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18th Sep2016

Morgan

by Víctor Alvarado

morganEsta crítica la podríamos titular como “todo queda en familia”, ya que el cineasta Luke Scott, hijo de Ridley, en este caso, en labores de productor, debuta con una película de ciencia-ficción, rodando como su tío Tony Scott y perdón por la redundancia, según comenta algún crítico de prestigio. Esta producción guarda ciertos paralelismos con la obra maestra Blade Runner, filmada por su progenitor. Todo hay que decirlo, el chico apunta maneras.

 
Lee Weathers es una especialista en resolver problemas corporativos. Después un accidente deberá evaluar si una nueva forma de vida, creada en laboratorio, es apta para convivir y relacionarse con seres humanos, puesto que presenta una pequeña imperfección en su comportamiento que necesita ser analizada.

 
Este largometraje, algo claustrofóbico y muy bien ambientado, aunque carente de la iluminación adecuada, consta de dos partes bien diferenciadas. La primera presenta un ritmo pausado intrigante, mientras que la segunda nos sorprende con un potente giro argumental que convierte a la cinta en un producto de acción, cargado de adrenalina. Por cierto, hay alguna que otra escena que puede herir la sensibilidad de los espectadores. No obstante, se podría haber aprovechado mejor la supuesta inteligencia del personaje manipulado genéticamente para torear a los investigadores porque hubiese dado bastante juego.

 
Morgan viene respaldada no sólo por brillantes estrellas como Jennifer Jason Leigh y Paul Giamatti, que se convierten en magníficos acompañantes secundarios de Anya Taylor-Joy, cuya interpretación trasmite desasosiego y Kate Mara que cambia su habitual registro amable, por el que la conocíamos, para transmitir la frialdad que requiere su personaje.

 
El tema principal de esta producción es la biotecnología, lo que sirve para reflexionar sobre los límites de la ciencia; sobre si el fin justifica los medios o si resulta ético utilizar embriones para convertirlos en máquinas al servicio de las empresas, eliminando sus sentimientos para aumentar su rendimiento, borrándoles la capacidad para distinguir entre lo correcto y lo incorrecto, el bien y el mal, que pueda servir de freno para evitar males mayores. Tenemos la impresión de que su director deja libertad sin manipulación para que el espectador juzgue por sí mismo, una vez que están puestas todas las cartas sobre la mesa (publicado en Páginas Digital).

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11th Sep2016

El Principito

by Víctor Alvarado

thumb_el-principito_101014Les confieso que El Principito  es uno de mis libros de cabecera porque su contenido no te deja indiferente y te toca el alma.

 

La dirección de esta adaptación del cuento El Principito de Antoine de SaintExupéry ha correspondido a Mark Osborne, autor de la primera parte de Kun Fu Panda. Este hombre de cine se ha inspirado  en la película  Mi tío de Jacques Tati  y  en alguna que otra producción del universo Pixar como UP o Del revés como, si son observadores, podrán comprobar.

 

El cineasta no adapta al pie de la letra la célebre obra del autor francés, pues es consciente de su dificultad por su surrealismo. Sin embargo, este realizador saca alguno de los episodios más potentes de este cuento para adultos o para todos los públicos según se mire, entremezclándolos en una historia coherente, donde éstos encajan a la perfección y nos hacen pensar. Ha debido de contar con un equipo muy completo  e imaginativo de colaboradores, ya que en esta producción aparecen tanto escenas de dibujos en tres dimensiones como marionetas animadas con la técnica de  Stop Motion. La música de Hans Zimmer nos parece merecedora del Óscar a la mejor banda sonora y a la mejor canción. Por cierto, la canción en español de la artista Roko es una auténtica joya.

 

Es la historia de una niña, controlada y dirigida por una madre que aspira a que su hija entre en un prestigioso colegio privado a toda costa sin preocuparle, aparentemente, lo que su hija pueda sentir.

 

La película es una especie de oda a la amistad y nos enseña el modo de afrontar la pérdida de un ser querido. Me parece especialmente brillante la célebre frase: “Sólo con el corazón se puede ver bien, lo esencial es invisible a los ojos”. Este extracto demuestra la elegancia  por un lado y la profundidad por otro, siendo una frase imprescindible para toda persona que no se quede en la superficie o para toda persona creyente. Transmite esperanza y te anima a reflexionar sobre la fe. Este autor francés se educó en un colegio católico, perdiendo su fe en su juventud, pero que en una de últimas obras escribió una oración en la que parece que la recupera, detalle a tener en cuenta en un escritor cuya obra destaca por su marcado carácter autobiográfico.

 

Por último, la cinta nos enseña  que no podemos tenerlo todo planificado en la vida y que hay que estar abierto a ver lo que los demás nos tengan que aportar o para escuchar la sugerencia de un ser superior (Publicado en Pantalla 90).

