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03rd Abr2016

Altamira

by Víctor Alvarado

banderasCuando un espectador se acerca a un acontecimiento histórico, mediante el visionado de una película, puede entender que haya alguna que otra licencia del director que no se ajuste a la realidad. El problema lo encontramos cuando se tergiversa la trama principal de un determinado hecho trascendental en la vida del protagonista homenajeado.

 

Marcelino Sanz de Sautuola, bisabuelo de Emilio botín, aficionado a la arqueología se encuentra una serie de pinturas rupestres con la ayuda de su hija que dan la vuelta al mundo gracias a la publicación: Breves apuntes sobre algunos objetos prehistóricos de la provincia de Santander, ya que este descubrimiento generará una serie de envidias dentro y fuera de España en el seno de la comunidad científica, que intentará desacreditarle.

 

La dirección ha correspondido al cineasta Hugh Hudson, recordado por la inolvidable Carros de fuego, que vuelve a la batalla después de unos cuantos años de parón. Nos ofrece una producción notablemente atractiva, sacando el máximo producto a los protagonistas. Hace crecer al personaje femenino interpretado por Golshifteh Farahani, que es de los más interesantes del largometraje. La historia se sigue con atención porque todo se va desarrollando sin prisa, pero sin pausa, mientras que el humor, las bellas construcciones y los paisajes nos permiten respirar ante los acontecimientos más trascendentales, que se suceden sin solución de continuidad. Por cierto, la banda sonora ha sido compuesta, en parte, por Mark Knopfler, líder del grupo Dire Straits.

 

La película permite el lucimiento del actor Antonio banderas, cofrade malagueño y defensor de la labor humanitaria de Cáritas, que sorprende que se haya posicionado del lado del laicismo radical. Nos ha parecido que, la interpretación maniquea de Rupert Everett haciendo de cura oscurantista más malo que la quina, no se ajusta a la realidad, puesto que la Iglesia siempre vio con buenos ojos estos descubrimientos. El Magisterio de la Iglesia ha apoyado en innumerables ocasiones la labor de la ciencia. De hecho,  a diferencia de lo que cuenta la cinta, Marcelino era católico practicante, detalle al que se hace referencia sentido contrario. La persona que más apoyo este hallazgo fue el catedrático y científico católico Juan Vilanova Piera que, como muchos paleontólogos de la época, tenía fe en Dios. Por último, a esta producción se le olvida destacar  que, unos años más tarde, el científico y sacerdote Henri Breuil fue quien demostró el valor real y la autenticidad de esta joya, bautizándola con el nombre de la Capilla Sixtina del Paleolítico. La cinta intenta hacernos creer que ese acontecimiento fue trascendental para cambiar el paradigma de la creación, cuando nada tiene que ver. Por otro lado, esta producción no oculta que la mayor oposición al descubrimiento la encontró  en la Institución de Libre Enseñanza, capitaneada por Giner de los Ríos.

 

Nos gusta la idea de que hay que descubrir la verdad, aunque no nos esté de acuerdo con lo que teníamos pensado y nos descuadre. Sin embargo,  habría que decir que la historia se construye con una serie de manipulaciones que hacen un flaco favor a esa búsqueda de la verdad, desacreditando lo que se denuncia. Finalmente, nos quedamos con la nobleza, porque no le quedaba más remedio, de un personaje al reconocer su  terrible error (publicado en Pantalla 90).

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26th Mar2016

Batman v Superman: El amanecer de la justicia

by Víctor Alvarado

batman-v-superman-imagen-4Cuando dos titanes como Batman y Superman se enfrentan en la pantalla, las expectativas  suelen ser muy elevadas y, aunque la película resulta entretenida, nos parece mejorable por varios motivos.

 

Esta producción guarda cierta relación con Trinidad de Matt Wagner;  Batman: El regreso de un caballero oscuro  de  Frank Miller y Klaus Janson y Superman/Batman: Enemigos públicos de Jeph Loeb y Ed McGuinnes que amablemente  han sido cedidos por la editorial ECC para hacer un análisis comparativo.

 

Batman v Superman: El amanecer de la justicia es la  secuela de El hombre de acero que dirigiera Zack Snyder, que repite como cineasta.  La película no está bien diseñada porque 150 minutos se nos antojan excesivos, teniendo en cuenta que la mayoría del tiempo se dedica a la acción, introduciendo demasiadas tramas. A pesar de no olvidarse del intenso drama de los personajes, se deja mucho a la imaginación,  simplificando con un par de frases escuetas en cada diálogo. La banda sonora y la fotografía son inmejorables. El final queda totalmente abierto y todo apunta a la primera entrega de La Liga de la Justicia. Hay una escena que demuestra la capacidad de los americanos para trascender, pues se escucha la plegaria de una persona que teme por su vida  y llama la atención la falta de complejos de éstos hacia su patria y su bandera.

