado en Pantalla 90).

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03rd Jul2016

Esperando al rey

by Víctor Alvarado

IMG_6703.CR2El cine americano, con mayor o menor acierto, aunque acercándose claramente a la realidad, ha contado la génesis o las consecuencias de la recesión económica y recordamos títulos como  The company  men  en la que aparecía Kevin Costner, Margin call con Kevin Spacey y la reciente, La gran apuesta.

 

El director de cine y compositor de bandas sonoras, Tom Tykwer,  ha sido el encargado de llevar a buen puerto, nunca mejor dicho, Esperando al rey, basado en la novela de Dave Eggers. Esta coproducción alemana/estadounidense ha recibido 3 nominaciones (película, montaje y diseño) en el citado país germano.

 

El protagonista indiscutible de este largometraje  ha sido el novio de América durante muchos años, Tom Hanks, que parece que vive una segunda juventud, tras el éxito cosechado en la excelente El puente de los espías, una de las mejores películas de 2015. Quizás, el problema más grande de esta cinta es que se cuenta una historia intrascendente para tratarse de una novela y todo el peso de la historia recae en un personaje que no tiene nada especial, salvo el modo en el que conecta con su hija porque se percibe que hizo un buen trabajo paternal y educativo con ella.

 

Alan Clay es un empresario, que necesita reinventarse, después de una negociación fallida que acabó con multitud de despidos en plena crisis económica. Éste recibe el encargo de ir a Arabia Saudita para presentar un potente proyecto al gobernante de esta nación de Oriente Medio, pero éste no da señales de vida.

 

Puede llamar la atención que el protagonista no busque líos de faldas ante tanta soledad, sino va unida a una relación estable y sincera. La película en un segundo plano es  una crítica hacia el integrismo islámico, la pena de muerte y la ausencia de libertad de la mujer que encuentra en una doctora el contrapunto, ya que es utilizada para demostrar que el amor no tiene fronteras. Por otra parte, se apunta el abuso hacia los derechos de los trabajadores, pues, en ocasiones, el modo de reducir costes consiste en la contratación de mano de obra barata, lo que atenta contra la dignidad del trabajador. Esta realidad aparece denunciada en un par de situaciones, pero no podemos decir que esta película sea precisamente un drama social (publicado en Pantalla 90).

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