 

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08th Sep2016

Blood Father

by Víctor Alvarado

blood-father-imagen-8Ya era hora de que tuviésemos noticias del actor Mel Gibson, al que muchos recordarán por sus meteduras de pata a causa del alcohol, que tantas vidas anónimas ha destrozado como demuestra la película. Sin embargo, nadie puede negar su valía de director, ofreciéndonos obras maestras como Apocalipto o la profunda e impactante La Pasión. Nunca podremos negar que muchos de nosotros  hemos disfrutado con sus interpretaciones en taquilleros éxitos como Conspiración, El castor o El patriota. El caso es que poco a poco va saliendo del pozo y del silencio  intencionado de los medios de comunicación por su incorrección política y su fe. Por esa razón, esta semana vamos a disfrutar de Blood Father, que es una historia de redención, donde se  mezclan los argumentos de Gran Torino  y Venganza.

 

John Link es un ex convicto que tiene una hija, que huye de un cártel de la droga. Este individuo hará todo lo posible para que ella salve su vida.

 

El cineasta Jean-François Richet ha sabido aprovechar casi con toda probabilidad ciertos pasajes de la novela de Peter Craig en la que se basa, porque combina la familiaridad y la calidad en un género, que no destaca especialmente por la cantidad y la  profundidad de buenas conversaciones. Este realizador es todo un experto en cine de acción, recordado por Asalto al distrito 13 .H a creado una especie de western moderno con aroma a roadmovie.   El director  ha cuidado que los diálogos primen por encima de la acción en la que ambos elementos se entremezclan sabiamente para que la producción no pierda interés en ningún momento. La cinta está cargada de guiños a sus películas más conocidas. Cuando vean esta producción,  aparecerá en su mente, en parte, Arma Letal o Mad Max, aunque hace referencia a algunas otras. Se trata de un thriller de indudable categoría que seguro que, tirando de filmoteca, guarda ciertos paralelismos con otra del género, pero también parece ciertamente original. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto con un thriller de estas características.

 

No  hay que perderse la escena en la que, de algún modo, el actor protagonista se confiesa en una capilla en una especie de Alcohólicos Anónimos o Proyecto Hombre, tanto de sus pecados en la gran pantalla como en la vida real, pues estamos ante un largometraje abierto a la trascendencia, en la que la estrella hollywoodiense intenta  relanzar su carrera y resurgir de las cenizas con fuerza. Por otra parte, la hija del protagonista hace una encendida defensa de la dignidad de los inmigrantes.

 

 

Blood Father es una historia de perdedores que merecen una segunda oportunidad, que necesitan perdonar y ser perdonados porque no lo han hecho bien en el pasado. Ese viaje  de huida puede entenderse como un camino para empezar de nuevo (publicado en Pantalla 90).

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03rd Jul2016

Esperando al rey

by Víctor Alvarado

IMG_6703.CR2El cine americano, con mayor o menor acierto, aunque acercándose claramente a la realidad, ha contado la génesis o las consecuencias de la recesión económica y recordamos títulos como  The company  men  en la que aparecía Kevin Costner, Margin call con Kevin Spacey y la reciente, La gran apuesta.

 

El director de cine y compositor de bandas sonoras, Tom Tykwer,  ha sido el encargado de llevar a buen puerto, nunca mejor dicho, Esperando al rey, basado en la novela de Dave Eggers. Esta coproducción alemana/estadounidense ha recibido 3 nominaciones (película, montaje y diseño) en el citado país germano.

 

El protagonista indiscutible de este largometraje  ha sido el novio de América durante muchos años, Tom Hanks, que parece que vive una segunda juventud, tras el éxito cosechado en la excelente El puente de los espías, una de las mejores películas de 2015. Quizás, el problema más grande de esta cinta es que se cuenta una historia intrascendente para tratarse de una novela y todo el peso de la historia recae en un personaje que no tiene nada especial, salvo el modo en el que conecta con su hija porque se percibe que hizo un buen trabajo paternal y educativo con ella.

 

Alan Clay es un empresario, que necesita reinventarse, después de una negociación fallida que acabó con multitud de despidos en plena crisis económica. Éste recibe el encargo de ir a Arabia Saudita para presentar un potente proyecto al gobernante de esta nación de Oriente Medio, pero éste no da señales de vida.

 

Puede llamar la atención que el protagonista no busque líos de faldas ante tanta soledad, sino va unida a una relación estable y sincera. La película en un segundo plano es  una crítica hacia el integrismo islámico, la pena de muerte y la ausencia de libertad de la mujer que encuentra en una doctora el contrapunto, ya que es utilizada para demostrar que el amor no tiene fronteras. Por otra parte, se apunta el abuso hacia los derechos de los trabajadores, pues, en ocasiones, el modo de reducir costes consiste en la contratación de mano de obra barata, lo que atenta contra la dignidad del trabajador. Esta realidad aparece denunciada en un par de situaciones, pero no podemos decir que esta película sea precisamente un drama social (publicado en Pantalla 90).

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26th Jun2016

Expediente Warren: El caso Enfield

by Víctor Alvarado

the-conjunring-2-imagen-10Tengo que reconocer que el género de terror no es plato de mi gusto porque me aburre o simplemente porque no me apetece o no me interesa. No obstante, las películas del cineasta James Wan tienen una magia especial capaz de envolverte, ya que asustan no por un golpe de volumen, sino porque crea una atmósfera  que  te predispone a pasarlo  mal y lo consigue. Eso fue exactamente lo que ocurrió con Insidious que nos ofrece una primera parte realmente atractiva que decae un tanto en la segunda parte de la producción. Sin embargo, la obra maestra de este director fue Expediente Warren: The Conjuring que, a nuestro juicio, es la mejor película que se ha hecho sobre casas encantadas, pues estaba basada en hechos reales, ya que se trata de un conocido matrimonio católico, expertos en fenómenos paranormales, que se tomaban en serio su trabajo,  intentando a toda costa no dar gato por liebre.