 

La principal diferencia con respecto a los cómics es que, tanto Superman como Batman presentan unas manchas en sus expedientes, ya que Superman viene de partirle el cuello a Zod y El hombre murciélago  tiene un gatillo fácil, lo que choca bastante, pues en los tebeos  Superman siempre defiende la vida, mientras que Batman pasa ciertas rayas, pero nunca mata a sus rivales por su ética bien entendida. Por otra parte, el realizador estadounidense conserva la esencia  de los protagonistas, pero profundiza poco, puesto que Batman tiene un pasado oscuro por la muerte traumática de sus padres tan importantes en la infancia de un chavalito. Este hombre que hace justicia de un modo peculiar, generando miedo en los delincuentes para combatir el mal. En cambio, para Clark Kent, el ejemplo a seguir lo ha encontrado en sus padres que siempre le han guiado por el buen camino; le han hecho la vida fácil, animándole en su vocación. No obstante, el lado inocente de Superman  de los cómics queda empañado en la película.  El carácter mesiánico de El hombre de acero queda patente en el amor que profesa a Lois Lane y a la humanidad, lo que se convierte en su punto débil porque  frena su potencial desde el punto de vista de Batman, mientras que Bruce Wayne, como buen detective, no deja que los sentimientos interfieran en sus acciones. De hecho, a pesar de que se le atribuya al Bruce fama de mujeriego, para él es difícil llevar una relación de pareja por su cruzada contra el mal. Sin embargo, este último aspecto no aparece en la película.

 

Finalmente, los protagonistas Henry Cavill, Ben Affleck y Amy Adams están razonablemente bien. Jessey Eisenber  en el personaje de Lex Luthor no presenta ese toque de ambigüedad  y  de ingenio que hizo grande a Gene Hackman, mientras que Jeremy Irons  no encaja en el papel de Alfred porque nos parece muy frío, faltándole ese punto de humanidad que le caracteriza (publicado en Páginas digital).

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19th Mar2016

El recuerdo de Marnie

by Víctor Alvarado

el-recuerdo-de-marnie_99710validoEl discípulo aventajado del tándem formado por Takahata-Miyazaki vuelve a la carga, tras un notable debut con Arriety y el mundo de los diminutos. El cineasta nipón, Hiromasa Yonebayashi, construye una historia con buenos mimbres con claro aroma de sus maestros.

 
Marnie es una niña adoptada que piensa que sus padres no le quieren. Durante un verano, éstos envían a su hija con un matrimonio de campo para que supere una mala racha. Allí descubrirá una mansión que le traerá recuerdos agradables.

 
El director nos presenta una cinta de animación apta para todos los públicos, trasmitiendo ese toque melancólico que recuerda a la serie Candy, Candy, propio de los de los estudios Ghibli, más acentuado en la filmografía de Takahata que en la de Miyazaki.

 
Esta película presenta un ritmo pausado, una característica muy en la línea del cine de Extremo Oriente. Si se tratara de una obra de teatro, el primer acto sería atractivo, mientras que al segundo se le podía catalogar de decepcionante. En cambio, el tercero nos desvela una serie de detalles que sorprenden al espectador y que arroja un destello de luz después de la angustiosa, inquietante y onírica trama, pues mantiene la intriga hasta el final .

 
Este largometraje trata de dar una explicación al mundo del adolescente, coincidiendo, aunque planteado de forma distinta a la cinta de Pixar Del revés. Parece que se trata de un estudio psicológico por el modo tan certero con que se expresan los miedos y fantasmas de esa época de transición entre la infancia y la edad adulta. Los personajes secundarios están extraordinariamente bien construidos y ayudan a crecer a la protagonista, unos por la sencillez de trato; otros por la entrega desinteresada a pesar de las apariencias o aquellas personas que entran y salen de nuestras vidas, pero que, en un momento de la misma, nos ayudan a madurar. Por último, El recuerdo de Marnie puede ayudar a comprender el valor de la acogida y la importancia de sentirse queridos(publicado en Pantalla 90).

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12th Mar2016

El cuento de la princesa Kaguya

by Víctor Alvarado

kaguyaUna de los pocas producciones, que pudo hacer sombra a la gran y positiva cinta de Disney el año pasado, Big Hero 6, en la lucha por el Óscar a la Mejor Película de Animación, fue El cuento de la princesa Kaguya, que por fin se ha estrenado en España.

 
Una pareja de entrañables ancianos se encuentran a una niña diminuta y la cuidan con mimo hasta que se acaba convirtiendo en una guapa mujer, pretendida por todos, que esconde un secreto.

 
El encargado de llevar a cabo este proyecto ha sido Isao Takahata, uno de los estandartes de los estudios Ghibli junto al inolvidable Hayao Miyazaki. A este cineasta lo recordamos por un dramón de dibujos animados, llamado La tumba de las luciérnagas, así como obras maestras de la televisión como Heidi o Ana de las tejas verdes. Y si hace 2 años se despidió Miyazaki con El viento se levanta, el año pasado fue el turno de la otra estrella del anime japonés que, en teoría, se despide con El cuento de la princesa Kaguya, basada en el cuento popular del siglo IX: El cortador de bambú.

 
Sin embargo, no se engañen, el realizador de este largometraje hace un tipo de animación más apropiada para el público adulto que para el infantil. Las situaciones vividas te acaban dejando tocado, acuérdense de la serie Marco. Podemos decir que el punto luminoso de los estudios Ghibli lo pone Miyazaki, mientras que Takahata presenta un toque más pesimista. Algunos pueden pensar que la cinta se alarga innecesariamente y no les quitamos la razón porque 137 minutos nos parecen excesivos, teniendo en cuenta la parsimonia nipona. Lo que pasa es que se recrea en los paisajes, a cada cual más bonito, ya que cada plano es un cuadro que merecería una exposición.

 

 

Esta producción intenta concienciarnos de que la ambición del ser humano puede ser un obstáculo para disfrutar con las personas a las que queremos. Por otra parte, su visionado nos sugiere que la felicidad no la da la posición social, sino el saber mirar al corazón de los demás. Por último, el valor de la acogida tiene gran importancia en este relato y la escena de bella factura, donde la princesita gatea y da los primeros pasos, expresa esa idea (publicado en Páginas Digital).