 

Los actores, que dan vida a los personajes de esta secuela que mezcla algunos subgéneros, siguen siendo Patrick Wilson y Vera Farmiga que lo bordan.  Esta mujer nos ha deleitado con un abanico amplísimo de registros.

 

El citado cineasta explicó a Fotogramas las razones que le llevaron a repetir con un proyecto que había funcionado con anterioridad: “Sólo me atrevo con una secuela cuando sale de forma natural. La prueba está entiendo  en que no he dirigido ninguna continuación de la saga Saw. Pero Ed y Lorraine son dos personajes muy ricos y me apetecía volver a sus vidas, saber y contar más cosas sobre ellos. Soy un fan absoluto del cine de terror y, al contrario de lo que se piensa, en este género los personajes son tan importantes como el guión, la atmósfera y los sustos. Si amas a tus personajes, cualquier situación  te funcionará porque no quieres que les pase nada malo.”

 

Estas palabras del director nos dan pie a constatar lo trabajados que están los personajes, puesto que, con pequeñas pinceladas, nos hacen caer en la cuenta que se trata de personas de una sólida formación, unos buenos principios y una gran coherencia cristiana. Ellos, antes de aventurarse a pensar que se trata de un fenómeno paranormal, se aseguran y descartan que  no se trate de una enfermedad de tipo psiquiátrico. Estos dos profesionales son buscadores de la verdad con mayúsculas. No estamos, por tanto, ante los típicos personajes esquemáticos de la mayoría de las cintas de terror adolescente. Se deduce que el realizador se ha documentado acertadamente para  dar a conocer el modo de  pensar de la Iglesia Católica  sin desvirtuar su mensaje. El valor de la familia queda patente tanto en la realidad de las víctimas como en la de los héroes como el lugar en el que se sanan las heridas; se comprende al otro y se liman las diferencias.

 

Cambiando de tema, este cineasta es un profundo conocedor del género. Te introduce en  la historia mediante una presentación muy impactante que, a mitad de metraje, cuando está casi en su punto álgido, se le va un poco de las manos, pero  que sabe reconducir, manejando los sustos en el momento adecuado, no dejando ningún cabo suelto para que no quede duda de la gran calidad de su guión.

 

Los espectadores, tras su visionado, se vieron sorprendidos, mientras comentaban los mejores momentos de la película, se quedaron boquiabiertos y se hizo el silencio en la sala al comprobar que se trataba de una historia basada en hechos reales y las personas, que  en ella aparecen, vivieron esa experiencia aterradora a finales de los años 70 (publicado en Páginas Digital).

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19th Jun2016

Mi hija, mi hermana

by Víctor Alvarado

mi hijaTodos hemos disfrutado con películas del oeste protagonizadas por John Wayne como El dorado y Río rojo de Howard Hawks o las  dirigidas por Raoul Walsh, ¿se acuerdan ustedes de Murieron con las botas puestas o Una trompeta lejana?, pues bien la cinta en cuestión es un homenaje al mejor cineasta de la historia John Ford,  autor de la “Trilogía de la caballería” o Centauros del desierto producción que guarda ciertos paralelismos con Mi hija, mi Hermana. La diferencia del afrontamiento de dos generaciones distintas ante esa situación traumática entre  el padre y  el hermano de la secuestrada  es un signo de distinción con respecto al western del citado cineasta de origen irlandés.

 

Alain es un francés que todos los años disfruta con su familia del festival de música country de su país con una fragancia a Far West. Ese mismo día  su hija desaparece  con lo que la familia queda destrozada. Este hombre moverá Roma con Santiago para localizar a su hija con la ayuda del hermano de ésta.

 

Este trabajo ha sido dirigido por Thomas Bidegain. Se trata de  un guionista de prestigio ganador de los César al Mejor Guión por Un profeta y Óxido y hueso. Además, ha escrito el libreto de la taquillera La familia Belier. Como habrán podido imaginar, esta cinta tiene un claro aroma a western con buenos paisajes, presentando un ritmo pausado, que invita a la reflexión para comprender la odisea del personaje, pero que puede resultar cansino para el espectador medio acostumbrado otro tipo de cadencia.

 

El protagonista de esta producción ha sido François Damiens,  al que recordarán por su excelente trabajo en la melancólica, pero intensa La delicadeza, basada en la novela de David Foenkinos. El actor transmite  la autenticidad y la serenidad necesaria para no ponerse nervioso en situaciones de extrema tensión.

 

 

Mi hija, mi hermana refleja la necesidad que tenemos de saber lo que pasa con nuestros seres queridos. Vemos la actitud de un padre coraje que no se resigna y la entrega generosa y desinteresada de un hermano capaz de sacrificar su juventud. La película deja entrever la problemática de las personas que caen en las redes del islamismo radical, elemento que encaja a la perfección en una sociedad como la gala donde se fomenta el multiculturalismo, al tener unas raíces  superficiales que les permiten ser manipuladas con facilidad.  Nos parece imprescindible el juego de miradas de los últimos fotogramas del largometraje  para comprender el calvario de los protagonistas y, con gran economía de gestos,  se transmite esperanza y la escena final pone los pelos de punta (publicado en Páginas Digital).

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12th Jun2016

Si Dios quiere

by Víctor Alvarado

Si dios quiere bocadillosLa película que les presentamos viene avalada por el éxito en la taquilla italiana, donde el debate ateísmo  y fe se contraponen en una divertida producción.

 

 

La dirección ha correspondido a Edoardo Falcone, nacido en Roma, autor del guión de Viva La Italia y del libreto de una  pequeña película bastante interesante como ¿Te acuerdas  de mí?, que nos recordaba que el amor es una conquista diaria. Para este arrollador debut cinematográfico, el realizador ha pensado que era posible generar un conflicto entre un  prestigioso, altivo y ateo cirujano con un hijo muy creyente que quiere ser un sacerdote, mostrando que el humor no está reñido con la profundidad. El realizador se muestra admirador de la comedia de su país y sus directores como Mario Monicelli, Dino Risi, Pietro Germi o Ettore Scola. El humor blanco e inteligente brilla por su presencia   con ciertos toques, en momentos puntuales, que rozan la astracanada, recordando a Muñoz Seca, aunque salvando las distancias. Si a esto le añadimos  unos cuantos giros argumentales, el resultado final roza el notable.

 

 

El reparto lo encabezan Marco Giallini y Alesandro Gassman, hijo del archiconocido Vittorio Gassman, lo que confirma nuestra teoría de que el enchufismo en  el cine funciona, que lejos de lo anecdótico, habría  que decir que  no sería justo no reconocer el indudable talento del actor.

 

 

El planteamiento del realizador novel  no está exento de dificultades porque,  a diferencia de la mayoría del cine español actual,  no se hace caricatura del cura a pesar del tono cómico, siendo mostrado   como ese sacerdote que todos conocemos que, con sus defectos y cualidades, orienta con cariño a sus feligreses; conoce la realidad que les rodea; se acuerda de los más necesitados; es un buen amigo capaz de ver más allá. Te plantea la vocación, pero dejando libertad y respetando las decisiones individuales. Nos ha gustado particularmente como es  mostrada la juventud  que está harta de todo y se encuentra vacía y que tiene la valentía de  hacerse preguntas y tener ciertos gestos para cambiar su vida de otra manera, convirtiéndose en seguidor de Jesucristo (publicado en Páginas digital).

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05th Jun2016

Una madre imperfecta

by Víctor Alvarado

un madre imperfectaEl cine ha mostrado en innumerables ocasiones los distintos tipos de madres que pueden existir como se puede leer en el libro Madres de cine (Alianza) de Óscar López y Pablo Vilaboy. Una madre imperfecta nos ofrece el particular punto de vista de Lorene Scafaria, que nos cuenta una historia que tiene mucho que ver con la relación de la cineasta de origen italiano con su madre. La directora declaró lo que nos íbamos a encontrar del siguiente modo: “Mi madre se pasa mucho tiempo sola. Me siento muy culpable por eso. Tengo mucho resentimiento por esa culpa, y luego más culpa por ese resentimiento, con muchas capas de amor entre medias. Ojalá pudiera llenar el vacío que dejó mi padre, pero era alguien fuera de lo común. Y lo echo muchísimo de menos. Tras la muerte, mi madre y yo lloramos de forma tan distintas, que costaba encontrar puntos en común. Pero, al verla sobrellevar su dolor de forma tan maravillosa y  tan optimista,  quería contar su historia”.

 

Se trata de una película más bien episódica con varios momentos perfectamente olvidables que no dejan de ser entretenidos porque el humor hace acto de presencia. No obstante, parece que no queda claro por dónde quiere llevarnos la cineasta. La excepción la encontramos en la memorable  primera escena en la que el actor J K Simmons aparece, donde se crea una situación “mágica” con Susan Sarandon en la que la química entre ambos es muy especial porque la conversación que mantienen destaca por su naturalidad y realismo. El juego de gestos y miradas sin excesos hacen el resto. Tampoco hay que perderse la conversación que mantiene la protagonista con la familia del marido, que refleja los valores de la familia tradicional italiana.

 

La película nos cuenta la historia de una  optimista viuda que está dispuesta a ayudar a cualquiera que quiera aceptar sus consejos, ya sea a una señora enferma; ya sea a organizar  la boda de una mujer que se casa en un claro guiño a  la ideología de género; ya sea apoyando a su hija que necesita superar una mala racha. En definitiva, la cinta intenta mostrarnos los aciertos y errores de una madre mediterránea, preocupada por el bienestar de la familia, que da muestras de su generosidad y sinceridad, ya que busca lo mejor para sus hijos, recordándonos que uno es padre y madre  para el resto de su vida (publicado en Páginas digital).

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29th May2016

Un doctor en la campiña

by Víctor Alvarado

un-doctor-en-la-campina_100332Tanto  en la mayoría de las películas como en casi todas las series de televisión hemos visto prácticas médicas que no se corresponden con la auténtica labor de los sanitarios. La diferencia radica en que las dos películas firmadas por  Thomas Lilti se ajustan bastante más a la realidad. Tal vez, eso se deba a su formación como médico.