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06th Mar2016

Remember

by Víctor Alvarado

remember-cartelCada vez es más difícil que una producción supere el listón a la hora de denunciar el Holocausto judío. Este año, los aficionados al cine sobre la 2ª Guerra Mundial se han topado con el estreno de dos producciones: Los hijos de Saúl, ganadora del Óscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa y el thriller Remember, que han logrado al menos igualarlo y que impactan hasta al espectador más experimentado.

 
Zev es un superviviente de los campos de concentración en Auschwitz, que perdió a toda su familia a manos de un miembro de las SS en ese lugar. Este anciano con indicios de Alzheimer, es guiado y orientado por su compañero de habitación en el asilo para asesinar al citado miembro del Partido Nazi.

 
La dirección ha corrido a cargo de Atom Egoyan, recordado por un largometraje de similares características y complementario como Ararat. Esta película mantiene la intriga hasta final con varios giros argumentales que despiertan al espectador tras un inicio perezoso. El guión es de Benjamin August y la puesta en escena es sobria y de corte clásico que va ganando enteros a medida que transcurren minutos.

 
Del elenco de actores destacamos al actor Bruno Ganz y, muy especialmente, a Christopher Plummer y a todos los veteranos que aparecen, pues demuestran que no es necesario recurrir a un sex symbol de turno para contar una inquietante historia y la veteranía puede ser un grado.

 
Esta cinta nos puede ayudar a reflexionar sobre sí la venganza es la mejor forma de hacer justicia o el perdón es la clave para lograr la paz interior. De algún modo se sugiere que, a pesar de que no queramos reconocerlo, nadie puede engañar a la voz de la conciencia. Por otra parte, nos invita a conocer y recordar, nunca mejor dicho, nuestra historia, tanto en sus luces como en sus sombras porque el que olvida su pasado, lo puede volver a repetir (publicado en Pantalla 90).

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29th Feb2016

Poveda

by Víctor Alvarado

poveda_99430Según han comentado algunos críticos de prestigio, el cine religioso parece que está experimentando un pequeño repunte y muestra de ello han sido películas como La verdad duele, protagonizada por Will Smith; Brooklyn, nominada a los Óscar, en la que esa dimensión del ser humano aparece reflejada ampliamente y, muy especialmente, la producción Poveda.

 
Se trata de un biopic que cuenta la vida del avanzado sacerdote San Pedro Poveda, pasando por los momentos más importantes, como su interesante labor en las cuevas de Guadix con los más necesitados y desfavorecidos o la fundación de la Institución Teresiana.

 
La dirección ha corrido a cargo de Pablo Moreno, un experto en el citado género. Este realizador es el autor de Un Dios prohibido, por la que obtuvo galardones importantes, entre los que destaca el Premio a la Mejor Película en el V Festival Internacional de Cine Católico, considerado como los Óscar de cine católico. Su trabajo como cineasta es excelente, sobre todo, teniendo en cuenta los escasos medios con los que ha contado. El resultado es una digna película que, de haber contado con una estrella del tirón de Mario Casas, hubiese tenido mayor seguimiento. El guión es muy sólido y está muy bien documentado, lo que ha permitido lograr el suficiente equilibrio, ya que estamos ante un drama histórico, salpicado de simpáticas situaciones cómicas que hacen más llevadero este relato cinematográfico.

 
El mayor peso interpretativo recae en Raúl Escudero, que transmite autenticidad, haciendo de un presbítero que proponía el diálogo entre la “fe y la ciencia” con el centro en la persona humana y Elena Furiase, que lejos de lo que nunca hubiese imaginado, nos ha sorprendido con una magnífica interpretación.

 
El tema principal es que nos cuenta la historia de un hombre que acepta el camino que Dios le propone, no exenta de obstáculos como las envidias dentro del seno de la Iglesia, para alcanzar el objetivo de formar a mujeres que pudieran transformar la sociedad mediante la educación. Hay que prestar atención al modo en que el protagonista en su faceta de pedagogo se enfrenta a la todopoderosa Institución Libre de Enseñanza, haciendo una serie de inteligentes y sensatas propuestas de la forma en la que un maestro cristiano puede formar y enseñar a sus alumnos con las técnicas más avanzadas, pero sin renunciar a sus principios y a la transmisión de valores evangélicos.

 

 

En cuanto a la trama que hace referencia al episodio de la Guerra Civil y, aunque se muestra la persecución por parte de simpatizantes o militantes de partidos de izquierda que lo asesinaron, el cineasta ha sido fiel al contar que para Pedro Poveda el odio y el rencor no eran la solución al problema, sino el diálogo y el perdón. No se trata por tanto de un largometraje revanchista, ya que no todos los milicianos salen mal parados.

 
No podemos olvidar la importante labor de Josefa Segovia en que ese sueño pudiera llevarse a cabo. Ella aparece como la mano derecha de un sacerdote, volcado en los pobres y, fundamentalmente, en la promoción de la mujer como instrumento de cambio con la creación de la Institución Teresiana (publicado en Páginas Digital).

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21st Feb2016

La verdad duele

by Víctor Alvarado

la-verdad-duele-imagen-1El cine deportivo no funciona demasiado bien en la taquilla española, aunque los americanos son genios en este género del que han salido obras maestras como El orgullo de los yanquis, Elegidos para la gloria o, la más reciente, El entrenador Carter. Todas ellas están basadas en hechos reales al igual que ocurre con la cinta: La verdad duele, una producción con alto contenido de cine de denuncia.