 

Jean Pierre es un médico rural que tiene encantados a los habitantes de una zona de Francia porque está abierto las 24 horas del día, los 7 días de la semana, prácticamente sin vacaciones y totalmente dedicado a su profesión. Sin embargo, todo cambia cuando le diagnostican una grave enfermedad y tiene que buscar a un sustituto que se ajuste a su entregada filosofía de vida.

 

La dirección de Thomas Lilti, recordado por la estimable ópera prima Hipócrates, demuestra su talento con una pequeña perla. La película presenta un ritmo pausado, pero sin llegar a agotar, que nos muestra la  labor de un doctor en la campiña francesa, salpicándola con pequeñas píldoras de humor que la hacen bastante llevadera. Los diálogos son un tanto  escuetos,  pero certeros. Transmiten realismo y son profundos en su sencillez, sin subrayados, como le gusta decir a algunos críticos. Los paisajes hacen acto de presencia y no sólo están de relleno, sino que nos parecen muy sugerentes como si quisieran transmitir algo más. Como dato curioso, hay un guiño a la música country, que nos ha parecido más que acertado y que sirve para oxigenar.

 

La cinta se sostiene con el excelente trabajo de Marianne Denicourt y un sobresaliente actor como François Cluzet, que está sensacional y sin histrionismos. Estamos convencidos de que todos los que se acerquen a esta producción verán reflejada la profesión  que interpreta,  tan diferente a su papel de la película Intocable, que tanta fama le dio.

 

Esta producción cuenta la historia de una vocación entendida como la absoluta entrega a una profesión, basándose en principios humanistas en la que lo primero no es sólo conseguir curar la enfermedad, sino lograr el bienestar y el equilibrio psicológico de la persona. En relación a esta entrega, la película plantea el cómo dar paso a la siguiente generación médica, donde la tecnología y la asepsia priman sobre la labor humana. Por tanto, el objetivo de este largometraje es hacernos pensar el modo de dignificar al enfermo.

 

Por último, nos ha parecido bastante oportuna la escena en la que la doctora, preocupada,  se enfrenta a un caso de aborto, haciendo referencia a las parejas tóxicas que presionan a la embarazada para que termine con la vida del embrión o del feto (publicado en el Diario Ya).

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22nd May2016

X-men: Apocalipsis

by Víctor Alvarado

x-men-apocalipsis-imagen-5Aunque hayan podido pasar desapercibidas las dos sagas que se han hecho de los X-men entre tanto Spiderman,  Los Vengadores,  Superman y Batman,  las películas que se han realizado sobre la Patrulla X,  que es como se les conoce en España, destacan por su intriga; por el intenso drama de sus miembros rechazados por el mundo; por la complejidad llevadera de sus tramas; por el alma que trasmite el profesor Xavier a sus alumnos y por la extraordinaria calidad de los dibujos y guiones de los cómics en los que se basan. De este modo, si el anterior episodio  de la saga X-men: Días del futuro pasado estaba inspirado en la novela gráfica  de John Byrne y Chris Claremont de homónimo título, X-men: Apocalipsis se basa en la serie Factor X de Bob Layton y Jackson Guice, donde apareció por primera vez el supervillano que da lugar a este largometraje,  aunque con algunas licencias de lo que se deduce de las declaraciones de su director a Fotogramas: “Con la cinta anterior borré  las tres primeras entregas. No tengo que  atenerme a una continuidad porque manipulamos el tiempo. Podríamos coincidir con otras franquicias como  Deadpool o ir hasta el punto de partida de la primera de este equipo de superhéroes. Eso es lo que contamos en esta producción, su creación. Apocalipsis es a la vez el origen de los X-men y el cierre de seis películas”. Por cierto, ya era hora de que Cíclope y Jane Grey ocuparán el lugar que se merecen.

 

Por otra parte, el reparto lo conforman,  entre otros,  Óscar Isaac,  Michael Fassbender, Jennifer Lawrence y James McAvoy, mientras que Bryan Singer, como decíamos, recordado por  la  película Sospechosos habituales, continúa dirigiendo el universo en cuestión. Lo que más llama la atención de este trabajo cinematográfico es que las tramas se suceden sin solución de continuidad e, incluso, hay tiempo para profundizar en  el perfil de los personajes. El director ha creado una atmósfera desasosegante que provoca la emoción necesaria para introducirse en los sentimientos que pasan por la mente de sus protagonistas. En cuanto a las escenas de acción hay que decir que la escena final se alarga innecesariamente. Sin embargo, debemos prestar especial atención, por lo simpática que  nos ha parecido, a la aparición de una especie del primo hermano del  Flash de la compañía DC, pero  con claro aroma Marvel. Merece la pena nos perderse los créditos que dan inicio a la cinta por sus guiños al cristianismo y al renacimiento, detalle que puede que sorprenda a algún espectador.

 

 

Nos interesa particularmente el contraste  entre el malvado Apocalipsis representante de la New Age  frente al comando de los valores como la ética y la capacidad de sacrificio del profesor Xavier;  la lealtad de Bestia;  la  intensa oración de un cristiano católico como Rondador Nocturno; la fe en los mutantes de Tormenta;  la capacidad de empatía y de liderazgo  en la sombra de Jane Grey;  la confianza de Scott Summer en su maestro  o el intento de redención de Mística.  En definitiva, la esperanza de los que distinguen entre el bien y el mal frente a una especie de nihilismo esotérico (publicado en Páginas digital).

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08th May2016

La punta del iceberg

by Víctor Alvarado

thumb_la-punta-del-iceberg-2016_99605Al salir de la sala tuve la impresión de que el problema de esta historia radicada en que no resultaba verosímil, pero cuál fue mi sorpresa al descubrir que estaba basada en los hechos ocurridos en la Renault francesa en los años 80. No obstante, mi respeto hacia esta producción crece a medida que pasan los días tras su visionado.

 

Sofía es una directiva de una importante multinacional, a la  que le encomiendan la difícil misión de descubrir que se esconde detrás del suicidio de tres empleados pertenecientes a una filial de la empresa matriz.

 

El director novel, David Cánovas, ha sido el encargado de dirigir este largometraje que ha tardado dos años en estrenarse, ya que el rodaje terminó en diciembre del 2014. Este realizador adapta  la obra de teatro de Antonio Tabares, transmitiendo la lógica frialdad de este tipo de corporaciones en las que el ser humano es considerado una  simple pieza del engranaje que como dice uno de los personajes recuerdan a la célebre película de charles Chaplin Tiempos modernos. Los diálogos nos parecen muy clarificadores y  se mantiene la intriga hasta final. Por pequeños detalles pensamos que se nota la inexperiencia del director porque su montaje no nos parece redondo. Sin embargo, con estos  buenos mimbres, el presente y el futuro de este realizador están garantizados.

 

Tanto los actores secundarios como los principales como Carmelo Gómez están muy bien. Maribel Verdú expresa la impotencia de una gran mujer enfrentándose a una especie de Goliat que se las sabe todas.  Por cierto, los citados intérpretes ya habían trabajado juntos en la tierna Canción de cuna de José Luis Garci.

 

Salvando las distancias porque no está abierta a la trascendencia,  esta  historia recuerda  a los largometrajes de Frank Capra. La punta del iceberg  presenta un aroma capriano por esas personas que se enfrenta a un ente  que les supera, luchando por una causa que consideran justa. Si en algunas ocasiones hemos criticado la incoherencia y la limitación de la libertad del sistema de producción comunista, esta interesante cinta es una denuncia  al capitalismo feroz, que no tiene en cuenta los derechos del trabajador y la vida personal de sus empleados, olvidándose de su dignidad, puesto que sólo sé fija en los beneficios económicos, deshumanizando la vida laboral. Este aspecto del buen trato es cuidado por algunos empresarios, aunque cada vez más se está entendiendo en muchos de ellos  el desprecio por los trabajadores.

 

Finalmente, la cinta refleja las graves secuelas  psicológicas  que el aborto deja en las mujeres y las presiones a las que éstas se ven sometidas para no quedarse embarazadas si quieren ascender, un hecho muy generalizado en la sociedad del siglo XXI (publicado en Páginas digital).

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01st May2016

Capitán América: Civil War

by Víctor Alvarado

capitan-america-civil-war-imagen-1Aunque el título pueda inducir a la confusión no se trata tanto de la continuación de Capitán América: El soldado de invierno como de la siguiente aventura de los Vengadores tras La era de Ultrón. No obstante, este patriótico militar,  fiel a la constitución de su país, tiene bastante protagonismo en una historia que divide en dos grandes bandos al célebre equipo de superhéroes.

 

La dirección ha correspondido a los hermanos Joe y Anthony Russo que tan bien lo hicieron en la citada obra maestra de género Capitán América: El soldado de invierno, éxito en todo el mundo, aunque en menor medida en España porque tuvo que enfrentarse en esa época al éxito sin precedentes de Ocho apellidos vascos del director Emilio Martínez-Lázaro.

 

Por lo visto, esta producción pretende ser un puente para prolongar las aventuras de los Vengadores durante dos episodios (Infinity War)  más  para ser estrenados en 2017 y 2018 respectivamente. Los cineastas explicaron a Cinerama lo que nos íbamos a encontrar en esta comercial película que como muchas del género transmite valores interesantes: “La película habla de temas como la libertad, la responsabilidad moral y el orden civil, y todos los superhéroes que ya conocemos de otras películas parten de buenas intenciones aunque se encuentren en diferentes bandos. Esa es la clave porque la traición es el gran tema”. El trabajo de estos cineastas merece  el notable, donde hay espacio para profundizar en el interior de la persona, pero en  el que prima la acción un tanto desmedida,  si se compara con la novela gráfica. Nos encontramos con unos cuantos golpes humor, incluido el clásico cameo de Stan Lee, que oxigenan  unas cuantas escenas que pudieran hacerse más pesadas.