 
La dirección ha corrido a cargo del periodista Peter Landesman, conocido por ser el excelente guionista de Matar al mensajero, que está preparando una interesante película sobre el enfrentamiento entre judíos y romanos en el sitio de Masada para la productora de Ridley Scott.

 
Este cineasta ha tratado de explicar las consecuencias de la práctica del fútbol americano para la salud de deportistas profesionales en declaraciones a Fotogramas: “Un partido es espectacular, aunque no somos conscientes de lo que esos golpes y choques violentos causan en el cerebro de los deportistas. Los equipos más importantes y las corporaciones que manejan la liga profesional no querían que se hiciera esta película. Que se emita un programa en televisión tampoco les inquieta, hay otras cadenas que dan partidos y noticias y que generan muchos dólares en publicidad. Pero si haces una película con una gran estrella, entonces les entra miedo e intentan boicotearte”. En cuanto a este relato cinematográfico hay que decir que entretiene y conmueve, pero presenta algún que otro bajón de intensidad.

 
Para ello, el realizador ha contado con la indiscutible estrella Will Smith. Este actor ha sido uno de los promotores de la campaña contra los Óscar 2016 por no haber ningún negro nominado en ninguna categoría. Sin querer entrar en polémica, tanto la interpretación como la película merecerían haber corrido mejor suerte en la carrera por los Óscar. Para ser sinceros, el citado actor afroamericano se luce en cada plano. Si echamos un vistazo a todas las nominadas, choca que una película como La gran apuesta haya entrado en la lucha por los Óscar, como ocurrió el año pasado con otra película del mismo director David O Russell, como la nefasta La gran estafa americana, que parece que vive de las rentas.

 

Esta película cuenta la vida de un excelente médico, Bennet Omalu, que trata con la máxima dignidad a todos los sujetos a estudio por raro que pueda parecer, ya que se trata de un forense. Esta producción nos puede ayudar a reflexionar sobre cómo un cristiano coherente y comprometido debe actuar cuando su búsqueda de la verdad puede suponer un freno a su éxito profesional haciendo honor a la evangélica frase: “La verdad os hará libres”. Por otra parte, invita a pensar en qué puede pasar si dejamos nuestra vidas en manos de Dios para tomar decisiones importantes (publicado en Páginas digital).

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14th Feb2016

Zootrópolis

by Víctor Alvarado

zooLa factoría Disney no desaprovecha ninguna oportunidad de hacer caja, estando en todos los fregados, ya sea con historias de superhéroes; ya sea con La Guerra de las Galaxias; ya sea con Pixar o como, en este caso, con una cinta de animación que parece de transición, pero que entretiene tanto a niños como a adultos por sus dobles lecturas, supervisada por John Lasseter.

 

Cuenta la historia de una conejita que se convierte en la número uno de su promoción de la academia de policía, siendo destinada a Zootrópolis, donde tendrá que resolver un caso de múltiples desapariciones.
Está dirigida por Byron Howard y Rich Moore, autores de Enredados y Rompe Ralph, respectivamente, que hicieron numerosas investigaciones sobre el comportamiento de los animales para captar la esencia de todos ellos de lo que se deduce de sus declaraciones a Fotogramas: “Cuando volvimos de África, nuestra vida cambió. Nos inspiramos en el viaje para que nuestros personajes se sintiesen como los animales que son, y capturar lo que los hace tan increíbles”. Sin embargo, su mayor éxito fue, sin duda, Big Hero 6 (se trataba de una de la mejores producciones del tándem Disney-Marvel, permitiendo reflexionar sobre el uso de la ciencia para buenos fines, donde la ética tiene la última palabra. Por otra parte, el valor del sacrificio por los demás es otro punto a tener en cuenta y surge la pregunta de si estaríamos dispuestos a dar la vida por nuestros amigos. En tercer lugar, sería importante considerar la idea del protagonista, instigado por su hermano mayor, en la que se propone mirar los problemas desde otro ángulo cuando no se le encuentra solución).

 

Centrándonos en la producción, Zootrópolis presenta la virtud de que siempre tienes la sensación de que está pasando o va a ocurrir algo que te va a sorprender porque nos obsequia con unos cuantos giros argumentales inesperados que captan la atención del espectador. Esta producción está cargada de guiños cinematográficos a películas inolvidables como El padrino o El golpe. No obstante, aunque el argumento bebe de muchas Buddy movies, uno tiene la sensación de que lo que se ofrece es novedoso. Todos los que se acerquen a esta producción coincidirán conmigo en la memorable escena relacionada con el perezoso que trabaja en la jefatura de tráfico y que de manera genial te saca de quicio. Como dato curioso, Shakira anima esta cinta con una canción muy pegadiza.
El largometraje en cuestión, lejos de lo que pudiera parecer, transmite valores ciertamente interesantes como el de la lucha para lograr sueños que permitan abrir puertas y levantar murallas. Quizá algunos perciban en la protagonista y sus seres queridos un posicionamiento a favor de la familia tradicional, la vida y abierto a la trascendencia. Finalmente hay que prestar especial atención a la idea que se quiere trasmitir en el discurso televisado porque se habla de que la posibilidad de cambio para construir una sociedad próspera empieza por uno mismo (publicado en Diario Ya).

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07th Feb2016

El renacido (The revenant)

by Víctor Alvarado

the-revenant-imagen-1De entre los western de aventuras que se han hecho a lo largo de la historia podríamos destacar algunos de ellos como Centauros del desierto, El oro de McKenna y Las aventuras de Jeremías Johnson, protagonizado por Robert Redford con la que guarda ciertos paralelismos. La historia, que se cuenta, está basada en hechos reales y parte de la novela de Michael Punke. La vida de este hombre fue llevada a la gran pantalla por el cineasta C. Safarian, titulada El hombre de una tierra salvaje.