 

El título de Guerra Civil hace referencia a la novela gráfica homónima, creada por Mark Millar y Steven McNiven, que amablemente ha sido cedida por la editorial Panini para que podemos realizar un análisis comparativo. El cartel de la película y el cómic coinciden en el enfrentamiento entre Tony Stark (Robert Downey Jr.) y Steve Rogers (Chris Evans),  que se presenta diametralmente opuesto en muchos aspectos. En el tebeo, el Capitán América   aparece tan idealista como siempre, pero más noble y  menos obstinado. Sin desvelar absolutamente nada, el  previsible combate final se desencadena por diferentes motivos. Por otra parte, Spiderman tiene cierto protagonismo, aunque en el tebeo se decanta por el bando contrario al de la película, siendo manipulado en ambos por el inteligente Iroman. Como dato curioso, el actor Tom Holland, que hace de Hombre Araña, nos parece demasiado joven para el personaje del que pronto tendremos noticias porque se espera el tercer lanzamiento de la saga de Spiderman, después de una extraña etapa.

 

 

La película elimina de un plumazo personajes importantes en la historieta como Los Cuatro fantásticos y, sobre todo,  Daredevil que hace un gesto significativo de católico practicante en el que se entrega a la justicia y guarda silencio como hizo Jesucristo, siguiendo su ejemplo y dejando en evidencia a los traidores. Por último, el planteamiento inicial de esta entretenida producción es distinto, puesto que en el cómic, los culpables del incidente con víctimas mortales son unos superhéroes de segunda categoría, mientras que en la cinta este hecho implica directamente a los Vengadores. La corrección política de Hollywood hace que la señora que le recrimina una acción a Tony Stark sea negra, lo que contrasta con la mujer blanca que se puede ver en el cómic.

 

 

Como decíamos, el cómic refleja mejor  el significado de una traición que en la película aparece un tanto enmascarada. Por otra parte, este trabajo cinematográfico nos permite reflexionar sobre el significado de  la acogida, ya  que El Centinela de la Libertad trata a Bucky Burnes como si fuera un amigo en apariencia para que éste se sienta cómodo, a pesar de que se siente responsable de su felicidad con gestos que suponen un sacrificio porque le quiere como si fuera su propio hijo (publicado en Pantalla 90).

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24th Abr2016

Milagros del cielo

by Víctor Alvarado

Jennifer Garner;Kylie RogersEl cine mexicano cada vez tiene más presencia  en el panorama cinematográfico internacional.  Encontramos el nombre de magníficos directores como Alfonso Cuarón González Iñarritu o Alejandro Gómez Monteverde. En esta ocasión le toca el turno a Patricia Riggen, recordada por 33, que como el propio título indica Milagros del cielo nos habla del poder milagroso de Dios, en la que una madre coraje, muy luchadora, hará todo lo posible  para lograr la sanación de su hija, que tiene una enfermedad incurable, en una  película religiosa que reflexiona sobre la fe. ¿Y cuál es la clave para entender esta cinta? Pues sus productores que ya patrocinaron el hermoso trabajo de Randall Wallace, titulado El cielo es real. En esta película se contaba la historia de un niño que dice haberse encontrado con Jesucristo tras una operación, lo que guarda ciertos paralelismos con la película que estamos analizando.

 

Todos los años, los estadounidenses  lanzan  algún que otro título  de corte religioso de una notable calidad como la mencionada El cielo es real, La pasión o  Soul surfer, filmadas con muy pocos medios como es el caso.  El cineasta, aunque con las lógicas limitaciones, presenta un más que digno trabajo a pesar de las pegas que han puesto algunos críticos de prestigio, sacando el máximo producto a toda la historia, dividida en  dos bloques potentes, pero bien diferenciados.

 

Las  expectativas son altísimas porque  el  tráiler  ha obtenido 130 millones de visitas en Internet por lo que el éxito parece que está garantizado. Y es que a pesar de lo que muchos medios de comunicación intentar negar,  existen muchas personas que  quieren que se estrenen películas que expliquen cómo la religión cambia el corazón y te ayuda a ser feliz. Como dato curioso, la actriz Jennifer Garner, que lleva todo el peso dramático,  afirmó a la prensa que esta película le había servido para que sus hijas  y ella se acercasen los domingos a la Iglesia Metodista para rezar al Señor.

 

 

Milagros del cielo abre el debate entre creyentes, agnósticos  y ateos con cierta profundidad  en sus planteamientos. Sin embargo, se inclina la balanza hacia la fe y la esperanza, dejando claro que el amor entre personas puede entenderse como un trocito de cielo en la tierra y que, a veces, a Dios lo encontramos entre las personas. Por otra parte, de algún modo, el médico que aparece en el largometraje nos da pie a apropiarnos de la siguiente frase pronunciada por Louis Pasteur: «Un poco de ciencia aleja de Dios, pero mucha ciencia devuelve a Él.” (publicado en el Diario Ya)

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24th Abr2016

Los recuerdos

by Víctor Alvarado

los-recuerdos_99676Los recuerdos, una coproducción franco-belga, ha sido dirigida por Jean Paul Rouve siendo una adaptación de la novela de homónimo título del escritor David Foenkinos que lleva vendidos la estratosférica cifra de 350.00 ejemplares en todo el mundo. Nos cuenta en tono de comedia la entrañable relación entre una abuela y su nieto. Se trata de una película que personas como tú y como yo que comparten la vida con naturalidad, en la que los católicos, sacerdote incluido, son mostrados como seres bondadosos, razonables, inteligentes y serviciales, donde  el humor con mayúsculas nos sacará sonrisas por la grandísima agudeza de los diálogos.