 
Hugh Glass es un experimentado trampero de la América profunda, que es traicionado por un miembro de su equipo. Este hombre demostrará su capacidad para resurgir de las cenizas e irá en busca del citado individuo para capturarlo.

 
Esta producción viene avalada por 12 nominaciones a los Óscar (esta es la mejor película de la temporada Hollywoodiense junto a El puente de los espías y Marte), estando dirigida por un interesante director mexicano como Alejandro González Iñarritu, autor de Babel, 21 gramos o la excesivamente valorada Birdman. Este cineasta se ha superado, haciendo un gran favor al crepuscular género del oeste y nos parece que estamos ante el mejor de sus trabajos con diferencia. El film es duro e intenso. No le deja tiempo al espectador ni para respirar a pesar de su extensión. La duración no es un problema porque se pasa en un suspiro. La fotografía es maravillosa y para conseguir ese tipo de iluminación se rodaba tres horas al día, lo que generó el consecuente agotamiento de los actores por la dureza del clima.

 
Los temas de la película son la capacidad de superación y el espíritu de venganza, pero, con matices, ya que esta frase lo dice todo: “La venganza está en manos de Dios”, con lo que podemos decir que el protagonista confía en la Providencia y se encuentra con esos pequeños ángeles que se cruzan en su camino. La luz juega un papel trascendental en los acontecimientos y está cargada de simbolismo, ofreciéndonos algunas señales del acercamiento del director al catolicismo, puesto que su filmografía, si exceptuamos su éxito del año pasado, parece que progresivamente va trasmitiendo en su obra un mensaje esperanzador que busca el encuentro onírico, en este caso, con Jesucristo, aunque podamos cuestionar las acciones del protagonista.

 

 

En el reparto destacan actores de la talla de Tom Hardy, Donhall Gleeson y un DiCaprio que vuelve a estar en la lucha por la ansiada estatuilla:- Perdóname Leo por la confianza, pero si no la consigues en esta ocasión, nunca lo lograrás. Te lo mereces (publicado en Páginas digital).

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31st Ene2016

Creed. La leyenda de Rocky

by Víctor Alvarado

creed-2015-imagenTodos hemos oído decir que segundas partes nunca fueron buenas. El caso es que esta séptima entrega deja en mal lugar a ese refrán. En nuestra modesta opinión debería entrar en el ranking de las grandes películas de boxeo de la historia en las que estarían Gentleman Jim, Kid Galahad, Nadie puede vencerme, Marcado por el odio, The fighter, Huracán Carter o Cinderrella man, todo ello sin olvidar la primera parte de Rocky y la obra en cuestión: Creed. La leyenda de Rocky.

 
En esta ocasión, este icono del pugilismo cinematográfico cuelga los guantes de boxeador, para convertirse, haciéndose querer, en el entrenador del hijo de Apollo Creed, nada más y nada menos.

 
La dirección ha corrido cargo de Ryan Coogler, que se confiesa fan del personaje y que ha sacado lo mejor de la saga, aprovechando el poso dejado por los anteriores guiones, con lo que gran parte del trabajo ya estaba hecho. Tan sólo era necesario hacer una serie de ajustes para que el engranaje de la historia funcionara a la perfección, alcanzando el notable alto. El cineasta dosifica la información y hace pequeños giros argumentales para que el espectador no pierda la atención. El único pero lo encontramos en la trama amorosa, coincidiendo con lo dicho por un crítico de prestigio, ya que lastra el magnífico relato, donde no faltan las inolvidables coreografías y la famosa escalera del museo de Filadelfia (Me encantaría subirla, escuchando su banda sonora).

 
La interpretación de Sylvester Stallone nos parece merecedora de una nominación al Óscar y nos alegraría que ganase, puesto que nos cae simpático. Sin embargo, pensamos que el actor Mark Rylance, que hacía de espía ruso en la sobresaliente El puente de los espías, tiene todas las papeletas para lograr la ansiada estatuilla. No obstante, el dato más interesante es su vuelta a la fe católica como se puede comprobar en las siguientes perlas que les mostramos de su espiritualidad: “Cuanto más voy a la iglesia y más profundizo en mi creencia en Jesús y escucho su Palabra, a la vez que dejo que su mano me guie, siento cómo me libero de mis presiones. La iglesia es el gimnasio del alma”.

 
El tema principal de este largometraje es el del valor de la acogida porque todos merecemos una oportunidad para intentar ser felices. Por otra parte, esta producción apunta la defensa de la dignidad de la persona con una certera frase de Rocky hacia su pupilo y la réplica de éste, en otro momento, animándole a que no se rinda ante la dificultad. Tampoco nos podemos olvidar de que se trata de una cinta abierta a la trascendencia en la que Balboa habla con Adrien en una escena muy fordiana en un cementerio católico que nos puede hacer reflexionar sobre el amor auténtico y verdadero (publicado en Páginas digital).

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24th Ene2016

Los odiosos ocho

by Víctor Alvarado

THE HATEFUL EIGHTAunque las películas violentas no son santo de mi devoción, a Quentin Tarantino se le perdona casi todo, ya que saca no sólo lo mejor de los actores, sino que sus historias son muy buenas, acuérdense de Pulp Fiction, Malditos bastardos o Django Desencadenado, que sirvió para lucimiento personal de Christoph Waltz.

 
Este reconocido guionista y excelente director estrena su segundo western y ha conseguido revitalizar el género con tan sólo dos películas, la primera bastante mejor que ésta segunda. Para la banda sonora ha contado con un compositor de campanillas como Ennio Morricone que, como curiosidad se trata de un comprometido católico, razón por la cual le han negado algún que otro premio de prestigio. Por otra parte, de todos es conocido el amor que profesa el citado realizador por el cine, negándose a filmar en digital, al considerar que se pierde la esencia del séptimo arte y como buen cinéfilo explicó a Fotogramas que el cine refleja el sentir de una época del siguiente modo: “En el de los años 30, todo es blanco y negro. Los de la época de Eisenhower vendían la América ideal de los 50. Luego vienen los spaghetti-western de los 60 y los hippie western de los 70, cargados de cinismo”.

 
El hecho es que no es el mejor trabajo de Tarantino, a pesar de que guarda ciertos paralelismos en su desenlace con Malditos bastardos, porque la reivindicación que se hace o porque el modo de hacer justicia de este cineasta es particularmente sangriento. Estamos ante una historia brutal con moraleja que pretende hacernos reflexionar sobre el significado de rechazar a alguien por motivo de su raza.

 
El problema de esta producción, con aroma a película del oeste italiana de estética católica que, recuerda la novela de Agatha Christie: Los ocho negritos, es su duración. Estamos ante la nada despreciable cifra de 187 minutos de reloj con diálogos interminables no siempre bien resueltos, ni demasiado brillantes. Sin embargo, existen varias escenas de humor bastante simpáticas. De todas formas, en este caso, a pesar de que hay muchos detalles que nos gustan, tenemos la impresión de que el talento se le ha subido a la cabeza o, en caso contrario, es que necesita un buen montador que hubiera hecho unos cuantos recortes, de haberlo logrado, hubiese llegado a su habitual nivel.

 
Las caracterizaciones de los actores nos parecen inmejorables y, como el propio título indica, la forma de ser de los personajes provoca un rechazo inmediato por parte del espectador. No obstante, a pesar de que Samuel L. Jackson, su actor fetiche, no está nominado a los Óscar, el repertorio de gestos y miradas lo convierte en el simbólico ganador de la estatuilla. En el reparto destacan intérpretes de la talla de Kurt Russell, Tim Roth y Jennifer Jason Leigh, nominada a los Óscar 2016 (publicado en Páginas digital).

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31st Dic2015

Macbeth

by Víctor Alvarado

macbeth-2015-cartel-6Más de diez versiones se han hecho sobre el texto de Macbeth, que se atribuye a William Shakespeare, entre las que destacan la de Roman Polanski, Orson Wells y Akira Kurosawa. El cineasta Justin Kurzel se ha atrevido a darnos su visión sobre esta célebre obra del escritor inglés. Este realizador de origen australiano ha creado una poderosa atmósfera, dándole un toque mágico que va en consonancia con la historia que se cuenta. Éste ha intentado que el lenguaje utilizado para la película no perdiera la esencia, pero que fuese entendible para un público actual, siendo esta sus declaraciones: “Hemos rodado en verso, y no es lo mismo que dar la réplica a un compañero que esté frente a uno, y actuar en el proscenio ante un público. Creo que ocurre algo cuando un actor se encuentra frente a sí mismo con la cámara que se acerca casi a tocar. Aquí no se actúa para un público numeroso, sino en un marco mucho más íntimo”. La fotografía es magnífica, ya que todo se ha rodado en exteriores, muy bien seleccionados y luminosos que contrastan con la oscuridad de los interiores que llegan a resultar claustrofóbicos. La película parece que está rodada a cámara lenta y puede terminar agotando al espectador, puesto que las casi dos horas que dura se hacen en eternas, si les somos sinceros. Ese ritmo se entiende en una obra de teatro, pero el cine debe transmitir mayor dinamismo en nuestra modesta opinión.

 
Una serie de brujas anunciarán a Macbeth que, por varias circunstancias, llegará a ser el rey de Escocia. Este hombre impulsado por el efecto de la profecía y por la influencia de su mujer comete un crimen que le permitirá acceder al trono por la vía rápida.

 
Los actores están magníficamente caracterizados y consiguen introducirte en esa época con una enorme facilidad. El tándem Fassberder/Cotillard funciona a la perfección, y aunque la trama no te resulte atractiva, hay que reconocer su esfuerzo por transmitir los sentimientos más oscuros del ser humano y por la intensidad de sus interpretaciones.

 
Uno de los temas principales de esta historia, que deja algunos hilos sin atar al igual que ocurre con el texto de Shakespeare porque no todas las tramas se entienden con nitidez, es el del daño que causa la ambición del ser humano y como, poco a poco, lo va destrozando por dentro. Nos ha parecido interesante la evolución del personaje de lady Macbeth en la sombra, que utiliza la religión para su propio beneficio, pues reza para que el delito pueda ser cometido. Llama la atención el modo en el que poco a poco va siendo consciente del error, dando muestras de su arrepentimiento, lo que nos recuerda que tenemos una conciencia que distingue entre el bien y el mal (publicado en Pantalla 90).

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20th Dic2015

Stars Wars: El despertar de la fuerza

by Víctor Alvarado

star-wars-el-despertar-de-la-fuerza-cartel-posterDesplieguen las alas y enciendan motores porque ya está engrasada la maquinaria de George Lucas, que se dispone a estrenar la tercera trilogía de La Guerra de las Galaxias, casi con toda seguridad, para sacarnos los cuartos y trasladarnos a otros mundos fuera del planeta Tierra. Todavía recuerdo con cariño la primera trilogía de esos personajes principales tan bien caracterizados como Luke Skywalker, Leia, Han Solo, Darth Vader, Obi Wan, R2 y C3-PO. La segunda trilogía fue más bien decepcionante, aunque la tercera parte no estaba del todo mal y los debates parlamentarios estaban muy logrados. De todas formas, estamos muy ilusionados en poder hablarles del proyecto titulado: Star Wars: El despertar de la fuerza y la tenemos marcada como una de las producciones que no hay que perderse en la temporada 2015/2016.