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17th Abr2016

El libro de la selva

by Víctor Alvarado

el-libro-de-la-selva-imagen-1Parece inevitable que la maquinaria de la factoría Disney frene su nueva política, dado el éxito de transformar sus películas de animación en largometrajes de personajes de carne y hueso como ya hizo con  Maléfica y Alicia en el país de las maravillas por poner un par de ejemplos.

 

Mowgli es un niño criado por una manada de lobos. Éste pequeño deberá abandonar la selva porque el tigre Shere Khan le persigue. Sin embargo, el chaval no está solo, ya que algunos animales como un oso y una pantera le protegen.

 

El encargado de llevar a buen puerto este proyecto ha sido un especialista en el cine de superhéroes. John Favreau nos hizo reír y vibrar en la butaca gracias a sus trabajos en las dos primeras partes de  Iroman, protagonizadas por Robert Downey Jr. El cineasta se enfrenta a un reto porque El libro de la selva ha tenido buenas adaptaciones cinematográficas de la novela de Rudyard Kipling. Por lo visto, la producción combina tanto las técnicas más avanzadas en animación como las nuevas tecnologías que permiten capturar el movimiento de los animales para que todo parezca lo más real posible y uno se introduzca totalmente en la historia. Como dato curioso, el director compara la relación de Mowgli y Baloo con la de él y su abuelo. Además, el realizador explicó que para él no sólo la técnica es suficiente, sino que se deben transmitir emociones. Una de las claves para entender el buen funcionamiento del largometraje ha sido el alcanzar el equilibrio entre el drama y la acción trepidante, sin olvidar ciertos toques de humor y nostalgia que, lógicamente, nos hace mirar hacia 1967 y  Wolfgang Reitherman  que nos tocó el corazón en la archiconocida y divertida cinta de de dibujos animados que se homenajea.

 

Tanto cineasta como guionista han  tratado no sólo de entretener, sino de ser fiel a los valores que transmiten los textos del escritor nacido en el siglo XIX como el de la  amistad de dos puntos de vista, el de su mentor Bagheera y el de un espíritu libre como el de Baloo . Merece la pena prestar atención al tema de la acogida, puesto que ha sido tratado con un gusto exquisito lo que  permitiría plantear un cine fórum por el sacrificio que supone este gesto y la enorme recompensa. Por otro lado, el concepto de trascendencia se sugiere sutilmente  por  el enorme respeto que  profesan todos los animales hacia los elefantes a los que consideran los creadores de ese “paraíso” terrenal. Y es que, en este caso, hay que reconocer  que Disney  cuida esos pequeños detalles que mejoran y engrandecen a sus antecesoras como ya se hizo en el planteamiento inicial de la versión del año anterior de Cenicienta (publicado en Páginas digital).

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10th Abr2016

Efraín

by Víctor Alvarado

efrain_99808El Festival de Cannes ha tenido el acierto de traer una coproducción francesa, alemana, noruega, pero, principalmente, etíope; es decir, que es la primera vez que una película de ese lugar de África aparece en este prestigioso festival, tan sólo comparable al de Venecia, San Sebastián o Berlín.

 

Efraín es un chico feliz hasta que la muerte de su madre genera un terremoto en su vida, puesto que  su padre tendrá que trabajar en otra ciudad. Este inocente niño y su querido cordero tendrán que vivir  con su abuela y sus tíos, cocinando unas ricas empanadillas  para ganarse la vida y venderlas en el mercado.

 

La dirección ha correspondido a  Yared Zeleke , que nos ofrece un digno trabajo con muy pocos medios, que no sólo cuenta una buena historia, sino que nos hace disfrutar de una magnífica fotografía, ofreciendo parajes desconocidos de una belleza inigualable. El final de este largometraje tiene un aroma a François Truffaut.  Otros la comparan con el neorrealismo italiano, mientras que  algunos la consideran como  una delicada y conmovedora historia sobre el paso de la infancia a la edad adulta en los espectaculares paisajes de ese país.

 

Esta cinta nos puede ayudar a reflexionar sobre el valor de la acogida y el de la necesidad de sentirse queridos, así como el de poner los dones o capacidades que tenemos al servicio de los demás a pesar de las consecuencias, ya que nuestro protagonista tiene una cualidad atribuible a las mujeres de ese país, lo que puede servir para romper estereotipos que nos limitan porque, aunque por naturaleza  los hombres  y las mujeres son diferentes para que seamos complementarios, debemos tener los mismos derechos y las mismas obligaciones si se quiere conseguir la auténtica igualdad. Por otra parte, la educación queda claro que es el medio necesario para ayudar a promocionarse en la vida frente a los que se oponen a ella, tal vez, por miedo. Sorprende ver la fe sencilla, pero consolidada,  extractando lo esencial del Nuevo Testamento de la Biblia en la tribu en la que conviven, entiendo,  cristianos de origen judío y cristianos católicos con naturalidad y sin ningún tipo de conflictos  insuperables, valorando la cultura de las diferentes partes del país.

 

Por cierto, no pueden perderse la buena interpretación del chaval protagonista (Rediat Amare) que no es un actor profesional y los delicados flashback entre madre e hijo (publicado en el Diario Ya).

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