 
La dirección ha corrido a cargo de un valor seguro como J.J. Abrams. El director imprime un ritmo frenético de principio a fin, no dando casi ningún segundo de respiro, salvo para contarnos el intenso drama de los personajes de manera un tanto esquemática, todo ello salpicado con un puñado de simpáticas escenas. La pegadiza banda sonora enfatiza el tono de lo que nos vamos a encontrar unos momentos después. La mayor virtud del cineasta, en esta continuación de El retorno del Jedi, ha sido la de sacar el lado más positivo del género de aventuras, recordando a las mejores de la historia y entusiasmando tanto a adultos como a niños.

 
Por lo visto, el realizador ha tenido la inteligencia de rodearse de veteranos de lujo como Harrison Ford, Mark Hamill o Carrie Fisher y contar con un guionista bastante solvente como Lawrence Kasdan, pero sin olvidarse de estrellas necesarias para atraer a un público joven como Óscar Isaac, John Boyega o Daisy Ridley. Esta última explicó la suerte que ha tenido en que se fijaran en ella, pues antes de que la eligieran, su futuro no era muy halagüeño, ya que se había quedado en paro. Su participación nos ha encantado. El único pero que le ponemos a la interpretación, sin develarles nada, es el de la escena clave de la película que resulta muy poco convincente.

 
El tema principal de esta especie de notable cómic espacial es el de la fuerza que puede entenderse como un agudo guiño a la trascendencia; es decir, el lado luminoso de la fuerza representaría a Dios y a los valores frente al lado oscuro que representaría al mal y al Diablo. Por otra parte, puede servir para reflexionar sobre la amistad, el compañerismo y la lealtad. La necesidad del autoconocimiento tiene mucho que decir para sacar lo mejor de uno mismo, una realidad que puede permanecer oculta si no se dedica un tiempo a la meditación y a la profundización de la dimensión espiritual del ser humano (publicado en el Diario Ya).

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13th Dic2015

El puente de los espías

by Víctor Alvarado

el-puente-de-los-espias-imagen-2Después de unos años de tranquilidad, regresa el rey Midas del cine, con una nueva película histórica, tras su densa, pero interesante Lincoln. Para ello ha contado con un guión de los hermanos Coen y con un reparto encabezado por su actor fetiche, Tom Hanks, que ya participara en tres entretenidas producciones como Atrápame si puedes, La terminal y Salvar al soldado Ryan y que repite personaje en El puente de los espías. Por cierto, también participa un veterano como Alan Alda, actor que me encanta junto a intérpretes menos conocidos como Mark Rylance o Amy Ryan.

 
Se trata de una película histórica en la que se cuenta el intercambio de prisioneros entre soviéticos y estadounidenses en la frontera de las dos “Alemanias”. El espía ruso, Rudolf Abel, y el piloto americano, Francis Gary Power, que fue abatido cuando sobrevolaba territorio comunista haciendo fotografías con un avión U2. Sin embargo, lo más importante de este episodio del siglo XX es James B. Donovan, un especialista en seguros, cuya intervención fue trascendental tanto en el hecho reflejado en esta producción como en la liberación de soldados estadounidenses capturados en la Bahía de Cochinos, negociando con Fidel Castro. El citado cineasta explicó a Fotogramas que era lo que nos íbamos a encontrar sí nos acercábamos a este atractivo relato cinematográfico:”Es la historia de Donovan y Abel. Su relación tiene una lectura moral que te atrapa: son dos personas que toman decisiones basándose en lo que creen, los protagonistas de un caso real que tiene la belleza y simetría de la ficción”. Además, según desveló, tiene que ver en este hecho una visita del padre de Steven Spielberg a la RDA: “Mi padre fue a ver la exhibición de los restos del avión de Powers. Era la atracción turística del momento, como ir a visitar el mausoleo de Lenin. Cuando llevaba una hora haciendo cola, unos agentes de la KGB le pidieron el pasaporte y le sacaron de la fila. Delante de todo el mundo le señalaron como americano y le increparon. Por eso siempre he recordado esta historia”.

 
Finalmente, esta producción es un retrato, una instantánea, de un periodo muy concreto de la Guerra Fría entre dos superpotencias como las ya citadas, donde Estados Unidos defendía los valores democráticos frente al estricto régimen del Telón de Acero que privaba de libertad y se puede decir que encarceló literalmente a los habitantes de Alemania Oriental que fueron obligados a vivir en un territorio, donde ya no se sentían cómodos. El tema principal de la producción es el modo en el que un católico practicante afronta un reto, donde su coherencia es puesta a prueba. Se percibe como este hombre trata de actuar conforme a su conciencia y moral a pesar de las críticas que recibe de sus compatriotas. Se agradece que el realizador norteamericano no haya tenido prejuicios a la hora de contar una historia abierta a la trascendencia y explicar el éxito de la negociación de un cristiano comprometido. Por cierto, hay que prestar atención a la sabiduría del espía ruso por su sensatez y serenidad a la hora de afrontar una situación difícil (publicado en el Diario Ya).

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06th Dic2015

Langosta

by Víctor Alvarado

langosta-cartelA pesar de haber obtenido el Premio del Jurado en el Festival de Cannes (no sé en qué estarían pensando los miembros del jurado), Langosta es una ficción distópica, que no hay por dónde cogerla y no tiene absolutamente nada de comedia negra. Sí la idea era entretener, el objetivo no se consigue. Se ha querido que reflexionemos, pero sólo lo logra a medias.

 
El argumento gira en torno a David, un hombre separado, que es destinado a un hotel en el que se obliga a sus habitantes a emparejarse en un periodo inferior a 45 días. Las personas, que no encuentren pareja, serán transformadas en animales. Este hombre en una entrevista previa tendrá que decidir en qué animal quiere convertirse en el caso de no encontrar al amor de su vida. De ahí viene el título de la cinta en cuestión.

 
El encargado de llevar a cabo esta coproducción ha sido Yorgos Lanthimos, autor de Alps o Canino. En palabras del cineasta, esta es su película más romántica que intenta ofrecer una visión honesta de las relaciones humanas, donde no es oro, todo lo que reluce. El problema principal de esta producción es que su ritmo es monocorde y los diálogos nos parecen reiterativos y bastante simplones. El autor se recrea en las escenas morbosas y crueles que hacen los protagonistas o los secundarios, explicando que su obra es una comedia y habría que decir que sólo se escuchó una carcajada durante 128 minutos que duró este largometraje, lo que no invita a acercarse a este producto. La cara de los espectadores que salían de la sala era un auténtico poema. No nos extraña que el actor Jason Clarke abandonara el proyecto por problemas de agenda. La banda sonora es muy repetitiva y chirriante, terminando por agotar.

 
En contraposición con lo negativo, las interpretaciones de los actores son muy buenas porque no desentonan con el tono propuesto por el  realizador griego, trasmitiendo grandes dosis de frialdad. En el reparto participan actores de la talla de Collin Farrell, Rachel Weisz, Léa Seydoux o Ben Whishaw.

 
La película es una exagerada metáfora de las relaciones de pareja porque se fija en los extremos tanto los muy positivos como los excesivamente negativos de las relaciones entre un hombre y una mujer, haciendo algún que otro guiño a la ideología de género. Sugiere indirectamente la necesidad de ser libres para decidir con qué persona queremos pasar el resto de nuestra vida. Por otra parte, puede verse como una crítica a la sociedad actual en la que no se acepta que haya personas que opten por la soltería en sus diferentes “modalidades” (publicado en Pantalla 90).

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29th Nov2015

El viaje de Arlo

by Víctor Alvarado

el-viaje-de-arlo-imagen-1La letra y la música de una de las canciones de la versión española han sido compuestas por Manuel Carrasco, siendo de una gran profundidad como van a poder comprobar al igual que ocurre con la producción que estamos analizando:

 
Tú eres mis alas. Yo soy tu red.
Tú eres mi esperanza, si estoy sin fe.
Yo te sujeto en la cuerda floja. Tú a mí me salvas, si todo se ahoga (…).
Si estás perdido, yo soy tus pies.
Por el camino, te guiaré.
Tú me enseñaste que debo creer en mí y, siendo amigos, yo soy feliz.

 
Durante varios años, la productora Pixar, asociada a Disney, ha estado dormida, tratando de hacer caja con películas de escasa entidad, dirigidas a un público infantil como las dos partes de Aviones. Sin embargo, el gigante ha despertado a lo grande con Del revés y El viaje de Arlo, acercándose al nivel de tres obras maestras: Up, Wall-e o Toy Story 3.

 
La película en cuestión ha sido dirigida por Peter Sohn, que conoce el modo de trabajar de esta empresa, pues es el autor del corto: Partly Cloudy”. El viaje de Arlo se hace la siguiente pregunta: ¿Qué hubiera pasado si el asteroide que cambió para siempre la vida de la tierra hubiera esquivado el planeta de los dinosaurios gigantes y no se hubieran extinguido nunca? Por lo visto, para darle el máximo realismo a la historia, se encontró un lugar en Estados Unidos, donde incluso mirando las estrellas se podía intuir La Vía Láctea. Ese sitio estaba en el noroeste del país, concretamente, desde Juntura en Oregón hasta las regiones que rodean Jackson en Wyoming. Por otra parte, este realizador explicó en unas declaraciones las claves para entender de qué va esta historia que te hará reír, pensar e, incluso, soltar alguna que otra lágrima: “A Arlo le asusta el mundo desde el instante en que nace. Le encanta divertirse y es decidido. No se echa atrás cuando se trata de ayudar a su familia. Pero está asustado. El miedo le paraliza. Desde el principio, Spot es lo opuesto a Arlo. Es tenaz, valiente y un animal en el sentido más amplio de la palabra. Es la historia de un niño y su perro, pero en nuestra historia el niño es un dinosaurio y el perro es un niño”.

 

El largometraje invita a pensar en el modo que tienes que dejar las seguridades de los seres queridos para enfrentarnos a los problemas de este mundo y defendernos con soltura. Esta cinta guarda ciertos paralelismos con algunos clásicos muy significativos de la compañía Disney, en especial, a El rey león, por el modo en el que el padre ayuda a su hijo a crecer como persona, en este caso, como dinosaurio en una producción que elogia los valores de la familia natural/tradicional en el mejor sentido del término. Por otra parte, se trata de una historia de amistad en un western encubierto, que recuerda a los grandes clásicos del oeste, de dos personas que se necesitan y que se ponen en el lugar del otro al compartir su vida (publicado en el Diario Ya).

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